Zoe Twist abre su primer EP con Dumb Stuff, un tema que transita con paso deliberado y una atmósfera bien detallada. El ritmo lento se apoya en efectos modernos que dan frescura al conjunto, mientras la voz de la artista se muestra cálida y firme. Las influencias de indie pop se mezclan con tintes dream pop y matices de pop comercial sin solaparse entre sí. Así, la canción inicial propone un viaje pausado que rebasa la etiqueta de simple presentación.
En Closer, la penúltima pista, el pulso se acelera ligeramente para incorporar ecos rock más oscuros. Los bajos adquieren un protagonismo sólido y las guitarras de fondo aportan un aire retro que enmarca la pieza. El resultado es un tono que coquetea con la tensión, sin caer en la densidad emocional extrema. Este equilibrio mantiene la propuesta en un punto medio entre el empuje y la contención.
Para el cierre, Young & Alive recupera elementos rock retro pero sin el matiz sombrío de la canción anterior. Aquí, la melancolía se asoma en acordes que se sienten familiares, mientras el ritmo tradicional guarda suficiente gancho para sostener el interés. La combinación de base rock y ese guiño nostálgico dibuja un final coherente con el espíritu del EP. Con ello, la artista demuestra sensibilidad para cerrar su obra con un guiño hacia el pasado.
A lo largo de “Dumb Stuff”, Zoe Twist pone en práctica la audacia que ha cultivado desde sus días en Berklee, fundiendo sensualidad y energía cruda con vocación pop. Este debut refleja su intención de ocupar un espacio propio, sin renunciar al caos ni a la belleza que supone explorar límites. El EP funciona como carta de presentación: un espacio donde lo íntimo y lo atrevido conviven sin pedir permiso. Con estas tres canciones, la canadiense deja claro que su trayectoria apenas comienza.
Desde el corazón de Nueva Orleans, Louisiana, surge Neutral Snap, una banda que está redefiniendo el pop-punk con una energía explosiva y un sonido que remite a la nostalgia del género, pero con una frescura y fuerza propias. Considerados los “disruptores” del pop-punk en el sureste de Estados Unidos, Neutral Snap mezcla riffs potentes, melodías pegadizas y breakdowns que evocan la época dorada del pop-punk de mediados de los 2000.
Su más reciente sencillo, “Danny ACOG”, coescrito con Tom Denney, conocido por su trabajo con A Day to Remember, es una perfecta muestra de esta mezcla entre juventud rebelde y madurez musical. La canción explora el tema del deseo no correspondido, un sentimiento universal que la banda transforma en un himno lleno de ritmo y emoción. Con coros pegajosos y riffs afilados, “Danny ACOG” no solo invita a moverse sino que conecta con la intensidad emocional propia de la juventud y el anhelo.
Su sonido, lleno de riffs potentes y melodías emotivas, recuerda a la época dorada del pop-punk, pero con una voz y personalidad muy propias que los han llevado a convertirse en una de las bandas más prometedoras de la escena actual. Aunque todavía están en ascenso, Neutral Snap está llamado a ser una de las grandes revelaciones del pop-punk en los próximos años.
Con la llegada del verano y festivales como Pop Punk’s Not Dead, Neutral Snap se prepara para seguir ganando terreno y demostrar que el espíritu del pop-punk sigue más vivo que nunca.
De la electrónica al rock hay más caminos de los que parece, y MatAre los ha recorrido con intención clara. Su canción “Attach Your Memories” aterriza con un sonido sencillo en apariencia, pero eficaz en su ejecución. El ritmo es directo, sin adornos innecesarios, y eso precisamente permite que cada elemento respire con naturalidad.
La voz —pesada pero no opaca— es una pieza clave en esta propuesta. Tiene cuerpo, transmite una calidez particular y, al mismo tiempo, sostiene una energía que no se impone pero permanece. Ese equilibrio entre fuerza y cercanía resulta en un vehículo expresivo que combina bien con el trasfondo instrumental, donde los tintes retro hacen su parte sin forzar el efecto nostálgico.
