Pop Rock

Nuevas Voces Femeninas/Nuevos Sonidos/Pop Rock

“HERE”: El Himno de Esperanza de Natalie Clark que Conmueve Almas

By Oleada Indie / febrero 3, 2025

La cantante y compositora escocesa Natalie Clark ha conquistado corazones a ambos lados del Atlántico.Antes de dedicarse a la música de tiempo completo, Natalie trabajaba como profesora en Escocia. Sin embargo, un evento fortuito cambió el curso de su vida. Durante un evento de la BBC, fue invitada espontáneamente por Sir Richard Branson a cantar en el escenario. Sin previo aviso, interpretó su tema original “Weakness”, dejando a todos impresionados, incluido Branson, quien proclamó: “Eso fue absolutamente impresionante”.

Natalie dejó su trabajo como docente, cruzó el Atlántico y se estableció en Los Ángeles, donde comenzó a construir su carrera musical. Desde entonces, ha sido reconocida como “Artista para ver” por Mercedes-Benz y ha abierto conciertos para las ganadoras del Grammy, Indigo Girls. Su música también ha aparecido en series de Netflix y bandas sonoras de películas, consolidando su presencia en la industria.

En 2025, Natalie lanzó HERE, el cuarto sencillo de su álbum debut con DVG Records. Co-producido por Todd Spadafore (conocido por su trabajo con Wu-Tang Clan, Little Big Town y DJ Khalid), HERE compuesta durante un período de soledad tras mudarse a Los Ángeles, refleja el poder de los lazos invisibles que nos unen a nuestros seres queridos, incluso cuando estamos físicamente distantes. Con influencias del gospel y el R&B contemporáneo, la canción combina guitarras cristalinas, armonías conmovedoras y una producción impecable que resalta la voz cálida y orgánica de Natalie.

Natalie Clark no solo es una artista; es una narradora que utiliza la música para conectar, sanar y empoderar. Con su álbum debut en camino está lista para conquistar nuevos horizontes.

Dream Pop/Indie Rock/Lo Mejor de la Semana/Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Rock/Nuevos Sonidos/Pop Rock

Entre la Fe y la Traición: La Nueva Era de Zoë Kilgren Band

By Oleada Indie / febrero 1, 2025

Zoë Kilgren emerge como una artista genuina que desafía las expectativas del indie rock. Como líder y compositora principal de la Zoë Kilgren Band (ZKB), su voz cruda y sus letras profundas han cautivado a una audiencia en crecimiento. Formada en Los Ángeles, ZKB es un cuarteto que fusiona rock, indie, folk, blues, punk y pop en una mezcla poderosa y emotiva. Junto a Kilgren, la banda está compuesta por Richard Follin (guitarra líder), James Wenz (bajo) y Nick Ferrucci (batería), músicos que aportan su propia esencia a cada canción.

Desde el lanzamiento de su EP debut “The Phoenix” en agosto de 2023, la banda ha sido una presencia constante en la escena musical de Los Ángeles, ofreciendo presentaciones en vivo cargadas de energía y emoción. Su música se siente como una conversación sincera con el oyente, explorando temas de amor, pérdida y autodescubrimiento.

En enero de 2025, ZKB lanzará su nuevo sencillo, “Magician”, una canción que marca una evolución en su sonido. Con una estructura poco convencional, la canción explora la tensión entre la fe ciega y la traición, utilizando una mezcla de versos íntimos y un clímax instrumental épico acompañado de un poema hablado.

“Esta canción rompió los límites que me había impuesto”, confiesa Zoë Kilgren. “Habla de la desesperación y la ingenuidad de amar a alguien que nunca logrará cambiar. Es esa persona que bebe demasiado, que coquetea con otras personas y te deja cargando con las consecuencias.”

El título de la canción está inspirado en El Mago del tarot, una figura que representa tanto la manipulación como la creación, el final y el comienzo, aportando una capa adicional de significado a la canción.

Pop Rock/Retro/Rock

“Carmen San Diego”: La interesante propuesta retro indie de Famous Friend

By Rafael Méndez / enero 25, 2025

En la escena indie actual, pocos artistas logran capturar una esencia tan singular como lo hace Famous Friend. Con su nueva canción “Carmen San Diego”, Zachariah Carlson, bajo su alter-ego, nos ofrece una propuesta refrescante que mezcla lo mejor de lo retro con un toque lo-fi y unas influencias rock que no pasan desapercibidas. Desde el primer acorde, el ritmo pegajoso de la canción envuelve al oyente, transportándolo a una época pasada, pero con una frescura que solo un artista con su visión podría aportar.

