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Our-Fi explora los límites de la electrónica experimental con “Probably Pretty Improbable”

Our-Fi explora los límites de la electrónica experimental con “Probably Pretty Improbable”

El dúo independiente Our-Fi presenta “Probably Pretty Improbable”, un sencillo que desafía las estructuras convencionales de la música electrónica mediante una combinación de indietronica, glitch-pop y breakbeat experimental. Formado por Derek Peper y Alix Murdick, el proyecto continúa desarrollando una identidad sonora basada en la curiosidad, la libertad creativa y la exploración de nuevos territorios musicales. Desde Phoenix, Arizona, ambos artistas construyen una propuesta que combina producción electrónica contemporánea, instrumentación orgánica y ritmos impredecibles, demostrando que la experimentación puede convivir con una fuerte sensibilidad emocional.

“Probably Pretty Improbable” se caracteriza por una estructura dinámica que evoluciona progresivamente, sin recurrir a las fórmulas habituales de la música orientada a la pista de baile. La canción comienza en un espacio electrónico minimalista y, poco a poco, incorpora percusiones detalladas, sintetizadores deformados y variaciones rítmicas que mantienen al oyente en constante expectativa.



Our-Fi construye la composición a través de la tensión, la repetición y los cambios inesperados. Los silencios y los espacios entre los elementos musicales adquieren tanta importancia como los propios sonidos, creando una experiencia envolvente que invita a descubrir nuevos detalles con cada escucha. El resultado se mueve entre la indietronica, el glitch-pop y el breakbeat experimental, con una producción que equilibra precisión electrónica y espontaneidad. Aunque las máquinas y los sintetizadores desempeñan un papel fundamental, la canción conserva una sensación orgánica, como si los distintos elementos estuvieran interactuando en tiempo real dentro de una misma habitación.

La propuesta de Our-Fi puede encontrar puntos de conexión con artistas como Mount Kimbie, Jamie xx, Caribou, Four Tet y James Blake, especialmente por su interés en combinar texturas electrónicas con elementos expresivos y dinámicas propias de la interpretación humana. Sin embargo, el dúo utiliza estas influencias como punto de referencia para desarrollar un lenguaje musical propio, sin limitarse a reproducir una fórmula establecida.

Esta búsqueda también se refleja en el catálogo general del proyecto, que incorpora ritmos de hip-hop, guitarras expresivas, bajo, instrumentación en directo, dub y rock. Su música transita entre pasajes melódicos, atmósferas lo-fi y momentos de mayor intensidad rítmica, con un enfoque que privilegia el estado de ánimo y la evolución sonora por encima de las etiquetas de género.

En “Probably Pretty Improbable”, esa filosofía se manifiesta en una composición que avanza mediante pequeños desplazamientos y contrastes. Cada capa instrumental cumple una función dentro del conjunto, pero ninguna termina de dominar por completo el paisaje sonoro. La canción encuentra su fuerza precisamente en ese equilibrio inestable entre control y espontaneidad.


James Tonic presenta “Wherever You Are”, una canción sobre las historias de amor que nunca llegaron a suceder

James Tonic presenta “Wherever You Are”, una canción sobre las historias de amor que nunca llegaron a suceder

El artista de dream pop James Tonic presenta “Wherever You Are”, un sencillo que explora la nostalgia por una relación que nunca llegó a convertirse en realidad y las emociones que permanecen cuando una historia posible se queda únicamente en la imaginación.

Criado en Montreal y vinculado artísticamente a la escena de Nueva York, James Tonic ha construido una identidad sonora caracterizada por las melodías melancólicas, las atmósferas envolventes y las letras que profundizan en las complejidades de las relaciones humanas. Su propuesta combina elementos del dream pop y el pop alternativo con una sensibilidad cinematográfica que encuentra puntos de conexión con artistas como Lana Del Rey, Cigarettes After Sex y Beach House. A lo largo de siete álbumes, el músico ha desarrollado un lenguaje propio en el que la intimidad emocional ocupa un lugar central.



“Wherever You Are” parte de una idea tan sencilla como universal: imaginar cómo habría sido una relación que nunca llegó a suceder. Más que abordar una ruptura convencional, la canción se adentra en una forma de pérdida menos evidente, aquella que aparece cuando una posibilidad desaparece antes de convertirse en una experiencia compartida. Es el recuerdo de algo que nunca ocurrió, pero que aun así puede dejar una huella emocional profunda.

