Indie Pop

Melezz y la atmósfera lo-fi de “Stars In The Night”

Melezz y la atmósfera lo-fi de “Stars In The Night”

El proyecto de Melezz, liderado por Manuel, ha sido concebido como un viaje sonoro que combina experiencias personales con una producción retro-futurista. Tras seis años de búsqueda de identidad musical, su álbum Enter Another Life se presenta como un relato conceptual que transita por la nostalgia, la pérdida y la reflexión. Dentro de este universo aparece un tema que merece atención especial por su capacidad de conectar con el oyente desde la sencillez y la atmósfera.

Ese tema es “Stars In The Night”, una canción que se sostiene en lo mejor del pop, pero con un toque lo-fi que le aporta carácter propio. El ritmo es relajado y envolvente, mientras la producción crea un espacio sonoro que invita a la introspección. La propuesta no busca la espectacularidad, sino la construcción de un ambiente que atrapa poco a poco, logrando que cada escucha se convierta en una experiencia distinta.



La intención de Melezz en “Stars In The Night” parece ser la de ofrecer un sonido que equilibre lo moderno con lo íntimo. La canción se abre paso con un estilo que recuerda al pop más cuidado, pero con la textura lo-fi como elemento diferenciador. Esa mezcla refuerza la narrativa del álbum, mostrando cómo la producción puede ser tan importante como la letra en la construcción de un relato musical.

Al escuchar “Stars In The Night”, se percibe una propuesta que apuesta por la atmósfera y la conexión emocional. La canción funciona como un ejemplo de cómo Melezz logra integrar influencias contemporáneas en un contexto personal y reflexivo. En esa combinación de pop y lo-fi, el artista reafirma su lugar dentro de una escena que valora tanto la autenticidad como la capacidad de crear mundos sonoros que invitan a quedarse en ellos.


Teezle T y la energía tribal de “VIBRATE”

Teezle T y la energía tribal de “VIBRATE”

El cantante Teezle T, nacido en Nigeria y radicado en Toronto, ha construido una propuesta que fusiona afro-pop y R&B con un estilo propio. Su trayectoria comenzó desde muy joven, formando parte de agrupaciones escolares que más tarde evolucionaron hasta convertirse en Zero Recession Boyz, colectivo con el que ha lanzado temas que lo posicionaron en la escena local. Esa experiencia le permitió abrir conciertos de figuras como Burna Boy y Davido, consolidando su presencia en escenarios de gran alcance.

En ese camino aparece “VIBRATE”, una canción que mezcla influencias modernas con un toque tribal que la hace destacar. El tema se sostiene en un ritmo que fluye con naturalidad, mientras los elementos percusivos aportan un aire distintivo. La propuesta se siente fresca y diferente, logrando que la combinación de sonidos contemporáneos con raíces africanas genere una atmósfera envolvente.



La voz de Teezle T en “VIBRATE” aporta suavidad y calidez, convirtiéndose en el complemento perfecto para la base rítmica. Esa interpretación refuerza la intención de la canción: conectar con el oyente desde lo emocional, sin perder la energía que transmite su estructura musical. El resultado es un tema que se mueve entre lo íntimo y lo expansivo, capaz de resonar en distintos públicos.

Al escuchar “VIBRATE”, se percibe una propuesta que invita tanto al movimiento como a la reflexión. La canción funciona como un ejemplo de cómo Teezle T logra integrar influencias globales con un toque personal, ofreciendo música que se siente auténtica y contemporánea. En esa mezcla de modernidad y raíz tribal, el artista reafirma su lugar dentro de la nueva generación de voces que buscan marcar diferencia en la escena internacional.


LA NUEVA OLA 2026 #96 | Unstoppable, Ian Cobiella, Ship Says Om

LA NUEVA OLA 2026 #96 | Unstoppable, Ian Cobiella, Ship Says Om

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Night Wolf x Lois Powell – Unstoppable | Reino Unido

“Unstoppable” une la producción cinematográfica y atmosférica del productor británico Night Wolf con la voz íntima y honesta de la cantautora Lois Powell. La canción se abre con una guitarra acústica distorsionada y evoluciona hacia un paisaje trip hop y alt-pop con energía indie y matices cinematográficos. Su letra transmite resiliencia vista a través de una lente rota, equilibrando fragilidad y esperanza mientras el arreglo crece de forma gradual hasta un clímax final donde las cuerdas se elevan y la voz alcanza su mayor intensidad emocional. Con un enfoque en atmósfera, movimiento y liberación, el tema resulta altamente evocador y sincronizable, ideal para dramas, documentales de prestigio, videojuegos narrativos y secuencias de apertura.