Lo que destaca de “Carmen San Diego” es cómo la voz de Famous Friend encaja de manera perfecta con el estilo de la canción. Con una producción que utiliza guitarras indie rock desgastadas, acompañadas de baterías electrónicas pulidas, la canción construye una atmósfera de nostalgia sin perder el toque moderno que define su sonido. La voz, ligera y melódica, se desliza entre los elementos musicales con naturalidad, haciendo que todo se sienta perfectamente orquestado.

Famous Friend no es solo un músico, es una sátira viviente de la vida en Los Ángeles, un alter-ego que critica tanto lo mejor como lo peor de la ciudad. Inspirado por sus propias experiencias en el elitismo de las escuelas privadas de West L.A., Zach usa su música y su estética para burlarse de los excesos y las superficialidades del lugar.

La estética visual de Famous Friend es tan particular como su música. Con vestidos rojos, pendientes de turquesa y collares de perlas, crea una imagen que recuerda a una Audrey Hepburn en una película de John Waters, una mezcla tan irreverente como cautivadora. Este enfoque único le permite navegar entre géneros y estilos sin perder su esencia, logrando una fusión perfecta entre la nostalgia retro y la crítica moderna.

Indie Pop/Indie Rock/Pop Rock/Rock

Una propuesta indie irresistible en”Hey, Gatekeeper <3″

By Rafael Méndez / enero 23, 2025

Conocida por su destacada carrera como la voz líder en el aclamado trío danés Nelson Can, Selina Gin ha demostrado ser una gran fuerza en la escena musical. Desde su paso por la banda, que lanzó dos álbumes y tres EPs entre 2012 y 2020, Selina ha dejado una huella imborrable en el panorama alternativo. Sin embargo, el final de Nelson Can marcó solo el comienzo de una nueva etapa artística. Ahora, con su carrera en solitario, nos muestra una faceta más íntima y versátil, donde su talento vocal y compositivo brillan con un enfoque fresco y cautivador.

Su último sencillo, “Hey, Gatekeeper <3”, es una prueba clara de esta evolución. Con un ritmo suave influenciado por un rock ligero y toques de indie pop, la canción está llena de ganchos que atrapan al oyente desde el primer segundo. La voz de Selina, siempre ligera y envolvente, complementa a la perfección esta producción minimalista, creando una atmósfera que, aunque sencilla, resulta muy efectiva y profundamente emocional. Es un tema que destaca por su delicadeza y por la habilidad de Selina para mantener al oyente enganchado de principio a fin.

La transición de Selina Gin a su carrera en solitario comenzó a tomar forma con el lanzamiento de su primer sencillo, “Deep Blue”, en 2021. Desde entonces, ha sido aclamada por su capacidad para navegar con soltura entre diferentes estilos y atmósferas, algo que quedó patente en su concierto debut, con entradas agotadas, en el legendario Loppen de Copenhague. La crítica especializada ha elogiado su capacidad para explorar una amplia gama de expresiones musicales, demostrando que su talento va mucho más allá de los límites de su banda anterior. “Hey, Gatekeeper <3” es solo la continuación de este emocionante viaje.

Lo que más destaca en esta nueva etapa de Selina Gin es la madurez con la que aborda sus composiciones. “Hey, Gatekeeper <3” no solo es una canción bien construida musicalmente, sino que también muestra una artista que sabe cuándo dejar espacio para que la emoción respire. Los tintes de rock y las texturas indie pop, que parecen flotar sobre la producción minimalista, se mezclan a la perfección con los ganchos vocales, creando una experiencia auditiva que resulta tanto relajante como estimulante.

Lo Mejor de la Semana/Pop Rock/Rock

“Cheap Thrills”: El Poder Moderno de Fake Shark

By Rafael Méndez / diciembre 17, 2024

Con una carrera marcada por millones de reproducciones y una presencia en los principales playlists de Spotify, Fake Shark no es simplemente una banda más en la escena indie. Con su estilo único, han logrado posicionarse como una de las mejores bandas de Canadá, un logro respaldado no solo por su creciente base de seguidores, sino también por su presencia en la televisión y comerciales. Sin embargo, su verdadera esencia se encuentra en la música misma, y su más reciente sencillo, “Cheap Thrills”, es una prueba de ello.

“Cheap Thrills” se distingue por su fusión de influencias indie pop con toques de rock moderno. La canción tiene una energía constante que no decae, con guitarras envolventes y una percusión que da fuerza a cada compás. La voz dinámica del vocalista encaja a la perfección en este paisaje. Es una pieza que logra capturar la atención desde el primer momento.