MatAre, cuya historia musical comenzó entre vinilos y beats en la escena breakbeat de Florida, toma distancia del pasado electrónico sin negarlo. Su transición hacia un híbrido entre el rock, la americana y una leve influencia new wave se siente como una evolución natural. La canción, en este contexto, suena como parte de un trayecto personal más que como un intento de encajar en una fórmula.
“Attach Your Memories” no busca impresionar con virtuosismo ni adornos excesivos. Prefiere mantenerse firme en una estructura honesta que le permite al oyente conectar desde el primer compás. Es una invitación a mirar hacia atrás sin quedarse estancado, a recuperar algo de lo esencial sin abandonar el presente.
Desde Medellín, Colombia, bajo el nombre de Ale Camalión se presenta el músico y diseñador gráfico Alejandro Cardona Arango quien ha creado un universo donde la vulnerabilidad se convierte en una fuerza creativa y la melancolía, en belleza sonora. Su EP debut, Saudade, es un refugio, una catarsis y renacimiento personal.
Su relación con la música comenzó en la adolescencia, pero fue interrumpida por una decisión dolorosa: abandonar su vocación para cumplir con las expectativas de lo que el mundo considera un “trabajo real”. Durante siete años, ese silencio lo arrastró a una profunda depresión. Sin embargo, fue precisamente en ese abismo donde encontró el impulso para volver a su esencia y reconstruirse desde el arte. Así nació Saudade, su primer EP.
Saudade es una palabra portuguesa que no tiene una traducción exacta al español, pero que encierra una mezcla de nostalgia, amor perdido y añoranza por lo que ya no está. Ese sentimiento atraviesa cada una de las seis canciones del EP, que fusionan synthpop, dream pop, shoegaze y una sensibilidad lírica profunda. Canciones como “Reflejos”, “El mar sobre nosotros”, “Noche negra” y “Mal y un reloj” tejen paisajes emocionales que hablan de desarraigo, introspección y reconexión personal.
El EP fue producido en Medellín junto a Simón Ramírez Acosta, guitarrista de La Banda del Bisonte, mientras que el mástering fue realizado por Sebastián Lopera, nominado a cuatro Latin Grammy.
El Track x Track de Saudade
No Hay Mas (ft. Cheri)
El disco abre con el focus track, “No hay más”, una colaboración con la artista Chéri, y ofrece una mirada cruda sobre la falsa idea de libertad que pueden representar las fiestas, las luces de la ciudad y el ruido social. Lejos de liberarnos, a veces nos aíslan aún más de nuestra esencia. Co
“No hay más denuncia la ilusión de que la ciudad y la fiesta puedan liberarnos. Al contrario, nos encierran, distanciándonos de lo que realmente somos”, explica Ale.
Un track influenciado por el sonido mas clasico del Indie Rock de los ultimos años, con reminisencias a Siddhartaha, Reyno o inclusive Zoé, el track nos lleva por capas de sintetizadores y guitarras crunchy, mientras las voces juegan mucho con la letra poetica y que logra destacar la voz de Cheri al darle un color dulce a la canción.
Mal y un Reloj
Como segundo track del disco Alex nos presenta una canción que se abalanza mas a los sonidos del rock, jugando entre metaforas y una oda al tiempo Mar y un Reloj, explora esta sensación de no poder parar el tiempo, mientras poco a poco nos lleva a un mundo lleno de sintetizadores y riffs de guitarras potentes.
Noche Negra
En Noche Negra, Alex explora nuevos colores de su voz, siendo el uso del falsete un distintivo de este track, con ritmos solidos y sintetizadores juguetones el artista nos lleva a una historia donde mirar hacia dentro y crecer a traves de la realidad se vulven la bandera de la canción, dandole este toque instrospectivo que busca Alex en Saudade, recordandonos en ocasiones a bandas como Cuarteto de Nos.
Kaguya
Desde el titulo del cuarto track se nos hace interesante la presentación de este nuevo tema, con una voz un poco mas ligera y una sensación mas relajada, este track le da ese punto de tranquilidad que el album necesitaba, si bien la canción sigue jugando mucho con temas como la nostalgia, el silencio y las emociones, la canción logra sentirse mas digerible y disfrutable entre su melodia instrumental.
