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“Natural High”: El Electroshock Pop de THYRA que Despierta Todos los Sentidos

“Natural High”: El Electroshock Pop de THYRA que Despierta Todos los Sentidos

Después de conquistar la atención internacional con su trabajo visual, la artista danesa Thyra Hilden, conocida simplemente como THYRA en su faceta musical, vuelve a expandir los límites entre arte contemporáneo y pop alternativo con el lanzamiento de su nuevo single “Natural High”.

La canción, una inyección de energía alt-pop comparable a propuestas como Lola Young, captura la esencia que ha convertido a THYRA en una creadora inclasificable: humor, vitalidad y una visión provocadora del placer y la sincronía emocional. “En un contexto erótico, mi hombre nunca me ‘dejaría atrás’. Llegar sincronizados es un win-win”, comenta la artista, explicando que la canción honra esa compenetración desde una perspectiva juguetona y honesta. Para ella, la sincronía no solo es un concepto íntimo, sino una metáfora de cómo el humor, el arte y la vida funcionan mejor cuando ocurren “en el mismo ritmo”.



Musicalmente, “Natural High” despliega un pulso vibrante, una producción radio-ready y un enfoque melódico que se pega a la primera escucha. El lanzamiento llega acompañado de un videoclip creado por la joven artista Lenora Weng, así como una sesión en vivo grabada en 2025 que muestra a THYRA y su banda interpretando siete canciones, incluyendo “Natural High”. Esta estrategia audiovisual refuerza su capacidad de unir mundos: la precisión conceptual de una artista visual formada en la Royal Danish Academy of Fine Arts y la espontaneidad emocional de una música que no teme ser divertida, sensual y libre.

Con un historial que combina intervenciones visuales monumentales y un catálogo musical que suma miles de oyentes, THYRA se posiciona como una figura transversal capaz de moverse con soltura entre museos, playlists y titulares internacionales. “Natural High” es una declaración de energía, sincronía y descaro, un recordatorio de que el arte también puede ser una celebración sin complejos.


LA NUEVA OLA 2025 #122 | Alan Williams, Roubyn, Automated Stellar Machines

LA NUEVA OLA 2025 #122 | Alan Williams, Roubyn, Automated Stellar Machines

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Alan Williams – Before My Eyes | Estados Unidos

Alan Williams presenta “Before My Eyes”, una pieza que profundiza en la naturaleza de la ilusión y en cómo, a veces, los mayores obstáculos provienen de nuestras propias proyecciones internas: el miedo, la duda y la autocrítica que apagan los colores de la vida. Con una producción envolvente que destaca la rica percusión de Ben Wittman y el elegante bajo fretless de Mike Rivard, la canción refleja la sensibilidad artística de Williams, un creador que combina reflexión lírica, exploración armónica y una visión musical sin límites.


Roubyn – Let The World Know | Francia

Roubyn es un creador francés que transformó una exitosa carrera como chef con estrella Michelin en un viaje musical profundamente introspectivo y liberador. Impulsado por experiencias personales intensas, encontró en la producción y en la voz un nuevo lenguaje para explorar su identidad, cuestionar su mundo y reconstruirse desde la autenticidad. Su propuesta combina percusión tribal, emoción cruda y una búsqueda espiritual que convierte cada canción en un acto de desahogo y expansión. Con una estética experimental y un mensaje centrado en la libertad mental, Roubyn emerge como una voz fresca y poderosa que utiliza el arte para transformar dolor en propósito.


Automated Stellar Machines – Toy Polloi | Estados Unidos

Automated Stellar Machines es el proyecto solista de un creador que usa la estética y el humor de la inteligencia artificial para subrayar, precisamente, su profunda humanidad. A través de canciones oscuras, extrañas y honestas grabadas en su mayoría con un teléfono y una interfaz básica, combina poesía, ironía y vulnerabilidad para retratar un mundo cada vez más contradictorio.








