La artista Lorensa, con base en Los Ángeles, continúa abriendose camino dentro del R&B contemporáneo y el dark pop con el lanzamiento de su nuevo single “Hesitating”. La canción combina un R&B sensual y cálido con elementos de pop alternativo y dark pop, creando un sonido híbrido que destaca por su autenticidad y riqueza emocional.
En Hesitating, Lorensa coloca su voz como centro absoluto de la canción, ofreciendo una interpretación intensa y cautivadora. La letra aborda la compleja tensión entre el deseo y la duda, explorando la lucha entre mantener algo casual y sucumbir a una conexión más profunda y complicada. Esta narrativa es reforzada por una producción sofisticada que incluye sintetizadores expansivos, ritmos groovy y toques de trap, elementos que aportan dinamismo y modernidad al tema.
La cantante demuestra, una vez más, su capacidad para transformar emociones íntimas en música. Su interpretación rica y soulful permite que cada escucha se sumerja en un viaje sonoro lleno de alma, sensualidad y emoción, consolidando a Lorensa como una artista que no necesita presentación: su música habla por sí misma.
La cantante y compositora Cheyenne Pohl continúa con su sonido dentro del indie-pop y synth-pop contemporáneo con el lanzamiento de su nuevo single “Anticipating You”. La canción combina la sensualidad del synth-pop retro con matices modernos y radiantes, creando un sonido que es a la vez íntimo, emotivo y listo para la radio.
En Anticipating You, Cheyenne explora el deseo y la anticipación, capturando la intensidad del anhelo físico y emocional. Líneas como “Lying wide awake, while you saturate every part of my brain” muestran una honestidad audaz al abordar la atracción y la intimidad desde una perspectiva femenina, donde la vulnerabilidad se convierte en poder. La producción brillante, con guitarras soleadas y sintetizadores resplandecientes, envuelve al oyente en un paisaje sonoro que mezcla nostalgia retro con un toque contemporáneo, evocando artistas como Dua Lipa, Sabrina Carpenter y el refinado estilo de Harry’s House de Harry Styles.
Cheyenne Pohl no solo transmite emociones intensas a través de la letra y la interpretación vocal, sino que también demuestra su capacidad para controlar el escenario y la narrativa de sus canciones, llevando al oyente de la anticipación al éxtasis de la conexión física y emocional. La combinación de energía, sensualidad y autenticidad hace de este single un tema que se disfruta tanto en playlists nocturnas como en momentos de introspección, consolidando a Cheyenne como una artista que está marcando tendencia en 2026.
Con Anticipating You, Cheyenne no solo entrega un tema cautivador, sino que también deja claro que su año estará marcado por la confianza, la autoexpresión y la exploración audaz del amor y el deseo, prometiendo más sorpresas en su carrera mientras se prepara para sus próximas presentaciones en la Costa Este de Estados Unidos.
Louie El Ser continúa expandiendo su universo con «Cicada», un sencillo hipnótico e introspectivo que firma en colaboración con el también artista latino de San Francisco Peña. Inspirada en el ciclo vital de la cigarra, capaz de permanecer entre trece y diecisiete años bajo tierra antes de emerger, la canción utiliza esta metáfora natural para reflexionar sobre la paciencia, el tiempo y la confianza en los procesos personales. Más que una simple escucha, Cicada se presenta como una experiencia sensorial que invita a detenerse y observar el ritmo interno de las emociones.
Musicalmente, el tema se mueve entre el darkwave, el alt-pop latino y paisajes electrónicos de carácter nocturno. La producción, liderada por Louie El Ser, se construye a partir de percusiones lentas y pulsantes que generan una tensión contenida, mientras capas ambientales y sintetizadores etéreos envuelven al oyente en una atmósfera íntima y casi meditativa. La participación de Peña aporta guitarras y líneas de bajo suaves pero profundas, que refuerzan el carácter onírico del track y crean un diálogo orgánico entre ambos artistas.
En el plano lírico, Cicada aborda la espera consciente: ese momento en el que se sabe que algo llegará —amor, crecimiento, reconocimiento—, aunque no se pueda acelerar su aparición. Louie El Ser y Peña convierten esa certeza silenciosa en una narrativa emocional que conecta con la ansiedad moderna, pero propone la calma como respuesta. Cada verso parece respirar junto a la producción, dejando espacios de silencio que funcionan como parte esencial del discurso sonoro.