El mar sobre nosotros
En camino a la recta final el mar sobre nosotros, inicia con todo con unos sintetizadores mas agresivos que llaman la atencion desde el primer momento, en esta ocasión el ritmo que venia proponiendo Ale durante en el disco se mantiene y quizas eso llegue a ser un poco cansado, pero esta exploración de un ritmo mas dance le da una sensación diferente a la canción, quizas nos hubiera gustado explorar un poco mas de minimalismo en algunos tracks … pero esta evolución a temas mas cargados de riffs y sintetizadores retros tambien se siente como un paso natural en la discografia.
Reflejos
Reflejos cierra el disco, con texturas diferentes a los tracks anteriores pero con una sencilles muy llevadera.
Más allá de su propuesta sonora, Ale Camalión se ve comprometido con la visibilización de la salud mental. Sus letras y mensajes apuntan a abrir conversaciones necesarias sobre depresión, ansiedad, y la importancia de volver a uno mismo.
“Quiero llevar a quienes se sumergen en mi universo a un mundo donde los sentimientos recobran su magia. Donde el dolor se transforma en arte”, concluye Ale.
Ale no solo canta lo que duele, sino que lo transforma en una experiencia que acompaña, abraza y libera. En tiempos de inmediatez y ruido, su música es una invitación a escuchar hacia adentro.
Desde Australia, All India Radio ha construido un universo sonoro liderado por Martin Kennedy, el proyecto combina elementos de space rock, ambient retro-futurista y una sensibilidad cinematográfica. Su música recuerda a los momentos más etéreos de Pink Floyd, la psicodelia cósmica de The Flaming Lips, y la oscuridad elegante de un universo lynchiano, similar a lo que hace Timber Timbre.
Inspirado por leyendas como Tangerine Dream, Brian Eno, Michael Stearns y DJ Shadow, All India Radio crea composiciones que se sienten como viajes: suites dentro de una sinfonía más grande, tal como lo han descrito medios como Beachsloth o The Needle Drop. Sus canciones no solo se escuchan, se experimentan.
En 2025, All India Radio vuelve a cautivar con su reinterpretación de “Catch The Breeze”, el clásico shoegaze de Slowdive, a tiempo para acompañar la gira mundial de la banda británica. En esta versión, la voz etérea de Lisa Gibbs y la producción envolvente convierten el tema en una pieza que parece extraída de una película de David Lynch, con capas de guitarras oníricas, reverb interminable y una belleza nostálgica que estremece.
En “Under the Weather”, THYMIAN recupera con soltura el pulso del rock clásico y lo viste de una estética retro muy marcada. El tema arranca con un efecto lo-fi que sumerge al oyente en una atmósfera casi nostálgica. El ritmo se mantiene constante y permite que la canción fluya con naturalidad, atrapando desde el primer momento.
La voz de THYMIAN, en su registro de barítono con cuerpo, aporta un matiz de rudeza capaz de contrarrestar la suavidad de la producción. Ese contraste la hace especialmente atractiva: el sonido cuidado y la capa de imperfección lo-fi se equilibran con una interpretación vocal que no teme rasgarse. De esta manera, la pieza adquiere una personalidad distintiva y un aire de autenticidad poco común.
Conocido como el Sad-Dancy-Boy, THYMIAN fusiona el new wave ochentero con el synth-pop moderno como parte de su terapia personal. Temas como la duda, el cambio y el miedo atraviesan su obra, y en “Under the Weather” esas inseguridades se insinúan entre líneas. La canción se convierte en un ejercicio de autoexploración, donde la sonoridad vintage sirve de guía para un viaje interior que desafía los prejuicios.
En definitiva, “Under the Weather” es una inmersión en un universo sonoro que honra el pasado sin quedarse atrapado en él. Con una producción envolvente y una voz que destila carácter, THYMIAN ofrece una pieza que conecta con quienes buscan música con identidad y mensaje.
