Indie Pop

La fuerza de ser visto: el mensaje íntimo de Nico Wang

La fuerza de ser visto: el mensaje íntimo de Nico Wang

El cantautor chileno Nico Wang sigue nos presenta su quinto sencillo, Ojitos de Miel, este tema se presenta como un puente sonoro que celebra la resiliencia, la conexión emocional y el emocionante paso hacia nuevos comienzos.

Con una mezcla de indie rock latinoamericano y melodías vocales propias del pop-rock chileno, Ojitos de Miel transmite un mensaje de apoyo incondicional: la fuerza silenciosa que aparece cuando alguien te ve de verdad. La canción refleja esa mano que acompaña en el silencio y la mirada que guía hacia la cumbre personal, ofreciendo esperanza y confianza en medio de la incertidumbre.



La génesis del sencillo comenzó en 2022 y su producción se completó en 2023 bajo la dirección de Raimundo Norambuena, mientras que la mezcla y masterización estuvieron a cargo de Nicolás Parra e Ignacio Ramírez en Blackvitamina, garantizando una calidad sonora impecable. La canción combina guitarras electrizantes, un ritmo marcado y melodías elevadoras, evocando la claridad emocional de bandas como Los Bunkers y Conociendo Rusia.

Con Ojitos de Miel, Nico Wang busca conectar con oyentes en Chile y Latinoamérica, ofreciendo una propuesta musical que combina contenido emocional profundo con ejecución artística impecable. Este sencillo confirma a Nico Wang como un artista en ascenso, capaz de resonar con quienes buscan música que inspire, conmueva y acompañe.


Alexander Wolfe: El artesano silencioso que convierte heridas en canciones

Alexander Wolfe: El artesano silencioso que convierte heridas en canciones

El cantautor británico Alexander Wolfe se ha consolidado como una figura sensible y honesta del panorama musical contemporáneo. Con una trayectoria marcada por la introspección, la poesía cruda y una habilidad excepcional para convertir experiencias difíciles en canciones profundamente humanas, Wolfe se ha ganado un lugar de culto entre quienes buscan música que no solo suene bien, sino que resuene.

Tras el aclamado Little Death (2019) —un disco celebrado por BBC 6 Music, CLASH, The Line of Best Fit y otros referentes de la crítica— el artista prepara su esperado nuevo álbum, Everythinglessness, previsto para enero de 2026. Este proyecto nace de un periodo de confrontación personal y sanación, incluido un paso por un centro de rehabilitación de salud mental en 2023. Lejos de ocultarlo, Wolfe lo sitúa al frente de su obra, con la convicción de que la vulnerabilidad es una fuerza transformadora.



Su reciente single, “To Feel Love”, revela el corazón emocional del nuevo disco. La canción aborda el escapismo, el alcohol como refugio momentáneo y el deseo casi desesperado de encontrar algo amor, emoción, sentido que haga la vida más llevadera. Con una producción que crece desde la calma hacia un estallido cinematográfico, Wolfe logra ese equilibrio mágico entre lo íntimo y lo épico que caracteriza su estilo. Su voz, atmosférica y confesional, guía la narrativa como si hablara desde un punto intermedio entre la herida y la esperanza.

En un momento en el que las conversaciones sobre salud mental y masculinidad están evolucionando, Wolfe aporta una mirada urgente. “Necesitamos más ejemplos de hombres fuertes que también sean suaves”, afirma, cuestionando los modelos rígidos que han definido la identidad masculina durante generaciones. Estas ideas se reflejan en el viaje narrativo del álbum: desde la dureza impuesta de The Toughening hasta la catarsis emocional de The Softening, que cierra el disco como un acto de reconciliación.

Musicalmente, Alexander Wolfe mantiene su sello: arreglos acústicos, capas vocales que rozan lo espiritual y una producción que envuelve al oyente sin saturarlo. Su obra recuerda por momentos a Guy Garvey o Nick Cave, pero siempre con una huella propia, marcada por un relato íntimo y un humanismo radical.

A través de sus canciones, Wolfe ofrece algo más que melodías: ofrece compañía. Sus historias hablan del duelo, la ansiedad, el amor y las pequeñas resurrecciones que nos permiten seguir adelante. Con Everythinglessness, no solo continúa una carrera sólida; también abre espacio para una conversación más honesta sobre lo que significa sobrevivir en un mundo que a menudo exige silencio.


