SkyDxddy fusiona alt-rock, pop y rap, creando un sonido cargado de emociones que explora las profundidades de la salud mental, los traumas personales y el empoderamiento. Su honestidad cruda y letras han tocado a miles de personas, estableciéndola como una artista que conecta con quienes han vivido experiencias difíciles.
Desde sus inicios, SkyDxddy ha sabido convertir el dolor en arte, transformando su historia en himnos de fortaleza y resistencia. Su capacidad para hablar abiertamente sobre la ansiedad, la depresión y el abuso la ha convertido en un símbolo de apoyo para su creciente comunidad de seguidores.
SkyDxddy no solo ha creado música impactante, sino que ha fundado su propio género musical: el traumacore. Este concepto va más allá de la música; es un movimiento de sanación y empoderamiento. Según la artista:
“El traumacore no es solo mi historia. Es reconocer el lado de ti que sufre, que lucha contra el PTSD, la ansiedad y el dolor, y encontrar la fuerza para seguir adelante. Es reclamar tu identidad y no dejar que los abusadores vivan en tu mente por más tiempo.”
Con una comunidad fiel en TikTok (@skydxddymusic), donde ya supera los 1.4 millones de seguidores, y un catálogo de canciones que han servido de refugio para miles de oyentes, SkyDxddy se prepara para lanzar su álbum debut, “Traumacore”, que verá la luz en mayo de 2025.
Este disco promete ser un reflejo de su viaje personal, su resiliencia y su deseo de dar voz a quienes han sido silenciados. Sin miedo a abordar los temas más difíciles, SkyDxddy sigue demostrando que la música puede ser una herramienta poderosa de sanación y transformación.
Sam Koster es un artista multifacético de Australia, originario de Canberra, que ha forjado su propio camino en los mundos de la música, las artes visuales y el cine. Como músico autodidacta, productor y artista, Koster es conocido por abrazar la libertad en su trabajo.
El talento de Sam abarca múltiples disciplinas. Como multiinstrumentista y productor, canaliza su pasión por la música a través de una variedad de instrumentos, desde guitarras hasta herramientas de producción electrónica. Además de sus proyectos musicales, Sam también es un hábil artista visual y cineasta, creando proyectos que resuenan emocionalmente y exploran temas más profundos.
Bloom: Un EP Nacido en Laos
En su más reciente EP, Bloom. Sam nos comenta que el proyecto fue escrito, grabado y producido durante sus viajes por Laos, un período que influyó profundamente en el sonido y los temas del EP. Bloom es un reflejo de las experiencias, vistas y sonidos que Sam encontró durante su tiempo en el sudeste asiático. Su travesía por Laos le dio el espacio para reflexionar, innovar y crear un álbum que es tanto profundamente personal como universalmente resonante.
El EP transmite una sensación de libertad, con cada pista explorando la compleja danza entre la vulnerabilidad y la fortaleza. Es un viaje de transformación, como el proceso mismo de florecer. Los sonidos de Bloom son una mezcla de lo tradicional y lo moderno, fusionando instrumentación acústica con elementos electrónicos, lo que refleja la disposición de Sam a experimentar y su creencia en dejar que la música lo lleve a donde quiera.
El Track x Track
Midnight
Abriendo el EP, “Midnight” nos lleva a un viaje de texturas, donde principalmente resaltan capas de sonido que nos sumergen en el ruido de la naturaleza y la noche, un piano a manera de ostinato y una voz que juega dentro del Pop que a la vez sabe utilizar recursos como pitchs vocales y sensaciones que bien podrian venir de la psicodelia.
Realmente es dificil encacillar la canción en un genero ya que toma recursos de diferentes lados, desde la caja de ritmos del hip-hop hasta una sensación mas experimental, siempre manteniendo melodias y texturas interesantes.
the love
Como si estuvieran interconectado llega “the love”, a manera de continuación del track anterior, la canción retoma elementos como texturas de ruido, cajas de ritmo, un epiano muy nostalgico y una voz que pasa de melodias pop a secciones que podrian provenir de influencias de artistas mas del lado del hip-hop.
