Indie Pop

Zepet presenta “Hasta Siempre y Después”, una canción sobre distancia, amor y permanencia

Zepet presenta “Hasta Siempre y Después”, una canción sobre distancia, amor y permanencia

El artista argentino Zepet, nombre artístico del cantautor, multiinstrumentista y productor Ezequiel Gurovich, presenta “Hasta Siempre y Después”, un single que marca un cambio significativo dentro de su trayectoria al convertirse en su primer lanzamiento escrito íntegramente en español. Con base en Buenos Aires y una trayectoria de colaboraciones internacionales, el músico construye en esta ocasión una canción de carácter personal a partir de una experiencia que terminó transformándose en una historia de vida compartida.

La canción tiene su origen en la relación a distancia que Zepet mantuvo con quien posteriormente se convertiría en su esposa. Mientras él vivía en Argentina y ella residía en Inglaterra, ambos atravesaron meses marcados por las pantallas y la diferencia horaria. La distancia terminó con un viaje que cambió las circunstancias de la relación y, años más tarde, con su matrimonio. Zepet escribió “Hasta Siempre y Después” para ella y decidió publicarla durante su luna de miel como un regalo personal.



La canción se mueve entre indie pop, indie rock y alt pop, con una orientación claramente melódica. Sus referencias incluyen artistas como The 1975, Bandalos Chinos y Dayglow, aunque la composición mantiene un enfoque propio centrado en la voz y en el relato de la relación.

El eje de “Hasta Siempre y Después” es la separación, pero la canción evita presentarla únicamente como una experiencia de pérdida. La ausencia aparece vinculada a los recuerdos, las canciones y la presencia emocional de la persona que se encuentra lejos. La distancia funciona así como un elemento que pone a prueba la relación, pero también como parte de la historia que conduce hacia el encuentro.

El propio título resume esa dualidad. “Hasta siempre” puede entenderse como una promesa de permanencia, mientras que “y después” introduce una mirada hacia lo que todavía está por venir. La combinación de ambas expresiones sitúa la canción entre la nostalgia por lo vivido y la expectativa de continuar construyendo una vida en común. Los elementos del indie pop se encuentran con recursos del indie rock y el alt pop para crear un marco que permite que la historia permanezca en primer plano.

Sin recurrir a una narrativa de grandes conflictos, Zepet centra el single en una experiencia cotidiana pero significativa: descubrir si una relación puede sobrevivir a la distancia y convertirse posteriormente en una vida compartida. “Hasta Siempre y Después” encuentra su identidad precisamente en esa transición, utilizando el indie pop como vehículo para hablar de amor, separación, nostalgia y la posibilidad de un futuro en común.


El pulso solitario de Juice Unlimited y la calma urbana de BLACKJACK 2

El pulso solitario de Juice Unlimited y la calma urbana de BLACKJACK 2

A lo largo de los años he aprendido que la verdadera honestidad musical no suele habitar en las grandes producciones colectivas, sino en los rincones donde un solo creador decide explorar sin pedir permiso. En esa frontera donde el rap, el indie rock, el trap y la electrónica se cruzan, emerge la figura de Juice Unlimited, un artista dispuesto a desafiar los límites tradicionales mediante un enfoque genuino y sin ataduras estilísticas.

Lo que vuelve interesante esta propuesta es la disciplina del proceso autosuficiente, ya que cada pieza es completamente original al ser escrita, producida e interpretada por una sola persona. El resultado proyecta un carácter áspero y cinemático a la vez, construyendo un lenguaje que busca golpear al oyente desde ángulos emocionales y experimentales para sostener una identidad verdaderamente singular dentro del panorama.



Dentro de este catálogo resalta la llegada de BLACKJACK 2, una composición que apuesta por una cadencia relajada apoyada en un corte moderno con sutiles matices urbanos. El elemento diferenciador aparece en su acompañamiento acústico, un detalle orgánico que genera un contraste adecuado frente a la base general y le otorga a la estructura una personalidad bastante clara y definida durante toda la pieza.

Complementando esta atmósfera, la parte vocal se despliega a través de una interpretación tirada y somnolienta que encaja con precisión en el engranaje del tema. Sin recurrir a artificios ni excesos de ornamentación, la pista logra consolidar una experiencia pausada pero atenta, confirmando que la independencia creativa sigue siendo el motor más firme para quienes buscan propuestas con sustancia.


