Hay algo en la música de Bastoun que parece venir directamente de las montañas suizas donde creció, un eco natural que se filtra entre melodías y letras. Su EP “L’arbre des couleurs” refleja ese espíritu de conexión entre paisaje y emoción, un trabajo donde cada tema se siente como un pequeño universo. Con la producción de Yilian Cañizares, el disco muestra una madurez artística que combina raíces acústicas con un toque contemporáneo, logrando mantener siempre una identidad cálida y sincera.
Comenzamos con “L’arbre des couleurs”, la segunda canción del EP y también la que le da nombre. Su tono alegre convive con una ligera nostalgia, mientras las guitarras y percusiones se entrelazan de manera natural. Hay en su instrumental una sensación de equilibrio: cada elemento ocupa su espacio sin sobresalir, dejando que la voz conduzca el relato con suavidad. Es una pieza que invita a mirar hacia dentro, sin caer en la melancolía.
Continuamos con “EN FLEUR”, una canción que parece flotar en su propio ritmo, casi hipnótico. La voz de Bastoun se fusiona con ese sonido indie-acústico, creando una atmósfera tranquila y envolvente. No hay artificios, solo un fluir constante entre melodía y emoción. Su estructura sencilla permite que la interpretación destaque, logrando una conexión inmediata con quien escucha, como si cada nota respirara calma y cercanía.
Cerramos con “Réexister”, un tema lanzado hace cuatro años pero que encaja perfectamente dentro de su universo sonoro. Es una canción de espíritu optimista, con una base instrumental sólida que mezcla ritmo y claridad. Bastoun demuestra aquí su capacidad para construir piezas que, aun en su aparente sencillez, transmiten energía y autenticidad. Escucharla es entender que su música no busca deslumbrar, sino permanecer.
Pocos grupos pueden presumir de una trayectoria tan ecléctica como Club 8. Este dúo sueco, formado por Karolina Komstedt y Johan Angergård, un dúo ya conocido en nuestro blog ha sido un pilar de la escena indie pop desde los años 90. Su carrera no ha sido una línea recta, sino una exploración constante que los ha llevado desde el pop sencillo hasta incursiones en la electrónica y ritmos africanos, demostrando una notable inquietud creativa.
Ahora nos presentan “Your Modern Heart”, una pieza que parece destilar su sonido a lo esencial. La canción se aleja de la saturación y apuesta por paisajes sonoros limpios. La instrumentalización se mantiene sencilla, cediendo el protagonismo a la voz. Esta se presenta suave, un tanto airosa, pero cargada de un estilo que define la atmósfera de este indie pop reposado.
Este enfoque no es del todo nuevo, sino que conecta con sus raíces de los años 90. Aunque Club 8 ha experimentado con el dance en The Friend I Once Had o el synth-pop en Pleasure, siempre han mantenido un núcleo de calidez. “Your Modern Heart” parece ser un retorno a esa dulzura fundamental, dejando de lado los adornos para enfocarse en la melodía pura.
La longevidad del dúo se explica por esta capacidad de mutar sin perder su identidad central. Tras su regreso en 2024 con un sonido noise pop, esta nueva entrega demuestra su flexibilidad. Your Modern Heart es una propuesta que no necesita estridencias para hacerse notar, confiando en la estructura y en una voz que sabe cómo habitar el espacio que le otorgan.
El nombre Kai Tak no es aleatorio; es una declaración de intenciones. Este colectivo de Los Ángeles, liderado por el productor Chris King, toma su nombre del antiguo aeropuerto de Hong Kong, famoso por su compleja aproximación entre rascacielos. Esa misma sensación de tensión y atmósfera define el proyecto, concebido como un homenaje a la ciudad, tanto la real como la retratada en el cine de Wong Kar-wai.
Esta visión se materializa en Until We Leave From Here (Redux), un tema realizado en colaboración con Chelsey Boy. La canción presenta una estructura deliberadamente compleja, donde ciertos instrumentos aportan un matiz oriental que contrasta con la modernidad de sus efectos y sintetizadores. La propuesta se mueve entre el downtempo y el synthpop, guiada por una parte vocal interesante que cohesiona la mezcla.