En esta ocasión me gusta como construye hooks mas largos en el coro y logra manterner un estilo consiso y propio a pesar de las multiples referencias que toma. La producción se siente minimalista, sin embargo el juego de texturas como voces procesadas, sonidos noise, bajos, pianos e inclusive cajas de ritmos y baterias hacen que esta sensación minimalista sea muy dificil de lograr y que Sam logra construir tanto en the love como en Midnight.
living inside a dream
Apenas terminando el track anterior, Sam logra conectar un nuevo track a la vez que presentandonos como portagonista una guitarra acustica brillante y resonante, que bien nos podria recordar a música del medio oriente, en esta ocasión su amor por la psicodelia se ve mas presente desde el nombre del track “living inside a dream” y esto se ve reflejado en un track que funciona como un puente etereo de voces y cuerdas brillantes.
YOU ARE LOVED
Como habiamos comentado anteriormente la psicodelia y experimentación es un lugar donde Sam le gusta explorar sonoramente y “YOU ARE LOVED” lo demuestra, jugando con arpegiadores, distorsiones vocales y creando una enorme tensión, el track encargo de cerrar el disco es una canción en esteeroides, donde la sutilidad de elementos como respiraciones y explosiones nos hacen entrar al mundo de SAm Koster.
Lo que realmente distingue a Sam es su compromiso de mantenerse auténtico y libre de las limitaciones de cualquier género o expectativa. Su trabajo, ya sea musical, visual o cinematográfico, proviene de un lugar de honestidad pura y exploración personal. Para Sam. Su capacidad para combinar diversas formas de arte, mezclar géneros libremente y explorar nuevos territorios habla de su compromiso con la autoexpresión.
A medida que Sam continúa evolucionando como artista, está claro que su futuro está lleno de emocionantes posibilidades. Con Bloom ya captando la atención de oyentes y críticos.
Morningsiders es una banda de folk-pop indie originaria de la ciudad de Nueva York, que fusiona momentos musicales íntimos con una producción de estudio atmosférica y sofisticada. La banda fue fundada en la Universidad de Columbia por Magnus Ferguson (voz y guitarra), Reid Jenkins (violín y voz) y Robert Frech (piano). Desde sus inicios como un colectivo de Americana con miembros rotativos e interpretaciones improvisadas, han evolucionado hasta convertirse en un trío sólido, enfocado en la composición y producción de canciones.
Morningsiders saltó a la fama en 2015 cuando su canción “Empress” se convirtió en un fenómeno viral, alcanzando la cima del ranking Viral 50 de Spotify. El tema también apareció en un comercial de Starbucks protagonizado por Oprah Winfrey, lo que amplificó su exposición a nivel nacional e internacional. A partir de ahí, la banda se consolidó como una de las propuestas más frescas dentro de la escena indie folk.
En 2018 y 2019, la banda lanzó una canción nueva cada mes, compilándolas posteriormente en su álbum debut A Little Lift. Con este trabajo, Morningsiders ofreció un sonido más pulido, sin perder la esencia cálida y orgánica que los caracteriza.
En 2020, la banda dio un giro hacia el folk-rock con su segundo álbum, Pollen, explorando nuevas texturas y una instrumentación más robusta. Su búsqueda constante de innovación los llevó a trabajar con el renombrado productor Peter Katis en su EP Easy Does It, donde expanden su sonido sin perder los momentos de brillantez musical y experimentación sónica que los han hecho destacar.
Oddfellows: Un tributo a la tradición folk
Uno de sus proyectos más recientes, el EP Oddfellows, representa un homenaje a la tradición del folk. Grabado en solo cuatro días durante el verano, el disco incluye interpretaciones de baladas tradicionales con más de dos siglos de historia. A diferencia de simples versiones, estas canciones han sido reimaginadas, reflejando la rica evolución que han tenido a lo largo de generaciones y su tránsito por distintas culturas, desde Francia y el Reino Unido hasta Nueva Inglaterra y los Apalaches.
El enfoque de Oddfellows es completamente orgánico y enraizado en la tradición: fue grabado en vivo, con las voces principales capturadas junto con los demás instrumentos, logrando así una sensación de inmediatez y autenticidad. Este EP muestra el respeto de Morningsiders por la historia del folk mientras lo traen a un contexto contemporáneo.