Ian Cobiella – Trial By Fire | Estados Unidos

Ian Cobiella es un cantautor radicado en Los Ángeles que fusiona su formación en piano clásico con la herencia cultural cubano-boliviana para crear canciones íntimas y emocionalmente honestas. Su sencillo “Trial By Fire” refleja esta sensibilidad artística mediante una composición declarativa y reflexiva que aborda el valor de comprometerse plenamente con una decisión y aceptar los resultados sin amargura. Con una producción sobria y cercana, la pieza privilegia la vulnerabilidad y la autenticidad, reafirmando la propuesta de Cobiella de explorar la incomodidad emocional y encontrar verdad y resiliencia en cada experiencia.


Ship Says Om – Mother Director | Estados Unidos

“Mother Director” es el segundo sencillo del EP Dream Journal del proyecto Ship Says Om, una obra que propone un viaje sonoro fluido y enriquecedor a través de paisajes acústicos serenos. La pieza combina electrónica minimalista con una composición íntima y susurrada, construyendo una atmósfera contemplativa y tranquila que define el espíritu del EP. Con su enfoque delicado y meditativo, el tema invita a la introspección y refuerza la estética espiritual y envolvente que caracteriza esta colección sonora.




Just A Gent x Nevve Lanzan “Stardust”: Un Viaje Electrónico Más Allá de las Estrellas

Just A Gent x Nevve Lanzan “Stardust”: Un Viaje Electrónico Más Allá de las Estrellas

El productor australiano Just A Gent y la cantante Nevve se unen para presentar su nuevo sencillo Stardust, lanzado el 20 de febrero de 2026, un tema que lleva a los oyentes a un viaje musical que parece flotar más allá de la órbita terrestre. La canción combina una electrónica envolvente con melodías que evocan la luz de las estrellas, creando una atmósfera futurista y cinematográfica que transporta a quien la escucha a un espacio donde la música se siente como un viaje intergaláctico.



Stardust juega con la intensidad, alternando momentos de explosión rítmica con secciones más suaves que permiten saborear cada detalle de la producción. Esta dinámica genera la sensación de una fiesta en cámara lenta, donde cada sonido tiene su espacio y las texturas electrónicas se perciben como luces flotando en el cosmos. La voz de Nevve aporta un componente emocional que se mezcla a la perfección con la energía de Just A Gent, creando un equilibrio entre vulnerabilidad y poderío sonoro.

El tema no solo destaca por su producción innovadora, sino también por su capacidad de condensar emociones y sensaciones en apenas unos minutos, ofreciendo una experiencia intensa, emotiva y visual. Stardust confirma a Just A Gent y Nevve como referentes de la electrónica contemporánea, capaces de transformar un sencillo en una experiencia que trasciende lo musical y se siente como un viaje sensorial hacia el cielo.


Cinzia y “Tidal Wave”: electrónica cinematográfica para el despertar interior

Cinzia y “Tidal Wave”: electrónica cinematográfica para el despertar interior

Dentro de la electrónica pop llega Cinzia con una propuesta que combina sensibilidad, narrativa cinematográfica y un mensaje transformador. Su sencillo “Tidal Wave” se presenta como un himno de despertar interior, resiliencia y poder personal.

En “Tidal Wave”, Cinzia recurre a una imagen fantástica para hablar de algo profundamente humano: la sensación de poseer una fuerza interior aún dormida. La canción presenta la figura de una deidad obligada a vivir entre humanos, convertida en símbolo del potencial que cada persona guarda dentro de sí.



A partir de esta premisa, el tema construye una narrativa de entrenamiento silencioso, disciplina emocional y reconexión con la esencia propia. No se trata de una batalla externa, sino del momento decisivo en que alguien reconoce su poder y decide activarlo. El título funciona como símbolo del clímax: la ola representa la manifestación física de esa fuerza interior finalmente liberada.

Musicalmente, “Tidal Wave” se sitúa dentro de la electrónica alternativa, fusionando dance pop y pop electrónico con una sensibilidad melódica cercana al indie pop californiano. Su producción combina energía rítmica con una espacialidad sonora expansiva que genera una sensación épica sin perder cercanía emocional.