LA NUEVA OLA 2025 #122 | Fighting in the Dark, Myles Nuzzi, MADBIL

LA NUEVA OLA 2025 #122 | Fighting in the Dark, Myles Nuzzi, MADBIL

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Fighting in the Dark – Home | Estados Unidos

Fighting in the Dark es una banda que destaca por su enfoque emocional y atmosférico, fusionando rock alternativo con un fuerte sentido de introspección y narrativa espiritual. Su sonido combina guitarras expansivas, baterías intensas y una voz cargada de vulnerabilidad, creando paisajes sonoros que exploran la lucha interna, la búsqueda de identidad y la necesidad de reconectar con uno mismo. Con canciones que se sienten más como viajes que como simples composiciones, Fighting in the Dark ofrece una propuesta honesta, visceral y profundamente humana, capaz de iluminar incluso los rincones más oscuros del alma.


Myles Nuzzi – In the Clouds | Estados Unidos

Myles Nuzzi es un vocalista y compositor radicado en Harlem, NYC, cuya música combina la sensibilidad teatral, la tradición del jazz y la honestidad emocional del pop. Ha dedicado una década a cantar profesionalmente en jazz, teatro y sesiones de estudio, mientras desarrolla una voz artística propia marcada por influencias que van de Mel Tormé y Frank Sinatra a My Chemical Romance, Kacey Musgraves y Queen. Con letras vulnerables y una interpretación vocal expresiva, Myles transforma experiencias de esperanza, culpa, amor, ruptura y autodescubrimiento en relatos musicales que buscan conectar con lo más humano.


MADBIL – Duérmete ya | España

MADBIL es una propuesta emergente del pop urbano español que destaca por su minimalismo emocional y su enfoque directo. Su sonido combina melodías sencillas pero envolventes con una producción íntima que pone en primer plano la voz y la honestidad del mensaje. Entre lo confesional y lo cotidiano, MADBIL construye un universo sonoro transparente, donde cada detalle —desde la repetición melódica hasta el pulso rítmico— potencia una sensibilidad propia y reconocible.








J. Santonio ilumina la noche con “Tonight”

J. Santonio ilumina la noche con “Tonight”

J. Santonio originario de Washington D.C., es un cantante, rapero y compositor ha construido su identidad combinando una sensibilidad emocional con influencias que van desde Bruno Mars y Michael Jackson hasta la elegancia contenida de Ne-Yo. Con Tonight, su nuevo lanzamiento, Santonio revela una faceta más íntima, cinematográfica y estimulante de su sonido.

Desde los primeros segundos, Tonight establece un clima seductor. Una base nu-disco moderna, líneas de bajo serpenteantes y un groove que fluye sin esfuerzo dibujan un escenario nocturno teñido de luces pastel. Es música para los sentidos: se mueve con sutileza, respira entre golpes de batería y deja espacio para que cada elemento encuentre su propio brillo. La producción destaca por su claridad, por su precisión sin frialdad, logrando ese equilibrio raro entre lo pulido y lo cálido.



La voz de J. Santonio es sutilmente rasposa, suave, aterciopelada, se desliza entre los acordes con una mezcla de control y vulnerabilidad. Sin recurrir a excesos vocales, su interpretación apuesta por la contención y la sugestión, generando una tensión que recorre todo el track. Es esa manera de insinuar más que de exponer lo que convierte la escucha en una experiencia íntima y envolvente.

Tonight aborda un tema aparentemente sencillo: la atracción, el deseo femenino, el magnetismo de un encuentro que no necesita ataduras. Pero en manos de Santonio, esa simplicidad se transforma en un manifiesto de libertad y respeto. Más que un relato romántico, es una observación elegante del instante, un reconocimiento a la autonomía de la mujer y a la belleza de un momento que no pretende ser eterno para poder ser auténtico.