El Track x Track
Two Sisters
El disco comienza con Two Sisters, donde la agrupación nos presentara elemenrtos recurrentes en el disco junto con un estilo propio cargado de armonias y una sensación de bienestar a traves de la música. Con una base de instrumentos acusticos, cuerdas y voces armonizadas el trio nos presenta una canción calida que toma elementos del folk y los rejuvenece a traves de una interpretación tranquila y una isntrumentación que poco a poco va creciendo en fuerza sin perder la sensación nostalgica de la letra.
What Will We Do?
Con un arpegio que entra dentro lo nostalgico, que poco a poco se va llenando de esperanza “What Will Do?” nos va haciendo preguntas que nos ponen en un mood contemplativo, mientras las voces, cuerdas y una sensación atmosferica llenan el espacio sonoro a traves de melodias atmosfericas, realmente el disco viene cargado de estos momentos crecientes atmosfericos que se conbinan con interpretaciones vocales e instrumentales que hacen temblar el corazon.
Con un desgarrador final en un pequño solo de lo que parece ser un instrumento de cuerda frotada la canción logra transmitir una belleza muy interesante, a la vez que ttriste y nostalgica, eso si siempre insinuendo pequeños destellos de esperanza.
Jubilee
Justo en medio del EP , el trio explora un sonido muy clasico del folk y country, con una melodia super pegajoza la canción “Jubilee” nos llena de esperanza y felicidad, que nos recordara a esos momentos super divertidos que podemos pasar junto a alguien, y poder estar agradecidos de todo el jubilo que nos brinda la vida, realmente creo que son temas dificiles de manajer y que la agrupación aborda con genuina autenticidad y los hacen sonar super natural, asi como logran transmitir esa sensación a su audicencia.
Mary´s Dream
Manteniendo una estetica sonora muy bien definida durante todo el disco, Mary´s Dream nos lleva a un vieje etereo de cuerdas y melodias, que pueden cosniderarse mas experimentales y atmosfericas. La canción va creciendo entre pequeñas percusiones y sonidos ligeros de campañas, que nos llevan en un viaje del heroe muy interesante.
Never Had But One True Love
Cerrando el EP, Never Had But One True Love, nos lleva a una historia llena de amor, que combina todos los elementos de este compilado en un estilo mas anecdotico y pop que nos encanta. La canción tiene una vibra un poco diferente ya que no es tan eterea, es una canción mas bien para oir y cantar entre amigos a la vez que la nostalgia de instrumentos como las cuerdas le dan un sello propio.
Morningsiders continúa expandiendo los límites del folk-pop, demostrando que la tradición y la innovación pueden coexistir armoniosamente. Desde sus días como un colectivo universitario hasta su actual estatus como una de las bandas más emocionantes del género.
Con Oddfellows, Morningsiders reafirman su identidad, ofreciendo tanto experimentación sónica como un tributo a las raíces del folk. Su capacidad para reinventarse sin perder su esencia asegura que seguirán siendo una fuerza relevante en la escena musical durante muchos años más.
El artista británico Charles Costa, anteriormente conocido como King Charles, ha dado un giro trascendental en su carrera con el lanzamiento de su nuevo álbum homónimo. Esta nueva producción marca una era de reinvención para el músico, quien ha encontrado en la exploración personal su fuente de inspiración más pura.
Tras el éxito de sus recientes sencillos Nothing At The Most, Feel Every Minute y Thief, Costa ha consolidado su identidad artística bajo su propio nombre, alejándose del alias que lo acompañó durante años. Su nuevo disco, lanzado el 24 de enero de 2025 a través de Wipe Out Music, refleja una faceta más introspectiva y madura de su trayectoria musical.
Uno de los tracks culminantes del álbum es When The War Was Starting, una pieza que fusiona el folk, el rock alternativo y elementos electrónicos en una composición llena de emotividad y profundidad. La canción destaca por su atmósfera creciente y una instrumentación que envuelve al oyente en un viaje sonoro conmovedor.
El álbum fue gestado en un estudio ubicado en un antiguo cuartel de la Fuerza Aérea de EE.UU. en Suffolk, donde Costa trabajó junto a un equipo reducido pero talentoso. Jesse Quin y Tom Hobden aportaron sus habilidades en diversos instrumentos, logrando una riqueza sonora que combina influencias de Bon Iver y RY X con matices de pop electrónico de los años 80.