El método de trabajo de Kai Tak se basa en la colaboración, invitando a diferentes artistas a aportar sus perspectivas únicas. El sonido general del colectivo se nutre del shoegaze, el trip-hop y la electrónica para esculpir paisajes sonoros melancólicos. El objetivo es claro: crear la banda sonora para un paseo por los callejones inquietos de esa ciudad de neón.
Until We Leave From Here (Redux) encapsula esta estética. No es una canción de escucha simple, sino una pieza que se beneficia de la atención a sus capas. Es un paisaje sonoro brumoso, donde la influencia del indie pop se mezcla con texturas densas, reflejando la reminiscencia paradójica que el proyecto busca capturar tanto en su música como en su arte visual.
Estella Dawn, nacida en Nueva Zelanda y radicada en San Diego, es una cantante, compositora, productora y multiinstrumentista que fusiona pop, soul, hip-hop y rock. Cada tema de Estella es una ventana a sus emociones más auténticas, desde el desamor y la pérdida hasta la resiliencia y la búsqueda de identidad, plasmando sus vivencias en canciones que combinan poesía y confesión.
Su más reciente sencillo, “Conversations”, es una balada pop introspectiva, construida más como un poema sonoro que como una canción tradicional, donde el piano y las armonías etéreas acompañan letras que exploran el amor desigual, la autoafirmación y la necesidad de soltar lo que no corresponde a un afecto genuino. La canción es un reflejo de su capacidad para transformar la vulnerabilidad en arte, conectando profundamente con quienes han experimentado emociones complejas y universales.
Independiente y versátil, Estella Dawn combina producción, composición y voz con un estilo que se siente personal, honesto y original. Más allá de la música, su autenticidad y cercanía con los oyentes la convierten en una artista que no solo crea canciones, sino experiencias emocionales que invitan a sentir, reflexionar y empoderarse.
Avalon Annaliese Rose Baker, conocida simplemente como Avalon, toma su nombre de la mítica Isla de Avalon, un lugar de magia y sanación que refleja perfectamente su espíritu artístico. Nacida y criada en Los Ángeles, Avalon es cantante, compositora y productora, y su música captura un amplio espectro de emociones humanas: el desamor, la resiliencia y la belleza efímera de los momentos cotidianos.
Su más reciente sencillo, “sydney”, es una emotiva canción de alt-pop que combina delicadas líneas de piano, suaves capas de cuerdas, armonías etéreas y percusión sutil. El tema aborda la dificultad de despedirse o lamentar a alguien que aún está vivo, un sentimiento doloroso que Avalon transforma en una experiencia musical conmovedora y profundamente personal.
La artista comparte la historia detrás de la canción: “Escribí ‘sydney’ sobre mi amiga de la infancia. Nos conocimos en el jardín de niños y fuimos inseparables durante 11 años. De repente, nuestra amistad terminó y, siendo una adolescente de 16 años, no sabía cómo procesar esa pérdida tan significativa. Evité mis sentimientos. Años más tarde, en un momento difícil, empecé a llorarla. Conducía frente a su casa y me disculpaba con nadie, sintiéndome muy avergonzada. Para liberar esa culpa, me senté al piano y canté: ‘I drove past your house, crying’, y así nació el primer verso. Su nombre es realmente Sydney, y sé lo vulnerable que eso me hace, pero la libertad creativa y emocional exige vulnerabilidad”.
Avalon describe “sydney” como un tiempo cápsula de sus emociones, así como una carta de amor, una disculpa y un adiós pendiente a alguien que siempre llevará en su corazón. La canción refleja la autenticidad que caracteriza a Avalon, convirtiéndose en un recordatorio de que sentir profundamente, incluso cuando duele, es parte de la belleza de ser humano: “Creo que el dolor hace florecer las flores más hermosas”.
Con “sydney”, Avalon combina honestidad emocional, producción elegante y una sensibilidad lírica que conecta con la experiencia humana de manera única. Más allá de la música, Avalon se interesa por la fotografía cinematográfica y la filantropía, manteniendo siempre un vínculo cercano con sus seguidores.