Monochrome y No Love For The Middle Child vulnerabilidad moderna

Monochrome y No Love For The Middle Child vulnerabilidad moderna

No Love For The Middle Child se ha convertido en uno de los nombres destacados de la ola alternativa, nacido en Filadelfia y actualmente radicado en Los Ángeles, este productor, compositor y multiinstrumentista se formó desde muy joven en distintos instrumentos desarrollando una sensibilidad que hoy impulsa su estilo. Su propuesta combina pop, punk/rock y electrónica con una naturalidad que lo ha llevado a consolidarse tanto detrás de escena como en el centro del escenario.



El nuevo sencillo se presenta como un puente entre el indie pop y un pop alternativo más abstracto, con ecos de Mk.gee y Bon Iver sin abandonar la inmediatez radio–friendly. “Monochrome” inicia con sintetizadores sutiles que envuelven al oyente y van tomando cuerpo poco a poco, mientras la batería dibuja un pulso tranquilo y la guitarra añade textura melódica. Sobre esta atmósfera pulsante, la voz introduce un contraste cálido que termina elevándose hacia un estribillo luminoso.

La temática del track es igual de significativa: la llegada de una persona capaz de devolver color a la vida, iluminando la rutina gris y reencuadrando el dolor desde un lugar más suave. Es una canción que habla de ser vistos, de encontrar refugio en otro, y de cómo pequeñas presencias pueden transformar por completo el mundo interior. No Love For The Middle Child convierte esta simple idea en un relato emocional que equilibra vulnerabilidad, esperanza y una producción moderna llena de capas.

“Monochrome” confirma que No Love no solo es uno de los productores más versátiles de su generación, sino también un narrador sonoro con una voz propia.


“Your Own Head”: La Intimidad Compartida de Basciville

“Your Own Head”: La Intimidad Compartida de Basciville

Los hermanos Cillian y Lorcan Byrne, bajo el nombre de Basciville, han trazado un camino particular desde su formación en 2016. Tras el lanzamiento de su EP debut y una extensa gira por Irlanda y Europa continental, el dúo decidió replegarse en su natal Wexford a finales de 2018. Este retiro no fue una pausa, sino una búsqueda deliberada de identidad sonora, un esfuerzo por refinar lo que habían experimentado durante años en la carretera para encontrar su verdadero sonido.

En su sencillo Your Own Head, esta búsqueda se materializa a través de una colaboración con la artista de alt-folk Ailbhe Reddy. La canción se presenta con un ritmo lento e íntimo, construyendo un espacio donde las voces de los protagonistas asumen el control total de la narrativa. Es un diálogo sonoro donde las armonías se entrelazan de forma cuidada, respaldadas por una instrumentación que prioriza la sutileza sobre la potencia.



La estructura musical de la pieza revela una base sólida de influencias folk matizadas con ligeros toques de rock. La sensibilidad de Ailbhe Reddy, conocida por desdibujar los límites entre lo personal y lo universal en su disco Personal History, complementa el enfoque de los hermanos Byrne. El resultado es una atmósfera reflexiva que permite apreciar la intención detrás de cada nota y la cohesión natural entre los intérpretes.

Lejos de la inmediatez de sencillos anteriores como ‘Shall We Gather’, esta propuesta denota la madurez alcanzada tras su periodo de aislamiento creativo. Basciville logra en Your Own Head una armonía bien pensada que invita a la escucha atenta y pausada. Es una muestra de cómo el tiempo fuera de los escenarios puede resultar en una obra que se siente honesta y necesaria para la evolución de su repertorio.


Vibras flotantes y atmósferas infinitas: la nueva dimensión sonora de Møme

Vibras flotantes y atmósferas infinitas: la nueva dimensión sonora de Møme

Møme, nombre artístico del productor y multiinstrumentista francés Jérémy Souillart, llega como una de las voces más particulares de la electrónica europea. Su propuesta con un enfoque atmosférico y emocional fusiona future bass, chillwave, house melódico y arreglos orgánicos que dan a su música un carácter profundamente cinematográfico. Desde su irrupción con el sencillo “Aloha”, Møme ha construido un universo sonoro reconocible, lleno de texturas cálidas, vocales etéreas y beats cuidadosamente diseñados.

Uno de los elementos que ha impulsado su identidad artística es su interés por explorar paisajes y emociones a través del sonido. Esto se reflejó especialmente en su proyecto “Panorama”, grabado en parte durante un viaje por Australia, donde transformó la carretera, la naturaleza y las colaboraciones espontáneas en una obra electrónica vibrante y llena de vitalidad.



