El dúo LMNT 115 ha irrumpido en la escena musical con un aire de misterio y magnetismo. Formado por Z y Fab, quienes prefieren ocultar sus identidades detrás de personajes animados diseñados a medida, el proyecto nació oficialmente en noviembre de 2024 con un debut que llamó la atención por su estética futurista y narrativa cinematográfica. Inspirados en el anime, la inteligencia artificial y los paisajes urbanos del cyberpunk, han creado un universo sonoro que se distingue por su carácter inmersivo.
En este nuevo capítulo aparece “Fuse”, una propuesta realizada junto a Ky Marley impregnando su sello con su voz, y el sonido que combina influencias de indie pop, dance y un toque de house. La canción se percibe como una experiencia refrescante, con un ritmo que invita al movimiento y una producción que logra equilibrar lo moderno con lo accesible. Es un tema que se sostiene en la energía de sus capas sonoras y en la capacidad de generar una atmósfera vibrante.
La visión de LMNT 115 no se limita a la música, sino que se extiende a un concepto artístico más amplio. Su nombre, tomado del Elemento 115, simboliza una fuerza creativa que los impulsa desde la infancia y que ahora se traduce en un proyecto que busca fusionar sonido e historia. En “Fuse”, esa intención se refleja en la manera en que la colaboración con Ky Marley amplía el espectro de su propuesta, reforzando la idea de un espacio donde distintos géneros convergen.
Al escuchar “Fuse”, se percibe un tema que apuesta por la frescura y la dinámica del indie pop contemporáneo, sin dejar de lado la influencia del dance y el house. La canción funciona como una muestra del camino que LMNT 115 está trazando: uno en el que la música se convierte en un puente hacia un universo narrativo propio, capaz de conectar con oyentes que buscan propuestas distintas y envolventes.
La propuesta de Blackbird, artista finlandesa que debutó en 2021 con el EP Hold Your Breath, se ha caracterizado por un sonido que fluye sin limitaciones de género. Sus canciones nacen en un estudio casero, donde la experimentación y la búsqueda constante han dado forma a un estilo único. Con sencillos como Once We Were Able to Stop the Time y I’m Your Angel Now, ha mostrado una evolución marcada por la autenticidad y por un proceso creativo que se reinventa en cada intento.
En ese recorrido aparece “Burning Heart”, una canción que se presenta como una dedicatoria al indie pop actual. Su estructura se sostiene en un toque retro que le otorga un aire de nostalgia, logrando un equilibrio entre lo contemporáneo y lo evocador. El tema no busca adornos excesivos, sino transmitir una atmósfera que conecta con quienes encuentran en la música un espacio de memoria y presente al mismo tiempo.
La historia de Blackbird también está marcada por el aprendizaje constante. En sus propias palabras, el proceso de producción ha sido un camino de ensayo y error, donde cada sesión en el estudio significaba comenzar de nuevo. Esa insistencia en perfeccionar el sonido se refleja en “Burning Heart”, que muestra una madurez en la composición y en la manera de construir atmósferas que se sienten cercanas y al mismo tiempo universales.
Al escuchar “Burning Heart”, se percibe un indie pop que se abre hacia lo retro sin perder frescura. La canción invita a sumergirse en un espacio sonoro que evoca recuerdos, pero que también se siente vigente en el presente. En esa mezcla de nostalgia y modernidad, Blackbird reafirma su capacidad de crear propuestas que dialogan con el tiempo, ofreciendo música que se sostiene en la honestidad de su proceso creativo.
Después de varios años de silencio, introspección y redefinición artística, Carlos Marco, exintegrante del grupo AURYN, vuelve a la música como solista con “SUPERFICIAL”, un tema de pop electrónico que marca el inicio de una etapa más madura y emocional en su trayectoria. Este nuevo sencillo refleja un sonido contemporáneo, fusionando elementos de Synthwave e Indie Pop, y por primera vez el artista canta íntegramente en español, acercando aún más la emoción al público.
“SUPERFICIAL” es una reflexión directa sobre las relaciones actuales: conexiones rápidas, intensidad pasajera y vínculos que rara vez profundizan. La canción aborda el miedo a mostrarse tal cual se es, la prisa y el desapego emocional, enfrentándose al deseo de una conexión auténtica que el protagonista no logra encontrar. Compuesta junto a Tony Sánchez-Ohlsson y producida por Alba Reig (Sweet California), la canción combina melancolía y energía, con un pulso nostálgico pero contemporáneo que sitúa a Carlos en un territorio sonoro renovado.
El videoclip del tema refuerza la metáfora central de esta nueva etapa: romper el hielo, tanto profesional como emocionalmente. Carlos aparece atrapado en un universo congelado, intentando conectar con alguien que parece inaccesible, reflejando su propio proceso personal y artístico.