El drama pop de Savannah Pope se despliega en Panopticon

El drama pop de Savannah Pope se despliega en Panopticon

La artista visual y cantautora afincada en Los Ángeles Savannah Pope ha construido un espacio creativo donde convergen el art rock, el pop cinematográfico y el cabaré. Reconocida por su registro de matices operísticos y sus puestas en escena, la creadora ha compartido escenario con Andy Bell de Erasure y agotado fechas en recintos como el Fonda Theatre. Su obra indaga en la identidad y la sanación de traumas a través de una marcada teatralidad.

Dentro del marco conceptual de su próximo trabajo discográfico nace el sencillo titulado Panopticon. La composición explora las secuelas del juicio ajeno sobre la propia imagen corporal y vivencias de trauma sexual, abordando la sensación de persistir bajo miradas del pasado. Inspirada por bandas sonoras, la ópera y referentes del pop barroco contemporáneo, la pieza combina una orquestación envolvente con una narrativa caracterizada por su franqueza.



En el aspecto puramente sonoro, la entrega se define como una canción pop con una atmósfera detallada que se une perfecto con la voz de la intérprete. La pista se configura como una pieza detallada e interesante en todo su recorrido, manteniendo un carácter muy dinámico y disfrutable para el oyente. La arquitectura del corte destaca por una producción muy buena que equilibra los matices instrumentales con soltura.

La ejecución vocal sostiene el dramatismo de la obra sin perder el control del espacio acústico ni saturar la mezcla general. Esta interacción entre los elementos de producción y la voz genera un marco refinado donde la intensidad lírica se expresa con total claridad. Con la presentación formal de Panopticon, la cantante Savannah Pope reafirma la firmeza de su lenguaje escénico y la precisión de su búsqueda artística.


Human Barbie presenta “Ghosted”, un retrato íntimo del desamor

Human Barbie presenta “Ghosted”, un retrato íntimo del desamor

Human Barbie, proyecto encabezado por el compositor estadounidense Chris Leopold, presenta “Ghosted”, un sencillo que se mueve entre el indie pop, el shoegaze y una estética lo-fi de marcado carácter analógico. La canción aborda una experiencia reconocible dentro de las relaciones contemporáneas: el distanciamiento repentino de una persona que, sin una explicación clara, deja de responder o desaparece emocionalmente.

Musicalmente, “Ghosted” apuesta por la contención. El tema comienza con guitarras suaves y una batería discreta, construyendo una atmósfera pausada que deja espacio para que la melodía y la voz ocupen el centro. Un sintetizador de carácter fantasmal aparece en determinados momentos y aporta una textura adicional sin alterar demasiado la estructura minimalista de la canción.



La sencillez de la producción contrasta con la presencia de su melodía principal, construida alrededor de un estribillo fácil de recordar. En lugar de recurrir a una producción expansiva o a recursos propios del pop de gran escala, Human Barbie mantiene una instrumentación más cercana al indie de carácter introspectivo. Esta elección sitúa a “Ghosted” dentro de una tradición de canciones que buscan generar impacto mediante la atmósfera, el detalle y la repetición más que mediante el exceso sonoro.

La letra parte directamente del concepto que da título al sencillo. El narrador intenta comprender cómo una relación que parecía avanzar puede transformarse de manera repentina en ausencia y desconexión. Frases como “Said you could love me / But suddenly maybe not” reflejan esa incertidumbre y funcionan como eje emocional de la canción. El tema no presenta el desamor desde una perspectiva grandilocuente, sino desde la confusión y el sentimiento de haberse perdido dentro de una situación difícil de interpretar.

“Ghosted” forma parte del trabajo de Human Barbie, un proyecto que Chris Leopold describe como una especie de “fantasía analógica”, con influencias que conectan el pop de radio, el vinilo y distintas vertientes de la música alternativa. Esta identidad también está presente en su trayectoria anterior, marcada por una producción artesanal y por una búsqueda de sonidos nostálgicos.


LA NUEVA OLA 2026 #518 | Austin McKinney, Eigenface, Lisa Michelle Anderson

LA NUEVA OLA 2026 #518 | Austin McKinney, Eigenface, Lisa Michelle Anderson

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Austin McKinney – My God! | Estados Unidos

En “Ctrl+Z”, Austin McKinney toma una de las funciones más reconocibles de la tecnología y la convierte en una ingeniosa metáfora sobre la vida. La canción parte del deseo de poder borrar una decisión equivocada y volver atrás para elegir de otra manera, explorando así el arrepentimiento y la dificultad de aceptar que algunas acciones no pueden deshacerse. Desde su propuesta pop con matices DIY y experimentales, McKinney combina una idea contemporánea con una emoción universal: la necesidad de imaginar una segunda oportunidad.


