Acústico

Entre bosques y susurros: el mágico universo musical de Olivia Reid

By Oleada Indie / agosto 7, 2025

Olivia Reid es una cantautora, productora y compositora radicada en Nueva York que ha ido conquistando el panorama indie-folk con su propuesta musical íntima, poética y cargada de sensibilidad. Su voz calma combinada con letras que exploran las emociones más profundas del ser humano, crean una atmósfera sonora que invita a la reflexión y al encuentro con uno mismo.

Desde su debut con el EP Earth Water en 2021, Olivia ha demostrado una habilidad para fusionar elementos acústicos con paisajes electrónicos sutiles, creando un sonido fresco y a la vez cálido, cercano a artistas como Father John Misty, Maggie Rogers o Mt. Joy. Su música refleja un pulso tranquilo, como el latido constante de un corazón, con melodías que acarician y letras que transmiten honestidad y vulnerabilidad.

Olivia ha dado un paso más con el lanzamiento de sencillos como “Runner’s High”, “Wounds (Healing)” y su sencillo “Quite Simple”. Filmado en un bosque onírico, el video combina la danza contemporánea con una narrativa que invita a abrazar la alegría en las pequeñas cosas, a desacelerar y a encontrar luz en los momentos cotidianos.

Su EP, Space To Roam, es un viaje introspectivo y sonoro inspirado en las semanas de reflexión y composición que Olivia vivió en el campo polaco. Este nuevo trabajo reunirá canciones que hablan de espacio, tiempo y autodescubrimiento, consolidando su identidad artística y su capacidad para conectar emocionalmente con sus oyentes.

Para descubrir más de Olivia Reid, puedes seguirla en redes sociales y escuchar su música en todas las plataformas digitales. Su propuesta es un refugio sonoro en tiempos de ruido, un recordatorio de que en la sencillez también reside la magia.

Acústico/Rock

¿Sabe él lo que siente Stewart Gatsi?

By Rafael Méndez / agosto 6, 2025

En un mundo sonoro saturado de beats sintéticos, Stewart Gatsi irrumpe con un susurro acústico que pide ser escuchado. Desde Harare, Zimbabwe, hasta los escenarios del sudeste asiático, la voz de este cantante y compositor ha viajado cargada de emociones y matices. Su propuesta musical, que él llama New Age Alternative, desafía etiquetas y se apoya en una combinación sutil de soul, pop clásico y rock alternativo.

Su más reciente tema, Does He Know, es una muestra contenida pero poderosa de su sensibilidad artística. Acompañado únicamente por una guitarra acústica, Gatsi ofrece una interpretación íntima y reflexiva, guiada por su timbre de tenor cálido y claro. La canción no busca adornos innecesarios; su fuerza radica en la forma en que la voz y la melodía se abrazan, con una cadencia que parece hablar más de lo que dice.

Lo interesante de Stewart Gatsi es su capacidad para transmitir sin forzar. Sus letras, aunque directas, dejan espacio para la interpretación personal, como si sus canciones fueran espejos en los que cada oyente encuentra algo distinto. En Does He Know, la incertidumbre y el deseo se sienten en cada frase, sin dramatismos, solo con una honestidad cruda que se vuelve familiar.

Gatsi no es nuevo en esto. Ya había lanzado dos álbumes —The Telling Truth (2010) y Songs On My Bike (2019)—, consolidando un estilo propio que sigue expandiéndose con cada nueva entrega. Does He Know se suma a esa ruta personal, más cercana a una conversación en voz baja que a una declaración pública. Y quizás ahí está su atractivo: en su sencillez bien cuidada, que invita a quedarse un poco más.

Acústico/Altpop/Indie Pop

Entre la nostalgia y el optimismo: así suena el alma de Andy Tongren

By Oleada Indie / julio 13, 2025

Andy Tongren, conocido por ser el frontman de Young Rising Sons, ha emprendido una etapa como solista que revela su faceta más íntima y luminosa. Desde Brooklyn, este cantautor oriundo de Ohio se perfila como una de las nuevas voces más auténticas del indie folk contemporáneo, combinando la honestidad emocional con coros que invitan a cantar a todo pulmón.

Su debut como solista comenzó con el sencillo “So Good”, una canción que, paradójicamente, nació de un momento oscuro: viviendo en un sótano frío en las afueras de Bushwick, en pleno invierno. En lugar de sucumbir a la tristeza, Tongren canalizó ese vacío en una canción cálida y esperanzadora. “Solo quería sentir un poco de calor”, ha confesado. El resultado fue una pieza llena de luz, con un coro que funciona como un rayo de sol musical y una producción que no oculta sus imperfecciones, sino que las abraza como parte de su humanidad.

