Procedente de Sudáfrica, la cantautora Rebecca Helen irrumpió en la escena en 2019 con su producción Musical Life, colaborando con figuras como Duncan Mackay de 10cc. Su trabajo con el compositor Alan Roy Scott y la difusión en más de sesenta emisoras internacionales, sumado al primer lugar en KC 107.7 FM de Ciudad del Cabo, han respaldado un proyecto fundamentado en la constancia y el cuidado del oficio.
Su catálogo exhibe una versatilidad que va desde la energía bailable de sencillos como “GLOW”, producido junto a Sasha Righini, hasta la sobriedad de baladas como “This Place”. En entregas recientes como “Worthy”, la intérprete ha explorado una vertiente R&B y soul de carácter reflexivo. Esta trayectoria muestra una búsqueda técnica donde la flexibilidad interpretativa se mantiene como el eje central de su propuesta.
Dentro de este recorrido se enmarca I’m Over You, una composición construida sobre un ritmo delicioso que reúne influencias de indie pop con una sólida carga de soul y una pizca de charper pop. La pista se apoya en una voz flexible de notable timbre, la cual aporta una leve sensualidad que complementa de forma precisa el entramado instrumental, logrando un equilibrio sonoro bien definido.
Sin depender de artificios ni sobrecargas en la producción, el tema demuestra que el cruce de géneros resulta efectivo cuando se ejecuta con sobriedad. I’m Over You consigue transmitir su intención estilística manteniendo la claridad en cada uno de sus arreglos. Con este corte, Rebecca Helen ofrece una entrega equilibrada que reafirma la madurez de su trabajo dentro del pop contemporáneo.
Procedente de la localidad de Dale, en la costa oeste de Noruega, MAIH ha comenzado a hacerse un espacio dentro del Scandipop actual. Su propuesta musical combina historias de desamor y las dificultades del crecimiento personal con una producción audaz y ganchos pop de gran alcance. A través de este enfoque, la artista busca construir una comunidad de apoyo donde las jóvenes encuentren respaldo, posicionándose como una figura cercana para su audiencia.
Su formación académica se consolidó en 2022 al graduarse del Lillehammer Institute of Music Production and Industries, conocido como LIMPI, donde contó con la mentoría de figuras como Emily Warren y Stargate. Tras la firma de su primer contrato discográfico, la cantante lanzó tres sencillos exitosos como antesala de su EP debut previsto para este otoño. Este recorrido le ha valido el respaldo de medios como Scandipop, Lefuturewave, 730.no y P3 Urørt, sumado a la difusión continua de su tema “The Movie of Us” en la emisora radiofónica P3 desde febrero.
En este contexto de constante desarrollo sonoro se presenta su canción Porcelain, una pieza que destaca por ofrecer un ritmo reconfortante. Enmarcada dentro de un estilo moderno, la pista exhibe un trabajo de producción cuidado que equilibra cada uno de sus elementos. La parte vocal demuestra una técnica precisa acompañada de una textura distintiva, aportando una calidez que hace de la escucha un proceso fluido y sumamente disfrutable para el oyente.
Sin recurrir a artificios innecesarios ni a excesos de intensidad, la pista refleja la intención de conectar con el público desde la sobriedad. La estructura de la composición permite que la voz se desenvuelva con naturalidad sobre la base instrumental, manteniendo la coherencia con el mensaje central del proyecto. Con este lanzamiento, MAIH reafirma la dirección de su propuesta, consolidando un espacio propio en el panorama del pop contemporáneo mediante el equilibrio y la precisión técnica.
Matilde G la artista italiana radicada en Singapur profundiza en su nueva etapa rock con una canción oscura, visceral y cargada de crítica social, “GRAVE OF OUR LIVES”, la cantante, compositora y performer italiana presenta una de sus propuestas más intensas hasta la fecha: un viaje hacia el lado oscuro de la noche, donde el glamour, el exceso y la búsqueda constante de diversión pueden esconder una profunda sensación de vacío.
La canción se mueve dentro de un territorio de rock alternativo oscuro y poderoso, construido alrededor de una energía cruda que encuentra en la voz de Matilde G su principal vehículo emocional. Su interpretación combina fuerza y vulnerabilidad, transmitiendo la urgencia de alguien que no observa la realidad desde la distancia, sino que se atreve a confrontarla directamente.