A través de su letra, James Tonic reflexiona sobre el deseo de ser importante para otra persona y la incertidumbre que acompaña a los vínculos que nunca terminan de materializarse. La canción gira alrededor de la necesidad de sentirse necesario, querido o protegido, incluso cuando esa conexión solo existe en la mente. De esta manera, el artista transforma una experiencia íntima en una historia con la que pueden identificarse quienes alguna vez imaginaron una vida alternativa junto a alguien.

“Wherever You Are” combina piano, cuerdas y sintetizadores en una producción atmosférica que deja espacio para que cada elemento contribuya a la carga emocional de la composición. La grabación, realizada con una banda en directo en lugar de depender exclusivamente de instrumentos programados, aporta una dimensión orgánica al sonido y permite que los arreglos respiren dentro de una estructura delicada y envolvente.

El resultado se mueve entre el alternative pop y el dream pop, con una instrumentación que acompaña la melancolía de la letra sin restarle protagonismo. Los sintetizadores construyen texturas etéreas, mientras el piano y las cuerdas refuerzan la sensación de intimidad y contemplación. La voz de Tonic guía la canción con un enfoque sensible, manteniendo el equilibrio entre la vulnerabilidad de la interpretación y la amplitud cinematográfica de la producción.


LA NUEVA OLA 2026 #631 | Ranvir, Sheffer Stephens, Patrick Manian

LA NUEVA OLA 2026 #631 | Ranvir, Sheffer Stephens, Patrick Manian

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Ranvir – Slow Down Slow | Singapur

Ranvir es un proyecto originario de Singapur, liderado por un multiinstrumentista y productor que fusiona indie rock, shoegaze, texturas experimentales y arreglos cinematográficos para crear una propuesta íntima y atmosférica. Su música explora temas como el dolor, la mortalidad y la fugacidad del tiempo, influenciada por sus experiencias personales y su convivencia con una enfermedad crónica desde temprana edad. En Slow Down Slow, presenta una reflexión sobre la necesidad de detenerse y vivir el presente en medio de un mundo que exige avanzar constantemente. La canción transita desde una intensidad inquietante hacia una atmósfera inspirada en la bossa nova, acompañando su evolución emocional con una invitación a reconectar con el momento presente y comprender que, al esperar siempre el instante adecuado para vivir, podemos dejar escapar aquello que realmente importa.


Sheffer Stephens – Flyboy | Estados Unidos

Sheffer Stephens es un cantautor radicado en Nashville que combina rock and roll, indie rock y Americana en una propuesta auténtica, marcada por melodías envolventes, arreglos inesperados y una actitud experimental que evita quedarse anclada en la nostalgia. En su sencillo Flyboy, producido por Kieran Kelly, se inspira en la historia real de Colton Harris-Moore, conocido como el «Barefoot Bandit», para construir un relato musical sobre la libertad, la rebeldía y el deseo de escapar. Con una instrumentación de espíritu orgánico, guitarras dinámicas y matices psicodélicos, la canción explora el contraste entre la búsqueda de independencia y los límites inevitables de la huida. A través de su narrativa cinematográfica y su sonido versátil, Stephens reafirma su identidad artística, fusionando la tradición del rock estadounidense con una sensibilidad contemporánea y una forma singular de contar historias.


Patrick Manian – Deal Me In | Estados Unidos

Patrick Manian es un músico, compositor y multiinstrumentista de Upstate New York, conocido por explorar una faceta más personal y experimental de su creatividad fuera de su trabajo en Mobile Steam Unit, la banda de indie rock y agencia de audio branding que cofundó. Junto a Samuel Huntington, forma parte de LARGE TEENZ, un proyecto que combina indie rock, country alternativo y humor satírico para abordar distintos aspectos de la cultura estadounidense. Su sencillo “Deal Me In” es una oda al estilo de vida de los casinos de Las Vegas, con una sonoridad de country alternativo y una actitud irreverente que captura la emoción del juego, el riesgo y la búsqueda de fortuna. La canción refleja la identidad desenfadada de LARGE TEENZ, que mezcla influencias musicales diversas con observaciones mordaces sobre la vida contemporánea.