Lo que hace que Fake Shark destaque no es solo su habilidad para mezclar géneros, sino cómo lo hacen de una manera que suena moderna, sin perder la fuerza del rock que les caracteriza. “Cheap Thrills” refleja ese equilibrio, una mezcla vibrante entre lo retro y lo actual, con letras que evocan emoción y un ritmo que te mantiene enganchado. Es el tipo de canción que no solo quieres escuchar en bucle, sino que también querrás ver interpretada en vivo, con la energía que caracteriza a la banda.

El éxito de Fake Shark no es una coincidencia. Con apariciones en series de renombre como Love Island de CBS y Catfish de MTV, la música del grupo ha resonado más allá de la radio y los conciertos. Han llevado su sonido a millones de personas, ya sea a través de plataformas de streaming o en producciones de televisión de alcance global. Esto les ha permitido expandir su influencia, acercando su propuesta musical a nuevos públicos sin perder la autenticidad que los distingue.

Groove/Indie Pop/Pop Rock

Kerry Charles y el universo de “Pay to Survive”: música confesional con groove nostálgico

By Oleada Indie / diciembre 4, 2024

Kerry Charles con un estilo que oscila entre lo sardónico y lo sincero, entre la caricatura y la confesión, su propuesta artística es un caleidoscopio de emociones envueltas en melodías irresistiblemente groovy. En “Pay to Survive” aborda los efectos de la ansiedad y la hipervigilancia en un mundo que, aunque aparentemente tranquilo, sigue cargado de tensión.

“Pay to Survive” captura la desconcertante sensación de no poder relajarse ni siquiera en momentos de aparente calma. Con frases como “white knuckling through another day in paradise” (aferrándote con fuerza para sobrevivir otro día en el paraíso), Charles convierte la lucha interna en un himno que resuena con quienes han sentido el peso invisible de la incertidumbre.

El origen de la canción tiene un toque nostálgico y personal. La progresión de acordes fue rescatada de un proyecto anterior de Charles llamado Science Fiction Fantasy, una iniciativa que data de 2010. Este proceso de reutilizar ideas pasadas para crear algo nuevo refleja no solo la evolución de Charles como artista, sino también su habilidad para encontrar frescura en lo familiar.

Musicalmente, el tema brilla con la participación del bajista Nathan Pence, quien añadió una vibrante técnica de “slap” que aporta una energía rítmica contagiosa. Esta colaboración marcó un punto clave en la producción, convirtiendo el bajo en un elemento central que amplifica la dinámica emocional de la canción.

“Pay to Survive” es un testimonio de las complejidades de la vida moderna, fusionando confesiones íntimas con una producción rica en sintetizadores, saxofones memorables y ritmos envolventes consolida su lugar como un creador único en la escena musical actual.

Entre letras profundas, arreglos nostálgicos y un innegable atractivo pop, “Pay to Survive” se convierte en un recordatorio de que, incluso en los momentos más oscuros, la música puede ser un refugio. Con un álbum debut, I Think of You, que ya ha cautivado a la crítica, Charles sigue demostrando que su talento es tan inimitable como atemporal.

Indie Pop/Indie Rock/Pop Rock

“Sunlight” de Flipturn: Una Gran Propuesta con Tintes Retro

By Rafael Méndez / diciembre 3, 2024

Desde los primeros momentos de “Sunlight”, queda claro que Flipturn ha encontrado la fórmula para mezclar lo clásico con lo contemporáneo. Con un ritmo tranquilo que se nutre de influencias del rock e indie pop, esta canción trae consigo un aire nostálgico y divertido, característico del sonido de la banda. A través de una interpretación vocal peculiar y llena de matices por parte de Dillon Basse, la canción logra captar la atención del oyente de manera orgánica y refrescante.

El EP Sunlight no solo demuestra la madurez de Flipturn, sino también su habilidad para crear piezas que, a pesar de ser sencillas en estructura, se sienten profundamente personales y llenas de energía. Basse, junto con Tristan Duncan en la guitarra principal y Madeline Jarman en el bajo, logran construir una atmósfera única, en la que cada instrumento se despliega con suavidad, complementando perfectamente con la voz.

El origen de Flipturn en 2015 como un grupo de amigos de secundaria en Fernandina Beach, Florida, no es diferente al de muchas bandas. Sin embargo, lo que los separa del resto es su innegable química y magnetismo en el escenario. La presencia equilibrada de voces masculinas y femeninas dentro de la banda añade una capa de inclusión que ha resonado profundamente entre sus seguidores, creando una conexión genuina durante cada presentación en vivo.

La energía de sus conciertos es difícil de describir sin haberla vivido, pero las palabras que más se acercan son “fiebre onírica”. Cada actuación de Flipturn se convierte en una experiencia catártica para la audiencia, donde las voces de Basse pueden sacudir tanto las paredes de la sala como las emociones más profundas de quienes escuchan. El intercambio artístico entre los miembros de la banda permite que sus presentaciones se sientan como un desprendimiento total de inhibiciones.