“GRAVE OF OUR LIVES” plantea una pregunta incómoda: ¿qué queda cuando desaparecen las luces, la música y la apariencia de una vida perfecta? Bajo la superficie brillante de la vida nocturna, Matilde G descubre un escenario mucho más inquietante, marcado por el exceso, la ilusión y una generación que puede sentirse atrapada en una búsqueda interminable de estímulos. La canción representa además una evolución natural dentro de la trayectoria de la artista. Después de construir una audiencia internacional con su propuesta pop, Matilde G entró en una nueva etapa con Beautiful Wreckage, su primer álbum completamente orientado al rock.
En “GRAVE OF OUR LIVES”, esa filosofía adquiere una dimensión especialmente contundente. Las guitarras, la energía y la intensidad de la producción sirven como escenario para una reflexión sobre la desconexión emocional que puede esconderse detrás de una cultura obsesionada con la fiesta, la apariencia y el exceso. Pero Matilde G no abandona la melodía. Su voz mantiene una cualidad accesible incluso cuando la canción se vuelve más agresiva, creando un contraste entre la oscuridad del mensaje y la capacidad de la artista para construir momentos memorables. Esa combinación de energía rock, sensibilidad pop y honestidad emocional se ha convertido en una de las características más reconocibles de su nueva identidad musical.
Desde su estudio de grabación en casa, ubicado en la ciudad de Mississauga, Canadá, Oleyada está construyendo un universo musical propio: íntimo, nostálgico y, al mismo tiempo, sorprendentemente fresco. Su propuesta se mueve entre el indie-pop, las texturas lo-fi y una sensibilidad cercana al rock, creando canciones que combinan melodías pegadizas con atmósferas soñadoras.
Detrás de este proyecto se encuentra también Mathew Fantini, su esposo y compañero creativo, con quien Oleyada trabaja en la producción de su música. Juntos han desarrollado un sonido que deja espacio para la delicadeza de su voz: suave, aérea y envolvente, pero capaz de sostener canciones con una identidad melódica muy marcada. La identidad de Oleyada está profundamente ligada a sus raíces. Como canadiense de segunda generación e hija de padres uruguayos, incorpora tanto el inglés como el español en su trabajo artístico. Esta dualidad no aparece como un simple recurso estilístico, sino como una parte natural de su manera de contar historias y relacionarse con su propia identidad cultural.
Su música ha aparecido en producciones de televisión y streaming, incluyendo las series canadienses Strays y Workin’ Moms, además de Hudson & Rex y The Lake, reflejando su capacidad para crear ambientes y emociones que funcionan más allá de la escucha individual. Sus canciones pueden acompañar una escena, establecer un estado de ánimo o reforzar un momento narrativo sin perder jamás su propia identidad.
El Track x Track de “Oleyada”
“all about you”
En su último lanzamiento doble, la artista presenta “all about you”, una canción que nos transporta de inmediato a este mundo acústico y dreamy. Su estudio de dormitorio se convierte en un laboratorio creativo donde lo retro encuentra nuevas formas de expresarse a través de la producción lo-fi. Con un color de voz delicado y suave, Oleyada apuesta por una atmósfera romántica, casi inocente, colorida, donde la melodía y la narración son protagonistas. Entre voces etéreas, sintetizadores retro dulces y letras que combinan juego y profundidad, su música construye un espacio propio donde lo íntimo se convierte en algo universal.
Específicamente en esta canción, la combinación de texturas orgánicas con una atmósfera de ensueño entre capas de amor recuerda a artistas como Clairo o Sales, llevándonos a un mundo visual que se siente como un sueño emocional.
“the sky”
Por su parte, en “the sky”, el segundo tema de este sencillo doble, la atmósfera mantiene ese mismo mundo con una sensación nostálgica y ligeramente triste. Este track apuesta por una voz más protagonicamente emocional y arreglos que sirven como una cama sonora que hace sumergirnos por completo en la visión de la artista. El resultado es una pieza luminosa y envolvente que transmite libertad, introspección y melancolía.
En definitiva, Oleyada representa a una nueva generación de artistas independientes que transforman lo íntimo en un mundo personal habitable. Visualmente, el proyecto podría recordarnos a The Marías o Magdalena Bay, mientras que en lo musical apuesta por un toque acústico y dreamy que le otorga una voz propia dentro del panorama musical.