El artista en lugar de obsesionarse con la perfección, ha optado por dejar espacio a lo espontáneo, permitiendo que la emoción prime sobre lo técnico y es con su segundo sencillo, “Franconia”, que Andy Tongren ha demostrado todo el potencial de esta nueva etapa. La canción es un himno indie folk que habla del amor en su forma más profunda: esa conexión que se siente no solo con una persona, sino también con un lugar que termina por convertirse en un estado mental, un refugio emocional. Con una producción cálida y orgánica, un ritmo contagioso y letras que invitan a la introspección, “Franconia” se perfila como uno de esos temas que se quedan en el corazón mucho después de que termina.

Con una sensibilidad poética y una energía que invita a mirar el lado brillante de las cosas, Andy Tongren no solo es una promesa del indie folk: es ya una realidad que vale la pena escuchar, sentir y acompañar.

Acústico/Artpop/Experimental/Folk

Flora Cash: la sensibilidad sonora que abraza el alma con “heaven will have to wait”

By Oleada Indie / julio 12, 2025

Flora Cash, el dúo sueco-estadounidense formado por Shpresa Lleshaj y Cole Randall, ha consolidado su lugar en la escena musical como una de las voces más emotivas y auténticas del folk alternativo contemporáneo. Su música se caracteriza por la delicadeza, la introspección y una capacidad única para conectar con el oyente a través de letras profundamente personales y arreglos sonoros envolventes.

Su sencillo “heaven will have to wait” se presenta como una meditación íntima y conmovedora sobre el amor, la pérdida y la fragilidad de la vida. Desde sus primeros acordes, la atmósfera creada es suave y etérea, con texturas acústicas delicadas y armonías que acarician el alma. Las voces de Shpresa y Cole se entrelazan con una naturalidad que potencia la emotividad de la pieza, mostrando la vulnerabilidad que se ha convertido en su sello distintivo.

La letra de “heaven will have to wait” profundiza en la experiencia humana de enfrentar el dolor y la mortalidad, pero lo hace desde una perspectiva que irradia esperanza y paciencia. Es un tema que invita a quedarse, a sentir, a aceptar el proceso de sanar sin prisas. El uso de cuerdas elegantes y una percusión sutil aporta un colorido sonoro que, sumado a la producción pulida, convierte la escucha en una experiencia casi hipnótica.

Más allá de ser una canción, “heaven will have to wait” funciona como un refugio emocional para quienes atraviesan momentos difíciles, recordándonos que a veces la valentía está en simplemente permanecer y acompañar el dolor sin intentar apresurarlo.

Flora Cash continúa, con esta canción y su discografía en general, dejando una huella indeleble en sus seguidores gracias a su honestidad y la belleza sonora que comparten. Con lanzamientos recientes y una carrera en constante crecimiento, Shpresa y Cole siguen explorando los matices del amor y la vida, demostrando que la música puede ser un poderoso vehículo para la sanación y la conexión humana.

Acústico/Folk/Nuevo Pop

Seafret: sensibilidad británica con alma indie-folk

By Oleada Indie / julio 5, 2025

Desde las costas del norte de Inglaterra, Seafret formado por Jack Sedman (voz) y Harry Draper (guitarra), originarios de Bridlington llevan más de una década construyendo una discografía que se siente íntima, honesta y emocional. Su debut en 2016 con Tell Me It’s Real contiene canciones como “Oceans” y “Atlantis”.

El dúo ha transitado por el camino independiente y el circuito de grandes sellos, explorando distintas etapas creativas que han fortalecido su identidad sonora. Hoy, alejados del ruido corporativo y de vuelta en su ciudad natal, Seafret trabaja desde la libertad total, abrazando la madurez artística y un deseo renovado de seguir emocionando.

“Five More Seconds” nace de una sesión de estudio espontánea, en la que la química creativa entre Jack y Harry, junto con Tunstall, la canción se sumerge en ese momento crítico donde una decisión —tomada en apenas unos segundos— puede cambiarlo todo. Es una súplica por más tiempo, por una última oportunidad para salvar lo que parece desmoronarse.

La voz melancólica de Sedman se entrelaza perfectamente con la calidez y carácter de KT Tunstall, logrando una armonía que eleva cada verso. Musicalmente, el tema oscila entre el indie-folk emocional que caracteriza a Seafret y un aire más pop-rock épico que aporta profundidad y dinamismo.

