Blog

Olive Jones presenta “Kingdom”, un himno político lleno de soul y blues electrónico

Olive Jones presenta “Kingdom”, un himno político lleno de soul y blues electrónico

La cantante y compositora británica Olive Jones continúa como una de las voces más prometedoras del soul y el indie alternativo en Reino Unido con el lanzamiento de su nuevo single “Kingdom”, adelanto de su álbum debut For Mary, que saldrá a la luz el 13 de marzo de 2026.

“Kingdom” llega como una canción poderosa y reflexiva que combina influencias de blues y electrónica, creando un sonido sofisticado que envuelve al oyente desde los primeros segundos. La temática de la canción es clara y directa: Olive aborda la división social y política, inspirada en los momentos de tensión del Brexit, y nos invita a reflexionar sobre la necesidad de encontrar puntos en común para construir un mundo más unido. La artista describe esta pieza como su himno político, donde la lírica comprometida se encuentra con un ritmo cautivador y lleno de vitalidad.



Este single no solo destaca por su mensaje, sino también por su ejecución musical. Las guitarras, los arreglos electrónicos y la voz característica de Olive, dulce, introspectiva y llena de emoción, crean un balance perfecto entre lo moderno y lo vintage, demostrando su madurez artística y sensibilidad musical.

El álbum For Mary recopila 12 canciones inspiradas en distintas etapas de la vida de Olive, en sus emociones y experiencias personales. Cada tema refleja una parte de su historia y personalidad, haciendo del disco una obra íntima y cohesionada que promete consolidar a Olive Jones como una de las artistas más importantes del soul contemporáneo británico. Con “Kingdom”, Olive nos invita no solo a disfrutar de un sonido cautivador, sino también a reflexionar y sentir, mostrando que el arte puede ser un vehículo poderoso para la conciencia social. Este single es, sin duda, una prueba del talento y la visión de una artista que ya está dejando su huella en la música actual.


Aukai presenta “Yobue”: la calma como lenguaje sonoro

Aukai presenta “Yobue”: la calma como lenguaje sonoro

Aukai regresa con “Yobue”, un sencillo instrumental que reafirma la identidad del proyecto como un espacio de introspección, pausa y sensibilidad sonora. Bajo la dirección creativa de Markus Sieber, la pieza se construye sin necesidad de palabras, confiando plenamente en el poder emocional del sonido para transmitir un mensaje de serenidad y transformación interior.



Desde los primeros segundos, “Yobue” envuelve al oyente en una atmósfera etérea y expansiva. Arreglos de cuerdas delicadas, donde el arpa adquiere un protagonismo especial, se entrelazan con sutiles capas de sintetizadores que aportan profundidad y calidez. La composición fluye con naturalidad, invitando a cerrar los ojos y dejarse llevar por un viaje introspectivo que evoca la idea de calma tras la tormenta, recordándonos que incluso los momentos más intensos son siempre pasajeros.

La estructura del tema destaca por su elegancia y su desarrollo orgánico. No hay rupturas bruscas ni dramatismos forzados; cada sonido parece colocado con intención, como si la música respirara junto al oyente. En ese equilibrio entre fragilidad y amplitud, “Yobue” se convierte en una experiencia casi meditativa, ideal para momentos de contemplación, descanso o reconexión emocional.

Con este lanzamiento, Aukai continúa explorando la música como un refugio sensorial y espiritual. “Yobue” no solo funciona como un adelanto del universo sonoro que Markus Sieber sigue construyendo, sino también como una invitación a transformar el miedo en inspiración y el silencio en un espacio fértil para el renacer interior. Es una pieza que no se escucha de manera superficial, sino que se habita, dejando una huella sutil pero profunda en quien se permite detenerse y escuchar.