Desde su dormitorio Oleyada, combina sus raíces uruguayas, el inglés y el español con un indie-pop soñador, cálido y lleno de personalidad. Su voz etérea, sus melodías envolventes y una sensibilidad que conecta nostalgia y modernidad hacen de su propuesta una presencia singular dentro de la escena musical canadiense e internacional. Con cada canción, Oleyada continúa demostrando que las historias más personales también pueden encontrar un profundo eco mucho más allá de sus propias fronteras.” por que es muy parecido al parrafo del inicio
La intérprete Ava Ro ha construido un recorrido polifacético en las artes escénicas como actriz, voz de doblaje y compositora. Tras encabezar producciones televisivas como Erin & Aaron y prestar su voz en series como PAW Patrol y Dino Ranch, la artista trasladó esa presencia escénica al terreno musical. Su experiencia previa en la agrupación GEN:ZED y su paso por America’s Got Talent respaldan un dominio profesional que se confirmó con el rápido agotamiento de sus primeras presentaciones estelares.
Tras el lanzamiento de sencillos como Sevent33n, You Let Go y su entrega de principios de dos mil veintiséis titulada I Hate You, But You’re Mine, la compositora afianzó su perfil dentro de la música grabada. Su propuesta ha contado con el respaldo de listas editoriales y una audiencia creciente que atiende su evolución autoral. Lejos de ser un cruce fortuito, su trabajo en el estudio refleja una búsqueda clara por definir un sonido propio que complemente su trayectoria en la actuación.
En este marco de producción continua se presenta la difusión de su sencillo titulado Stranger On TV. La canción se estructura como una propuesta indie pop con un ritmo rápido, dinámico y moderno que resulta fácil de digerir desde los primeros compases. La instrumentación hace un uso estratégico de los sintetizadores para fortalecer su intención sonora, articulando una base rítmica limpia que sostiene el avance de la melodía con constante fluidez.
El apartado vocal destaca por una interpretación precisa que guía la composición con soltura, permitiendo que la voz interactúe con las capas sintéticas sin perder claridad en la mezcla. La producción mantiene un equilibrio adecuado entre la agilidad del pulso rítmico y la nitidez de la melodía, ofreciendo un corte accesible e integrado dentro del pop actual. Con la entrega de Stranger On TV, la artista Ava Ro afirma la solidez de su proyecto musical y la firmeza de su proyección artística.
Nacida en Toronto, la cantante, compositora y productora Gabriela Bee se ha consolidado en la escena del alt-pop contemporáneo. Su propuesta aborda las vivencias de una generación criada en entornos digitales, explorando la tensión constante entre la vulnerabilidad y el control creativo. Al escribir y producir gran parte de su propio material, la artista construye un espacio sonoro donde conviven la producción cinemática y una lírica íntima y confesional.
A través de lanzamientos previos como “Maybe”, “17”, “your time” y la colaboración “Highs and Lows”, la intérprete ha convocado a una audiencia global de más de dieciséis millones de seguidores. Este respaldo en plataformas digitales se ha trasladado con firmeza al terreno en vivo, agotando localidades en Colours Hoxton en el Reino Unido y congregando a cientos de asistentes en Toronto. Su trayectoria refleja una evolución constante dentro del panorama alternativo.
En esta etapa de consolidación se enmarca la difusión de su sencillo titulado Cool. La canción se presenta como una propuesta de indie pop moderno que destaca por una producción muy buena en cada uno de sus componentes. Toda la arquitectura instrumental se despliega sobre un ritmo relajado, manteniendo cada elemento en su lugar para ofrecer un balance equilibrado que sostiene la estructura del tema con soltura y precisión.
El aspecto distintivo del tema reside en el apartado vocal, donde la artista realiza un gran trabajo de interpretación de principio a fin. Su timbre encaja perfecto con su estilo, aportando claridad y textura a la melodía sin necesidad de recargar la mezcla con recursos innecesarios. Con la entrega de Cool, la joven canadiense Gabriela Bee reafirma la madurez de su voz narrativa y la solidez de su proyección en la música pop.
Desde las zonas rurales de Illinois, cerca de St. Louis, Starwolf lleva casi una década construyendo un universo musical propio en el que el funk, el pop y las texturas electrónicas conviven con una sensibilidad decididamente cósmica. Formado en 2016 por Tim Moore, Max Sauer y Chris Rhein, el trío ha desarrollado una propuesta que combina groove, experimentación y una estética de otro mundo. Después de publicar los EPs Ti Amo, Stargazer (2018) y Astro Lobo (2020), la banda continúa expandiendo ese imaginario con Copacabana, un nuevo proyecto que tiene en “Back It Up” uno de sus adelantos más destacados.
