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Chico Jorge: El Nuevo Proyecto de Jordi Bastida que Fusiona Indie Pop, Noise y Emociones Universales

Chico Jorge: El Nuevo Proyecto de Jordi Bastida que Fusiona Indie Pop, Noise y Emociones Universales

Jordi Bastida, conocido por su trabajo como guitarrista en bandas como Sidonie y Alizzz, ha decidido recuperar su proyecto personal Chico Jorge para dar un nuevo paso en su carrera musical. Tras años de compartir escenario con grandes artistas y de aportar su talento en diversas producciones, Bastida presenta su álbum debut bajo el nombre de Chico Jorge, un trabajo que estará disponible a través del sello Magic in the Air Records tras el verano de 2025.

El primer adelanto del álbum, titulado “cupido enamorado”, es una muestra de lo que será el sonido de Chico Jorge. Con un estilo que fusiona el indie pop con el noise, el tema destaca por su energía frenética, con guitarras rotas y baterías intensas que reflejan la fuerza destructiva del amor en sus primeras fases de enamoramiento. La instrumentación nerviosa y acelerada se combina con una lírica que reflexiona sobre cómo el amor puede ser a la vez hermoso y devastador. La canción nos transporta a un lugar donde la pasión y el caos se entrelazan, pero al final, como siempre en las canciones de Chico Jorge, hay una luz al final del túnel.



Este tema sigue la línea de su EP debut Chico Jorge i (2021), que lo introdujo como un artista con una visión clara y una propuesta musical sólida. Al igual que el EP, “cupido enamorado” se inspira en bandas como Deerhunter, Wilco, The Strokes, y otros referentes de la escena indie. Sin embargo, la influencia de Alizzz, con quien Bastida comparte una estrecha relación profesional, también se siente en los arreglos y la atmósfera sonora, destacándose el pop-rock de ascendencia británica que caracteriza tanto a la música de Alizzz como a la de Bastida.

En “cupido enamorado”, Bastida captura la esencia de enamorarse, no solo de una persona, sino de la idea misma del amor. La letra nos lleva por un recorrido de deseos no correspondidos, promesas que se desvanecen con el tiempo y la eterna búsqueda de la conexión emocional. Los versos evocan imágenes de momentos fugaces, como esos mensajes de texto nunca enviados que, aunque no llegan a ser leídos, permanecen en la memoria.

Las capas sonoras y las texturas electrónicas añaden profundidad a la canción, creando un ambiente en el que el oyente se siente envuelto por la atmósfera melancólica y nostálgica que se desprende de cada acorde.


Bienvenido a la Nueva Ola #592 | hazy waters, Ufo ufo, Eterno

Bienvenido a la Nueva Ola #592 | hazy waters, Ufo ufo, Eterno

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


hazy waters – overdose | Reino Unido

hazy waters es un trío londinense que fusiona la crudeza del rock alternativo de los 90 con las atmósferas envolventes del shoegaze. Su música, cargada de energía emocional y texturas hipnóticas, aborda temas como relaciones tóxicas, dolor emocional y la dualidad entre placer y sufrimiento. Con sus primeros sencillos, “attention” y “overdose”, la banda ha demostrado una propuesta intensa y provocadora, posicionándose como una voz emergente y poderosa dentro del indie alternativo contemporáneo.


Ufo ufo – Underestimated Your High | Estados Unidos


fob x AxM – Eterno | México

fob y AxM colaboran en “Eterno”, una pista que fusiona Dance, House y Future Bass para narrar la historia de una pareja atrapada entre la realidad y el deseo, anhelando escapar a un paraíso eterno. Con una producción envolvente y una progresión emocional que cautiva a los oyentes, la canción busca crear una conexión profunda.


Bienvenido a la Nueva Ola #591 | The Indestructible Water Bear, CHAD, Neon Wake

Bienvenido a la Nueva Ola #591 | The Indestructible Water Bear, CHAD, Neon Wake

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The Indestructible Water Bear – I Walk the Night | Estados Unidos

The Indestructible Water Bear es una banda original de indie rock con base en Filadelfia, caracterizada por una energía emo y liderada por la poderosa voz de Gail Farmer. Con un sonido influenciado por el rock alternativo de los 90 y comparado con bandas como Alvvays, Hop Along, The Sundays y The Cranberries. Su álbum debut Everything Is OK explora la complejidad del amor, el duelo y la resiliencia emocional, destacando especialmente el sencillo “I Walk the Night”, una introspectiva oda al dolor y la belleza de la vulnerabilidad.