Más allá de su evolución musical, Charles Costa ha demostrado una admirable dedicación a causas benéficas. Su reciente desafío de correr 90 maratones en 90 días a lo largo del Pacific Crest Trail recaudó más de £169,000 para James’ Place, una organización dedicada a la prevención del suicidio en hombres. Esta proeza física y mental subraya su compromiso con el bienestar y la salud mental.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
The Gleamers – Mirror | Estados Unidos
The Gleamers es una banda que fusiona influencias del alt-rock de los 90 con toques de psicodelia, creando un sonido propio y colorido. Su EP debut, Even See, ofrece una travesía sonora ecléctica que explora temas como palabras, alienígenas, espejos y apocalipsis.
Ruby Moon – Before you go | Estados Unidos
Ruby Moon es un proyecto musical originario de Nueva York, conocido por su fusion de elementos del dream pop y shoegaze. Su música se caracteriza por atmósferas etéreas, capas de guitarras distorsionadas y vocales suaves que invitan a la introspección. El estilo de Ruby Moon evoca una sensación de melancolía y belleza abstracta.
CJ Durso – Shadows On The Ceiling | Estados Unidos
CJ Durso es un músico, compositor y productor cuya carrera abarca géneros, desde el jazz y la música clásica hasta el rock, folk, R&B y pop. Su última canción, “Shadows on the Ceiling”, aborda la lucha contra el insomnio y la depresión estacional, combinando una letra introspectiva con una energía rítmica y bailable al estilo de Justin Timberlake. A pesar de tratar temas pesados como la soledad y el peso emocional del invierno, la canción mantiene un equilibrio fascinante entre vulnerabilidad y groove, ofreciendo una experiencia auditiva que conecta tanto a nivel emocional como rítmico.
Nathalie Miller originaria de Brooklyn, Nueva York, Miller comenzó su carrera en el mundo del arte como modelo y fotógrafa, pero encontró en la música el canal perfecto para expresar sus emociones más profundas. Con una mezcla de indie pop, rock alternativo y tintes de dream pop, su sonido se ha convertido en un refugio para quienes buscan canciones con alma.
El viaje musical de Nathalie comenzó en la víspera de Año Nuevo de 2020, cuando tomó la decisión de reservar su primera sesión de grabación. Este fue el primer paso hacia una carrera en la que, después de años explorando la fotografía y las artes visuales, decidió compartir su voz con el mundo. Tres años después, finalmente se lanzó como solista con composiciones propias, marcando el inicio de una propuesta artística genuina y emocionante.
El EP Made Especially for You es una carta abierta a la nostalgia, la amistad y la búsqueda de identidad. Con una producción delicada y letras profundamente personales, Miller nos sumerge en una experiencia sonora que va más allá de la simple escucha: es un recorrido por emociones universales.
Uno de los temas más destacados del EP es Spider, el cualcomo la canción más experimental del EP. Inspirada en una experiencia inquietante en su infancia, Miller relata el momento en que, tras visitar su antiguo hogar, abrió el grifo de su baño solo para ver una araña salir con el agua. Aunque el insecto solo estaba posado en la boquilla del grifo, la ilusión de una infestación en las tuberías la hizo reflexionar sobre cómo, cuando el amor se deteriora, nos aferramos a cualquier rastro de la otra persona, incluso si lo único que queda es el rechazo y el desagrado. Con una producción intrigante y una atmósfera casi hipnótica, Spider convierte esta imagen en una poderosa metáfora sobre la obsesión y la distorsión emocional.
Nathalie Miller ha demostrado que su arte tiene la capacidad de tocar fibras sensibles y conectar con quienes buscan una música que hable desde el corazón. Con su combinación de sonidos etéreos y letras sinceras, su propuesta dentro del indie pop sigue ganando terreno y conquistando nuevos oyentes.
Si aún no has escuchado Made Especially for You, es el momento perfecto para sumergirte en el universo sonoro de Nathalie Miller y dejarte llevar por sus historias.
Gaia Rollo es una cantante, músico y compositora italiana,. nacida en Puglia, Gaia ha recorrido un camino musical que combina estudios académicos con una destacada carrera artística. Tras completar su licenciatura en Canto Jazz en el Conservatorio de Música “Nino Rota” en 2023, Gaia se ha sumergido en el mundo del jazz y más allá, participando en festivales de renombre y colaborando con artistas influyentes del panorama musical.
