Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Freedom Fry – She Fell in Love on the Dance Floor | Estados Unidos
“She Fell in Love on the Dance Floor” es el nuevo sencillo de Freedom Fry, un dúo que combina el indie pop con una sensibilidad soñadora y cinematográfica. Inspirada en los viajes nocturnos, las pistas de baile y esas conexiones instantáneas que pueden surgir en una noche cualquiera, la canción captura una sensación de libertad, romance y descubrimiento.
RXW – Bad Habits
“Bad Habits” de RXW explora la atracción hacia aquello que sabemos que no deberíamos hacer o hacia personas que sabemos que no nos hacen bien. La canción se adentra en esa contradicción entre reconocer todas las señales de advertencia y, aun así, elegir acercarse al peligro en lugar de alejarse. A través de una atmósfera oscura y emocional, RXW aborda el lado más complejo del deseo, la tentación y los patrones difíciles de romper, mostrando cómo la conciencia no siempre es suficiente para ejercer autocontrol. El tema captura así la incómoda verdad de sentirse atraído precisamente por aquello que sabemos que puede hacernos daño.
JACQUELINE – MONEY FEVER
“Money Fever” de JACQUELINE es un tema de rock psicodélico con espíritu surfero que reflexiona sobre la obsesión por el dinero en la sociedad actual. La banda apuesta por una producción de sonido old school, diseñada para encajar con su estética vintage y acercarse a la energía de sus presentaciones en directo. El resultado es una canción que combina riffs y atmósferas psicodélicas con una mirada crítica hacia la llamada “fiebre del dinero” y su influencia en la vida contemporánea.
Róisín McCarney continúa transformando sus experiencias personales en canciones cargadas de emoción con “The Shadow”, el segundo sencillo de su próximo EP Divas Have Down Days. La cantante y compositora de Glasgow presenta en este nuevo lanzamiento una faceta más vulnerable y oscura de su recorrido, abordando de manera directa las dificultades relacionadas con su salud mental.
El tema forma parte de un proyecto que recorre los últimos dos años de la vida de McCarney, marcados por su lucha contra el cáncer. Si el primer sencillo, “Diva”, funciona como un himno de amor propio, poder y resiliencia, “The Shadow” se adentra en los momentos más complicados de ese proceso, poniendo en palabras las emociones que pueden aparecer incluso después de haber encontrado fuerza para seguir adelante.
Uno de los elementos más interesantes de la canción es el contraste entre su contenido y su producción. La honestidad y vulnerabilidad de la composición se encuentran envueltas en una producción pop y dance, creando un espacio donde la tristeza y la esperanza pueden convivir. En lugar de ocultar los días difíciles, McCarney los convierte en parte de su historia y los transforma en una experiencia musical que invita a sentir y liberar esas emociones.
“The Shadow” también refuerza la identidad artística de Róisín McCarney, quien encuentra en la música una vía para procesar experiencias personales y conectar con quienes atraviesan situaciones similares. Su propuesta combina influencias del pop contemporáneo con letras profundamente personales, buscando que esa vulnerabilidad se convierta en un punto de encuentro con el público. Con Divas Have Down Days, McCarney construye un relato sobre supervivencia, amor propio, salud mental y esperanza. “The Shadow” representa precisamente ese lado menos luminoso del camino, pero también recuerda que los malos días no son permanentes. Como sugiere el espíritu de la canción, incluso cuando todo parece oscuro, siempre existe la posibilidad de encontrar esperanza. Y, en este caso, también un lugar donde llorar, bailar y seguir adelante.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
the gilman project – Gulf of America
The Gilman Project es un colectivo de la Bahía de San Francisco que combina folk, rock y pop para transformar las tensiones de la vida contemporánea en canciones profundamente humanas y reflexivas. En “Gulf of America”, la banda explora la relación entre geografía, identidad y pertenencia a través de un sonido folk-rock orgánico y una escritura contemplativa que invita a cuestionar el significado que damos a los lugares y las historias que construimos alrededor de ellos. El resultado es una canción que une sensibilidad, conciencia y una mirada crítica sobre la manera en que cambiamos nuestra percepción del mundo.