Stinkus emerge como una bocanada de aire fresco para el productor y compositor Tyler Thompson, el nombre Stinkus surgió de una broma personal, un apodo que evolucionó de “Tink” a “Tinkus” hasta convertirse en el alias con el que Tyler decidió firmar su obra más auténtica. “Quería algo que no sonara serio, algo que me recordara que esto debía ser divertido”, comenta.
Tras años en el mundo del pop y la producción comercial, Thompson atravesó una ruptura que lo empujó a reinventarse. Así nació 23, su álbum debut, un trabajo visceral y profundamente introspectivo que explora la pérdida, la ansiedad y la libertad emocional con una mezcla de grunge, dream pop y lo-fi.
Grabado en solitario, el disco se siente como un diario abierto, lleno de texturas imperfectas y momentos de pura vulnerabilidad. La prensa lo describió como “una obra cálida, liberadora y sorprendentemente relevante”, destacando su capacidad para convertir el caos interno en algo luminoso.
Para su siguiente etapa, Stinkus decidió aislarse en una cabaña en el norte de Michigan, donde durante dos semanas grabó su nuevo material, incluyendo los sencillos “Holy Virgin” y “Plastic Blue.” En ese entorno silencioso, entre frío, árboles y equipos análogos, encontró el espacio perfecto para seguir experimentando con sonidos y estados de ánimo.
Influenciado por artistas como Alex G, Pinegrove y MJ Lenderman, Stinkus crea un universo sonoro donde las guitarras desafinadas, los coros saturados y los arreglos inesperados conviven con una sensibilidad melódica casi pop. El resultado es una música que suena íntima pero expansiva, imperfecta pero llena de verdad.
“Soy bipolar y tengo TOC, así que mi gusto cambia constantemente”, dice Tyler. “Pero grabar todo en el mismo lugar hace que, aunque las canciones sean distintas, se sientan conectadas. Son distintos estados de ánimo, pero el mismo yo.”
El Track x Track de “I love you, trackstar”
1. “Plastic Blue”
Este arranque abre el álbum con energía ansiosa y una mezcla ecléctica que combina bedroom-pop, indie electrónico y una vibra casi caótica de grunge suave. Desde la primera línea “painting my nails the colour of recycling bin” se percibe la ironía y el detalle cotidiano elevado a metáfora. La producción, realizada en la cabaña de Michigan, aprovecha el entorno aislado para dar una textura cruda pero pulida al mismo tiempo: guitarras que crujen, sintetizadores que emergen como ráfagas, coros que se elevan a un clímax casi frenético. En el álbum sirve como declaración de intenciones: Stinkus no teme mezclar lo íntimo con lo épico, a la vez que nos sorprende por la evolución del sonido del proyecto respecto a su anterior disco.
2. “Falling in Love” ft. Ocean LeClair
La colaboración con Ocean LeClair introduce una dinámica distinta: aquí hay apertura, vulnerabilidad y melodía más clara. La voz invitada aporta un contrapunto al tono algo nervioso de Stinkus, permitiendo que la canción respire y se extienda en direcciones soñadoras. La letra explora el tropiezo de enamorarse mientras uno se debate con sus propias dudas y patrones: ese momento de desprenderse de defensas, dejar que alguien entre, pero sin perder el pulso de uno mismo. Sonoramente, se equilibra entre sintetizadores suaves y guitarras ligeras, apuntaladas por un ritmo que avanza con determinación sin renunciar a momentos de pausa reflexiva. En el contexto del disco aparece como el primer gran “respiro” emocional tras la euforia de “Plastic Blue”.
3. “Only When It Comes to You, I Guess”
Con un título que suena casi confesional, esta pista profundiza en el territorio de la auto-observación: ¿Cuándo realmente entregas tu corazón? ¿Solo cuando la circunstancia lo exige? al final sugiere duda, vacilación. La música acompaña ese estado con acordes que se deslizan lentos, una atmósfera ligeramente etérea, y un tempo algo más moderado que las canciones anteriores completamente sumergido en el Bedroom Pop. Las guitarras pueden sonar un tanto distantes, los planos vocales cercanos, generando intimidad. En el álbum funciona como el puente entre la emoción externa y la introspección, un momento para mirar hacia dentro, ponderar lo que se siente y lo que se dice.