Su formación académica en canto jazz le permitió profundizar en las complejidades de este género, pero su inquietud artística la llevó a expandir sus horizontes hacia otros sonidos. Un ejemplo claro de su versatilidad es su colaboración en discos de destacados artistas italianos como Giorgio Tuma en We Love Gilberto y Giancarlo Del Vitto en Wink at Me, donde aportó su talento vocal y compositivo, enriqueciendo las producciones con su estilo único.
En enero de 2024, Gaia lanzó su primer sencillo como solista, titulado “Mountains”, una canción que marca el comienzo de un nuevo ciclo artístico. Es una pieza profundamente personal, escrita durante un periodo de transformación en su vida, cuando se mudó a una nueva casa. En la canción, Gaia reflexiona sobre el proceso de reorganizar su vida, tanto física como emocionalmente, mientras trata de dejar atrás lo negativo y encontrar un equilibrio. La canción se caracteriza por una sonoridad alt-pop refinada, influenciada por artistas como St. Vincent y Cate Le Bon, y se perfila como una de las propuestas más interesantes de la música independiente italiana.
El tema fue producido por Matilde Davoli en SudEst Studio, uno de los estudios más importantes del sur de Italia, y cuenta con un videoclip visualmente cautivador dirigido por Balto, que complementa perfectamente la atmósfera introspectiva de la canción.
En un año de grandes cambios, “Mountains” no solo refleja el final de una etapa para Gaia, sino también el inicio de un nuevo viaje artístico que seguramente nos deparará muchas sorpresas.
Desde las playas de Fernandina Beach, Florida, flipturn regresa como una de las bandas más emocionantes de la escena indie rock contemporánea. Con un sonido que mezcla melancolía nostálgica, influencias del new wave y la energía del alt-pop moderno, este quinteto ha cautivado a fanáticos de todo el mundo.
El 24 de enero, flipturn lanzó su esperado segundo álbum, Burnout Days, bajo el sello Dualtone Music Group, acompañado del videoclip de la canción que da nombre al disco. Dirigido por Jacob Cummings, el video captura visualmente la dualidad entre la lucha interna y la esperanza que define al álbum.
Compuesto por Dillon Basse (voz y guitarra), Tristan Duncan (guitarra principal), Mitch Fountain (sintetizadores y guitarra), Madeline Jarman (bajo) y Devon VonBalson (batería), flipturn comenzó tocando en casas universitarias en Gainesville, Florida. Con el tiempo, su dedicación y talento los llevaron a escenarios de renombre como Bonnaroo, Lollapalooza y Governor’s Ball, además de ser invitados al programa Jimmy Kimmel Live.
Su primer álbum, Shadowglow (2022), los llevó a recorrer Estados Unidos de costa a costa, tocando en lugares icónicos como Brooklyn Steel en Nueva York, el 9:30 Club en Washington D.C., y el legendario Red Rocks Amphitheatre en Colorado. Sin embargo, este ritmo vertiginoso también dejó huella en la banda.
“Trabajamos intensamente con Shadowglow y el ritmo fue implacable,” recuerda Basse. “Nos permitió crecer como banda y llegar a más personas, pero no estábamos preparados para las repercusiones mentales de estar fuera de casa durante tanto tiempo.”
Durante el proceso de creación de Burnout Days, la banda se enfrentó a sus propias luchas con el agotamiento. El álbum fue escrito en una cabaña en las montañas de Carolina del Norte y grabado en Sonic Ranch, un estudio ubicado en las tierras fronterizas del sur de Texas. El resultado es el trabajo más colaborativo y catártico de su carrera.
“Queríamos crear un mundo inmersivo,” dice Mitch Fountain. “Fuimos muy intencionales con cada sonido y nos enfocamos en cada detalle.”
Canciones como “Juno”, cuyo riff inicial surgió de un accidente con un sintetizador, reflejan esta atención meticulosa al detalle. Por otro lado, temas como “Rodeo Clown” abordan el peso de las expectativas diarias y el deseo de escapismo, mientras que “Tides” utiliza la naturaleza de Jacksonville como metáfora para los cambios inevitables de la vida.
El álbum cierra con la canción que le da título, “Burnout Days”, un himno que encuentra esperanza en el agotamiento. “Esta canción surgió después de conocer a mi pareja actual,” confiesa Basse. “Ella me ayudó a desacelerar y a aceptar el burnout como una etapa más en la vida, algo de lo que podía aprender y crecer.”