Para Seafret, esta colaboración representa también un punto de inflexión. En pleno renacer artístico, luego de diez años desde su debut con “Atlantis” el dúo se muestra más independiente, enfocado y en control de su rumbo que nunca.

Acústico/Dream Pop/Nuevas Voces Femeninas/Voces Dulces

Teagan Johnston y su universo de piano, sombras y sueños

By Oleada Indie / julio 5, 2025

Teagan Johnston, anteriormente conocida como Little Coyote, es una cantautora nacida en el Yukón y criada entre Sudáfrica, España, Suiza y la costa oeste de Canadá, Teagan aporta una perspectiva global y profundamente enriquecida a su música, que se refleja en la complejidad y diversidad de su sonido.

Su estilo combina una fortaleza poderosa con una vulnerabilidad delicada, fundiendo un piano intrincadamente detallado con letras cargadas de amor, anhelo y la exploración de la oscuridad humana y el mundo de los sueños. Sus canciones tienen el poder de hechizar y reconfortar, despertando recuerdos cálidos de romances perdidos.

Su nuevo sencillo “FMJ” es un viaje íntimo y honesto que aborda su queerness, su relación con la espiritualidad, el romance y la sexualidad, temas que se entrelazan en un reflejo sincero de la vida en los primeros veinte años.

“FMJ” se adentra en las complejidades de las relaciones perdidas, la exploración personal y ese deseo profundo de encontrar a alguien que te salve en medio de la incertidumbre. La canción no solo es una expresión musical, sino también un testimonio de crecimiento y autodescubrimiento, que conecta con quienes atraviesan etapas similares de cuestionamiento y búsqueda.

El lanzamiento del sencillo viene acompañado de un video influenciado profundamente por la estética y atmósfera de la película The Virgin Suicides de Sophia Coppola, el video fue filmado en un antiguo granero y una iglesia abandonados, capturando una sensación nostálgica y onírica mediante el uso de formatos analógicos como Super 8 y VHS. La inclusión de un caballo Clydesdale añade un toque poético y casi místico a las imágenes, reforzando la conexión entre lo terrenal y lo espiritual que atraviesa la canción.

Acústico/Tropical

Kabusa Oriental Choir: Voces que cruzan fronteras con “Cannabi”

By Rafael Méndez / junio 28, 2025

Desde Nigeria, más precisamente desde el Territorio Capital Federal, el coro Kabusa Oriental Choir ha ido ganando un lugar singular en el mapa musical global. Su nuevo lanzamiento, Cannabi, se aleja de los covers que inicialmente los hicieron virales para entregarnos una pieza original con ritmo oriental y un juego coral que, lejos de sonar uniforme, despliega múltiples capas vocales que se cruzan en distintas octavas.

La canción destaca por su estructura coral poco convencional. Lejos de limitarse a un solo plano melódico, Cannabi entrelaza varias voces simultáneamente, generando una textura rica que recuerda por momentos al canto litúrgico, pero con un giro contemporáneo. Esta mezcla de tradición y modernidad ha sido una de las constantes en la evolución del grupo dirigido por Austin Chinemezu Nwamara, quien ha sabido explorar nuevas formas sin abandonar el espíritu coral que los caracteriza.

El coro comenzó su camino en 2019 con versiones corales de canciones populares que rápidamente se viralizaron, pero ha sido a partir de temas propios como “Valentine is Coming” o la “Corona Song” que comenzaron a trazar su propia narrativa musical. Con Cannabi, Kabusa Oriental Choir reafirma su intención de ir más allá del entretenimiento, presentando piezas que despiertan curiosidad y desafían los formatos tradicionales del pop coral.

Aunque el nombre pueda prestarse a interpretaciones, la propuesta de “Cannabi” no es provocadora en lo explícito, sino en lo musical. Es un coro que juega con el contraste entre solemnidad y ritmo, entre lo ceremonial y lo experimental. En un panorama musical saturado de fórmulas, Kabusa Oriental Choir propone una alternativa que no busca complacer a todos, pero sí hacerse notar desde su propio terreno.

Acústico/Folk/Minimalista/Nuevo Pop

Conner Cherland: entre la vulnerabilidad y la belleza de lo cotidiano

By Oleada Indie / junio 27, 2025

Con una voz que transmite calidez, honestidad y profundidad emocional, Conner Cherland llega como uno de los cantautores más sensibles de la escena indie folk actual. Desde Los Ángeles, este músico estadounidense se anclan en la verdad emocional, el detalle cotidiano y una visión poética del mundo.