LA NUEVA OLA 2026 #630 | Albastián, Azwel,

LA NUEVA OLA 2026 #630 | Albastián, Azwel,

Gus Ormo

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Albastián

Albastián es un proyecto musical costarricense-chileno de folk pop que explora la memoria, la identidad y las emociones a través de una combinación de instrumentación orgánica, elementos orquestales y texturas electrónicas. Con una propuesta íntima y una sensibilidad melódica particular, el artista transforma experiencias cotidianas en relatos sobre el amor, la pérdida y la transformación personal. En su sencillo -miel y sol-, Albastián reflexiona sobre cómo los recuerdos resignifican los pequeños momentos de la vida y nos permiten encontrar plenitud, aceptación y paz con el paso del tiempo. Inspirada en la imagen de una fotografía pegada con un imán en la refrigeradora, la canción convierte un objeto cotidiano en un símbolo de los vínculos y las experiencias que permanecen en la memoria.


Azwel

AZWEL es el proyecto musical del compositor y productor Jason Perrillo, quien durante más de 20 años ha desarrollado una trayectoria independiente desde su estudio en Nueva York, combinando indie rock, pop orquestal y narrativas cinematográficas. Como celebración de su recorrido musical, lanzó Nifty Fifty, una compilación de 50 canciones grabadas entre 2003 y 2021, que reúne temas frecuentemente interpretados en vivo por la banda y otros favoritos del artista. Concebida con el cuidado y la estructura de un álbum tradicional, esta colección recorre distintas etapas del proyecto y ofrece tanto a sus seguidores como a nuevos oyentes una oportunidad de descubrir la amplitud de su catálogo y la evolución de su identidad sonora.


Gus Ormo

Gus Ormo es un cantautor, pianista y poeta venezolano originario de Maracaibo, conocido como «El Príncipe de la Música». Con más de dos décadas de trayectoria, su propuesta artística combina romanticismo, sensibilidad poética y expresividad instrumental para explorar las emociones humanas desde una perspectiva íntima y personal. En sus composiciones Claroscuro y Latidos, el artista revela dos facetas de su universo musical: mientras Claroscuro invita a descubrir la sensibilidad interior que se esconde detrás de las apariencias mediante melodías evocadoras, Latidos fusiona elementos clásicos y contemporáneos en una experiencia instrumental envolvente, con el piano como protagonista. Ambas piezas reflejan su visión de la música como un lenguaje capaz de trascender las palabras, despertar sentimientos profundos y conectar el alma del artista con la de sus oyentes.



LA NUEVA OLA 2026 #623 | GENTLE GLOW, Pat Egan & The Heavy Hearts, Lilly Vanpraag

LA NUEVA OLA 2026 #623 | GENTLE GLOW, Pat Egan & The Heavy Hearts, Lilly Vanpraag

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


GENTLE GLOW – Last Call | Austria

Gentle Glow presenta “Last Call (Philip Larsen Universal Club Radio Remix)”, una nueva versión de su propuesta indie-pop transformada en un himno de dance-pop melódico, expansivo y lleno de energía. El remix corre a cargo del productor ganador del Grammy Philip Larsen, reconocido por su trabajo con artistas como Lady Gaga, Katy Perry y Kylie Minogue, quien lleva la canción hacia un territorio de grandes acordes de piano, pulsaciones electrónicas y una atmósfera eufórica. Con este lanzamiento, Gentle Glow combina su sensibilidad pop con una producción de carácter más bailable y contundente, convirtiendo “Last Call” en una experiencia luminosa, emotiva y diseñada para la pista de baile.


Pat Egan & The Heavy Hearts – Mindreader | Estados Unidos

“Mindreader” de Pat Egan & The Heavy Hearts explora la paranoia que surge dentro de una relación tóxica, llevando la incertidumbre y la desconfianza hacia un terreno de carácter sobrenatural. La canción convierte la obsesión por entender lo que piensa la otra persona en una especie de capacidad paranormal para leer mentes, reforzando su atmósfera de tensión y misterio. Inspirado por el pop y por bandas como Tame Impala, el tema combina una sensibilidad melódica contemporánea con una estética psicodélica que amplifica su dimensión emocional. “Mindreader” captura así el lado más inquietante de las relaciones marcadas por la inseguridad, donde la intuición, la paranoia y la imaginación terminan mezclándose hasta hacer difícil distinguir lo real de lo que solo ocurre en la mente.


Lilly Vanpraag – Ghost of You | Estados Unidos

Lilly Vanpraag es una cantante y compositora de Denver, Colorado, cuya música nace de las relaciones, el desamor y esas experiencias que terminan transformándonos de maneras inesperadas. Lo que comenzó como anotaciones personales en un diario se convirtió en melodías y canciones con las que la artista construye una narrativa profundamente emocional y cercana. Su propuesta combina una escritura confesional con una producción de pop moderno, buscando crear temas que puedan cantarse a todo pulmón sin perder su impacto emocional. Ya sea explorando el enamoramiento, el proceso de dejar ir o la recuperación de la confianza después de perderla, Vanpraag apuesta por canciones personales pero universales, concebidas como conversaciones capaces de hacer que quien las escucha se sienta comprendido.