Louie El Ser y “Cicada”: el arte de esperar en un paisaje sonoro nocturno

Louie El Ser y “Cicada”: el arte de esperar en un paisaje sonoro nocturno

Louie El Ser continúa expandiendo su universo con «Cicada», un sencillo hipnótico e introspectivo que firma en colaboración con el también artista latino de San Francisco Peña. Inspirada en el ciclo vital de la cigarra, capaz de permanecer entre trece y diecisiete años bajo tierra antes de emerger, la canción utiliza esta metáfora natural para reflexionar sobre la paciencia, el tiempo y la confianza en los procesos personales. Más que una simple escucha, Cicada se presenta como una experiencia sensorial que invita a detenerse y observar el ritmo interno de las emociones.



Musicalmente, el tema se mueve entre el darkwave, el alt-pop latino y paisajes electrónicos de carácter nocturno. La producción, liderada por Louie El Ser, se construye a partir de percusiones lentas y pulsantes que generan una tensión contenida, mientras capas ambientales y sintetizadores etéreos envuelven al oyente en una atmósfera íntima y casi meditativa. La participación de Peña aporta guitarras y líneas de bajo suaves pero profundas, que refuerzan el carácter onírico del track y crean un diálogo orgánico entre ambos artistas.

En el plano lírico, Cicada aborda la espera consciente: ese momento en el que se sabe que algo llegará —amor, crecimiento, reconocimiento—, aunque no se pueda acelerar su aparición. Louie El Ser y Peña convierten esa certeza silenciosa en una narrativa emocional que conecta con la ansiedad moderna, pero propone la calma como respuesta. Cada verso parece respirar junto a la producción, dejando espacios de silencio que funcionan como parte esencial del discurso sonoro.

Con «Cicada», Louie El Ser construye mundos propios, donde la sensualidad, la introspección y la exploración sonora conviven sin concesiones. El sencillo no busca el impacto inmediato, sino una conexión más profunda y duradera, recordándonos que, al igual que la cigarra, hay procesos que solo florecen cuando llega su momento exacto.


LA NUEVA OLA 2026 #14 | Alexander Greenfield, Navah Sea y Sister Wanzala

LA NUEVA OLA 2026 #14 | Alexander Greenfield, Navah Sea y Sister Wanzala

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Alexander Greenfield – Inside Tears | Bélgica

El recorrido comienza con Alexander Greenfield y su tema Inside Tears, una canción que se mueve con un ritmo encantador y relajado. Su estilo rock se combina con detalles que aportan elegancia, logrando una pieza que se siente cercana y con personalidad. La voz barítona se convierte en el centro de la propuesta, acompañada por un ambiente que invita a escuchar con calma y atención.

El artista belga Alexander Greenfield se inspira en figuras como Paul McCartney y Elton John, llevando adelante la tradición del pop clásico. Su música se construye con piano juguetón, violín con tintes jazz, bajo marcado y percusión sutil. Cada arreglo transmite la sensación de un viaje nostálgico, como un trayecto en tren hacia un lugar ideal que quizá ya no existe, pero que revive en cada nota.


Navah Sea x MAUDSLEY – Who Said | Estados Unidos

La segunda propuesta llega con Navah Sea en colaboración con MAUDSLEY y su tema Who Said, una canción que destaca por la riqueza de sus detalles. La construcción musical se siente cuidada y llena de efectos que aportan vida, mientras la voz se integra con naturalidad y le da un carácter especial. La pieza transmite energía y se convierte en una experiencia envolvente que atrapa desde el inicio

Detrás de Navah Sea está Phil Simmonds, compositor, productor y artista visual británico que actualmente reside en Los Ángeles. Su propuesta refleja un interés por lo experimental y lo emocional, mostrando cómo la música puede convertirse en un espacio de exploración. Con esta colaboración, logra un tema que se siente íntimo y expansivo al mismo tiempo, reafirmando su capacidad de crear atmósferas únicas.


Sister Wanzala – Don’t Be Good To Me | Reino Unido

Finalmente encontramos a Sister Wanzala con Don’t Be Good To Me, una canción ligera que se apoya en un estilo minimalista. Los ganchos que aparecen a lo largo de la pieza logran atrapar al oyente, mientras los destellos indie pop aportan frescura. La propuesta se siente sencilla pero efectiva, transmitiendo un aire juvenil y directo.