Matheo Bermúdez – Amar, Luchar, Crear | Colombia
Matheo Bermúdez es un cantautor colombiano que combina sonidos acústicos y atmósferas ambient con una sensibilidad íntima y reflexiva, influenciado por artistas como Elliott Smith y Luis Alberto Spinetta. Tras iniciar su camino con composiciones instrumentales y publicar en 2023 su álbum conceptual Lose Ideals, Fit, End, presenta “Amar, Luchar, Crear”, su primer sencillo, una canción que resume su visión de la vida en tres palabras: amar, luchar y crear. El tema propone estos tres conceptos como un sencillo manual para afrontar la existencia, reivindicando el amor, la perseverancia y la creatividad como fuerzas esenciales para avanzar.
Jensen & Company – The Good | Estados Unidos
“The Good” de Jensen & Company es una canción original escrita por Heidi Jensen North que celebra la bondad, la compasión y la capacidad de las personas para unirse y generar un impacto positivo en el mundo. Grabada en RockingHorse Studio, New Hampshire, y en Nashville, la canción está acompañada por un videoclip que presenta una historia de intervención angelical y encuentros humanos, transmitiendo un mensaje cálido sobre el poder de trabajar juntos y compartir más amor con los demás.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
CW2 – Ashes to Ashes | Estados Unidos
CW2 es un artista de Colorado que se mueve con libertad entre distintos géneros como cantante, rapero, multiinstrumentista, productor y compositor. Desde que comenzó a publicar música original en 2020, ha desarrollado un estilo versátil que combina influencias tan diversas como el country de Hank Williams, el punk de Green Day, el hip hop de bbno$ y $uicideboy$, y las melodías indie de Peach Pit. Esta mezcla de referencias le permite crear una propuesta ecléctica y personal, marcada por la experimentación y la libertad para cruzar fronteras entre géneros.
Club Coma – Those Days Are Over
Club Coma presenta “Those Days Are Over”, un tema que aborda el cierre de ciclos y la necesidad de dejar atrás el pasado para avanzar hacia nuevas etapas. Con una producción envolvente y una interpretación cargada de sinceridad, la canción encuentra un equilibrio entre la nostalgia por lo vivido y la esperanza que acompaña a los nuevos comienzos. El resultado es una pieza emotiva y personal que refleja la capacidad de la banda para combinar sensibilidad y experimentación dentro de su particular universo sonoro.
Rochebonne – Eternal Fame | Francia
Rochebonne es una banda que combina la energía del rock con melodías pop, creando un sonido pensado para hacer bailar al público. Su propuesta se apoya en riffs contundentes, estribillos himnóticos y una interpretación cargada de energía. Con su sencillo debut, “Eternal Fame”, la banda establece desde el primer momento una identidad dinámica y directa, donde la fuerza del rock se encuentra con el carácter pegadizo del pop.
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K. Melody – Sugar Skies
K. Melody, originaria de Atlanta y actualmente radicada en Tampa, Florida, es una artista que fusiona el R&B y el soul con una sensibilidad única. Sus voces suaves y envolventes se entrelazan con beats hipnóticos, creando un sonido cálido y cautivador. A través de letras imaginativas, K. Melody explora experiencias personales, emociones y situaciones del mundo real, convirtiéndolas en canciones reflexivas y cercanas. Su música combina profundidad y sensibilidad con una producción agradable y envolvente, invitando al público a conectar con sus historias desde un lugar íntimo y auténtico.
Alasdair Inglis – Shine | Reino Unido
Alasdair Inglis es un músico y compositor escocés criado en las Highlands, donde creció rodeado de música folk tradicional y canciones gaélicas que marcaron profundamente su sensibilidad artística. Tras pasar 25 años en Londres, absorbiendo influencias que van desde el folk y los cantautores hasta la música electrónica y la escena de festivales británica, ha desarrollado un sonido reflexivo y atmosférico que combina la melancolía de las Highlands con una sensibilidad contemporánea. Su música, guiada por guitarras de afinaciones abiertas y una narrativa íntima, explora el vínculo entre lugar, memoria y experiencia, con canciones personales sin caer en lo confesional y una belleza serena nacida de haber vivido entre distintos paisajes.
