La artista nacida en el desierto de Mojave y radicada en Escocia, Alas de Liona, continúa consolidando su carrera como una de las voces más fascinantes del indie-pop actual con el lanzamiento de su nuevo sencillo “19.3”, esta nueva entrega profundiza aún más en su universo sonoro: etéreo, introspectivo y emocionalmente preciso.
“19.3” es una canción que parece suspendida en el tiempo. Su título enigmático alude a una fecha, a un momento íntimo que resuena con nostalgia y contemplación. La producción, sutil y envolvente, permite que la voz de Alas flote entre sintetizadores suaves, guitarras delicadas y una base rítmica mínima que refuerza el carácter onírico de la pieza. Como en trabajos anteriores, la artista equilibra lo melancólico y lo luminoso, permitiendo que el dolor se exprese sin dramatismos, con una elegancia casi cinematográfica.
Alas de Liona, alter ego de una artista que cruzó el océano para encontrar su voz en Escocia, es una narradora contemporánea que convierte sus vivencias en canciones cargadas de sutileza emocional. Con “19.3”, reafirma su talento , la canción ya está disponible en todas las plataformas digitales y anticipa nuevas entregas para el 2025, año en el que su proyecto artístico sigue creciendo con la fuerza serena de quien encuentra belleza incluso en la sombra.
“19.3” es un susurro convertido en canción, una fecha tatuada en el alma y una nueva joya dentro del brillante universo de Alas de Liona.
El dúo británico Anushka, formado por el productor Max Wheeler y la cantante y compositora Victoria Port, continúa explorando nuevas fronteras dentro de la escena jazz-electrónica del Reino Unido con su sencillo “My Mother’s Mother”. Este tema, que fusiona el alternative dance con el indie dance, es una muestra clara de cómo la repetición puede convertirse en una experiencia sonora dinámica y profundamente evocadora.
“My Mother’s Mother” incorpora elementos tradicionales de África Occidental, en especial el kora —un arpa africana magistralmente interpretada por Jally Kebba Susso— que se entrelaza con ritmos electrónicos creando una textura sonora orgánica y vibrante. Esta fusión no solo aporta riqueza musical, sino que también dota al tema de una dimensión espiritual y cultural que trasciende lo meramente musical.
La narrativa de la canción es un viaje onírico hacia un hogar ancestral que, aunque no reconocido físicamente, es sentido como un espacio propio y sagrado. Este hogar simbólico funciona como un puente hacia el mundo espiritual, donde se puede reconectar con las voces y la sabiduría de las antepasadas. Así, “My Mother’s Mother” se convierte en un canto a la conexión transgeneracional, a la herencia femenina y a la fuerza interior que une a las generaciones a través del tiempo y el espacio.
Tras casi una década de evolución, el dúo lanza Yemaya con la discográfica Tru Thoughts, un trabajo inspirado en la espiritualidad y la maternidad, que refleja su madurez tanto musical como emocional. Este álbum honra la herencia del breakbeat británico, pero también añade una sensibilidad profunda y auténtica que distingue su sonido en el panorama actual.
La historia de Psyclo no encaja en la típica narrativa de artista en ascenso. Nacida en Yingkou, China, criada por sus abuelos y trasladada a Shenyang para estudiar, su infancia estuvo marcada por la disciplina escolar más que por melodías familiares. Incluso cuando su madre la obligó a estudiar piano a los seis años, la música no figuraba entre sus pasiones. Soñaba con actuar. Por eso, se mudó sola a Los Ángeles a los 17 para estudiar cine, creyendo que ahí encontraría su lugar.
Pero la vida, como suele ocurrir, tenía otro plan. Aunque su formación universitaria la preparó para contar historias con imágenes, fue la música la que terminó convirtiéndose en su verdadero lenguaje. En All My Tears Are Dry, Psyclo se aleja del guion para narrar emociones más viscerales a través de una propuesta pop con pinceladas electrónicas. La canción construye una atmósfera suave pero rítmica, con una producción cuidada que no abruma, sino que acompaña la sensibilidad del texto.