Tunacola continúa expandiendo el universo de La Casa Iluminada con el lanzamiento de “Día 440 – Tepoztlán”, el sexto sencillo de su quinto álbum y, al mismo tiempo, una nueva jugada dentro de un ambicioso proyecto que une música y juego de mesa. Bajo este concepto, Ricardo Luna alias Tunacolaconvierte el proceso creativo en una experiencia lúdica: cada canción nace a partir de reglas, restricciones e instrucciones definidas por un tablero, dados y casilleros que marcan el rumbo de la composición y la producción.
El título no es casual. Día 440 señala el momento exacto del recorrido desde el inicio del juego, el día 0, una travesía que se extenderá hasta el día 1835, completando cinco años de creación continua. Cada lanzamiento funciona como una entrada de diario musical, y Tepoztlán se presenta como una postal emocional dentro de ese viaje prolongado y consciente.
En lo sonoro, la canción recupera la faceta más cálida y pop de Tunacola. Entre sintetizadores envolventes, un delicado cuarteto de cuerdas, baterías interpretadas por el propio Richi y guitarras a cargo de Matías Tigre, Día 440 – Tepoztlán construye un paisaje nostálgico que acompaña una reflexión íntima: crecer, dejar atrás etapas y aceptar que el espíritu salvaje de la juventud ya no se manifiesta igual, aunque su aullido siga resonando en algún rincón interno.
La letra y la atmósfera invitan a mirar hacia atrás sin caer en la melancolía paralizante, entendiendo el paso del tiempo como una transformación inevitable. Esa mezcla de añoranza y serenidad convierte a la canción en uno de los momentos más emotivos del proyecto hasta ahora.
Paralelamente, La Casa Iluminada continúa desarrollándose también como objeto físico. El juego de mesa está siendo diseñado por Edu Leblanc para su futura presentación al público, con la intención de que músicos, aficionados y curiosos puedan experimentar de primera mano esta forma alternativa de creación.
Stolen Nova regresa con fuerza con “Dancing With A Ghost”, un himno indie sleaze que marca el inicio de una etapa en su trayectoria. Tras un debut en una fiesta de Paris Fashion Week, el proyecto liderado por Josh Landau confirma su lore como uno de los nombres más magnéticos del cruce entre música, moda y cultura contemporánea.
La canción combina un espíritu rock ’n’ roll visceral con guitarras de inspiración Prince, groove hipnótico y una energía diseñada para mover cualquier habitación. Dancing With A Ghost habla del deseo de que la noche no termine, no por euforia sino por miedo a lo que viene después: la soledad cuando se encienden las luces, la negación ante relaciones tóxicas y la necesidad de seguir bailando para no enfrentar el vacío. Una tensión emocional que se traduce en un tema tan hedonista como melancólico.
El propio Stolen Nova recuerda su estreno en París como un momento revelador: un último coro cantado a gritos por desconocidos, sin micrófono, en una comunión espontánea que encapsula el espíritu del track. Ese instante resume la esencia del proyecto: conexión inmediata, catarsis colectiva y una estética donde el exceso y la vulnerabilidad conviven.
Con raíces en Los Ángeles y una fuerte presencia en Londres, Stolen Nova es el punto de encuentro entre la crudeza de la cultura skate californiana alimentada por la mitología de Dogtown, el olor a cera de surf y el feedback de los amplificadores y el glamour art-school británico. Una identidad híbrida que le ha permitido captar la atención de tastemakers a ambos lados del Atlántico sin perder autenticidad.
Con “Dancing With A Ghost”, Stolen Nova entrega un himno para la pista de baile, asi como un retrato honesto de la contradicción emocional contemporánea: bailar con los fantasmas para no quedarse a solas con ellos.
El productor y compositor radicado en Rotterdam som som regresa con “Rapture”, un single que convierte la angustia existencial en una experiencia catártica y bailable. Entre el indie disco, el alt-dance y el pop hipnagógico, la canción funciona como un escape luminoso en medio de un mundo que parece debatirse constantemente entre el colapso y la rutina.
“Rapture” explora la idea de nuestra supuesta inmortalidad, la negación del fin y esa elección casi inconsciente de vivir el presente incluso cuando el futuro se siente incierto. Con una base rítmica envolvente y texturas soñadoras, el tema captura una sensación muy propia de estos tiempos: no saber si estamos ante el fin del mundo o simplemente frente a otro viernes por la noche. En cualquier caso, som som propone una respuesta clara: bailar a través del caos.
El single entre euforia y melancolía, sintetizadores difusos, grooves hipnóticos y una producción cuidada construyen un paisaje que invita tanto a la pista de baile como a la introspección nocturna.