A lo largo de los años, flipturn ha aprendido a equilibrar las exigencias de la vida en la carretera con su creatividad. Su música aborda temas universales como la autoestima, la adicción, la codependencia y la necesidad de seguir adelante, encontrando belleza incluso en los momentos de agotamiento.
“El burnout no es algo exclusivo de los músicos,” dice Basse. “Es lo que sucede cuando te apasiona tanto algo que lo entregas todo. Este álbum trata sobre aceptar ese sentimiento y encontrar formas de lidiar con él.”
Timothy Poulton, el nómada australiano detrás de Timothy and the Apocalypse, ha logrado captar la atención del mundo musical con su distintiva mezcla de electrónica cinematográfica y trip-hop ambiental. Desde su aparición en la escena musical en 2021, su proyecto ha cautivado a los oyentes con paisajes sonoros de vastos horizontes y momentos de introspección, todo mientras se sumerge en una exploración del amor, la vulnerabilidad y, a menudo, el concepto de Armageddon.
Con tres álbumes de estudio a su nombre, incluido el innovador All Busted Up, Timothy and the Apocalypse se ha consolidado como una de las propuestas más interesantes dentro de la música electrónica de vanguardia. El álbum Future So Bright de 2021, con su mezcla de trip-hop downtempo y texturas ambientales, le permitió hacerse un lugar en las listas de reproducción editoriales de Spotify como Just Chill y Night Shift, colocándose junto a artistas de renombre como Four Tet, Bonobo, Tim Shiel y Emancipator. Este éxito le permitió ganar reconocimiento y consolidar su lugar dentro de los sonidos más introspectivos y cinematográficos del momento.
Con cada nuevo lanzamiento, Poulton refina su arte, y su más reciente sencillo, Say Something, no es la excepción, con una mezcla de melodías suaves y capas de sonidos ambientales que envuelven al oyente, la canción crea un espacio sonoro en el que las emociones pueden fluir libremente. La combinación de beats downtempo y texturas electrónicas ricas subraya la sensación de vulnerabilidad que Poulton quiere transmitir: “Escribí Say Something como una expresión de vulnerabilidad… Se trata de tender la mano, esperar ser visto y escuchado, y al mismo tiempo aceptar lo desconocido en la búsqueda del amor”, explica el artista.
El proyecto de Timothy y su enfoque nómada en la creación de música han dado como resultado un sonido característico que transita entre la calma y la intensidad, explorando los matices emocionales de la existencia humana. Say Something continúa esta tradición, pero se enfoca especialmente en lo personal, llevando al oyente a un espacio de reflexión y autoexploración. El sencillo representa una evolución de su estilo, pero también un regreso a lo esencial: la conexión emocional profunda a través de la música.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Axioms of Mediocrity – Roots and Branches | Reino Unido
Axioms of Mediocrity es una banda del Reino Unido, sus composiciones transitan entre pasajes melódicos y momentos de intensidad, Con un estilo instrumental Folk Rock, la banda busca transmitir emociones profundas y reflexiones introspectivas a través de su música.
mr sazón – POL KE SI | Puerto Rico
Mr. Sazón es una figura en la comunidad puertorriqueña de Twitch, conocido por su carisma y versatilidad. Con su programa “Show del Medio Día”, donde transmite eventos como la lucha libre de su propia promoción “SWA” y el baloncesto digital “La Guerrilla” junto a Chamako 09, ha logrado ganarse el cariño de su audiencia. Además de su faceta como creador de contenido, también se involucra en proyectos musicales, como su colaboración en la canción “Pol Ke Si”, un tema que habla sobre la pérdida de seres queridos y la resiliencia. Con su estilo único y lleno de energía, Mr. Sazón continúa siendo una figura influyente y entretenida en el mundo digital de Puerto Rico.
Carly Tappan – Coming Back | Estados Unidos
Carly Tappan es una talentosa artista estadounidense que fusiona géneros como el R&B, el pop y el rock, creando una sonoridad propia. Su música se caracteriza por explora temas como el amor propio, la resiliencia y el crecimiento personal. Con una voz potente y emotiva, Tappan logra transmitir una vulnerabilidad auténtica sin perder la fuerza en su entrega.