Capas atmosféricas, pulsos electrónicos y una construcción progresiva envuelven al oyente en una experiencia inmersiva. El resultado es un tema luminoso, ideal tanto para el movimiento como para esos momentos en los que se busca motivación, claridad o conexión interior.

El universo artístico de Cinzia se caracteriza por explorar temas como la transformación, la conexión emocional y el poder femenino. Su interpretación transmite firmeza y sensibilidad, construyendo una identidad sonora donde la vulnerabilidad se convierte en fortaleza.

“Tidal Wave” funciona así como un himno contemporáneo de empoderamiento: una invitación a recordar la fuerza interior, abrazar la propia historia y avanzar hacia una versión más auténtica de uno mismo.


Josh Fudge y fake it: groove nostálgico y la búsqueda de una conexión real

Josh Fudge y fake it: groove nostálgico y la búsqueda de una conexión real

El bedroom pop continúa expandiendo sus fronteras, Josh Fudge con su sencillo fake it, nos lleva a un adelanto de su próximo álbum little league, combina una estética retro con una sensibilidad emocional moderna, logrando un equilibrio irresistible entre introspección y ritmo.

Desde los primeros compases, la canción se apoya en líneas de bajo con groove y sintetizadores vintage que evocan una calidez analógica. Sobre esta base sonora, la voz suave y melancólica de Fudge transmite una vulnerabilidad contenida que conecta de inmediato con el oyente.



En fake it, Fudge explora el deseo de autenticidad y conexión genuina en un contexto marcado por la rutina y el vacío emocional. La canción captura esa tensión silenciosa entre lo que sentimos y lo que mostramos, entre la necesidad de cercanía emocional y la sensación de desconexión que a menudo define la vida contemporánea.

Más que un lamento, el tema funciona como una reflexión íntima envuelta en una atmósfera cálida y bailable, permitiendo que la introspección conviva con una ligereza rítmica que invita al movimiento.

Uno de los mayores atractivos del sencillo es su capacidad para sonar familiar y fresco al mismo tiempo. Las texturas de sintetizadores retro y la producción meticulosa remiten a una estética ochentera, mientras que su enfoque minimalista y emocional lo sitúa firmemente dentro del universo del bedroom pop actual.

Como segundo sencillo del álbum, fake it no solo amplía el universo sonoro presentado en lanzamientos anteriores, sino que también confirma la identidad artística de Fudge: un equilibrio entre sensibilidad emocional, elegancia sonora y una estética atemporal.


La belleza de soltar: el diálogo íntimo que da vida a June (Junio)

La belleza de soltar: el diálogo íntimo que da vida a June (Junio)

La colaboración entre Kris Piña y Karina Vélez llegacomo una propuesta que trasciende fronteras geográficas y emocionales. Su sencillo “June (Junio)” explora la ruptura amorosa desde una mirada íntima, asi como también construye un diálogo intercultural que une sensibilidades del Medio Oriente y el Caribe a través del indie pop bilingüe.

La canción se sostiene sobre una idea poderosa: no todas las despedidas ocurren al mismo tiempo para quienes las viven. A través de dos voces que habitan distintos momentos emocionales, el tema retrata ese desfase afectivo en el que una persona aún busca respuestas mientras la otra comienza a aceptar la distancia como parte inevitable del proceso.



El contraste temporal que da nombre a la canción funciona como una metáfora del duelo sentimental. Junio representa el impacto inicial y la negación ante el final de la relación, mientras septiembre simboliza la distancia emocional, la introspección y el inicio de la sanación.

En ese espacio intermedio conviven el apego al recuerdo y la necesidad de soltar, generando una narrativa profundamente reconocible para quienes han atravesado separaciones recientes.

Lejos de ser un recurso estilístico, el uso del inglés y el español responde a la dualidad emocional que atraviesa la canción. Las voces de Piña y Vélez se entrelazan con equilibrio, creando una conversación íntima donde persisten el amor, la memoria y la aceptación.

Musicalmente, June (Junio) se sitúa entre el indie pop contemporáneo, matices de latin pop y ecos de latin rock, apostando por una melodía clara y una atmósfera cálida que permite que el intercambio vocal lleve el peso expresivo.

En tiempos donde las distancias parecen inevitables, Kris Piña y Karina Vélez recuerdan que la música puede tender puentes, traducir emociones y conectar historias que, aunque nacen en distintos lugares del mundo, laten con una sensibilidad universal.