Black Moth Super Rainbow (BMSR) es una de las bandas más emblemáticas de la psicodelia contemporánea, y su propuesta sonora sigue siendo tan única como en sus primeros días. Originarios de Pennsylvania, esta banda lleva más de dos décadas creando música que desafía las convenciones del indie electrónico y el psychedelic rock, con una mezcla inconfundible de sintetizadores melancólicos, texturas saturadas de nostalgia y una producción experimental que se convierte en su sello distintivo.
Desde su formación a principios de los 2000, la banda ha mantenido una estética muy particular, con sonidos que evocan un sentido de surrealismo y extrañeza. A través de los años, han logrado un equilibrio perfecto entre la psicodelia más abstracta y el pop experimental, creando una experiencia auditiva inmersiva y única. Aunque su estilo ha evolucionado, la esencia de la banda sigue intacta: un universo sonoro lleno de caos organizado, melancolía y una energía vibrante que se siente en cada una de sus composiciones.
Tras un largo período de siete años desde el lanzamiento de Panic Blooms en 2018, Black Moth Super Rainbow regresa con un nuevo álbum titulado Soft New Magic Dream.
El primer adelanto del álbum, “Unknown Potion”, ya está disponible para escuchar y muestra una faceta más suave de la banda, sin perder la esencia experimental y psicodélica que los caracteriza. El tema, como es de esperar, está lleno de capas sonoras densas, pero al mismo tiempo tiene una cierta suavidad que lo hace más accesible y evocador. La producción sigue el estilo único de BMSR, con una mezcla de sintetizadores vintage, ritmos quebrados y un vocoder característico que crea una atmósfera misteriosa, casi hipnótica.
Con su estilo característico de melodías melancólicas y producciones saturadas, BMSR ha sabido mantener su atractivo durante más de 20 años, ganándose un lugar especial en el corazón de los fanáticos de la música experimental y la psicodelia. Con Soft New Magic Dream, la banda promete seguir llevando a los oyentes a un viaje sonoro lleno de texturas complejas, emocionalidad a flor de piel y una creatividad que sigue sorprendiendo.
En el vasto universo de la canción de autor, hay encuentros que trascienden el tiempo, el territorio y las generaciones. “Danza”, el nuevo sencillo del cantautor chileno Patricio Anabalón junto al icónico Silvio Rodríguez, es uno de ellos. Una obra delicada y profunda obra que se mueve con la cadencia de la poesía y el peso emocional de dos voces que han hecho del compromiso y la sensibilidad su bandera creativa.
Desde los primeros acordes, “Danza” envuelve al oyente en una atmósfera cálida e introspectiva. La producción y arreglos estuvieron a cargo del guitarrista y compositor chileno Javier Farías, cuya trayectoria internacional se hace sentir en cada matiz del arreglo, donde confluyen lo clásico, lo contemporáneo y lo íntimamente latinoamericano. A este entramado sonoro se suman el Cuarteto Austral y el percusionista Felipe Candia, aportando una riqueza musical que potencia la belleza natural del tema.
La canción no solo emociona por su factura musical, sino por lo que representa: el diálogo generacional entre dos trovadores que, desde sus respectivas trincheras, han sabido ponerle melodía a las emociones humanas. La voz de Silvio Rodríguez, serena y sabia, se funde con la de Anabalón en un contrapunto sutil que evoca el paso del tiempo, la fragilidad de los cuerpos y la eternidad de las ideas.
“Danza” es una canción que se mueve, sí, pero hacia adentro. Invita al recogimiento, a la contemplación y al reencuentro con lo esencial. Es también un homenaje vivo a la tradición trovadoresca latinoamericana, esa que se niega a desaparecer y que hoy se revitaliza en esta colaboración luminosa.
El arte del sencillo, realizado por la ilustradora cubana Eliani Luzardo, completa la experiencia, sumando una dimensión visual que dialoga con la música y la palabra. Técnicamente, la obra cuenta con la mezcla de Tomás Pérez y la masterización de Gonzalo “Chalo” González, dando como resultado un sonido pulido, envolvente y profundamente humano.