LA NUEVA OLA 2026 #622 | Carolina Oliveros, YALANA, a good year

LA NUEVA OLA 2026 #622 | Carolina Oliveros, YALANA, a good year

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Carolina Oliveros – RAYO | Colombia

“RAYO” de Carolina Oliveros explora la tensión entre fuerzas opuestas que conviven dentro de nosotros y la posibilidad de encontrar equilibrio sin tener que elegir entre una u otra. A través de la imagen del fuego como chispa de transformación y del agua como elemento paciente que nutre y sostiene, Oliveros construye una reflexión íntima sobre el cambio, el conflicto interno y la resiliencia. La canción transmite la sensación de atravesar una tormenta personal hasta encontrar armonía donde antes solo existía tensión, recordando que transformarse no necesariamente significa destruir lo que somos, sino aprender a convivir con nuestras propias contradicciones.


YALANA – Still dream | Estados Unidos

YALANA presenta “Still Dream”, un sencillo lanzado el 15 de septiembre que encuentra su principal fuerza en los contrastes de intensidad. Partiendo del alternative rock, la canción alterna pasajes suaves con momentos de mayor peso y cambios armónicos que transforman su dirección sin perder cohesión. Su voz de timbre cristalino refuerza ese juego de contrastes, pasando de una fragilidad casi etérea en las secciones más delicadas a una interpretación más firme cuando la instrumentación gana fuerza. Más que simples recursos de producción, las transiciones modifican constantemente la percepción del tema y convierten “Still Dream” en una experiencia dinámica, emocional y llena de matices.


a good year – A Good Year – Back of a car + Dealerz | Dinamarca

A Good Year presenta “Back of a Car + Dealerz [Live from Spot Festival]”, una sesión en vivo que explora el deseo de escapar, regresar y enfrentarse a emociones que aún permanecen abiertas. “Back of a Car” transmite urgencia, movimiento y energía a través de un groove envolvente, mientras “Dealerz” adopta una atmósfera más melancólica y contemplativa, marcada por recuerdos, incertidumbre y la posibilidad de un reencuentro. Combinando indietrónica, indie rock y alt-pop, la banda crea un contraste de intensidades que convierte ambas canciones en un recorrido emocional sobre el impulso de avanzar y la tentación de volver.


LA NUEVA OLA 2026 #621 | Tom Sless, Joe Rian, Trapper Schoepp

LA NUEVA OLA 2026 #621 | Tom Sless, Joe Rian, Trapper Schoepp

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Tom Sless – Not Famous Yet | Estados Unidos

Tom Sless es un cantautor estadounidense que encarna el espíritu más auténtico e independiente del Rock And Roll. Tras dejar su trabajo como auditor en Deloitte, compró una camioneta y recorrió las carreteras de Estados Unidos durante años, tocando en bares y pequeños escenarios mientras construía una identidad artística forjada en la carretera. Ahora presenta “Not Famous Yet”, un potente himno de rock que combina guitarras afiladas, riffs contundentes, una base rítmica enérgica y una voz áspera con influencias del rock clásico. Con un título irónico que refleja su ambición y confianza, la canción habla de conocer el propio valor antes de alcanzar el reconocimiento, mientras advierte sobre los oportunistas que aparecen cuando llega la fama. Tom Sless convierte así su experiencia de vida en una declaración de autenticidad, determinación y pasión por el rock.


Joe Rian – Amarillo | Estados Unidos

Joe Rian, figura de la escena alt-country y roots rock de Chicago, presenta “Amarillo”, una canción de espíritu fronterizo escrita por Peter Christie a partir de un viaje por carretera que ambos realizaron años atrás. El tema narra una alocada aventura por el desierto, marcada por excesos, policías y carretera, con una energía cinematográfica que recuerda al universo de Fear and Loathing. Musicalmente, Rian combina guitarras de marcado sabor Southwestern, country y rock con una interpretación áspera y carismática, creando un sonido que evoca la imagen de Johnny Cash al frente de Calexico. “Amarillo” captura así el lado más aventurero, irreverente y road-trip de Joe Rian, dentro de su propuesta de Americana, blues-rock y rock & roll.