El proyecto Sister Wanzala está formado por dos hermanos que desde pequeños soñaron con ser parte del mundo musical. A lo largo de los años han lanzado distintos trabajos, algunos incluso retirados de circulación, y hoy continúan explorando su estilo con nuevos sencillos. Su música refleja tanto la persistencia como la búsqueda de identidad, mostrando que incluso lo minimalista puede tener fuerza.


En conclusión, Alexander Greenfield, Navah Sea y Sister Wanzala nos presentan tres propuestas distintas que enriquecen la música emergente. Desde la elegancia del rock clásico hasta la experimentación detallada y el minimalismo indie, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical


LA NUEVA OLA 2026 #13 | Patrick Sampson, &Tilly, CAYU

LA NUEVA OLA 2026 #13 | Patrick Sampson, &Tilly, CAYU

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Patrick Sampson – Lost in Montana | Estados Unidos

Patrick Sampson es un singer-songwriter que destaca por una madurez compositiva poco habitual para su edad, combinando una narrativa profunda con una sensibilidad íntima y cinematográfica. En “Lost in Montana”, el artista construye un viaje emocional marcado por la nostalgia y la melancolía, donde los paisajes funcionan como metáforas de sentirse perdido y en búsqueda de guía. Con una instrumentación folk rock que incluye guitarras atmosféricas y violín, y una voz cálida y melódica al frente, la canción invita al oyente a sumergirse en un espacio de calma, reflexión y conexión emocional.


&Tilly – Plenty | Republica Checa

&Tilly es un proyecto de sensibilidad etérea y espíritu introspectivo que se mueve con libertad entre el dark pop, el synthpop y la electrónica emocional, construyendo canciones desde la emoción más honesta. En Plenty, reinterpretación del tema de aeseaes, la artista transforma el original en una experiencia íntima y envolvente, donde las atmósferas suaves, los arreglos electrónicos delicados y su voz hipnótica crean un espacio de pausa y reflexión. Lejos de la grandilocuencia, el cover apuesta por la sutileza y la ambigüedad emocional, invitando a aceptar las contradicciones internas y a habitar la melancolía con belleza y calma.


CAYU – 1983 | España

Cayu es un artista de funk rock de espíritu ecléctico que fusiona groove, energía y sensibilidad soul en una propuesta pensada para mover el cuerpo y conectar emociones. En “1983”, rinde homenaje al funk ochentero con un viaje vibrante lleno de guitarras rítmicas, actitud bailable y una producción moderna que actualiza ese sonido clásico. El tema captura la esencia de la pista de baile con un pulso contagioso, reflejando la identidad de Cayu: música directa, divertida y cargada de groove que invita a dejarse llevar.








LA NUEVA OLA 2026 #12 | Luje, Alyssa Caroline, The Quiet North

LA NUEVA OLA 2026 #12 | Luje, Alyssa Caroline, The Quiet North

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Luje – Fences | Francia

Luje es una banda francesa de indie rock que fusiona muros de guitarras shoegaze con melodías pop y una fuerte ética DIY. En “Fences”, el grupo condensa su identidad sonora a través de capas densas y distorsionadas, repetición hipnótica y una carga emocional contenida que explora la tensión entre ruido y claridad. La canción funciona como un reflejo de barreras internas y estados de saturación mental, reafirmando a Luje como una propuesta sólida y en constante evolución dentro de la escena alternativa europea.



Alyssa Caroline – Maybe She’s Right | Estados Unidos

Alyssa Caroline es una artista estadounidense que crea pop emocional desde la honestidad y la vulnerabilidad, conectando de forma inmediata con quien la escucha. En “Maybe She’s Right”, transforma el desamor y la pérdida de autoestima en una reflexión íntima sobre el valor propio, combinando una interpretación delicada y melancólica con una melodía suave y envolvente. La canción habla de soltar relaciones que no nos hacen bien y encontrar fuerza en ese proceso, consolidando a Alyssa como una voz sensible y auténtica dentro del pop alternativo actual.