La letra, lejos de lo abstracto, dibuja un vínculo afectivo que da estabilidad en medio del caos. All my tears are dry when I look in your eyes, repite, como si esa mirada ajena sirviera de ancla. La canción fluye con un pulso constante que evita los altibajos, igual que el mensaje: una relación donde el dolor se disuelve y la conexión emocional se vuelve refugio. La presencia de algunos elementos electrónicos no rompe el carácter íntimo del tema, más bien lo envuelve.
Con All My Tears Are Dry, Psyclo muestra que no necesita una gran tradición musical para sonar genuina. Su tránsito del cine a la música no fue un giro brusco, sino un movimiento natural hacia un medio que le permite explorar su interior. Esta canción, sin excesos ni dramatismos, parece decir lo justo, lo que necesita decir. A veces, la sinceridad encuentra su mejor forma cuando no hay un libreto que seguir.
En un rincón tranquilo de Suiza, entre melodías nostálgicas y letras introspectivas, nació Morningless, el proyecto musical del artista italo-suizo Alessandro, cuyo recorrido creativo es tan honesto como conmovedor. Lo que comenzó como un pasatiempo de juventud —componer temas MIDI por diversión en 1998— fue tomando forma hasta convertirse en un proyecto prometedor.
Alessandro fundó Morningless junto a su primo Marco, guitarrista y saxofonista, a finales de los años 90. Ambos compartían tardes de experimentación y amor por la música mientras estudiaban en la EJMA (École de Jazz et de Musique Actuelle) de Lausana. Con la posterior incorporación de la cantante Pauline, el proyecto adquirió profundidad vocal y una fuerte sensibilidad melódica.
Sin embargo, como ocurre con muchas bandas emergentes, la vida los llevó por distintos caminos. Fue en 2005, tras conocer a su esposa Jasmine y más adelante convertirse en padre de Niccolò, que Alessandro encontró una nueva fuente de inspiración que lo impulsó a retomar su música con renovada pasión y propósito. “Morningless” se convirtió entonces no solo en un proyecto artístico, sino en una carta de amor a su familia.
El álbum debut, iniciado en 2007 y finalmente completado en 2019, fue el resultado de años de crecimiento personal, aprendizaje y reflexión. En 2021, Morningless lanzó su segundo disco, «Planets», que marcó una evolución sonora incorporando elementos del rock alternativo, el pop atmosférico y sonidos experimentales.
Ahora, Alessandro se prepara para su obra más ambiciosa: el álbum doble conceptual«Two Birds Singing Lullabies», previsto para julio de 2025. Esta producción promete ser una meditación profunda sobre el amor, el paso del tiempo, la paternidad, la memoria y los pequeños gestos que salvan el alma.
Morningless combina influencias del indie pop, el rock psicodélico y el folk alternativo para crear paisajes sonoros honestos y reconfortantes. La voz de Alessandro, cálida y contenida, tiene el poder de abrazar al oyente. Su narrativa mezcla referencias culturales contemporáneas —como videojuegos o la vida moderna— con emociones universales como la ansiedad, la melancolía o el deseo de cambio.
El nombre del proyecto —Morningless— nace de una confesión simple: Alessandro odiaba despertarse temprano. Pero en esa frase aparentemente banal se esconde una filosofía: crear un mundo alternativo donde no existen las prisas, donde el tiempo se detiene para escuchar, sentir y sanar. Y eso es justo lo que logra su música.
Morningless ofrece una pausa, un respiro, una canción de cuna para el alma adulta. Es la música perfecta para una noche de reflexión, un viaje en tren, una tarde de lluvia o ese momento en que necesitas que alguien, aunque sea en voz baja, te diga: “todo estará bien”.
Desde el corazón de Nueva Orleans, Louisiana, surge Neutral Snap, una banda que está redefiniendo el pop-punk con una energía explosiva y un sonido que remite a la nostalgia del género, pero con una frescura y fuerza propias. Considerados los “disruptores” del pop-punk en el sureste de Estados Unidos, Neutral Snap mezcla riffs potentes, melodías pegadizas y breakdowns que evocan la época dorada del pop-punk de mediados de los 2000.