Como artista, som som se ha caracterizado por crear música indie introspectiva y pegajosa, donde las atmósferas etéreas se combinan con una narrativa emocional honesta. Su proyecto avanza constantemente empujando los límites del indie pop, incorporando elementos del rock alternativo y la electrónica sin perder una identidad personal muy marcada.
La cantante y compositora canadiense Sara Diamond, cuatro veces nominada al GRAMMY, atraviesa uno de los momentos más significativos de su carrera con el lanzamiento de “Mother”, una canción íntima y profundamente humana que ha conectado con audiencias del mundo.
El origen del tema es tan honesto como su resultado final. A finales del mes pasado, Sara comenzó a escribir “Mother” con una intención clara: crear algo completamente verdadero. Sin filtros ni artificios. Durante el proceso, compartió fragmentos en bruto en TikTok e Instagram, sin imaginar el impacto que tendrían. En cuestión de días, los clips superaron más de 1.2 millones de reproducciones en Instagram y 500 mil en TikTok, confirmando que la canción estaba tocando una fibra profunda.
Impulsada por esa respuesta, Sara terminó la canción ese mismo fin de semana. El resultado es una pieza despojada y emocionalmente arrolladora, construida sobre un piano contundente y una producción sutil que deja espacio absoluto a su voz. En “Mother”, Sara canta sobre la fuerza heredada entre generaciones de mujeres, los sacrificios silenciosos, la memoria y la libertad. Es una especie de promesa: vivir de una manera que honre la lucha y la fe de quienes vinieron antes.
A nivel interpretativo, su voz suena firme, contenida y, al mismo tiempo, profundamente vulnerable. No hay excesos ni dramatismos forzados: cada nota parece nacer desde la necesidad real de decir algo importante.
Tras el lanzamiento, Sara compartió un mensaje que resume el espíritu de “Mother”: “Estoy increíblemente conmovida por la reacción a ‘Mother’… sus comentarios y videos me han hecho llorar lágrimas de dolor y de alegría al mismo tiempo. La música tiene el poder de sanar, y es un honor que algo que pude canalizar haya tenido este impacto en ustedes.”
“Mother” es una declaración artística, un acto de memoria y una muestra clara del poder que tiene la música cuando nace desde la verdad. Una pieza que no se escucha únicamente con los oídos, sino con la historia personal de cada quien.
La carrera de Savanna Leigh, cantautora independiente de Nashville, se ha caracterizado por un enfoque íntimo y emocional en cada una de sus composiciones. Con apenas 25 años, ha logrado construir un espacio propio dentro del indie pop, donde la vulnerabilidad y la búsqueda personal se convierten en materia prima para sus canciones. Su música, marcada por melodías delicadas y letras confesionales, conecta con quienes encuentran difícil expresar lo que sienten.
En este contexto aparece “nothing yet”, una propuesta que se sostiene en un ritmo tranquilo y en influencias claras del pop tradicional. La voz refinada de Leigh se convierte en el eje central de la canción, atrapando al oyente con naturalidad y sin necesidad de artificios. El tema se presenta como una experiencia sonora accesible, capaz de transmitir cercanía y al mismo tiempo mantener un aire elegante.
La trayectoria de Savanna Leigh incluye colaboraciones y presentaciones junto a artistas como Jonah Marias y Ashley Kutcher, además de giras con su proyecto reminders of you. Estos escenarios han reforzado su capacidad para generar una conexión directa con el público, algo que también se percibe en “nothing yet”. La canción refleja esa intención de crear momentos íntimos, donde la música habla más fuerte que las palabras.
Al escuchar “nothing yet”, se percibe un equilibrio entre sencillez y sensibilidad. La pieza no busca sorprender con complejidad, sino con la claridad de su atmósfera y la fuerza de una voz que transmite emociones con precisión. En esa mezcla de pop tradicional y un estilo indie contemporáneo, Savanna Leigh reafirma su lugar como una artista que sabe transformar lo personal en un sonido que atrapa y permanece.
Detrás de Baydream hay un universo creativo en constante expansión, donde la música funciona como un reflejo de emociones, sueños y mundos imaginarios. Originario de Hamburgo, el proyecto nació de la necesidad de explorar lo etéreo y lo introspectivo, fusionando influencias de indie, dream pop, electrónica y post-punk para crear un sonido que trasciende géneros.
El proyecto regresa con su más reciente lanzamiento: el EP Tragic Magic. Con este trabajo, el artista continúa explorando los límites del indie contemporáneo, fusionando géneros y construyendo un sonido que es a la vez introspectivo y envolvente.
Tragic Magic combina melodías etéreas con ritmos experimentales, creando un viaje que alterna entre momentos de introspección y explosiones de energía. Cada pista está cuidadosamente elaborada para sumergir al oyente en un universo sonoro donde coexisten el indie rock, el dream pop y elementos electrónicos, acompañados de letras que reflexionan sobre la complejidad de las emociones humanas.