Trapper Schoepp – Almost Grown | Estados Unidos

Trapper Schoepp, cantautor de Milwaukee reconocido por su conexión con las raíces del folk y la Americana, presenta “Almost Grown”, en apoyo al músico neoyorquino Jesse Malin durante su recuperación de un derrame cerebral espinal. Inspirada en la figura de Malin, mentor de Schoepp desde los inicios de su carrera, la canción combina folk de influencia española con elementos de pop y una narrativa de carácter biográfico. “Almost Grown” se convierte así en un homenaje íntimo a la trayectoria, influencia y amistad entre ambos artistas, reafirmando la capacidad de Schoepp para transformar historias personales en canciones cargadas de humanidad.


LA NUEVA OLA 2026 #620 | Mark Langan, Emiko, First Robin

LA NUEVA OLA 2026 #620 | Mark Langan, Emiko, First Robin

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Mark Langan – Scars of a Friend | Estados Unidos

“Scars of a Friend” de Mark Langan es una íntima canción de indie folk que explora la amistad, el duelo y la salud mental. Inspirada en la experiencia de acompañar a un amigo tras la pérdida de su padre mientras enfrentaba sus propias dificultades emocionales, la canción refleja el deseo de estar para alguien incluso cuando uno mismo ya no tiene mucho que ofrecer. Su repetitividad simboliza la desesperación de intentar ayudar y la complejidad de la codependencia, convirtiendo una experiencia personal en una reflexión honesta sobre el amor, los límites y la vulnerabilidad.


Emiko – Venice feat. Larry Mitchell | Estados Unidos

Emiko es una compositora, artista de grabación y multiinstrumentista. Con un catálogo de más de 3,000 canciones, ha creado música para pop, rock, R&B, soul, J-pop, teatro, cine y televisión, incluyendo composiciones para más de 20 series. Su trayectoria comenzó desde la infancia y la ha llevado a compartir escenario con artistas como Cyndi Lauper, Jackson Browne y Keb’ Mo’, además de participar en el videoclip de Major Lazer junto a Marcus Mumford.


First Robin – Today I Am A Lighthouse | Canadá

First Robin, proyecto musical de la cantautora canadiense Alexandra Sullivan, presenta “Today I Am A Lighthouse”, una emotiva reflexión sobre la reinvención, el autodescubrimiento y el valor de soltar el control. Producido por el galardonado Joel Schwartz y masterizado por Justin Gray, ganador del Grammy, el sencillo habla de recuperar la autoestima y aprender a abrazar la propia identidad incluso en momentos de soledad e incertidumbre. Con delicadas voces sobre una producción de indie-folk cinematográfico, texturas ambientales, guitarras distorsionadas, percusión electrónica y sutiles efectos de vocoder, First Robin construye una atmósfera cálida e íntima que convierte la vulnerabilidad en una poderosa declaración de confianza personal.


Matilde G se enfrenta al exceso y la ilusión en “GRAVE OF OUR LIVES”

Matilde G se enfrenta al exceso y la ilusión en “GRAVE OF OUR LIVES”

Matilde G la artista italiana radicada en Singapur profundiza en su nueva etapa rock con una canción oscura, visceral y cargada de crítica social, “GRAVE OF OUR LIVES”, la cantante, compositora y performer italiana presenta una de sus propuestas más intensas hasta la fecha: un viaje hacia el lado oscuro de la noche, donde el glamour, el exceso y la búsqueda constante de diversión pueden esconder una profunda sensación de vacío.

La canción se mueve dentro de un territorio de rock alternativo oscuro y poderoso, construido alrededor de una energía cruda que encuentra en la voz de Matilde G su principal vehículo emocional. Su interpretación combina fuerza y vulnerabilidad, transmitiendo la urgencia de alguien que no observa la realidad desde la distancia, sino que se atreve a confrontarla directamente.



“GRAVE OF OUR LIVES” plantea una pregunta incómoda: ¿qué queda cuando desaparecen las luces, la música y la apariencia de una vida perfecta? Bajo la superficie brillante de la vida nocturna, Matilde G descubre un escenario mucho más inquietante, marcado por el exceso, la ilusión y una generación que puede sentirse atrapada en una búsqueda interminable de estímulos. La canción representa además una evolución natural dentro de la trayectoria de la artista. Después de construir una audiencia internacional con su propuesta pop, Matilde G entró en una nueva etapa con Beautiful Wreckage, su primer álbum completamente orientado al rock.