CHAD – Ghost Out Now | Estados Unidos

CHAD es una banda de slacker pop originaria de Portland, Oregon, formada en 2018, con su estilo relajado, sonidos nostálgicos y letras sobre relaciones y emociones cotidianas la banda ha publicado dos EPs publicados (Under the Firmament y Good Talk) y su reciente álbum debut mid, lanzado en abril de 2025, CHAD ha consolidado su identidad musical mezclando influencias retro con el pop contemporáneo. Su sencillo “Ghost Out Now” explora el dolor de las relaciones unilaterales y el fenómeno de ser ignorado emocionalmente.


Neon Wake – nosebleed | Estados Unidos

“Nosebleed” de Neon Wake es una canción melancólica impulsada por sintetizadores que aborda el agotamiento, la desconexión emocional y el miedo a enamorarse demasiado rápido. Con sintetizadores brillantes y melodías envolventes, transmite esa sensación introspectiva de una noche solitaria llena de pensamientos.


Bienvenido a la Nueva Ola #590 | IDA JANE, Savoi, Keeli Jordan

Bienvenido a la Nueva Ola #590 | IDA JANE, Savoi, Keeli Jordan

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IDA JANE – Smile | Suiza

IDA JANE es una cantante y compositora con raíces australianas, conocida por su fusión de indie pop y blues. Su música captura emociones auténticas y experiencias personales, como su fascinante travesía de dos años en bicicleta por la Carretera Pamir en Asia Central, y temas universales como el amor, las relaciones rotas y la amistad. Tras un proceso introspectivo, finalmente lanzó su canción más personal, “Smile, Little Boy”, escrita para su hijo, que refleja la importancia de la bondad y la magia de una sonrisa en momentos de incertidumbre.


Keeli Jordan – small talk | Estados Unidos

Keeli Jordan es una cantante y compositora filipino-estadounidense de pop, indie y alternativa. A los 14 años, empezó a componer canciones que reflejan sus experiencias personales y su deseo de conectar con los oyentes. A través de sus letras, busca brindar apoyo a aquellos que atraviesan procesos de sanación emocional. Su tema “small talk” aborda la frustración de la superficialidad en las relaciones modernas y el deseo de ir más allá de las expectativas vacías del mundo de las citas.


Savoi – Collide | Australia

Savoi es un compositor, productor y artista australiano, radicado en Brisbane, especializado en música electrónica y pop. Savoi se hizo especialmente famoso por su participación en el éxito “Next To You” de LDRU, que alcanzó el oro en Australia. Ha trabajado con artistas como Shock One, Two Can, Hounded y WRLD.


Bienvenido a la Nueva Ola #589 | LEVI LEVI, Angie Twelve, Doug Gatta

Bienvenido a la Nueva Ola #589 | LEVI LEVI, Angie Twelve, Doug Gatta

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LEVI LEVI – BB QUÉDATE | México

LEVI LEVI es un artista que fusiona géneros como el trap, la electrónica, el rock y el punk. Su estilo experimental lo han posicionado como una de las propuestas más frescas dentro del alt-urbano actual. LEVI LEVI captura la esencia de momentos de cambio y desamor, todo mientras mantiene un enfoque auténtico y directo.


Angie Twelve – Shade of blue | Francia

Angie Twelve originaria del sur de Francia es influenciada por una géneros como la clásica hasta el rock, asi como bandas como Muse, Radiohead y Pink Floyd marcando su estilo. Desde los 6 años, ha tocado el piano y cantado, y comenzó a tocar la guitarra a los 15. Componiendo y grabando todos los instrumentos de sus canciones originales, se destaca por su capacidad de fusionar elementos clásicos con el rock moderno.


Doug Gatta – Bet on the Night | Estados Unidos


CatchTwentyTwo: La Nueva Voz del Disco Contemporáneo y el Pop Emocional

CatchTwentyTwo: La Nueva Voz del Disco Contemporáneo y el Pop Emocional

CatchTwentyTwo, el cantante, compositor y productor originario del sur de Florida, está convirtiéndose en una de las figuras emergentes más interesantes de la música alternativa y el disco contemporáneo. La historia de CatchTwentyTwo comienza con una vida marcada por constantes mudanzas: Florida, Arkansas, Texas y Oklahoma fueron los estados que acompañaron su crecimiento personal y artístico. Fue en medio de esta migración constante donde nació su pasión por la música.