El Track x Track de Tragic Magic
Insomnia
Insomnia abre el EP con una atmósfera delicada y minimalista, combinando sintetizadores dreamy y atmosfericos con percusiones digitales que simulan la sensación de vigilia constante. La producción juega con capas de texturas electrónicas y guitarras ambientales, mientras la voz principal transmite una sensación de quietud y somnolencia, estableciendo el tono melancólico y reflexivo del EP, con una paleta de sonido muy clasicos de dream pop y bedroom pop el proyecto nos adentra poco a poco en su mundo.
A Rose from the Dead
El segundo track continúa con sintetizadores etéreos que evocan dramatismo y elegancia. La canción equilibra momentos de delicadeza con bajeos que colorean y dan movimiento al track, mientras las letras sugieren nostalgia y tensión entre lo perdido y lo recuperado.El EP tiene un tinte muy digital, perfecto para los amantes del Lo-Fi y los sonidos caseros.
Thunder | So Gone
Thunder | So Gone nos mantiene en la misma linea que canciones anteriores, drums digitales, guitarras atmosfericas y una voz con tesitura grave, que va evolucionando a traves de melodias dulces en los sintetizadores.
Hollywood
¡Con Hollywood tenemos justo algo diferente! y que estabamos esperando, con un enfoque mas atmosférico, los sintetizadores brillantes y ritmos marcados que evocan luna calma muy interesante dentro de la industria del entretenimiento. La producción nos acerca a una voz con un tunning diferente en la voz, que especificamente en este track nos encanta por ser sutil y alejarse de las cacniones anteriores, hasta ahora nuestro track favorito del disco.
Loot All
El siguiente track apuesta por un sonido más rítmico y energetico sin romper la taciturnidad del EP, con un groove marcado y elementos mas guitarreros logran generar tensión y movimiento. Las líneas vocales juegan con cadencias irregulares, mientras los arreglos nos hacen mover la cabeza ligeramente en una atmosfera super eterea.
Luise
Llegando casi al final del EP Luise adopta un tono más íntimo y melódico, con guitarras suaves, sintetizadores envolventes y una atmósfera nostálgica que invita a perdernos en melodias dulces y juguetonas. La canción resalta la vulnerabilidad del relato lírico, con vocalizaciones delicadas que transmiten cercanía y sensibilidad.
Islands
Islands cierra el EP con un enfoque en el groove, combinando paisajes sonoros abiertos. La instrumentación es gradual y texturizada permite que la voz principal emerja con claridad en lo etereo, mientras la estructura musical y los arreglos finales refuerzan el sonido y conclusión para la personalidad sonora de Tragic Magic.
El EP abre con temas que capturan la esencia melancólica de Baydream, con capas de sintetizadores y guitarras que fluyen sobre percusiones digitales y groovies, mientras que los tracks centrales muestran la versatilidad del proyecto, mezclando sintetizadores pegajosos con atmósferas dreamy.
Con Tragic Magic, Baydream ofrece un trabajo que es tanto experimental como accesible, y que promete seguir expandiendo su universo creativo en cada lanzamiento.
La artista estadounidense Gerina presenta su nuevo sencillo Tú No Lo Ves, una balada de pop latino que fusiona delicadamente elementos de pop-rock y R&B, creando un espacio íntimo donde la emoción y la narración se entrelazan. La canción explora el dolor y la frustración del amor no correspondido, centrado en la experiencia de sentirse invisible para alguien cercano, convirtiendo un sentimiento común en una expresión musical sincera y conmovedora.
Con una percusión discreta y progresiones armónicas suaves, la producción permite que la voz de Gerina se convierta en el eje principal de la canción, transmitiendo vulnerabilidad y sinceridad sin sacrificar claridad tonal. Su interpretación revela la tensión entre orgullo y deseo, mientras el arreglo crece de manera progresiva hasta alcanzar momentos de gran intensidad emocional, construyendo un clímax íntimo que conecta profundamente con el oyente.
El sencillo no solo destaca por su composición cuidadosa, sino también por el enfoque autoral de Gerina, quien combina su herencia multicultural y dominio de varios idiomas para enriquecer la narrativa de la canción. Tú No Lo Ves consolida a Gerina como una voz emergente en la escena del pop latino, capaz de transformar sentimientos personales en melodías universales que resuenan con jóvenes y adultos por igual.
Con este lanzamiento, Gerina demuestra que el pop latino contemporáneo puede ser introspectivo y auténtico, abordando temas de amor y vulnerabilidad con sensibilidad y precisión, reafirmando su lugar como una artista que combina talento compositivo con un enfoque emocional único.