En “GRAVE OF OUR LIVES”, esa filosofía adquiere una dimensión especialmente contundente. Las guitarras, la energía y la intensidad de la producción sirven como escenario para una reflexión sobre la desconexión emocional que puede esconderse detrás de una cultura obsesionada con la fiesta, la apariencia y el exceso. Pero Matilde G no abandona la melodía. Su voz mantiene una cualidad accesible incluso cuando la canción se vuelve más agresiva, creando un contraste entre la oscuridad del mensaje y la capacidad de la artista para construir momentos memorables. Esa combinación de energía rock, sensibilidad pop y honestidad emocional se ha convertido en una de las características más reconocibles de su nueva identidad musical.


Oleyada: el indie-pop bilingüe que convierte lo íntimo en un universo sonoro

Oleyada: el indie-pop bilingüe que convierte lo íntimo en un universo sonoro

Desde su estudio de grabación en casa, ubicado en la ciudad de Mississauga, Canadá, Oleyada está construyendo un universo musical propio: íntimo, nostálgico y, al mismo tiempo, sorprendentemente fresco. Su propuesta se mueve entre el indie-pop, las texturas lo-fi y una sensibilidad cercana al rock, creando canciones que combinan melodías pegadizas con atmósferas soñadoras.

Detrás de este proyecto se encuentra también Mathew Fantini, su esposo y compañero creativo, con quien Oleyada trabaja en la producción de su música. Juntos han desarrollado un sonido que deja espacio para la delicadeza de su voz: suave, aérea y envolvente, pero capaz de sostener canciones con una identidad melódica muy marcada. La identidad de Oleyada está profundamente ligada a sus raíces. Como canadiense de segunda generación e hija de padres uruguayos, incorpora tanto el inglés como el español en su trabajo artístico. Esta dualidad no aparece como un simple recurso estilístico, sino como una parte natural de su manera de contar historias y relacionarse con su propia identidad cultural.

Su música ha aparecido en producciones de televisión y streaming, incluyendo las series canadienses Strays y Workin’ Moms, además de Hudson & Rex y The Lake, reflejando su capacidad para crear ambientes y emociones que funcionan más allá de la escucha individual. Sus canciones pueden acompañar una escena, establecer un estado de ánimo o reforzar un momento narrativo sin perder jamás su propia identidad.


El Track x Track de “Oleyada”



“all about you”

En su último lanzamiento doble, la artista presenta “all about you”, una canción que nos transporta de inmediato a este mundo acústico y dreamy. Su estudio de dormitorio se convierte en un laboratorio creativo donde lo retro encuentra nuevas formas de expresarse a través de la producción lo-fi. Con un color de voz delicado y suave, Oleyada apuesta por una atmósfera romántica, casi inocente, colorida, donde la melodía y la narración son protagonistas. Entre voces etéreas, sintetizadores retro dulces y letras que combinan juego y profundidad, su música construye un espacio propio donde lo íntimo se convierte en algo universal.

Específicamente en esta canción, la combinación de texturas orgánicas con una atmósfera de ensueño entre capas de amor recuerda a artistas como Clairo o Sales, llevándonos a un mundo visual que se siente como un sueño emocional.


“the sky”

Por su parte, en “the sky”, el segundo tema de este sencillo doble, la atmósfera mantiene ese mismo mundo con una sensación nostálgica y ligeramente triste. Este track apuesta por una voz más protagonicamente emocional y arreglos que sirven como una cama sonora que hace sumergirnos por completo en la visión de la artista. El resultado es una pieza luminosa y envolvente que transmite libertad, introspección y melancolía.

En definitiva, Oleyada representa a una nueva generación de artistas independientes que transforman lo íntimo en un mundo personal habitable. Visualmente, el proyecto podría recordarnos a The Marías o Magdalena Bay, mientras que en lo musical apuesta por un toque acústico y dreamy que le otorga una voz propia dentro del panorama musical.


Desde su dormitorio Oleyada, combina sus raíces uruguayas, el inglés y el español con un indie-pop soñador, cálido y lleno de personalidad. Su voz etérea, sus melodías envolventes y una sensibilidad que conecta nostalgia y modernidad hacen de su propuesta una presencia singular dentro de la escena musical canadiense e internacional. Con cada canción, Oleyada continúa demostrando que las historias más personales también pueden encontrar un profundo eco mucho más allá de sus propias fronteras.” por que es muy parecido al parrafo del inicio