The Prestige – Rose du Désert | Francia
Desde París, The Prestige apuesta por una propuesta de hardcore incorporando elementos de post-rock, post-metal y otras sonoridades alternativas. En “Rose du Désert”, la banda combina letras en francés con una energía hardcore explosiva y una atmósfera más expansiva y experimental. La segunda mitad del tema destaca especialmente por sus influencias de post-metal, convirtiendo la canción en una buena puerta de entrada para quienes disfrutan de propuestas cercanas a The Ocean y de sonidos pesados, dinámicos y atmosféricos.
Hay canciones que buscan respuestas y otras que simplemente nos acompañan mientras intentamos encontrarlas. “Cycles”, el nuevo sencillo de la cantautora neerlandesa Celine Cairo, pertenece a esa segunda categoría. Con una atmósfera hipnótica y una interpretación vocal que se mueve entre lo etéreo y lo profundamente humano, Cairo convierte una reflexión sobre el cambio, el paso del tiempo y los ciclos de la vida en una experiencia íntima y reconfortante.
“Cycles” continúa la nueva etapa artística de Cairo, iniciada con el sencillo “Panacea” y encaminada hacia su próximo álbum, previsto para junio. La canción se adentra en un territorio más oscuro e introspectivo, explorando esa sensación tan familiar de mirar hacia el futuro sin saber exactamente qué nos espera.
“Cycles” se construye alrededor de un antiguo Wurlitzer de Cairo y una producción de inspiración trip-hop. Los paisajes electrónicos son sutiles, los sintetizadores analógicos aportan profundidad y las guitarras eléctricas, interpretadas por Bram Doreleijer de Haevn, aparecen amplias y espaciales. A esto se suman cuerdas reales que ayudan a expandir la canción sin restarle intimidad. El resultado es un paisaje sonoro que parece avanzar lentamente, como si la canción respirara al mismo ritmo que quien la escucha.
En el centro está la voz de Cairo. Etérea, cristalina y ligeramente fantasmal, funciona como una guía dentro de este universo sonoro. “Cycles” tiene algo de experiencia nocturna: esa sensación de estar despierto mientras todos duermen, pensando demasiado en el futuro, en las decisiones tomadas y en los cambios que todavía están por llegar. Sin embargo, la canción nunca queda atrapada en la ansiedad. Su calma funciona como una forma de aceptación.
Cairo habla de crecer, envejecer, cambiar de lugar y enfrentarse a aquello que no podemos controlar. Cuando canta sobre poner la mano sobre el corazón y sentir el cambio, para después recordar que las cosas terminan encontrando su lugar, convierte una experiencia personal en algo universal. Todos hemos conocido, en mayor o menor medida, ese temor ante lo desconocido. Todos hemos tenido que aprender que avanzar también significa dejar atrás ciertas versiones de nosotros mismos.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Champ – Born In The Wild End | Reino Unido
Champ es una banda de Hartlepool, en el noreste de Inglaterra, que convierte historias de amistad, adolescencia, errores, noches largas y la relación compleja con su ciudad en canciones de guitarras amplias y emoción cinematográfica. Born In The Wild End, su tercer sencillo y título de su EP debut, fue la primera canción que escribieron como banda y representa de forma especialmente clara su identidad: un retrato de las expectativas, el existencialismo, la amistad y ese vínculo contradictorio con el lugar donde uno crece. Entre melodías expansivas y letras honestas, Champ transforma las pequeñas historias de una ciudad costera postindustrial en himnos que miran hacia algo más grande.
Shaman Ivan – Драккар | Rusia
SHAMAN IVAN es un proyecto ruso de músicos multinacionales que fusiona tradiciones folclóricas ancestrales con neofolk moderno, combinando cantos antiguos, instrumentos tradicionales, tambores poderosos y guitarras pesadas. “Драккар” (Drakkar), incluido en el álbum conceptual Prophecy, es una pieza de neofolk metal escandinavo con un sonido cinematográfico que evoca la llegada de los vikingos a la batalla. El álbum explora en ocho canciones conceptos como el destino, el miedo, la fuerza, las decisiones y lo desconocido, llevando el espíritu del pasado al presente.
skyve – NEVER CHANGE | Estados Unidos
“NEVER CHANGE” es una reflexión íntima de SKYVE sobre una amistad rota. La canción explora cómo la falta de comunicación y el orgullo pueden abrir distancia entre dos personas, convirtiendo una experiencia dolorosa en una oportunidad para aprender, crecer y entender lo ocurrido.