Eigenface – Slow Exposure | Nueva Zelanda

En “Slow Exposure”, Eigenface reflexiona sobre el poder de la fotografía para convertir un instante del pasado en algo que percibimos como memoria, evidencia e incluso verdad. Escrita por el bajista y vocalista Elliot Vaughan, la canción explora la relación entre imagen, percepción e interpretación, cuestionando cuánto puede realmente revelar una fotografía sobre una persona o un momento. Su temática filosófica contrasta con una propuesta musical dinámica y juguetona, impulsada por un riff contagioso que convierte una reflexión sobre el tiempo y la memoria en una experiencia ágil y envolvente.


Lisa Michelle Anderson – Spend a Little Time | Estados Unidos

“Spend a Little Time” de Lisa Michelle Anderson se sumerge en los recuerdos de un amor que dejó huella y en esas preguntas que aparecen cuando imaginamos cómo habría sido la vida tomando otras decisiones. La canción retrata una relación marcada por la generosidad emocional: querer a alguien lo suficiente como para apoyarlo en la búsqueda de sus propios sueños, aun sabiendo que ese camino puede terminar separándolos. Entre nostalgia, pérdida y aceptación, Anderson convierte la despedida en una muestra de amor profundo y recuerda que, en ocasiones, dejar ir también puede ser una forma de amar.



MYRANDAS presenta “Dale Otra Vuelta”, una fusión de ritmos latinos y sonidos globales

MYRANDAS presenta “Dale Otra Vuelta”, una fusión de ritmos latinos y sonidos globales

El dúo de pop latino MYRANDAS, formado por Kristina Miranda y Marciel Miranda, presenta “Dale Otra Vuelta”, un nuevo sencillo que continúa la exploración musical que ambos artistas han desarrollado desde su llegada a Los Ángeles. El lanzamiento combina elementos de la música latina con influencias internacionales y una producción orientada al baile.

Producida y coescrita por el productor, mezclador e ingeniero ganador del Latin Grammy Turra Medina, la canción incorpora elementos de Afrobeats y Afro-Kuduro dentro de una estructura de pop latino. La producción utiliza percusión caribeña, güiro y otros elementos rítmicos que conducen hacia un coro de mayor intensidad. El tema también incluye una sección final con trompeta que incorpora referencias al carácter festivo del merengue.



En el aspecto lírico, “Dale Otra Vuelta” aborda la resiliencia y la posibilidad de comenzar nuevamente después de atravesar situaciones difíciles. MYRANDAS resume el mensaje de la canción en la idea de que las dificultades son temporales y que los momentos complicados pueden dar paso a circunstancias más favorables. El enfoque permite que el tema mantenga un carácter optimista sin alejarse de una experiencia cotidiana reconocible.

“Dale Otra Vuelta” continúa una línea de experimentación que MYRANDAS ya había explorado en lanzamientos anteriores. El dúo comenzó su trayectoria en La Habana y posteriormente estableció su base en Los Ángeles, dos contextos que forman parte de su identidad musical. Su propuesta combina influencias latinas y caribeñas con elementos de pop y electrónica, mientras incorpora recursos provenientes de otras escenas musicales.

La colaboración con Turra Medina aporta otra dimensión a la producción. El productor ha trabajado con artistas como Carla Morrison, Sin Bandera, Fariana, Natalia Lafourcade y Jesse & Joy, y su participación en “Dale Otra Vuelta” une su experiencia en producción contemporánea con el enfoque multicultural de MYRANDAS. Su estructura está orientada al movimiento y al baile, mientras que la letra propone una lectura relacionada con la perseverancia y la recuperación frente a los obstáculos.


Tiger La Flor presenta HOLLYWOODLAND, un viaje entre nostalgia, romance y ficción

Tiger La Flor presenta HOLLYWOODLAND, un viaje entre nostalgia, romance y ficción

Tiger La Flor, artista japonesa-coreana-estadounidense de indie pop, presenta HOLLYWOODLAND, su nuevo EP publicado por Arista Records. El proyecto reúne cinco canciones y desarrolla una estética inspirada en el imaginario del Los Ángeles de las décadas de 1960 y 1970, combinando referencias cinematográficas, romance y elementos de la cultura popular estadounidense.