En “In Your Arms” destaca la producción pulida y atmosférica, guiada por sintetizadores suaves, percusiones ligeras y una línea melódica que se despliega con una ternura casi cinematográfica. El resultado es una pieza que captura esa sensación de querer regresar a un lugar seguro, a un abrazo que calma, mientras el ritmo invita a dejarse llevar sin prisa.

Con esta nueva entrega, Møme demuestra su habilidad para conectar emoción y electrónica sin caer en excesos, apostando por una estética limpia que invita tanto a la introspección como al disfrute.


Entre neblinas electrónicas: el renacer artístico de Glassio

Entre neblinas electrónicas: el renacer artístico de Glassio

En un panorama musical lleno de propuestas electrónicas, llega Glassio, el proyecto del músico y productor Sam R. se ha convertido en una de las voces singulares y emotivas de la escena indie-electronic. Su sonido, delicado que combina melodías soñadoras, electrónica elegante y una sensibilidad profundamente humana que lo distingue dentro del vasto universo del pop alternativo.

Desde sus primeros lanzamientos, su propuesta se ha caracterizado por una atmósfera luminosa, melancólica y envolvente, capaz de evocar emociones íntimas sin renunciar al pulso rítmico que define a la electrónica contemporánea.



Su próximo álbum, The Imposter, que verá la luz el 25 de febrero de 2026, marca una evolución significativa en su camino artístico. Escrito tras una transformación personal profunda, incluyendo una mudanza de Nueva York a Londres y un proceso de sobriedad recién alcanzado, el disco se presenta como una obra de introspección radical. Glassio lo concibe como una meditación sobre la identidad, la duda y el acto de regresar a la esencia propia.

A lo largo de sus 13 canciones, el artista fusiona elementos de shoegaze, la electrónica de comienzos de los 2000 y destellos de folk psicodélico, creando un paisaje sonoro donde la memoria y la melodía avanzan en perfecta sincronía. Con la llegada de The Imposter y el vibrante single “When The Beat Carries On” como carta de presentación, su música nos recuerda que, incluso en medio de la confusión y el ruido, hay siempre una melodía capaz de guiarnos de vuelta a nosotros mismos.


La Fusión Pop de Estella Dawn

La Fusión Pop de Estella Dawn

Estella Dawn regresa a este espacio, una artista que define el pop moderno bajo sus propios términos. Originaria de Nueva Zelanda y ahora afincada en San Diego, su figura es notable por su control creativo total. Ella opera como cantante, compositora, productora y multiinstrumentista de todo su material, fusionando elementos de pop, soul e incluso rock en su propuesta.

Su nuevo tema, You Didn’t Text Me, es una continuación de esta filosofía. La canción se mueve cómodamente entre el indie pop y el pop comercial más actual. Presenta una atmósfera bien construida que logra capturar la atención de inmediato. Sin embargo, es la voz de la artista la que eleva la pieza, mostrando una fuerza y un cuerpo considerables.



Esta entrega vocal es consistente con su reputación. Estella Dawn ha ganado reconocimiento por sus letras crudas y su entrega potente, elementos que explican su conexión con una audiencia global. Con millones de reproducciones este año y presencia en listas relevantes, su método de autoproducción demuestra ser efectivo.

You Didn’t Text Me funciona como un ejemplo claro de su enfoque. Es una propuesta donde la producción y la composición se equilibran, permitiendo que su capacidad vocal sea el foco principal. Estella Dawn continúa demostrando que la visión de un solo artista puede ser tan potente como la de un gran equipo.


LA NUEVA OLA 2025 #75 | Maya Love Coppola, sundayclub, Prod. 16 Beats

LA NUEVA OLA 2025 #75 | Maya Love Coppola, sundayclub, Prod. 16 Beats

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Maya Love Coppola – Clever Masquerade | Estados Unidos

Maya Love Coppola es una artista originaria de Nueva York y radicada en Los Ángeles, donde combina su espíritu creativo con una vida conectada a la naturaleza y la comunidad. Entre jardines improvisados en las aceras, tardes bañadas de sol y sesiones musicales con amigos, construye un universo artístico que fluye con autenticidad y calidez. Su música refleja ese equilibrio entre raíces urbanas y una nueva vida luminosa en la costa oeste, plasmando sensibilidad, sencillez y un encanto profundamente personal.


sundayclub – Nuclear Fallout | Canada

sundayclub es un dúo canadiense que transforma experiencias de transición y vulnerabilidad en paisajes sonoros etéreos y emotivos. Formado por Courtney y Nikki en Manitoba, el grupo mezcla indie pop, dream pop y folk con narrativas introspectivas que capturan momentos de crecimiento personal, amor, desamor y autoexploración. Cada canción funciona como una instantánea musical, difusa pero llena de sentimiento, donde voces suaves y atmósferas oníricas envuelven al oyente en historias de emoción cruda y nostalgia, haciendo de su música un viaje íntimo entre la fragilidad y la fortaleza emocional.