Hay artistas que comienzan buscando una voz y otros que comienzan buscando una respuesta. En el caso de Jeynu Núñez, escritor y rapero de Juana Díaz, Puerto Rico, ambas búsquedas parecen ocurrir al mismo tiempo. Desde 2020, Núñez ha utilizado la música como un espacio para explorar aquello que lo compone: la memoria, la identidad, las relaciones, las experiencias cotidianas y también esas emociones que, a primera vista, podrían parecer demasiado pequeñas como para convertirse en una canción. Su propuesta parte de una intención sencilla, aunque no necesariamente fácil: hablar desde la sensibilidad sin perder el calor humano.
Ese recorrido desemboca en NOSTALGIA, su primer álbum de estudio, un proyecto de siete canciones que funciona como una mirada hacia distintas etapas de su vida. No se trata únicamente de recordar. En el álbum, recordar parece ser también una forma de ordenar, entender y finalmente soltar.
NOSTALGIA no busca presentar una narrativa explicada de principio a fin. En lugar de construir un discurso explícito, Núñez parece confiar en los detalles.
El proyecto también reúne una serie de colaboraciones que amplían ese ejercicio de memoria hacia otras geografías. En sus créditos aparecen artistas de Puerto Rico y de distintos lugares del mundo, entre ellos Yuyang Lu, Migui, Ivan Bervin, LAPERRERA, Melina Alegria, brrrravo, Annie, Jon Limon, Acidd y Siete.
El Track x Track de “Nostalgia”
1. El intro que le debía a Shanice — con Yuyang Lu
El álbum comienza casual y relax, con un lenguaje casual que logra darnos contexto del artista El intro que le debía a Shanice funciona como una puerta de entrada a NOSTALGIA: una canción que parte de una persona específica para abrir un espacio mucho más amplio de recuerdos. Hay algo íntimo en la idea de “deberle” una canción a alguien, como si hacerla fuera finalmente cumplir una promesa pendiente. Con Yuyang Lu, el tema nos da un “Solo quedara seguir pa lante” como mantra de la canción, fuera de la legra la música es muy interesante, con sensaciones de hip hop, R&B y soul, la canción logra transmitirnos desde pensamientos relax, hasta un contexto social que tienes que escuchar.
2. JiNCHA BORiCUA — con Migui y Ivan Bervin
JiNCHA BORiCUA parece surgir desde un lugar más cotidiano y orgullosamente puertorriqueño. El propio título juega con una identidad reconocible, pero presentada desde una sensibilidad personal y posiblemente irreverente. La presencia de Migui e Ivan Bervin amplía esa identidad hacia afuera, convirtiendo una experiencia local en un punto de encuentro entre distintas partes del mundo. Dentro de NOSTALGIA, representa la memoria de un lugar y de una forma de ser: aquello que uno carga consigo incluso cuando se encuentra lejos. La canción nos presenta memorias, lugares, personas y emociones como un pequeño momento entre amigos donde pueden platicar sobre esos días que valoran, pero que han quedado atrás. El track no solo funciona como remembranzas del pasado sino como una propuesta romántica con la integración del featuring.
3. Maldita Esperanza — con LAPERRERA y Melina Alegria
Hay algo contradictorio en llamar Maldita Esperanza a una canción: la esperanza suele ser aquello que nos sostiene, pero también puede ser precisamente lo que nos impide aceptar que algo terminó. El título encapsula esa tensión entre querer seguir creyendo y saber que quizá deberíamos dejar ir. Con LAPERRERA y Melina Alegria, la canción se convierte en uno de los momentos donde la nostalgia puede sentirse menos como recuerdo y más como una emoción todavía presente.