Su primer álbum de larga duración, LAKE (2023), marcó un antes y un después en su carrera. Más allá de su delicada producción y su cuidada composición, el disco es una exploración sincera del duelo, la fe, el amor y la intimidad. Parte del mérito recae en la colaboración con The Blasting Company, conocidos por crear la música de la serie Over the Garden Wall, quienes no solo participaron en la producción, sino que también ofrecieron mentoría artística a Cherland en el proceso. El resultado es un trabajo que logra ser a la vez íntimo y expansivo, técnico y profundamente humano.

En 2024, lanzó el EP Two Years Time, una extensión emocional y conceptual de LAKE, acompañando cada canción con una figura tallada en madera, como símbolo de que cada tema tiene forma, peso y textura propia. Esta atención al detalle también se percibe en su sencillo más reciente, “Good News”, una canción que invita a vivir el presente, a encontrar luz incluso en medio del caos, y que se siente como un rayo de sol después de la lluvia. Su fusión de folk, pop alternativo y arreglos orgánicos nos recuerda a artistas como Sufjan Stevens, City and Colour o Ed Sheeran, a quienes él mismo cita como influencias.

Conner Cherland comenzó a escribir música mientras estudiaba en la Universidad de California, Santa Bárbara (UCSB), y tras abandonar una posible carrera en el mundo tecnológico, apostó todo por la música. Desde entonces ha autoeditado varios EPs —entre ellos Wanting Man (2016) y Call Waiting (2022)—, y ha logrado financiar parte de sus proyectos a través del apoyo directo de su comunidad de oyentes.

Acústico/Altpop/Indie Pop/Nuevo Pop

WILD: La frescura del folk indie californiano que conquista corazones

By Oleada Indie / junio 26, 2025

WILD es un trío originario de Los Ángeles que ha sabido combinar la calidez del folk con la sensibilidad del indie pop para crear un sonido propio. Desde sus inicios, la banda ha destacado por su capacidad para contar historias íntimas a través de melodías cuidadas y arreglos que combinan la sencillez con una producción detallada y sofisticada.

Su música refleja la influencia del entorno en el que se desenvuelven: la inmensidad y diversidad de Los Ángeles impregnan sus composiciones, dándoles un aire cinematográfico y evocador.

“Sitting On Top Of The World” es una canción que captura esa sensación mágica y pura de triunfo tras superar grandes desafíos personales, inspirada en la energía y el espíritu de superación que representan los Juegos Olímpicos. La pieza se construye con melodías ascendentes, ricas armonías vocales y arreglos sonoros envolventes, que transmiten una sensación de euforia contenida y esperanza renovada.

Este tema refleja la evolución constante de WILD, que recientemente incorporó a la cantante Dana Williams, aportando una nueva profundidad vocal que enriquece la textura sonora del grupo. La producción, realizada en su propio estudio en Los Ángeles, equilibra a la perfección la emoción y la sobriedad, permitiendo que cada instrumento y cada voz tengan su espacio para brillar.

Acústico/Folk

“Tribe”: La intimidad acústica que se transforma en estallido

By Rafael Méndez / junio 22, 2025

Desde Hitchin hasta los escenarios de Manchester, Danny Addison ha venido construyendo una identidad que se mueve entre lo folk y lo alternativo. Su formación dentro de una familia musical y su recorrido por festivales del Reino Unido han moldeado un estilo que apuesta por los arreglos cuidados, sin perder espontaneidad. En Tribe, su más reciente entrega, Addison opta por una instrumentación sencilla al inicio, guiada por una guitarra y una voz de tenor que no necesita imponerse para generar atención.

La canción no se apoya en recursos grandilocuentes desde el comienzo. Por el contrario, Tribe arranca en tono contenido, casi íntimo, como si apenas se susurrara una historia al oído. Pero esa calma inicial es solo el preludio de un desarrollo más amplio: a medida que avanza, se suma una explosión medida de instrumentos acústicos que enriquecen el clima sin perder su carácter orgánico.

Lo interesante está en cómo Addison articula esa progresión. No se trata de subir el volumen por subirlo, sino de construir una atmósfera que evoluciona naturalmente. Su voz, de registro tenor, se mantiene firme entre cuerdas, percusiones y texturas que no saturan. El resultado no es un himno de estadio ni una balada tradicional: es algo más personal, que se alimenta del pulso colectivo pero permanece en lo emocional.

Con Tribe, Danny Addison no pretende imponer una fórmula ni encajar en las etiquetas habituales del indie-folk. Más bien, entrega una canción que se transforma mientras respira, manteniendo una coherencia sonora que acompaña cada verso. En un panorama donde muchos buscan sobresalir por exceso, esta propuesta destaca por saber cuándo dejar que los sonidos hablen por sí mismos.