El EP surgió a partir de una pregunta que La Flor se planteó después de regresar a Los Ángeles desde París: qué podía encontrar de romántico en una ciudad contemporánea marcada por el tráfico y el ritmo acelerado. Su respuesta fue imaginar otra época y otro contexto, particularmente el Los Ángeles representado en películas ambientadas durante los años 60 y 70. A partir de esa idea, construyó un universo visual y musical inspirado en automóviles descapotables, carreteras californianas, moda vintage y producciones cinematográficas de aquella época.



HOLLYWOODLAND combina elementos de indie pop, rock, country, soul y música orquestal. La Flor describe su propuesta como “Laurel Canyon Western”, una mezcla que incorpora armonías inspiradas en el pop de los años 70, guitarras de estética western y arreglos de carácter cinematográfico. Las grabaciones incluyen instrumentos de cuerda y baterías registradas en cinta, dando al proyecto una producción más amplia y elaborada que trabajos anteriores de la artista.

Aunque HOLLYWOODLAND está construido alrededor de una estética ficticia, el proyecto también tiene una dimensión autobiográfica. La Flor ha explicado que el personaje que aparece en las canciones toma elementos de su propia experiencia mientras atravesaba dificultades personales y profesionales en Los Ángeles. De esta manera, la nostalgia por una época que nunca vivió funciona como un recurso creativo para hablar de situaciones presentes, particularmente del amor, la frustración y la búsqueda de una vida artística.

El proyecto continúa algunas de las inquietudes presentes en los trabajos anteriores de La Flor. Su EP see me in hell, publicado en 2024, exploraba una estética relacionada con el Hollywood clásico, mientras que Drugstore Cowgirl, de 2025, se acercó al universo de la Americana y el western. HOLLYWOODLAND combina ambos caminos en una propuesta que une la fantasía de Hollywood con elementos del country y el rock californiano.

Con HOLLYWOODLAND, Tiger La Flor construye un proyecto conceptual en el que música, imagen y narrativa funcionan de manera conjunta. El resultado combina referencias a una época idealizada de Los Ángeles con experiencias personales contemporáneas, utilizando la ficción cinematográfica como una forma de explorar relaciones, nostalgia, identidad y las contradicciones de perseguir una vida creativa.


Gooseberry explora la construcción de los mitos personales en “D.B. Cooper”

Gooseberry explora la construcción de los mitos personales en “D.B. Cooper”

Gooseberry, trío originario de Brooklyn, Nueva York, presenta “D.B. Cooper”, un sencillo que toma como punto de partida uno de los misterios criminales más conocidos de Estados Unidos para abordar un tema más amplio: la manera en que las personas construyen, modifican y transmiten sus propias historias.

La canción gira alrededor de D.B. Cooper, el hombre que en 1971 secuestró un avión comercial, obtuvo un rescate y posteriormente desapareció tras saltar en paracaídas. Sin embargo, Gooseberry no utiliza el caso únicamente como una referencia histórica, sino como una metáfora de la construcción de mitos. La banda plantea cómo ciertos relatos, cuando se repiten durante suficiente tiempo, pueden adquirir una fuerza que los separa de los hechos originales.



“D.B. Cooper” se mantiene dentro del territorio que caracteriza al trío: una combinación de rock alternativo, indie y blues. La canción presenta un carácter dinámico y juguetón que contrasta con la reflexión que plantea su letra. Esta diferencia entre forma y contenido permite que el tema funcione tanto como una pieza entretenida como una observación sobre la manera en que construimos nuestras propias versiones de la realidad.

La letra también dirige su mirada hacia la construcción de la mitología cultural estadounidense, particularmente alrededor de la generación Baby Boomer. Gooseberry menciona fenómenos y acontecimientos asociados con esa generación desde la contracultura y The Beatles hasta la Guerra de Vietnam para cuestionar, con cierto sentido del humor, cómo algunas experiencias históricas terminan adquiriendo dimensiones casi legendarias.

Formada en Brooklyn en 2019 por Asa Daniels en guitarra y voz, Evin Rossington en batería y Will Hammond en bajo, Gooseberry ha desarrollado una identidad que combina la energía del rock con elementos de indie y blues. Después de su EP debut Broken Dance y de su segundo trabajo Validate Me, la banda ha mantenido una actividad constante en directo, compartiendo escenarios tanto con artistas de la escena independiente como con proyectos de mayor alcance.