Prod. 16 Beats – Who You Are (feat. pj4y) | Estados Unidos

Prod. 16 Beats es un productor y artista musical de Aurora, Illinois, cuya música combina introspección y habilidad técnica para crear beats y canciones que conectan emocionalmente. Influenciado por artistas como Joji, Lil Uzi Vert, Playboi Carti y Juice WRLD, comenzó a producir desde temprana edad como una vía de escape ante las dificultades personales, incluyendo su paso por el sistema de cuidado de menores.








LA NUEVA OLA 2025 #74 | The Response, Parker Leftlover, I’ll Always Be In Love With You

LA NUEVA OLA 2025 #74 | The Response, Parker Leftlover, I’ll Always Be In Love With You

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


The Response – Where Do You Run To? | Nueva Zelanda

The Response es un dúo neozelandés formado por Andy y Victoria Knopp, conocidos por crear un pop alternativo que combina introspección, melodías pulidas y una mezcla única de instrumentos electrónicos en vivo con guitarra y voz. Surgidos de la escuela de jazz y con una etapa creativa en Canadá, han desarrollado un sonido propio que equilibra sensibilidad emocional y energía contenida. Elogiados por la prensa por su cuidado artesanal y su capacidad para transmitir esperanza, pérdida e identidad, The Response se distingue por reinventarse con cada lanzamiento sin perder su esencia melódica.


Parker Leftlover – Five Eyes | Suiza

Parker Leftlover es una dupla suiza que fusiona cold wave, disco psicodélico lento y sintetizadores soñadores de los 80 para crear un sonido melancólico pero irresistible para bailar. Formado por Nikita Thévoz y Jonas Weber, el proyecto se mueve entre la frialdad sintética y una calidez profundamente humana, explorando temas de amor, soledad y tensiones emocionales desde una estética retrofuturista. Cada una de sus canciones combina atmósferas cinematográficas con un pulso rítmico hipnótico, consolidándolos como una de las propuestas más distintivas y evocadoras de la escena alternativa europea.


Waves_On_Waves x Sonic Shades Of Blue x Waves On Waves Orange Crush – I’ll Always Be In Love With You

“I’ll Always Be In Love With You” es una balada pop-rock cargada de nostalgia, donde Waves_On_Waves y sus colaboradores combinan melodías cinemáticas con una emotividad radiante que evoca la esencia romántica de los 80. La voz confesional de Chris Sevier se despliega con una intensidad cálida y vulnerable, guiando una producción que alterna entre la dulzura melódica y un brillo casi cinematográfico. La canción habla de un amor que persiste más allá del tiempo, abrazando los recuerdos sin caer en el lamento, y culmina en un clímax emocional que convierte la nostalgia en una fuerza luminosa. Es un tema que captura la esencia del proyecto: transformar emociones profundas en paisajes sonoros vibrantes y atemporales.







ST. IVES y la Textura de “Tried You On”

ST. IVES y la Textura de “Tried You On”

El proyecto ST. IVES nace de una colaboración entre la vocalista Anna O’Neil y el productor Arik Blum. Su unión no es casual; surge en un momento de agitación personal y de una afinidad compartida por los sonidos graves del Reino Unido de mediados de los 90. Este contexto de encrucijada es clave para entender su música, que busca ser un espacio para la catarsis y la experimentación sonora.

Su canción Tried You On es una muestra de esta búsqueda. La pieza trabaja una mezcla intrigante de rock alternativo y pop, creando una atmósfera que se percibe oscura. Lejos de buscar el gancho fácil, la propuesta se basa en una experimentación que resulta disfrutable, atrayendo al oyente a su sonido particular sin concesiones evidentes.



La textura de ST. IVES se apoya en la experiencia individual de sus miembros. La voz distintiva de O’Neil ya es conocida en la escena australiana gracias a su trabajo en solitario. Por su parte, Blum aporta un historial de producción diverso, habiendo trabajado con artistas que van desde el grunge hasta el R&B, lo que explica la amplitud de su paleta sónica.

Este proyecto, que se ha gestado discretamente en el estudio, parece ser el resultado directo de esa necesidad de experimentación. Tried You On no es solo una canción, sino la materialización de esa catarsis. Es una propuesta que utiliza la oscuridad y la intriga del alt-pop como vehículo para una expresión que evita lo predecible.