4. “Casino”
“Casino” con una base rítmica más marcada, un pulso que poco a poco va explotando, los sonidos de los platillos y elementos acusticos marcas esta sensación organica que nos encanta. En esta canción Stinkus parece hablar de relaciones, expectativas y pérdidas. La producción mantiene esa estética cruda-refinada: un poco de distorsión, un poco de clara melodía pop, y un ambiente que sugiere salir al filo.
5. “Curiously Intent, (Underdog)”
Este título sugiere curiosidad y propósito, mezcla rara que implica observar y actuar al mismo tiempo. La pista se sumerge en ese deseo de entender al otro o entenderse a uno mismo, sonoramente Stinkus nos sumerge en capas de guitarras acusticas y un ambiente ligeramente reverberado, quizás momentos instrumentales que se extienden. En el marco del álbum, “Curiously Intent” puede servir como el momento de transición medio, donde la energía alta baja un poco para dar paso a una exploración más intensa, preparando el terreno para las canciones que siguen.
6. “I Love You Trackstar”
El tema que le da nombre al álbum representa probablemente el núcleo conceptual de la obra. Un “trackstar” podría referirse a alguien que navega por pistas (musicales, emocionales), que corre, que brilla, quizá alguien que arriesga. “I Love You Trackstar” suena como declaración, como reconocimiento a ese tipo de persona o a ese impulso interno. La canción juega con nuevos elementos, como los son sintetizadores super brillantes, voces procesadas con capas de filtros y una sensación pop que nos encanta. Aquí Stinkus une su deseo de libertad creativa con la emoción cruda del amor, de bien o mal, de arriesgarse. En el álbum aparece en un lugar estratégico: después de haber explorado distintas facetas, este es el momento de reunirlas y presentarlas en un solo pulso.
7. “Still (Interlude)”
El interludio funciona como pausa, como respiro. Tras la canción título, esta pieza nos da remembranza a un sonido lleno de guitarras, con arreglos que facilmente pudiecen venir en el clasico album de American Footbol. La canción sirve para conectar la primera mitad del álbum con la segunda, recalibrar la atención y preparar el terreno para los temas que vendrán.
8. “Holy Virgin”
Uno de los sencillos destacados del álbum: mezcla de dream pop con indie rock, inspiración de sus paseos por el vecindario mientras caminaba al perro, y la sensación de observar la vida cotidiana con ojos emocionales. La canción combina melodía luminosa con letras que tocan lo introspectivo: reflexionar sobre la inocencia o el renacer (“virgin” en el sentido simbólico), sobre la pureza de la experiencia antes de los filtros. Musicalmente, se apoya en sintetizadores, guitarras limpias, quizá coros etéreos. En el flujo del álbum, “Holy Virgin” representa la parte más accesible, quizá la más “hit-potencial”, pero sin perder la autenticidad que define a Stinkus.
9. “Bleeding Orange”
El título sugiere vulnerabilidad (bleeding) y al mismo tiempo un color que puede evocar atardeceres, calor, emoción. Esta canción nos lleva a un memoemnto de nostalgia, entre guitarras acusticas y esta doble voices que nos encanta del artista, con melodias agiles y una letra que poco a poco va pasando de lo nostalgico e intimo a una explosión de energia con un coro super pegajoso pero con la sensibilidad de un atardecer.
10. “Take That What You Want” ft. Lophiile
La colaboración con Lophiile trae otro color al álbum: un crossover entre el indie rock de Stinkus y las texturas electro urbanas de Lophiile. Musicalmente la canción nos sorprende con guitarras mas agresivas pero que son muy bien dijeridas en la canción y estilo de Stinkus, ofreciendo una expansión que ayuda a que el álbum no quede encerrado en un solo tono pero que tampoco pierde el sonido que venia construyendo. La letra sugiere permisividad (“toma lo que quieres”), quizá como un acto de liberación.
11. “Wide Eyed”
En este tramo del álbum, “Wide Eyed” enfoca la mirada hacia adelante, hacia lo que viene, quizá mezclando melancolía y esperanza. Sonoramente un tono mas sereno, el rasgeo de guitarras atmosféricas, voces suaves, y un pulso rítmico mas tranquilamente moderado, la canción representa el “amanecer” tras la tormenta: ves el mundo de nuevo, ojos abiertos.