Los detalles elevan la canción: silencios bien colocados, respiraciones que se sienten casi coreografiadas, giros melódicos que aparecen justo cuando el oído los desea. Todo está construido para crear sensación de cercanía, como si el oyente caminara junto al artista bajo un cielo urbano, compartiendo una conversación que, aunque breve, deja una huella cálida.

Con Tonight, J. Santonio demuestra que no necesita reinventar el R&B para hacerlo vibrar desde otro lugar. Su propuesta tiene un pulso íntimo, sofisticado y honesto que lo coloca como una de las voces emergentes más prometedoras del género. En apenas unos minutos, logra capturar un fragmento de noche y convertirlo en un recuerdo sonoro: elegante, ligero y profundamente humano.


“Sorry Not Sorry”: el lado más ligero de the dt’s

“Sorry Not Sorry”: el lado más ligero de the dt’s

El dúo the dt’s ha sabido moverse con soltura entre géneros, desde el rock hasta el blues y el power pop, sin perder una identidad que se construye desde la colaboración y la experimentación. Su música nace en estudios caseros, pero no se queda ahí: en vivo, despliegan una energía que transforma cada canción. Con influencias modernas y guiños vintage, su enfoque pop se sostiene en armonías bien trabajadas y una clara voluntad de explorar.

En ese contexto aparece “Sorry Not Sorry”, una canción que se aleja de la urgencia punk de temas como Cherry y apuesta por un ritmo tranquilo. Las influencias rock están presentes, pero se diluyen en un sonido más ameno y ligero, capaz de conectar con distintos públicos. Es una pieza que no busca sobresaltar, sino acompañar, y lo hace con una naturalidad que se agradece.



La trayectoria de the dt’s ha sido constante desde su EP debut You With Me en 2022, seguido por los sencillos Refresh y All In My Head. Su presentación en el Bowery Ballroom y su participación en el WAWY Showcase consolidaron su presencia en la escena independiente. En 2025, abrir para actos como Supersonic y Penelope Road confirma que su propuesta sigue ganando terreno.

“Sorry Not Sorry” se suma a ese recorrido como una muestra de versatilidad. No pretende reinventar el sonido del dúo, pero sí ofrece una faceta más accesible, donde la calma y la melodía se imponen sobre la intensidad. En ese equilibrio entre lo clásico y lo contemporáneo, the dt’s siguen construyendo un catálogo que se adapta sin perder coherencia.


Explorando “Running In Circles”: tres momentos clave

Explorando “Running In Circles”: tres momentos clave

El EP “Running In Circles” se presenta como una propuesta que busca equilibrar frescura y coherencia dentro del indie pop contemporáneo. La primera canción, “Don’t Change”, abre el trabajo con un ritmo relativamente tranquilo, marcado por influencias pop que le otorgan un aire moderno. Es una pieza que funciona como introducción clara al universo sonoro del EP, mostrando la intención de mantener un estilo accesible pero con matices propios.

La segunda parada es “Stop Wasting Time”, un tema que se mueve con suavidad y que transmite vibras cercanas a la sensualidad. Aquí, las pinceladas dreamly aportan un carácter distinto, generando una atmósfera más envolvente. La canción se sostiene en un ritmo delicado que invita a escuchar con calma, reforzando la idea de que el EP no se limita a un solo registro, sino que explora diferentes texturas dentro de su identidad.



El recorrido continúa con “Drunk Texts From Medium”, una pieza que mantiene la línea de las anteriores pero introduce tintes urbanos. Las influencias trap aparecen de manera sutil, sin desplazar la esencia pop del EP, y aportan un contraste que amplía el espectro sonoro. Este tema se convierte en un cierre interesante, pues muestra la capacidad de integrar distintos géneros sin perder cohesión.

En conjunto, “Running In Circles” se plantea como un trabajo que apuesta por la diversidad dentro de un mismo marco estilístico. Cada canción aporta un matiz distinto: la tranquilidad moderna de “Don’t Change”, la suavidad dreamly de “Stop Wasting Time”, y el aire urbano de “Drunk Texts From Medium”. Así, el EP logra ofrecer un recorrido breve pero variado, que invita a descubrir cómo se entrelazan las influencias en un mismo proyecto.