“Back It Up” funciona desde los primeros compases como una invitación a entrar en el particular universo sonoro de Starwolf. La canción se apoya en una combinación de funk y pop que prioriza el groove, con un bajo especialmente protagonista y beats pegadizos que aportan movimiento y una ligera sensación tropical.
Uno de los elementos más interesantes de la producción aparece en la mezcla de instrumentos y texturas. Las guitarras y baterías de inspiración bossa nova se encuentran con capas de sintetizadores que amplían el espacio sonoro, creando un contraste entre lo orgánico y lo electrónico. El resultado es una pieza relajada pero dinámica, capaz de mantener un pulso constante mientras incorpora diferentes matices a lo largo de su recorrido.
La canción también encuentra parte de su personalidad en la interpretación vocal de Chris Rhein. Su voz limpia, luminosa y serena adquiere un carácter casi etéreo, con un efecto que parece prolongarse sobre la instrumentación y reforzar la sensación envolvente del tema. La identidad de Starwolf siempre ha estado ligada a una idea de exploración. Desde su nacimiento, el trío ha construido una mezcla de funk y pop que evita quedarse en los límites convencionales de ambos géneros. “Back It Up” continúa esa búsqueda mediante una producción que combina ritmos bailables, elementos acústicos y sintetizadores.
El tema encuentra así un equilibrio entre relajación y movimiento. Hay espacio para dejarse llevar por el groove, pero también una atención especial a los detalles de la producción. Hacia el tramo final, alrededor del minuto 2:42, la voz desaparece y el instrumental adquiere un protagonismo especial, ofreciendo uno de los momentos más atractivos de la canción.
“Back It Up” es el quinto single de Copacabana, el EP que Starwolf prepara para el 5 de noviembre. El lanzamiento representa un nuevo capítulo para un grupo que ha mantenido una trayectoria marcada por la constancia y por el deseo de desarrollar una identidad sonora reconocible. El nuevo material parece continuar con esa combinación de ritmos, texturas y atmósferas que caracteriza al proyecto. En “Back It Up”, la bossa nova aporta un nuevo color a la fórmula de Starwolf, mientras el funk y el pop mantienen el centro de gravedad en el groove.
Entre lo místico, lo onírico y esa melancolía que puede esconderse detrás de una sonrisa, Grace Smiles ha construido una identidad artística donde las emociones parecen existir en un espacio propio. Originaria del área de Chicago y actualmente radicada en Nashville, la artista se mueve entre el indie alternative pop y el rock, creando canciones de atmósferas etéreas, melodías envolventes y letras que convierten experiencias personales en pequeñas exploraciones emocionales. “Past Life” y “Not My Problem” representan dos momentos especialmente interesantes de ese universo, donde la introspección, la memoria, las relaciones y la búsqueda del propio valor adquieren una dimensión casi mágica.
Ambas canciones forman parte de Fortune Teller, álbum de 11 temas de Grace Smiles que se mueve dentro del territorio del pop/rock alternativo y que incluye también composiciones como “Fortune Teller”, “Angel”, “Bewitched”, “The Inner Void”, “Stay 11:11”, “Afterlife” y “Resurrect”. El propio concepto del álbum parece reforzar la estética que acompaña a Grace: una combinación de misterio, espiritualidad, fantasía y emociones profundamente humanas.
Con un título que apunta directamente hacia el pasado, “Past Life” encaja de manera natural dentro del imaginario de Grace Smiles. La canción forma parte de Fortune Teller como el cierre del álbum, un detalle que permite leerla como una especie de punto final dentro de este recorrido por diferentes estados emocionales.
En el universo de Grace, conceptos como vidas pasadas, sueños, señales y dimensiones emocionales parecen funcionar menos como respuestas concretas y más como puertas hacia la imaginación. “Past Life” puede situarse precisamente en ese territorio: el lugar donde el pasado deja de ser únicamente un recuerdo y se convierte en una pregunta sobre quiénes fuimos, qué dejamos atrás y qué partes de nosotros continúan acompañándonos.
Esta sensibilidad conecta con una de las características esenciales de su propuesta: la capacidad de transformar lo íntimo en algo fantástico. Grace no necesita abandonar la realidad para encontrar misterio; basta con observar las emociones desde otro ángulo. Sus canciones pueden sentirse como pequeñas ventanas hacia recuerdos, pensamientos y sensaciones que normalmente permanecen ocultos.