Con millones de reproducciones en Spotify y una base de fans que sigue creciendo de manera orgánica, Flipturn es una banda que ha logrado forjar su camino en la escena indie sin perder su esencia. “Sunlight” es un ejemplo brillante de su capacidad para crear música que, aunque aparentemente sencilla, está llena de detalles que invitan al oyente a sumergirse en su propuesta músical.

Indie Rock/Lo Mejor de la Semana/Nuevo Rock/Nuevos Sonidos/Pop Rock/Rock

“If U Know U Know”: El Himno de Libertad y Camaradería de Cari Cari

By Oleada Indie / noviembre 29, 2024

Cari Cari es un dúo austriaco de indie rock que fusiona elementos de indie rock, folk y psicodelia. Compuesto por Stephanie Widmer (voz, batería y didgeridoo) y Alexander Köck (voz, guitarras), el grupo ha ido construyendo, paso a paso, su propio universo musical que ha conquistado tanto a la audiencia europea como internacional. Con un estilo que puede compararse con artistas como The Kills, The xx, Fleetwood Mac y Jungle, Cari Cari ha conseguido marcar poco a poco un sonido propio.

La historia de Cari Cari comenzó en varias ciudades de Europa antes de establecerse finalmente en Viena. En sus primeros años, el dúo vivió en Londres, Hamburgo y Madrid, lo que les permitió absorber diversas influencias musicales y culturales que enriquecieron su sonido. En 2018, lanzaron su primer álbum “Anaana”, un trabajo que fue altamente apreciado por la crítica por su audacia y frescura. El álbum presentó un enfoque innovador, destacándose por la combinación de sonidos acústicos y electrónicos, y por su capacidad para mezclar géneros de forma fluida.

El 22 de noviembre de 2023, Cari Cari presentó su nuevo sencillo “If U Know U Know”, que rápidamente se convirtió en uno de los favoritos de sus seguidores. La canción fusiona influencias de indie rock, indie pop y downtempo, creando una atmósfera suave, cálida y envolvente que invita a la introspección y al viaje. Con guitarras relajadas y un ritmo suave, la canción transporta al oyente a un estado de calma mientras transmite un mensaje de resiliencia, camaradería y pasión por la aventura.

“If U Know U Know” habla de la importancia de los lazos humanos y la fortaleza que se encuentra en la unidad, un tema recurrente en la música de Cari Cari.

Americana/Indie Pop/Pop Rock/Voces Dulces

Night Ride: Abby Payne en Tiempos de Cambio

By Oleada Indie / noviembre 27, 2024

Abby Payne con una carrera que abarca diversas facetas, desde la música pop-rock hasta el teatro musical, ha logrado forjar una identidad artística interesante, nacida y criada en una granja lechera en el oeste de Nueva York, la influencia de su entorno rural, donde la música y la familia se entrelazaban, se refleja en su estilo único que fusiona el pop-rock, el Americana y el roots. Su interés por la música la llevó a estudiar voz jazz en SUNY Purchase, donde perfeccionó su técnica y comenzó a forjar su camino artístico.

Como muchos artistas, la pandemia fue un punto de inflexión en la vida y la carrera de Abby Payne. Durante los meses de confinamiento, en los que el mundo parecía detenido, Payne se enfrentó a la incertidumbre y la ansiedad de un futuro desconocido. Sin embargo, fue precisamente en esos momentos de soledad y reflexión cuando encontró un renacer.

Esta evolución se refleja en su más reciente sencillo, «Night Ride», un tema que captura la sensación de estar atrapado en la ansiedad y la reflexión durante la pandemia. Con una mezcla de sonidos pop-rock y rock alternativo, «Night Ride» se distingue por su atmósfera nostálgica, sus guitarras twangy y una base rítmica cautivadora.

La canción se convierte en un himno para aquellos que, como Payne, buscaban respuestas durante la oscuridad de la pandemia. Sus letras cargadas de una sensación de desesperación y esperanza, resonaron profundamente con muchos oyentes que también lidiaban con la incertidumbre del momento.

A lo largo de su carrera, Payne ha demostrado una gran versatilidad, no solo como cantante, sino también como compositora y creadora en el ámbito teatral. Su obra The Gunfighter Meets His Match, en la que escribió la música, letras y libreto, fue seleccionada para el prestigioso New York Musical Festival en 2018. Además, ha sido invitada a participar en iniciativas como la Johnny Mercer Writers Colony en Goodspeed Musicals y el HBMG National Winter Playwrights Retreat, consolidando su lugar tanto en la música como en el teatro.