Desde joven, CatchTwentyTwo se sintió atraído por el poder de la música para comunicar emociones, y fue en la escuela secundaria cuando comenzó a perfeccionar sus habilidades musicales, tomando clases de coro y aprendiendo a tocar el piano. A lo largo de los años, su amor por la música se transformó en una carrera como productor, compositor y artista, enfocándose en crear una música que no solo sonara bien, sino que también expresara sus sentimientos más profundos.

Aunque sus influencias incluyen leyendas como Michael Jackson, Prince y Daft Punk, CatchTwentyTwo no busca solo revivir sonidos del pasado. En su lugar, toma esos elementos clásicos del disco y el pop y los fusiona con un enfoque moderno que lo distingue del resto de la escena. Artistas como The Weeknd, Tame Impala, Toro y Moi y Bruno Mars también han dejado su huella en su música, lo que se refleja en la producción pulida y las melodías pegajosas de sus canciones.



Con su más reciente sencillo, “He Doesn’t Love You”, es el primer adelanto de su proyecto “exxxtreme disco”, que promete ser una obra llena de glamour retro, con un enfoque fresco y contemporáneo. “He Doesn’t Love You” es un tema que mezcla la estética del disco con elementos de pop alternativo, creando una atmósfera que invita tanto a la reflexión como a la pista de baile.

El sencillo habla de un amor no correspondido, de enamorarse de alguien que ya está en una relación, pero saber que tú podrías amarlos mejor. La canción captura con una precisión desgarradora las emociones que se experimentan cuando vemos a esa persona especial ser tratada por alguien que no la valora de la manera que tú lo harías. A pesar de su temática melancólica, la canción tiene un ritmo contagioso que se convierte en una especie de himno de disco moderno, que contrasta maravillosamente con la profundidad de sus letras.


“Queens”: El hechizo synthpop de Parlour Magic que transforma la nostalgia en arte

“Queens”: El hechizo synthpop de Parlour Magic que transforma la nostalgia en arte

Desde el corazón de Nueva York emerge Parlour Magic, el proyecto de synthpop liderado por el productor y artista multimedia Luc Bokor-Smith. Con una estética sonora que remite a la nostalgia de los años 80 y una visión profundamente contemporánea, Parlour Magic ha logrado establecer un estilo propio que brilla con sofisticación, melancolía y una marcada identidad visual.

El debut discográfico llegó con The Fluid Neon Origami Trick (2020), un álbum que estableció las bases del universo Parlour Magic: sintetizadores analógicos, estructuras melódicas envolventes y una producción impecable. Más adelante, el EP Hydrogen Palace (2021) expandió este lenguaje con una sensibilidad más experimental, confirmando que Bokor-Smith no es solo un músico, sino un arquitecto sonoro.



En octubre de 2024, lanzó su segundo álbum de estudio, Saturn Return, una obra ambiciosa grabada a lo largo de casi tres años entre Nueva York, Las Vegas y Berlín, y coproducida junto a Fab Dupont. El título hace referencia al fenómeno astrológico que simboliza el cierre de un ciclo vital y el comienzo de otro, una metáfora precisa para un álbum introspectivo, pulido y emocionalmente expansivo. En temas como Queens, se siente la madurez artística de Bokor-Smith: líneas vocales suaves sobre un tapiz de sintetizadores brillantes, armonías cuidadas y una atmósfera casi cinematográfica.

“Queens” se presenta como un viaje de tres minutos a través de sintetizadores analógicos, texturas envolventes y una sensibilidad melódica que recuerda la grandeza de los años 80, pero con un enfoque contemporáneo y cinematográfico. Producido junto al renombrado Fab Dupont, el tema forma parte “Saturn Return“.


Entre Ritmos y Alucinaciones: “Psychoactive Love” de Chris Jobe

Entre Ritmos y Alucinaciones: “Psychoactive Love” de Chris Jobe

Psychoactive Love irrumpe con un pulso original, donde Chris Jobe amalgama rock, pop moderno y texturas experimentales en un mismo compás. El teclado se erige como un contrapunto brillante, agregando capas sonoras que invitan a descubrir nuevos rincones en cada escucha. La producción, tan pulida como disfrutable, hace que el tema se sienta tan inmediato como impredecible.

La voz de Chris Jobe encuentra en Psychoactive Love un terreno fértil para desplegar su característica emotividad. Con registros que van del susurro al clímax, su interpretación enriquece cada cambio de ritmo. No es solo la técnica lo que atrapa, sino esa cualidad de cercanía que convierte cada verso en un relato personal.