12. “Coming to an End”
Llega el arco de cierre del disco la canción nos presenta riffs arriesgados, que van de los distorsionado a lo suave de una manera muy llevadera, los golpes de bateria marcan un groove interesante, mientras la voz toma un tona mas relajado y hablado, que le da su propia personalidad a la canción, para el final de la canción los ostinatos vocales y ell aumento en el BPM dan una sensación de crecimiento muy interesante.
13. “Maggie My Dog”
Con una guitarra que nos remonta a los iconos del Pop Punk de los dos mil, “Maggie My Dog” nos da un tono irreverente y divertido, una canción que, por el título, suena menor convencional, un momento de ternura, de pausa emocional, donde Stinkus rinde homenaje a una presencia fiel. En el álbum funciona como el gran respiro antes del cierre final, un gesto de humanidad, de humildad.
14. “The Oath”
La pieza final, “The Oath”, suena como compromiso, promesa, juramento. Un cierre poderoso pero sereno para el álbum: tras todo lo explorado, ansiedad, amor, juego, vulnerabilidad. Sonoramente, la canción recae en una balada acustica, con elementos vistos en el disco como las voces dobladas, un coro sumamente emocional, y un estilo de producción super consolidado.
Con I love you, trackstar en el horizonte, Stinkus no teme mostrar sus contradicciones. Su música es un reflejo del presente, donde la melancolía y la ironía pueden coexistir.
El proyecto alt-pop CATBEAR no busca la nostalgia fácil, aunque sus influencias provengan de las últimas tres décadas del siglo XX. El dúo de Zoe y Sarah utiliza el indie, el synth-pop y la electrónica como herramientas para explorar paisajes emocionales complejos. Sus canciones abordan desde la ansiedad hasta la esperanza, demostrando una dualidad sonora que se mueve con soltura entre melodías pop brillantes y texturas notablemente más oscuras.
Su canción It’s Okay es una buena muestra de su enfoque. La pieza se construye sobre un ritmo muy bien definido, donde los sintetizadores asumen un rol protagónico y poderoso, marcando una clara línea synthpop. Sin embargo, CATBEAR no se conforma con la fórmula y añade tintes de indie pop que le otorgan un carácter distintivo, evitando que la producción opaque la composición.
Este sonido es el resultado de una evolución consciente. El dúo comenzó en salas de ensayo del sur de Londres, tocando en fiestas caseras antes de reorientar su enfoque hacia una producción más grande y centrada en los sintetizadores. Este viaje les ha permitido transitar desde el pop luminoso hasta influencias más sombrías, cercanas al post-punk y al darkwave, en trabajos recientes.
En It’s Okay, se percibe la confianza de unas artistas que han encontrado un equilibrio entre lo experimental y lo accesible. CATBEAR demuestra una visión creativa en expansión, utilizando el armazón del synthpop para entregar una propuesta que funciona tanto en la pista de baile como en una escucha introspectiva. Es un sonido que refleja su trayectoria.
Desde Argentina, Samayoa combinando elementos de pop alternativo, pop rock y melodías cargadas de intimidad. Su propuesta artística se distingue por un sonido pulido y cinematográfico, donde la voz se convierte en el vehículo principal para expresar vulnerabilidad, convicción y sentimientos universales.
Entre sus lanzamientos recientes destacan “Hasta El Fin Del Mundo” y “Lleva Tu Nombre Mama”, dos canciones que muestran diferentes facetas de su estilo. “Hasta El Fin Del Mundo” explora la melancolía romántica y la eternidad del amor frente a la distancia, con arreglos equilibrados de guitarra, batería y armonías que crean un paisaje sonoro envolvente. Por otro lado, “Lleva Tu Nombre Mama” se presenta como un himno dedicado a las madres, lleno de gratitud y emociones sinceras, donde cada verso refleja el reconocimiento y la admiración por su esfuerzo y dedicación.