Con «Cicada», Louie El Ser construye mundos propios, donde la sensualidad, la introspección y la exploración sonora conviven sin concesiones. El sencillo no busca el impacto inmediato, sino una conexión más profunda y duradera, recordándonos que, al igual que la cigarra, hay procesos que solo florecen cuando llega su momento exacto.
Después de varios años de silencio, introspección y redefinición artística, Carlos Marco, exintegrante del grupo AURYN, vuelve a la música como solista con “SUPERFICIAL”, un tema de pop electrónico que marca el inicio de una etapa más madura y emocional en su trayectoria. Este nuevo sencillo refleja un sonido contemporáneo, fusionando elementos de Synthwave e Indie Pop, y por primera vez el artista canta íntegramente en español, acercando aún más la emoción al público.
“SUPERFICIAL” es una reflexión directa sobre las relaciones actuales: conexiones rápidas, intensidad pasajera y vínculos que rara vez profundizan. La canción aborda el miedo a mostrarse tal cual se es, la prisa y el desapego emocional, enfrentándose al deseo de una conexión auténtica que el protagonista no logra encontrar. Compuesta junto a Tony Sánchez-Ohlsson y producida por Alba Reig (Sweet California), la canción combina melancolía y energía, con un pulso nostálgico pero contemporáneo que sitúa a Carlos en un territorio sonoro renovado.
El videoclip del tema refuerza la metáfora central de esta nueva etapa: romper el hielo, tanto profesional como emocionalmente. Carlos aparece atrapado en un universo congelado, intentando conectar con alguien que parece inaccesible, reflejando su propio proceso personal y artístico.
El productor y compositor radicado en Rotterdam som som regresa con “Rapture”, un single que convierte la angustia existencial en una experiencia catártica y bailable. Entre el indie disco, el alt-dance y el pop hipnagógico, la canción funciona como un escape luminoso en medio de un mundo que parece debatirse constantemente entre el colapso y la rutina.
“Rapture” explora la idea de nuestra supuesta inmortalidad, la negación del fin y esa elección casi inconsciente de vivir el presente incluso cuando el futuro se siente incierto. Con una base rítmica envolvente y texturas soñadoras, el tema captura una sensación muy propia de estos tiempos: no saber si estamos ante el fin del mundo o simplemente frente a otro viernes por la noche. En cualquier caso, som som propone una respuesta clara: bailar a través del caos.
El single entre euforia y melancolía, sintetizadores difusos, grooves hipnóticos y una producción cuidada construyen un paisaje que invita tanto a la pista de baile como a la introspección nocturna.
Como artista, som som se ha caracterizado por crear música indie introspectiva y pegajosa, donde las atmósferas etéreas se combinan con una narrativa emocional honesta. Su proyecto avanza constantemente empujando los límites del indie pop, incorporando elementos del rock alternativo y la electrónica sin perder una identidad personal muy marcada.
Mimi Rose atraviesa una nueva etapa en su carrera artística con una propuesta clara y luminosa, y “Soltera” es una de las canciones que mejor representa este momento. La cantautora argentina, que ha colaborado con figuras internacionales como Shakira, Pedro Capó, Christina Aguilera, Denise Rosenthal, Sin Bandera y Camila, decide ahora enfocar toda su energía en su proyecto personal, apostando por canciones que conectan desde la honestidad y la emoción.
A diferencia de otros temas donde Mimi Rose ha explorado procesos de sanación, traumas y vínculos complejos, “Soltera” nace con una intención distinta: hacer sentir bien a quien la escucha. La canción se construye como un espacio de celebración personal, donde la confianza, la libertad y el amor propio toman el centro. Mimi no busca explicar ni justificar estados emocionales, sino invitar a vibrar alto, a sentirse bella, segura y en paz con quien se es.
Musicalmente, “Soltera” se apoya en una sensibilidad pop clara y contemporánea, con una estructura accesible y un tono luminoso que favorece la conexión inmediata. La producción acompaña el mensaje con ligereza y frescura, reforzando esa sensación de disfrute y espontaneidad que atraviesa toda la canción. Cada elemento está al servicio de una idea simple pero poderosa: la libertad de ser uno mismo y disfrutarla plenamente.