Si “Past Life” mira hacia atrás, “Not My Problem” encuentra su fuerza en el presente y en la decisión de dejar algo atrás. La canción comienza con una voz soul e intrigante que poco a poco se expande hacia guitarras vibrantes, creando una atmósfera de rock soñador. La producción acompaña una letra profundamente introspectiva, especialmente cuando Grace admite: “I like the way I made you in my head”.
Hay canciones que no necesitan levantar la voz para transmitir una emoción intensa. “Lovers Always Lose”, de la artista estadounidense Tessa Rae, pertenece precisamente a esa categoría: una pieza íntima, envolvente y de combustión lenta que se sumerge en las contradicciones del deseo, la entrega y el riesgo emocional.
Como primer adelanto de su próximo EP Pearl, la canción presenta a una Tessa Rae profundamente introspectiva, construyendo un paisaje sonoro donde el dream pop y la electrónica ambiental se encuentran con una sensibilidad marcadamente nocturna. Las texturas hipnóticas, las melodías sombrías y su característica voz ahumada crean una atmósfera sensual y misteriosa que envuelve al oyente desde los primeros compases.
“Lovers Always Lose” explora ese punto de tensión en el que amar significa entregarse sin reservas, aun sabiendo que existe la posibilidad de salir herido. La canción captura tanto el éxtasis como el dolor de amar de manera impulsiva, convirtiendo la vulnerabilidad en uno de sus principales recursos expresivos. En lugar de presentar el amor como una experiencia idealizada, Rae se adentra en su lado más complejo: el deseo que puede convertirse en obsesión, la devoción que puede rozar la autodestrucción y la necesidad de seguir adelante a pesar de conocer los riesgos.
Musicalmente, el tema bebe de la estética del downtempo y el ambient pop de finales de los años noventa y principios de los 2000. Se perciben ecos de artistas como Zero 7, Air y Massive Attack, aunque Tessa Rae utiliza estas referencias como punto de partida para desarrollar una identidad propia, más íntima y contemporánea.
La producción apuesta por el espacio y la atmósfera. Cada elemento parece ocupar su lugar dentro de un paisaje sonoro cuidadosamente construido, mientras la voz de Rae se desliza sobre la instrumentación con una cualidad cercana y casi confidencial. El resultado es una canción que no busca imponerse, sino envolver lentamente al oyente y llevarlo hacia su centro emocional. Esta sensibilidad conecta directamente con la identidad artística de Tessa Rae. Su propuesta se caracteriza por capturar emociones relacionadas con la juventud, la vulnerabilidad y los vínculos humanos, transformándolas en piezas que parecen guardar recuerdos frágiles. En “Lovers Always Lose”, esa mirada se dirige hacia el amor y hacia aquello que sucede cuando decidimos entregarnos aun sin saber cuál será el resultado.
Antes de asumir la música como proyecto central, Carlee Chappell se perfilaba hacia un doctorado en psicología tras titularse en Lengua Inglesa y Psicología. La lógica guió sus decisiones durante años hasta que decidió atender la vocación de compositora que guardaba desde la infancia, influenciada por referentes del pop. Aquel cambio de rumbo marcó el inicio formal de su camino en la industria.
Su trayectoria se afianzó primero en la coescritura de canciones para intérpretes como Maddie Zahm, Francis Karel y Abigail Barlow. Con esa experiencia acumulada, dio vida al proyecto sorrycarlee, donde combina ganchos pop con letras crudas e introspectivas construidas a manera de diario abierto. Su propuesta explora momentos de desamor y autodescubrimiento con un enfoque confesional.
En este marco de composición personal se presenta la difusión de su sencillo titulado Intimacy. La pista se despliega como una propuesta de pop moderno con tintes dreamly que incorpora una capa de melancolía dada por la ambientación. La producción organiza las texturas sintéticas con cuidado, creando un espacio envolvente que sostiene la estructura rítmica sin sobrecargar la mezcla.
El apartado interpretativo destaca por la gran ejecución vocal de la artista, pues logra transmitir muy bien las intenciones con ese tono dulce, airoso y cadente. Su entrega estilística matiza cada línea lírica, ofreciendo una lectura cercana que equilibra el tono confesional con la fluidez de su sonido. Con el lanzamiento de Intimacy, sorrycarlee ratifica la solidez de su búsqueda sonora.