MKSTN, un productor y músico originario de Toronto, que fusiona chillwave, dream pop, lofi house y elementos electrónicos. Desde sus inicios como bailarín profesional especializado en street dance hasta su transición hacia la producción musical, MKSTN ha sabido combinar su pasión por el movimiento y el sonido en una propuesta artística que invita a la introspección.
Con una fascinación por el espacio, el tiempo y la existencia, MKSTN construye su música como un puente entre la tecnología y las emociones humanas, explorando temas de amor, dualidad y la relación con el tiempo. Su debut, Desires (2022), recibió el respaldo de la influyente etiqueta berlinés Majestic Casual, lo que le permitió ganar visibilidad y compartir su sonido con un público más amplio. Sin embargo, fue su evolución en el siguiente álbum, CONTENT, la que le permitió refinar aún más su estilo y colaborar con artistas emergentes como Chino De Villa y Braden Sauder.
Uno de los sencillos más destacados de este proyecto es “Omni Eyes”, que da un vistazo a la mezcla de géneros que caracteriza a MKSTN. Con melodías envolventes y la presencia de la icónica Omni Chord, la canción juega con la idea de una mirada que no solo es un acto físico, sino un portal hacia el alma de quien la ofrece. La producción, que se desliza entre el dream pop y el trip-hop, captura una sensación de anhelo y reflexión, mientras las voces se entrelazan con la instrumentación para crear un ambiente de ensueño.
MKSTN crea una atmósfera que se siente tanto íntima como expansiva. En sus temas, la tecnología y las emociones no se perciben como elementos separados, sino como fuerzas que coexisten y se complementan, llevando al oyente a un viaje sonoro que explora las complejidades de la conexión humana, la vulnerabilidad y la introspección.
How Can I Get You Out Of My Life se presenta como una canción divertida con un ritmo sencillo pero cautivador, que fusiona influencias indie pop con una marcada estética retro. La pieza destaca por su producción y una grabación de calidad que resalta cada matiz. La voz controlada del vocalista complementa perfectamente las técnicas utilizadas en la canción, creando un ambiente musical que invita a disfrutar y a moverse al compás. Con este tema, se refleja un balance entre lo clásico y lo moderno, haciendo de la propuesta algo fácil de conectar para el oyente.
El artista Rainn Byrns creció moviéndose por el mundo, lo que le permitió absorber una amplia gama de influencias musicales. Entre sus inspiraciones se encuentran figuras como Jonathan Richman, admirado por la honestidad de su composición, y Haroumi Hosono, reconocido por su versatilidad. Además, la influencia de Lou Reed y la música brasileña de distintas épocas aportan una riqueza cultural que se percibe en cada nota. Este crisol de estilos se plasma en la sencillez y eficacia del ritmo de How Can I Get You Out Of My Life.
Más allá de sus grabaciones auto-producidas, Rainn Byrns ha sabido formar una banda con almas afines para llevar su música en vivo. Con la incorporación de su amigo de escuela Tom en la batería, el encuentro con el guitarrista Felix tras compartir una pasión por los amplificadores y el amor por el lo-fi, y Nicole, quien aprendió el bajo en una semana para sumarse al proyecto, el grupo se consolida en una propuesta vibrante. Esta formación le permite explorar diferentes texturas sonoras en sus presentaciones, manteniendo siempre la esencia que caracteriza al tema. La sinergia en el escenario refleja la dedicación y compromiso de cada integrante con la visión del proyecto.
En definitiva, How Can I Get You Out Of My Life es una invitación a disfrutar de una experiencia musical que une lo retro y lo contemporáneo de manera orgánica. La canción se distingue por sus ganchos pegajosos y un ritmo que sorprende en cada giro, sin dejar de ser accesible. La propuesta de Rainn Byrns se reafirma como un ejemplo de cómo la diversidad de influencias puede traducirse en un sonido fresco y envolvente. Con esta propuesta, el artista demuestra que la mezcla de estilos y la autenticidad en la ejecución pueden generar un impacto duradero en el panorama musical actual.