La trayectoria de Silent Child comenzó en los primeros años de la década de 2010, explorando sonidos electrónicos y dubstep antes de abrirse hacia el rock y el alternativo. Rodney, el multiinstrumentista detrás del proyecto, ha sabido integrar influencias diversas que van desde el hip-hop y el R&B hasta referentes del rock alternativo como My Chemical Romance y Sleeping with Sirens. Esa mezcla lo ha llevado a construir un estilo propio que se distingue dentro de la escena de Atlanta, marcada por el predominio del hip-hop.
En este contexto aparece “Get Well Soon”, una canción que se sostiene en un ritmo pegajoso y una atmósfera refrescante. Con claras influencias del pop y un ligero toque urbano, el tema se presenta como una propuesta moderna que busca conectar con un público amplio. La producción logra equilibrar dinamismo y accesibilidad, ofreciendo un sonido que se siente actual sin perder identidad.
La evolución de Silent Child también se ha visto reflejada en lanzamientos previos como Super Villain y Me & My Demons, que ampliaron su alcance gracias a plataformas digitales y canales como Suicide Sheep. Esos trabajos consolidaron su presencia internacional y mostraron su capacidad de adaptarse a distintos géneros. En “Get Well Soon”, esa versatilidad se traduce en un tema que apuesta por la frescura y la inmediatez.
Al escuchar “Get Well Soon”, se percibe un indie alternativo que dialoga con el pop contemporáneo y con matices urbanos. La canción no busca complejidad excesiva, sino un impacto directo a través de su ritmo y su atmósfera. En esa mezcla de influencias, Silent Child reafirma su lugar como un artista que sigue expandiendo su sonido, ofreciendo propuestas que se sienten cercanas y que reflejan la evolución constante de su proyecto musical.
La carrera de Savanna Leigh, cantautora independiente de Nashville, se ha caracterizado por un enfoque íntimo y emocional en cada una de sus composiciones. Con apenas 25 años, ha logrado construir un espacio propio dentro del indie pop, donde la vulnerabilidad y la búsqueda personal se convierten en materia prima para sus canciones. Su música, marcada por melodías delicadas y letras confesionales, conecta con quienes encuentran difícil expresar lo que sienten.
En este contexto aparece “nothing yet”, una propuesta que se sostiene en un ritmo tranquilo y en influencias claras del pop tradicional. La voz refinada de Leigh se convierte en el eje central de la canción, atrapando al oyente con naturalidad y sin necesidad de artificios. El tema se presenta como una experiencia sonora accesible, capaz de transmitir cercanía y al mismo tiempo mantener un aire elegante.
La trayectoria de Savanna Leigh incluye colaboraciones y presentaciones junto a artistas como Jonah Marias y Ashley Kutcher, además de giras con su proyecto reminders of you. Estos escenarios han reforzado su capacidad para generar una conexión directa con el público, algo que también se percibe en “nothing yet”. La canción refleja esa intención de crear momentos íntimos, donde la música habla más fuerte que las palabras.
Al escuchar “nothing yet”, se percibe un equilibrio entre sencillez y sensibilidad. La pieza no busca sorprender con complejidad, sino con la claridad de su atmósfera y la fuerza de una voz que transmite emociones con precisión. En esa mezcla de pop tradicional y un estilo indie contemporáneo, Savanna Leigh reafirma su lugar como una artista que sabe transformar lo personal en un sonido que atrapa y permanece.
Detrás de Baydream hay un universo creativo en constante expansión, donde la música funciona como un reflejo de emociones, sueños y mundos imaginarios. Originario de Hamburgo, el proyecto nació de la necesidad de explorar lo etéreo y lo introspectivo, fusionando influencias de indie, dream pop, electrónica y post-punk para crear un sonido que trasciende géneros.
El proyecto regresa con su más reciente lanzamiento: el EP Tragic Magic. Con este trabajo, el artista continúa explorando los límites del indie contemporáneo, fusionando géneros y construyendo un sonido que es a la vez introspectivo y envolvente.
Tragic Magic combina melodías etéreas con ritmos experimentales, creando un viaje que alterna entre momentos de introspección y explosiones de energía. Cada pista está cuidadosamente elaborada para sumergir al oyente en un universo sonoro donde coexisten el indie rock, el dream pop y elementos electrónicos, acompañados de letras que reflexionan sobre la complejidad de las emociones humanas.
El Track x Track de Tragic Magic
Insomnia
Insomnia abre el EP con una atmósfera delicada y minimalista, combinando sintetizadores dreamy y atmosfericos con percusiones digitales que simulan la sensación de vigilia constante. La producción juega con capas de texturas electrónicas y guitarras ambientales, mientras la voz principal transmite una sensación de quietud y somnolencia, estableciendo el tono melancólico y reflexivo del EP, con una paleta de sonido muy clasicos de dream pop y bedroom pop el proyecto nos adentra poco a poco en su mundo.