4. Una lofi pa’ Nati — con brrrravo y Annie
Con una voz en off de introducción,Una lofi pa’ Nati tiene desde el título una intimidad distinta. No intenta sonar como una gran declaración; parece más bien un gesto sencillo: hacerle una canción a alguien. El “pa’ Nati” hace que el proyecto vuelva a lo cotidiano y recuerda que la memoria también está hecha de pequeños detalles, nombres propios y momentos que quizás nunca fueron importantes para nadie más. Su carácter lo-fi encaja naturalmente con esa sensación de mirar una fotografía vieja, quedarse pensando y dejar que el recuerdo haga el resto, su carácter instrumental nos da un respiro dentro del disco pero a la vez la voice note del principio de la canción nos deja recordando esas conversaciones que tuvimos con esa persona de nuestro pasado.
5. Lafourcade — con Acidd
Lafourcade introduce la memoria desde otro lugar: el de las referencias que terminan convirtiéndose en parte de nuestra propia identidad. Con Acidd, la canción funciona como una conversación al pasado, una persona y muchos recuerdos, dándole aún mas valor al titulo del álbum. La canción logra sorprendernos con un final que fusiona elementos de la electrónica y rap con un groove inesperado que nos encantó.
6. Algo así pa’l outro de David — con Siete
Si El intro que le debía a Shanice abre el álbum desde una deuda, Algo así pa’l outro de David parece cerrarlo desde otro lado, un instrumental acústico a voz y guitarra con una naturalidad casi improvisada, como si la canción hubiera nacido de una conversación, una referencia interna o una idea que simplemente había que convertir en música. Esa espontaneidad encaja con la esencia de NOSTALGIA: no todo recuerdo necesita una explicación solemne. A veces basta con dedicar algo, nombrarlo y dejarlo existir. La colaboración con Siete convierte ese momento en otro encuentro dentro del álbum.
7. La tinta no miente — con marciano, el joven
El álbum termina con una declaración que podría resumir todo su concepto: La tinta no miente. Después de recorrer recuerdos, personas, lugares y distintas versiones de sí mismo, queda la escritura como testigo. La tinta conserva aquello que la memoria puede distorsionar, esconder o intentar olvidar. Que esta sea la última canción hace que NOSTALGIA termine regresando a una de las raíces de Jeynu: el escritor. Si todo el álbum es un ejercicio de recordar para entenderse, aquí la escritura aparece como evidencia de ese proceso. Lo que quedó escrito, quedó.
Vistas juntas, las siete canciones pueden leerse como siete formas diferentes de recordar: una deuda, una identidad, una esperanza, una persona, una influencia, una despedida y finalmente la escritura.
Y eso conecta muy bien con la idea que planteaste desde el principio: NOSTALGIA no intenta contarle al oyente exactamente qué debe sentir. Le enseña fragmentos de la memoria de Jeynu y lo deja completar los espacios vacíos. Para Jeynu, la nostalgia no parece significar únicamente extrañar el pasado. Es, más bien, una materia con la que puede trabajar.
Su música parte de experiencias que pueden ser banales o profundamente introspectivas, pero intenta acercarse a ambas con el mismo nivel de honestidad. Esa disposición a encontrar significado incluso en aquello que aparentemente no lo merece es una de las características que atraviesa su propuesta.
En NOSTALGIA, esa mirada adquiere una dimensión especialmente personal. Una ruptura amorosa terminó convirtiéndose en parte importante del proceso creativo y llevó a Núñez a confrontar sensibilidades que quizá permanecían en segundo plano.
Lo que comenzó como una inquietud artística terminó funcionando también como una forma de terapia: un espacio para mirar hacia adentro cuando mirar hacia afuera ya no parecía suficiente. Pero el álbum no parece querer quedarse atrapado en el dolor. Hay humor, referencias personales, colaboraciones, buenas vibras y una voluntad evidente de mantener la humanidad en el centro. La introspección no tiene que convertirse necesariamente en solemnidad.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Jay Activist x Kaliyah Lyric – Lose You Again
Jay Activist y Kaliyah Lyric unen hip hop y R&B en “Lose You Again”, un dúo vulnerable que explora la complejidad de una ruptura en la que el deseo de seguir adelante convive con la posibilidad de una segunda oportunidad. Sobre una producción de atmósfera melancólica pero con suficiente fuerza rítmica, las voces de ambos artistas se alternan como una conversación pendiente entre dos personas que todavía intentan entender qué salió mal. Kaliyah aporta una interpretación soulful y armonías envolventes, mientras Jay profundiza en los errores, la distancia, los rencores y los juegos que terminaron deteriorando la relación. Lejos de plantear una historia basada en la culpa, el rapero reconoce también su propia responsabilidad, aportando una dimensión de honestidad y autocrítica al relato. “Lose You Again” se mueve así entre el desamor, la responsabilidad emocional y la esperanza de reconstruir el vínculo, aunque solo después de que ambos hayan tenido el espacio necesario para replantearse las cosas.