Kewl Haze y la frescura indie de “Used to Have It All”

Kewl Haze y la frescura indie de “Used to Have It All”

El dúo de Filadelfia Kewl Haze, integrado por Dan Scott Forreal y Derek Sheehan, ha sabido moverse entre la psicodelia y el rock con un estilo que mezcla introspección y desenfado. Su debut Suburban Sherpa les tomó cuatro años de trabajo entre estudios caseros y profesionales, un proceso marcado por experiencias personales y un enfoque ligero hacia la creación. Esa manera de entender la música como un espacio de libertad se refleja también en sus nuevas propuestas.

Entre ellas destaca “Used to Have It All”, una canción que se sostiene en un ritmo simple pero efectivo. Lo que la hace atractiva es su capacidad de transmitir un corazón encantador que atrapa con facilidad, sin necesidad de artificios. Su sonido se mueve dentro del indie pop, pero con pequeñas pinceladas dreamly que aportan un aire distinto, generando una atmósfera que se siente cercana y al mismo tiempo envolvente.



La dinámica de Kewl Haze en el estudio, marcada por conversaciones y momentos de camaradería, se traduce en canciones que no buscan la perfección rígida, sino la honestidad. En “Used to Have It All”, esa filosofía se percibe en la naturalidad con la que fluye la pieza, mostrando que la sencillez puede ser un recurso poderoso cuando se combina con sensibilidad y coherencia sonora.

Al escuchar “Used to Have It All”, se percibe una propuesta que conecta con la esencia del indie pop contemporáneo, pero sin perder el sello personal del dúo. No es un tema que pretenda reinventar el género, sino que ofrece una experiencia fresca y directa. En esa mezcla de simplicidad y encanto, Kewl Haze reafirma su capacidad de crear canciones que invitan a dejarse llevar por su ritmo y su atmósfera ligera.


I Want Poetry y el reflejo musical de “Mirrors of the Sky”
Pop

I Want Poetry y el reflejo musical de “Mirrors of the Sky”

El dúo alemán I Want Poetry ha logrado consolidarse como una de las voces más interesantes dentro de la escena indie pop europea. Su propuesta se caracteriza por un sonido cinematográfico que combina profundidad emocional con energía luminosa, y que ha encontrado eco en diversos escenarios internacionales. Con más de 90 presentaciones en países como Alemania, Polonia y Suecia, además de reconocimientos como su nominación en los European Songwriting Awards, el proyecto ha sabido abrirse paso con consistencia.

En este recorrido aparece “Mirrors of the Sky”, una canción que destaca por una producción grandiosa y un enfoque que mezcla influencias pop con un toque moderno. El tema se percibe fresco, pero al mismo tiempo incorpora tintes experimentales que lo alejan de lo convencional. La pieza invita a escuchar con atención, pues cada capa sonora parece diseñada para expandir la atmósfera hacia un espacio amplio y envolvente.



La trayectoria de I Want Poetry muestra una evolución constante. Su tema Light alcanzó listas internacionales y fue seleccionado para la banda sonora de la película canadiense La mécanique des frontières, confirmando la capacidad del dúo para conectar con distintos públicos. Ahora, con el anuncio de su próximo álbum Future Selves, queda claro que su música busca proyectar una visión transformadora, inspirada en la memoria y en la imaginación de futuros posibles.

Al escuchar “Mirrors of the Sky”, se percibe un equilibrio entre lo accesible y lo experimental. No es un tema que se limite a reproducir fórmulas del pop, sino que apuesta por una construcción sonora que se siente contemporánea y abierta a la exploración. En esa mezcla de frescura y riesgo, I Want Poetry reafirma su lugar como un proyecto que entiende la música como un espacio de expansión, donde cada canción funciona como un reflejo de lo que está por venir.