The Quiet North – Tremble | Noruega

The Quiet North es el proyecto solista del productor y compositor escandinavo Fredrik Kristiansen, cuya música se mueve entre el folk melancólico y las texturas ambientales inspiradas en los paisajes nórdicos. En “Tremble”, el artista captura el instante posterior a una experiencia emocionalmente intensa, cuando el silencio regresa pero el interior aún tiembla. Con una construcción cinematográfica, instrumentación contenida y una interpretación vocal cargada de sensibilidad, la canción transmite calma, introspección y la certeza de que incluso después del peso emocional más grande, siempre existe espacio para volver a empezar.





“GLITCH BITCH”: caos digital, identidad fragmentada y poder sonoro

“GLITCH BITCH”: caos digital, identidad fragmentada y poder sonoro

La colaboración entre Stitched Up Heart, Conquer Divide y Judge & Jury da como resultado “GLITCH BITCH”, una canción que no busca comodidad ni concesiones. El tema se presenta como una descarga intensa que combina rap metal, hard rock y electronicore, utilizando el lenguaje digital como metáfora de una mente al borde del colapso.

Desde el primer segundo, GLITCH BITCH irrumpe con sintetizadores que simulan errores de sistema e interferencias electrónicas, creando una atmósfera de inestabilidad que marca el tono de toda la canción. El riff principal entra con agresividad inmediata, dejando claro que se trata de una experiencia diseñada para sacudir, no para acompañar pasivamente.



Uno de los mayores aciertos del tema es la forma en que la melodía y la letra funcionan como una sola entidad. Las voces se sienten internas, casi invasivas, como pensamientos que se repiten dentro de la cabeza de la protagonista. En los versos, la tensión se mantiene constante, mientras la interpretación vocal oscila entre contención emocional y una furia latente que amenaza con desbordarse.

El estribillo actúa como un punto de quiebre: screams desgarrados, beats electrónicos pulsantes y guitarras contundentes construyen un muro sonoro que representa el momento en que la mente pierde el control. Los cambios rítmicos no son aleatorios; funcionan como una representación directa de los estados de ánimo, deformando la identidad del personaje a medida que la canción avanza.

La producción, a cargo de Judge & Jury, es precisa, desde los efectos digitalizados hasta los silencios estratégicos. En el puente, un monólogo procesado electrónicamente evoca mensajes no respondidos y vínculos rotos, antes de desembocar en un breakdown de fuerza casi cinematográfica.

Más allá de su estética provocadora y su título incendiario, GLITCH BITCH es una canción que habla de desconexión emocional, colapso interno y reconstrucción personal en una era dominada por lo virtual. Es una propuesta arriesgada, pero justamente ahí reside su potencia: en convertir el caos mental y digital en una experiencia artística cruda, honesta y profundamente impactante.


Open Road Folk Music y la serenidad de Mountain Lullaby

Open Road Folk Music y la serenidad de Mountain Lullaby

Open Road Folk Music surge como una propuesta que apuesta por la pausa, la contemplación y la conexión con la naturaleza. El proyecto, liderado por el compositor y cantautor Tim Janis, encuentra en Mountain Lullaby una de sus expresiones más honestas y emotivas hasta la fecha.

Mountain Lullaby se desarrolla dentro del folk acústico, pero va más allá de las estructuras tradicionales del género. La canción se construye a partir de guitarras cálidas y delicadas, sobre las que se despliegan melodías suaves y una voz serena que guía al oyente a través de un paisaje sonoro íntimo y envolvente. Cada elemento está colocado con intención, permitiendo que el silencio y la sencillez también formen parte del discurso musical.



Uno de los aspectos destacados del tema es la incorporación de arreglos de cuerdas de inspiración clásica, que aportan una dimensión cinematográfica sin romper la atmósfera de calma. Estos elementos orquestales refuerzan la carga emocional de la canción y convierten la escucha en un viaje sensorial que evoca montañas, bosques abiertos y momentos de introspección profunda.