Simon Joan – Up All Night | Países Bajos
Simon Joan presenta “Up All Night”, una canción que retrata el estado de ánimo posterior a una noche de fiesta cuando, al regresar a casa en soledad, resulta imposible conciliar el sueño y aparecen las dudas sobre las decisiones tomadas. El tema se mueve alrededor de ese momento de introspección en el que la energía de la noche deja paso al silencio, los pensamientos se intensifican y el arrepentimiento comienza a hacerse presente. A través de una narrativa sencilla y cercana, Joan convierte una experiencia cotidiana en el punto de partida para explorar la soledad, la inquietud y las consecuencias emocionales de una noche que quizá no salió como se esperaba.
ON2ONE – Highway
ON2ONE presenta “Highway”, un single de electro-pop que se construye sobre un ritmo de percusiones sincopadas y una línea de bajo que sostiene el pulso, mientras los sintetizadores aportan acordes arpegiados, melodías brillantes y capas atmosféricas. La producción incorpora además voces procesadas y sutiles sonidos ambientales que evocan el desplazamiento por un paisaje urbano iluminado por neón, reforzando el carácter cinematográfico de la pieza. Con una estructura }contenida, ON2ONE evita la saturación y permite que cada elemento cumpla una función dentro del conjunto, introduciendo pequeñas variaciones rítmicas y texturales que mantienen el dinamismo.
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Carbon City Lights – Leaving The Light On | Estados Unidos
Carbon City Lights presenta “Leaving the Light On”, un tema de folk-rock de atmósfera soñadora y energía luminosa que combina una línea de bajo dinámica, baterías marcadas y melodías superpuestas. La canción reflexiona sobre el deseo de reencontrarse con una versión más despreocupada de uno mismo, utilizando la imagen de una luz encendida como guía simbólica de regreso a casa. Su desarrollo cálido y cinematográfico acompaña una letra esperanzadora, equilibrando el carácter introspectivo de la temática con una sensación de optimismo. Con su mezcla de folk e indie rock, “Leaving the Light On” se integra naturalmente en una propuesta orientada a la emoción y la conexión personal.
Demetrius – NO CASA | Estados Unidos
Demetrius es un artista de hip hop originario del corredor de la Ruta 40 en Frederick, Maryland. Desde sus primeros lanzamientos, el rapero mostró una identidad definida y una notable seguridad en su propuesta, cualidades que ha continuado desarrollando mientras busca diferenciarse dentro de la escena a través de una evolución constante en áreas como la escritura, la instrumentación y la producción. Su más reciente EP, Before We Lose The Summer, refleja ese crecimiento y apunta al potencial que aún continúa explorando como compositor y artista. Con la honestidad y la autenticidad como pilares de sus letras, Demetrius construye una propuesta personal en la que sus experiencias y perspectiva encuentran su principal forma de expresión a través de la música.
Midnight Distance Club – Midnight in Paris
“Midnight in Paris” sitúa su narrativa en un escenario nocturno fácilmente reconocible y asociado a una de las ciudades más evocadoras del imaginario cultural. La combinación de hora y lugar construye una escena que sugiere encuentros, recorridos nocturnos y recuerdos que adquieren una dimensión distinta durante la madrugada. A través de esta ambientación, Midnight Distance Club desarrolla una canción marcada por el carácter íntimo y sugerente de una noche en París, utilizando la ciudad como telón de fondo para una experiencia que transcurre entre la nostalgia, el misterio y la posibilidad.