Damascan Daydreams y la atmósfera de “From The Heavens”

Damascan Daydreams y la atmósfera de “From The Heavens”

La propuesta de Damascan Daydreams, proyecto de la cantante y compositora Eman Tiba, se ha caracterizado por explorar un pop oscuro con tintes electrónicos. Nacida en Damasco y criada en Ohio, su formación musical comenzó desde temprana edad, entre coros escolares y el aprendizaje de instrumentos como el teclado y la tabla. Hoy, desde Austin, Texas, su trabajo se despliega en un terreno donde lo íntimo y lo experimental se encuentran, como lo demuestran sus lanzamientos previos Haunted Home y Hidden World.

En este camino aparece “From The Heavens”, creada en colaboración con Joseph Salazar. La canción se mueve en un espacio sonoro que combina dream pop con matices oscuros, generando una atmósfera que se siente amplia y envolvente. La voz melancólica, suave y airosa de Tiba se convierte en el elemento que guía la experiencia, reforzando la sensación de estar frente a un tema que busca más sugerir que afirmar.



La trayectoria de Damascan Daydreams muestra una evolución constante. Tras el lanzamiento de su EP ARCHANGEL en 2024 junto a Oddmanrush, su música ha seguido expandiéndose hacia terrenos donde lo electrónico y lo emocional se entrelazan. En este sentido, “From The Heavens” no aparece como un giro abrupto, sino como una extensión natural de su búsqueda artística, marcada por la intención de crear paisajes sonoros que inviten a la contemplación.

Al escuchar “From The Heavens”, se percibe un diálogo entre lo etéreo y lo sombrío. No es una canción que busque deslumbrar con artificios, sino que apuesta por la construcción de una atmósfera que se sostiene en la sutileza. En esa mezcla de estilos y emociones, Damascan Daydreams reafirma su lugar dentro de un universo musical que se abre a lo experimental, ofreciendo una propuesta que invita a perderse en sus capas sonoras.


Dvashest’ y el pulso hipnótico de “Solar Groove”

Dvashest’ y el pulso hipnótico de “Solar Groove”

El productor electrónico Dvashest’ ha construido su identidad musical en la intersección entre emociones, pensamientos y sonidos que se despliegan en distintos matices de la música dance. Desde su infancia, experimentando con secuenciadores básicos y grabando fragmentos de radio, fue moldeando una sensibilidad que más tarde se vería influenciada por la atmósfera de los clubes nocturnos de San Petersburgo. Esa experiencia temprana lo llevó a concebir la música como un reflejo íntimo de su mundo interior.

En ese recorrido aparece “Solar Groove”, una propuesta que se distingue por un ritmo hipnotizante. La canción combina elementos de house y disco, generando una textura fresca que transmite modernidad sin perder conexión con la tradición de la música electrónica. El tema se convierte en un espacio donde la repetición rítmica y los matices melódicos invitan al oyente a dejarse arrastrar por una cadencia constante y envolvente.



La trayectoria de Dvashest’ ha trascendido fronteras, con sus composiciones sonando en estaciones internacionales como Kane FM en Reino Unido, S3 en Suiza y KSWV Radio Shockwave en Estados Unidos. Incluso su tema Hidden Love fue reseñado en la prensa cultural de San Petersburgo, lo que confirma que su trabajo no pasa desapercibido. Este reconocimiento le ha permitido consolidar un estilo que se mueve entre lo introspectivo y lo bailable.

Al escuchar “Solar Groove”, se percibe la intención de crear un puente entre la pista de baile y la experiencia personal. No es un tema que busque deslumbrar con artificios, sino que apuesta por un tono fresco y directo. En esa sencillez radica su fuerza: un sonido que se siente moderno, pero que conserva la esencia de lo que motivó a Dvashest’ desde sus primeros experimentos, la necesidad de transformar emociones en música que se comparte y se vive colectivamente.