A Rose from the Dead
El segundo track continúa con sintetizadores etéreos que evocan dramatismo y elegancia. La canción equilibra momentos de delicadeza con bajeos que colorean y dan movimiento al track, mientras las letras sugieren nostalgia y tensión entre lo perdido y lo recuperado.El EP tiene un tinte muy digital, perfecto para los amantes del Lo-Fi y los sonidos caseros.
Thunder | So Gone
Thunder | So Gone nos mantiene en la misma linea que canciones anteriores, drums digitales, guitarras atmosfericas y una voz con tesitura grave, que va evolucionando a traves de melodias dulces en los sintetizadores.
Hollywood
¡Con Hollywood tenemos justo algo diferente! y que estabamos esperando, con un enfoque mas atmosférico, los sintetizadores brillantes y ritmos marcados que evocan luna calma muy interesante dentro de la industria del entretenimiento. La producción nos acerca a una voz con un tunning diferente en la voz, que especificamente en este track nos encanta por ser sutil y alejarse de las cacniones anteriores, hasta ahora nuestro track favorito del disco.
Loot All
El siguiente track apuesta por un sonido más rítmico y energetico sin romper la taciturnidad del EP, con un groove marcado y elementos mas guitarreros logran generar tensión y movimiento. Las líneas vocales juegan con cadencias irregulares, mientras los arreglos nos hacen mover la cabeza ligeramente en una atmosfera super eterea.
Luise
Llegando casi al final del EP Luise adopta un tono más íntimo y melódico, con guitarras suaves, sintetizadores envolventes y una atmósfera nostálgica que invita a perdernos en melodias dulces y juguetonas. La canción resalta la vulnerabilidad del relato lírico, con vocalizaciones delicadas que transmiten cercanía y sensibilidad.
Islands
Islands cierra el EP con un enfoque en el groove, combinando paisajes sonoros abiertos. La instrumentación es gradual y texturizada permite que la voz principal emerja con claridad en lo etereo, mientras la estructura musical y los arreglos finales refuerzan el sonido y conclusión para la personalidad sonora de Tragic Magic.
El EP abre con temas que capturan la esencia melancólica de Baydream, con capas de sintetizadores y guitarras que fluyen sobre percusiones digitales y groovies, mientras que los tracks centrales muestran la versatilidad del proyecto, mezclando sintetizadores pegajosos con atmósferas dreamy.
Con Tragic Magic, Baydream ofrece un trabajo que es tanto experimental como accesible, y que promete seguir expandiendo su universo creativo en cada lanzamiento.
La música de B.Miles, originaria de Nueva York, se ha descrito como un puente hacia el futuro del pop. Con una trayectoria que incluye su álbum Different Pages y el exitoso sencillo Salt, la artista ha demostrado una capacidad para transformar experiencias personales en canciones que conectan con públicos diversos. Su presencia en escenarios como el Bowery Ballroom junto a sus colaboradores ha reforzado un estilo que combina valentía y sensibilidad.
En este nuevo capítulo aparece “+1”, una canción que se sostiene en un ritmo genial y una atmósfera moderna. El tema refleja lo mejor del indie pop contemporáneo, con un sonido refrescante que se siente cercano y actual. La voz sensual de la artista añade un matiz distintivo, convirtiéndose en el elemento que potencia la propuesta y le da un carácter más envolvente.
La intención de B.Miles en esta etapa no se limita a narrar rupturas o emociones difíciles, sino a explorar la pregunta sobre la felicidad y la decisión de actuar en consecuencia. “+1” se convierte en un ejemplo de cómo su música puede ser directa y al mismo tiempo introspectiva, ofreciendo un espacio sonoro que invita a reflexionar mientras se disfruta de su dinamismo.
Al escuchar “+1”, se percibe una propuesta que apuesta por la frescura y la claridad. La canción no busca adornos excesivos, sino transmitir con sencillez un sonido que atrapa desde el primer momento. En esa mezcla de ritmo, atmósfera contemporánea y voz cautivadora, B.Miles reafirma su lugar dentro del indie pop actual, mostrando que su evolución sigue marcada por la autenticidad y la capacidad de conectar con el oyente.