La inspiración detrás de Mountain Lullaby nace de la vida en contacto con la naturaleza y de la búsqueda de claridad interior. Según el propio Janis, la canción funciona como una invitación a admirar las Montañas Rocosas de Colorado y a reconectar con una forma de vida más consciente y pausada. Esta narrativa se traduce en una composición que transmite libertad, pertenencia y una sensación de refugio emocional.

Mountain Lullaby se presenta como una experiencia pensada para acompañar momentos de contemplación, caminatas al aire libre o instantes de calma personal. Es una pieza ideal para playlists de folk alternativo, música ambiental o sonidos para la reflexión.


Katie Tupper y “Safe Ground”: un refugio emocional antes de Greyhound

Katie Tupper y “Safe Ground”: un refugio emocional antes de Greyhound

Katie Tupper continúa construyendo su identidad artística con “Safe Ground”, el último sencillo previo al lanzamiento de su álbum debut Greyhound, programado para el 21 de enero de 2026. Tras un crecimiento notable impulsado por redes sociales y una serie de EPs que definieron su sonido, la cantautora canadiense presenta una canción que resume con delicadeza los valores emocionales y estéticos que atraviesan esta nueva etapa de su carrera.



“Safe Ground” es una canción de amor platónica, escrita como un homenaje a la amistad y al acto de permanecer cuando todo parece moverse. Con una producción amplia y atmosférica, el tema equilibra contrastes: baterías lejanas y coros etéreos conviven con una voz íntima y una guitarra cercana, creando un espacio sonoro cálido y envolvente. Cada elemento es sutil por sí mismo, pero en conjunto construyen una sensación de abrigo y compañía.

El sencillo también conecta con el universo conceptual de Greyhound, un álbum que reflexiona sobre la dualidad entre el deseo de alcanzar algo y la imposibilidad de hacerlo. En “Safe Ground”, esa tensión se transforma en refugio: la certeza de ser un lugar seguro para el otro, sin importar la distancia o el conflicto. La letra funciona como una promesa, una afirmación de apoyo incondicional frente a cualquier tormenta.

Originaria de Saskatoon, Saskatchewan, Katie Tupper retoma la imagen de las raíces y los paisajes abiertos de su infancia —praderas infinitas, cielos amplios— para dialogar con su presente urbano y emocional. Esa mezcla se traduce en un sonido que cruza soul, indie y R&B alternativo, con un delicado matiz folk que refuerza la honestidad de su propuesta.


LA NUEVA OLA 2026 #11 | Pierre Welsh and the Oaks, El día más perfecto que vi, chrscruz

LA NUEVA OLA 2026 #11 | Pierre Welsh and the Oaks, El día más perfecto que vi, chrscruz

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Pierre Welsh and the Oaks – Breathe | Francia

Pierre Welsh & the Oaks es un proyecto francés de fuerte vocación lírica que fusiona la poesía con el rock de autor, explorando emociones profundas y preguntas existenciales. “Breathe”, en colaboración con Ella de Loria, es una canción íntima y contemplativa que encuentra en el amor y en la voz del otro un refugio frente al dolor, la pérdida y la desconexión espiritual, construyendo un espacio sonoro cálido y atmosférico donde la palabra y la emoción respiran al mismo nivel.


Manuel Leandro x Julián Rossi – El día más perfecto que vi

Manuel Leandro, cantautor cubano, y el compositor argentino Julián Rossi unen sensibilidades en “El día más perfecto que vi”, una canción íntima de pop acústico indie que celebra el amor y la conexión a través de los pequeños gestos cotidianos. Con una lírica emotiva, arreglos sutiles y melodías cálidas, el tema invita a la introspección y a redescubrir la belleza de los momentos simples, marcando un encuentro artístico honesto y profundamente humano.


chrscruz – So Long | Estados Unidos

chrscruz presenta “So Long”, una canción íntima grabada en su habitación que retrata la soledad y la nostalgia por el pasado desde una perspectiva honesta y vulnerable. Con una sensibilidad minimalista inspirada en artistas como Clairo y Alex G, y contrastada por una instrumentación densa con bajos y sintetizadores contundentes, el tema construye un paisaje emocional profundo que equilibra sencillez, melancolía y una intensidad envolvente.