Romane Serda celebra el amor con “Le Grand Amour (Rendez-vous)”

Romane Serda celebra el amor con “Le Grand Amour (Rendez-vous)”

La cantante y compositora francesa Romane Serda, nominada a los Victoires de la Musique, abre un nuevo capítulo en su carrera con “Le Grand Amour (Rendez-vous)”, un tema pop-electro elegante y romántico, lanzado el 13 de febrero de 2026 a través de su sello independiente Odidon Prod. La canción llega justo a tiempo para el Día de San Valentín, y captura con maestría la chispa del amor a primera vista, combinando sofisticación, energía moderna y un toque de “French Chic” que recuerda a la estética parisina más icónica.



Con seis años de experiencia en Londres, Romane Serda aporta una perspectiva internacional que enriquece su música. En “Le Grand Amour (Rendez-vous)”, su voz delicada y susurrante se desliza sobre una base electrónica ligera, mientras los instrumentos acústicos, como un piano etéreo, acentúan la sensación de intimidad y romanticismo. La producción mezcla elementos sintéticos y analógicos, generando un equilibrio perfecto entre modernidad y tradición del pop francés.

El tema narra ese instante único en que la amistad se transforma en amor, capturando emociones de pasión, misterio y libertad. Los ritmos envolventes invitan al oyente a sumergirse en un ambiente elegante y seductor, evocando luces tenues y momentos de complicidad, mientras la canción celebra la intensidad del sentimiento sin perder la sofisticación característica de Romane Serda.


Un susurro en la tormenta: la atmósfera cautivadora de Falling by the Wayside

Un susurro en la tormenta: la atmósfera cautivadora de Falling by the Wayside

Ben Musser reafirma su identidad artística con “Falling by the Wayside”, un sencillo que combina la energía del blues-rock clásico con una mirada crítica hacia la apatía social contemporánea. La canción forma parte del universo creativo que rodea su próximo álbum Sentimental Fever y muestra a un compositor que no teme abordar temas incómodos desde una perspectiva honesta y directa.



Musicalmente, el tema se sostiene sobre una base donde destacan el piano Wurlitzer, guitarras slide de carácter expresivo y una sección rítmica sólida que evoca el espíritu del rock de los años setenta, pero con una producción moderna. El arreglo crece con intensidad a lo largo del tema, alternando momentos contenidos con pasajes de mayor fuerza que subrayan la urgencia emocional de la interpretación vocal.

En el plano lírico, “Falling by the Wayside” aborda la desconexión social, la cultura de la distracción y la indiferencia ante problemáticas colectivas. Musser lanza una advertencia sobre el peligro de la pasividad, invitando al oyente a mirar más allá de las pantallas y comprometerse con la realidad que lo rodea. Este enfoque convierte la canción en un llamado a la reflexión más que en un simple desahogo.

La interpretación vocal transmite determinación y cansancio a partes iguales, reforzando el mensaje de inconformidad que atraviesa la pieza. Esa mezcla de urgencia emocional y crítica social sitúa al sencillo como uno de los momentos más combativos del repertorio reciente del artista.


Jeff Draco renace en “Excess”: confesiones, catarsis y nuevo comienzo

Jeff Draco renace en “Excess”: confesiones, catarsis y nuevo comienzo

El artista indie-pop de Washington, D.C., Jeff Draco, marca el inicio de una nueva etapa con el lanzamiento de “Excess”, su primer sencillo desde el EP Attitude (2024). Tras 483 días sin publicar música el período más largo de su carrera, Draco regresa con una pieza profundamente honesta que funciona como catarsis emocional y declaración de principios artísticos.



“Excess” es una confesión abierta. En su estribillo, Draco no esquiva responsabilidades: admite haber vivido “en exceso”, atrapado en hábitos autodestructivos que terminaron dañando a alguien más. La canción explora la tensión entre intención y acción, entre la imagen que construimos de nosotros mismos y las consecuencias reales de nuestras decisiones. Más que un lamento, el tema se siente como un punto de inflexión: reconocer el error, tocar fondo y decidir cambiar.

En lo sonoro, “Excess” envuelve esa vulnerabilidad en una producción atmosférica y cinematográfica. Guitarras con un matiz nostálgico, ritmos contenidos y una estética que evoca el soft rock vintage se combinan con una sensibilidad indie contemporánea. El resultado es un paisaje sonoro melancólico pero luminoso, donde la introspección no se siente derrotista sino transformadora.