El recorrido de Chris Jobe, desde su aparición en NBC’s Songland hasta sus colaboraciones internacionales, ha sido un constante cruce de géneros. En esta canción, el bedroom pop se tiñe de un aire más dinámico, mientras las influencias soul y rock asoman sin estridencias. Los ganchos melódicos, pulidos tras 14 millones de reproducciones, siguen sorprendiendo por su capacidad para quedarse en la memoria.

En definitiva, Psychoactive Love se suma al catálogo de un artista que se niega a estancarse. La fusión de estilos aquí no es un truco, sino una forma de explorar caminos inusuales dentro del pop contemporáneo. La canción no necesita grandes adornos para mantener su frescura; basta con esa mezcla de ritmos, teclados y una voz que sabe cómo mantenerse siempre en control.


Cuerdas, silencios y buen ritmo: eggcorn nos sorprende con “Hitler Was a Vegetarian”

Cuerdas, silencios y buen ritmo: eggcorn nos sorprende con “Hitler Was a Vegetarian”

En un mar de producciones donde el artificio suele dominar, eggcorn presenta “Hitler Was a Vegetarian”, una canción que se desmarca con una atmósfera serena y penetrante. Lo primero que llama la atención es la presencia de las cuerdas frotadas, que no solo adornan el tema, sino que lo sostienen, dándole un cuerpo orgánico y envolvente. Es una propuesta que se mueve dentro del indie pop, pero no teme acercarse a lo acústico con una sensibilidad particular.

La voz de eggcorn —proyecto encabezado por Lara Hoffman— se despliega con una expresividad que no exagera, pero que sabe comunicar. Su flexibilidad emocional permite que el ritmo pausado no se vuelva monótono, sino hipnótico. Hay en la interpretación una contención calculada, como si cada palabra estuviera pensada para mantener la intimidad de una idea sin diluir su potencia.



Desde su primer lanzamiento en 2020, eggcorn ha transitado un camino donde la música y la introspección van de la mano. En este nuevo álbum, Observer Effect, la artista parte de un concepto tan filosófico como concreto: la manera en que la observación transforma lo observado. Y en este sentido, cada canción parece diseñada como una mirada interna que, al hacerse pública, transforma también al oyente.

“Hitler Was a Vegetarian” no es una provocación gratuita, sino un título que parece señalar las contradicciones humanas y lo que elegimos ver o ignorar. Con un pasaje reflexivo, contenido en arreglos suaves y una producción que pone la honestidad por encima del adorno.


Hamish Anderson nos recuerda que no estamos solos en “Everybody”

Hamish Anderson nos recuerda que no estamos solos en “Everybody”

En un momento en el que el mundo se vio obligado a detenerse, el artista australiano Hamish Anderson encontró en el silencio una puerta hacia adentro. De esa introspección profunda nació “Everybody”, una canción que representa un renacer musical, sino también una afirmación emocional de lo que significa estar perdido… y reencontrarse.

Lanzado el 11 de octubre de 2024 como parte de su más reciente álbum Electric, “Everybody” es una carta abierta al alma. Con una guitarra que respira blues y un ritmo que dialoga con la nostalgia y la esperanza, Anderson conecta con un sentimiento compartido por millones tras la pandemia: el aislamiento, la búsqueda de sentido, y la necesidad urgente de reconexión.

“Este álbum habla de estar aislado del mundo y de mirarse al espejo después de años de evitarlo. Es sobre redescubrir quién eres, reconectarte con lo esencial, y usar la música como puente”, cuenta Anderson.



Durante los confinamientos, el artista se reencontró con su yo más joven, el niño de 12 años que pasaba horas tocando guitarra sobre discos de Hendrix, Buddy Guy o Jeff Beck. Esa reconexión con sus raíces musicales marcó el ADN de Electric, un trabajo donde la guitarra eléctrica no solo lidera, sino que cuenta una historia emocional por sí misma. En “Everybody”, esta narrativa se manifiesta en un solo que va de lo tímido a lo seguro, como si también viajara desde la confusión hacia la claridad.

La letra no ofrece soluciones fáciles ni finales felices forzados. En cambio, ofrece compañía: “Everybody’s felt this way / Everybody knows this pain” (“Todos se han sentido así / Todos conocen este dolor”). Es una afirmación de vulnerabilidad compartida, que en lugar de aislar, une.