Samayoa combina en su música el minimalismo emocional con producciones limpias y cinematográficas, logrando que cada tema conecte de manera íntima con el oyente.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Echo Thrills – Illusion | Suecia
Iniciamos con Echo Thrills y su canción “Illusion”, una propuesta que fluye sobre un ritmo relajado y que resalta las tendencias actuales del pop, la pieza incorpora interesantes tintes de electrónica que le otorgan una sensación muy fresca a la mezcla, resultando en un estilo accesible y con una capacidad notable para enganchar a casi cualquier tipo de oyente desde el inicio.
Detrás de este proyecto se encuentra Oskar Jennefors, un artista radicado en Estocolmo que construye su identidad musical partiendo del soul, el disco y el rock psicodélico de los años 70, a esta base le infunde samples modernos y un distintivo toque indie, su repertorio se caracteriza por grooves definidos y elementos psicodélicos juguetones que transportan a su propio universo creativo.
Psych-O-Positive – Lost & Found | Estados Unidos
Continuamos con la energía de Psych-O-Positive, quienes nos entregan su propuesta “Lost & Found”, una canción que muestra fuertes influencias del rock con un espíritu garage muy marcado, la parte vocal se presenta de forma explosiva y logra combinarse muy bien con el resto de la instrumentación, la composición está llena de ganchos que logran atrapar al oyente casi de inmediato.
Originarios de Nueva Jersey y activos desde 2017, esta banda se define como un “donante universal de psicodelia”, su enfoque busca tensar las cuerdas hasta que vibren en una frecuencia más alta, nutriendo su potente propuesta musical con inspiraciones que van desde The Velvet Underground y The Rolling Stones hasta The New York Dolls y The Clash.
Thalassa – Good Boys | Tailandia
Terminamos esta selección con Thalassa y su tema “Good Boys”, una canción que nos sumerge en una atmósfera rica en detalles y que presenta un estilo indie pop muy fresco, el ritmo se siente divertido y ágil, demostrando una gran capacidad para conectar con la audiencia y quedarse en la memoria gracias a su estructura melódica y su vibra ligera.
Thalassa es una cantautora radicada en Bangkok cuya formación musical clásica moldea su enfoque creativo, su estilo personal mezcla elementos del alt-pop y el dream pop, utilizando su voz cálida y expresiva para contar historias vívidas, el resultado es una música que se siente íntima pero atemporal, cargada a menudo con un sutil toque de nostalgia.
Desde los paisajes pop de Echo Thrills, pasando por la crudeza rockera de Psych-O-Positive, hasta el íntimo indie pop de Thalassa, esta edición nos presenta tres sabores muy distintos que reflejan la vitalidad de la escena emergente. Te invitamos a que te tomes un momento para explorar estas propuestas, subir el volumen y descubrir si alguna de ellas se convierte en tu nueva favorita.
El origen de una banda a menudo define su esencia, y en el caso de Horse Radish, todo comenzó en un espacio tan íntimo como una cocina. Lo que nació como un dúo de amigos interpretando versiones de Americana, influenciados por narradores como Lucinda Williams y John Prine, sentó las bases de un sonido que valora la cercanía. Esa semilla de honestidad es la que sigue germinando en su propuesta actual.
Su canción Full Moon es un claro ejemplo de la evolución de esa intimidad. La pieza se apoya en las texturas del indie pop y el dream pop para crear una escena sonora llena de detalles instrumentales que invitan a una escucha atenta. Sobre esta base, la voz femenina principal aporta una personalidad definida, guiando una propuesta indie con una estructura bien cuidada y un encanto particular.
La profundidad de su música encuentra una explicación en el proceso de composición, especialmente en las letras de Melanie Berkowitz, escritas durante su formación como terapeuta. Temas derivados de la teoría psicológica, como el duelo, la intimidad y el inconsciente, se entrelazan en las canciones, dotándolas de una capa de introspección que va más allá de la superficie melódica.
Con su formación actual de cinco miembros, Horse Radish ha logrado expandir su paleta sonora hacia registros de rock más plenos sin sacrificar su esencia. Full Moon no es solo una canción agradable, sino el reflejo de un proyecto que ha sabido crecer. Es el sonido de la intimidad de cocina llevada a un escenario más grande, donde cada instrumento tiene algo que decir.