LA NUEVA OLA 2026 #507 | J. Willson, River Rojas, Sam Kanter

LA NUEVA OLA 2026 #507 | J. Willson, River Rojas, Sam Kanter

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


J. Willson – Down, Down

J. Willson es un cantautor de Atlanta que destaca por una propuesta introspectiva y orgánica inscrita en la tradición de la canción de autor estadounidense. Producido de forma artesanal en su estudio personal junto a músicos como Sean Hurley y Daniel Sadownick, su álbum debut A Cowboy Looks at 30 recurre a la sencillez instrumental para explorar el paso del tiempo, la madurez y las transiciones emocionales de la vida adulta.


River Rojas – Lovergirl

ROJAS ROJAS ROJAS es una artista mexico-británica radicada en el Reino Unido que navega entre el indie rock, el pop alternativo y la electrónica de club. Su sencillo “Lovergirl” compuesto en el piano de su madre en México y producido en Inglaterra por Jack Ducker y Aubrey Whitfield se distingue como la única pieza dream-pop dentro de su nuevo EP de cuatro cortes, ofreciendo un contraste melancólico frente a la alta energía de otros temas del proyecto (uno de los cuales ya fue utilizado en una campaña global de la marca COACH). Con influencias que entrelazan la atmósfera de Mazzy Star, el dinamismo sónico de Depeche Mode y una marcada estética de ciencia ficción de temática sapphic (WLW), la canción evoca una sonoridad cinematográfica e introspectiva, ideal para manejar al atardecer mientras se procesa la distancia y el deseo en una relación.


Sam Kanter – My Dreams | Grecia

Sam Kanter es una artista independiente afincada en Tesalónica, Grecia, que aborda la identidad, el duelo y la memoria a través del lo-fi e indie introspectivo. Su sencillo “My Dreams” es una confesión íntima y cruda sobre la culpa, el cansancio emocional y el peso de extrañar a alguien a quien ya no se puede acceder. Apoyada en una producción cálida de texturas analógicas y un enfoque bedroom-pop, la cantautora opta por la sutileza sonora para retratar el desamor nocturno sin dramatismo, logrando una atmósfera honesta y melancólica que invita al recogimiento y a la catarsis.


FKJ y Lucy Park encuentran un momento de calma en “How Much Does It Take To Shift It All”

FKJ y Lucy Park encuentran un momento de calma en “How Much Does It Take To Shift It All”

El multiinstrumentista, productor y compositor francés FKJ continúa anticipando Tyber, su próximo álbum de estudio, con “How Much Does It Take To Shift It All”, una colaboración con la cantante londinense Lucy Park. La canción se mueve por un territorio sereno y atmosférico, construido a partir de una instrumentación cálida, grooves delicados y sutiles elementos electrónicos. Sobre esta base, la voz de Lucy Park aporta un componente soul que se integra con naturalidad en el universo sonoro de FKJ. El resultado es una pieza contenida, más interesada en crear una atmósfera que en buscar un impacto inmediato.

En el plano lírico, “How Much Does It Take To Shift It All” gira alrededor del paso del tiempo, la ambición y la presión de vivir constantemente con prisa. La pregunta que plantea el título funciona como punto de partida para una reflexión sobre cuánto puede cambiar una persona o una situación y qué precio tiene intentar avanzar demasiado rápido. En lugar de convertir esa inquietud en una canción angustiosa, FKJ y Park optan por un tono contemplativo que deja espacio para la pausa.



La colaboración también encaja dentro de la amplitud estilística que FKJ está mostrando con Tyber. El álbum, previsto para el 11 de septiembre de 2026, reúne composiciones orientadas al groove, instrumentales con influencias de jazz, exploraciones sonoras y canciones de estructura más directa. “How Much Does It Take To Shift It All” ocupa un lugar particularmente introspectivo dentro del repertorio anunciado, junto a otras colaboraciones con artistas como Baby Rose, Bas, Eryn Allen Kane y Labrinth.

Uno de los aspectos más interesantes del sencillo es precisamente su economía musical. FKJ no necesita sobrecargar el arreglo para generar profundidad: los espacios entre los elementos, el pulso relajado y la interacción vocal permiten que la canción conserve una sensación de amplitud. La producción funciona como un entorno en el que la voz puede desarrollarse sin competir con la instrumentación.

How Much Does It Take To Shift It All” representa así una faceta pausada de FKJ. No busca resolver las preguntas que plantea sobre el tiempo y la necesidad de avanzar, sino crear un espacio para contemplarlas. Dentro de la anticipación de Tyber, el sencillo funciona como una pieza breve y atmosférica que combina la precisión instrumental del francés con la expresividad vocal de Lucy Park, y que apuesta por la calma como respuesta posible a un mundo cada vez más acelerado.