Su más reciente sencillo, “Danny ACOG”, coescrito con Tom Denney, conocido por su trabajo con A Day to Remember, es una perfecta muestra de esta mezcla entre juventud rebelde y madurez musical. La canción explora el tema del deseo no correspondido, un sentimiento universal que la banda transforma en un himno lleno de ritmo y emoción. Con coros pegajosos y riffs afilados, “Danny ACOG” no solo invita a moverse sino que conecta con la intensidad emocional propia de la juventud y el anhelo.
Su sonido, lleno de riffs potentes y melodías emotivas, recuerda a la época dorada del pop-punk, pero con una voz y personalidad muy propias que los han llevado a convertirse en una de las bandas más prometedoras de la escena actual. Aunque todavía están en ascenso, Neutral Snap está llamado a ser una de las grandes revelaciones del pop-punk en los próximos años.
Con la llegada del verano y festivales como Pop Punk’s Not Dead, Neutral Snap se prepara para seguir ganando terreno y demostrar que el espíritu del pop-punk sigue más vivo que nunca.
Desde Londres, Kenan Kián propone una mirada distinta al indie pop con “Glue”, una canción que mezcla con soltura lo contemporáneo con un toque personal que se deja notar desde los primeros segundos. El ritmo es pegajoso, casi hipnótico, sin buscar complicarse demasiado. Su estructura permite que la voz, el elemento más impredecible de la pista, se mueva con libertad y marque el carácter del tema.
Esa voz, flexible y bien medida, no sólo da matices; parece guiar el pulso general de la canción. Hay momentos donde se repliega y otros donde toma el centro, adaptándose al clima sin romperlo. Ese control vocal no es común, menos aún en un artista que proviene de un camino tan marcado por la autogestión y la resiliencia, como el de Kenan Kián.
El trasfondo de su carrera—desde sus inicios difíciles hasta su paso por espacios como The Roundhouse o la Fundación Amy Winehouse—añade una capa más de contexto a su propuesta. Pero “Glue” no depende de esa historia; se sostiene por sí sola como una pieza que encuentra equilibrio entre forma y energía. No busca ser nostálgica, pero tampoco reniega de sus influencias de décadas pasadas.
Con una identidad que él mismo define como alternative pop, Kenan Kián parece más interesado en construir un sonido sin etiquetas estrictas. “Glue” es, quizás, una pista de cómo piensa seguir ese camino: con canciones que fluyen, que no fuerzan pertenecer a una sola corriente y que logran mantenerse en la memoria sin grandes artificios.
La artista noruego-estadounidense Hanna Andréa une fuerzas con el productor sueco NUUD para presentar una nueva versión de su emotiva balada Starlight, transformándola en una poderosa explosión electro-pop que brilla tanto en la pista de baile como en los momentos más introspectivos. “Starlight (NUUD Version)” es una reimaginación vibrante que mantiene intacta la carga emocional de la canción original, mientras le añade una producción energética y cinematográfica que eleva cada verso y cada estribillo a nuevas alturas.
Los sintetizadores brillantes y pulsantes marcan el ritmo de esta experiencia sonora, guiados por la voz de Hanna, que se despliega con intensidad y vulnerabilidad. Su interpretación es el alma de la canción: una mezcla de melancolía, esperanza y anhelo, que se siente tan personal como universal. La producción de NUUD aporta texturas dinámicas, drops electrizantes y un enfoque moderno que convierte Starlight en un himno listo para festivales, playlists y noches de verano.
Este encuentro entre la sensibilidad pop cinematográfica de Hanna y el enfoque pulido y emocional de NUUD da como resultado una colaboración impecable. La canción no solo logra conectar con quienes buscan letras con alma, sino también con los amantes de los ritmos bailables y envolventes. Perfecta para listas como Electro Pop Vibes, Dance Rising o Future Pop Gems, Starlight es un ejemplo del tipo de música que cruza fronteras, géneros y estados de ánimo.
Brandi Burkhardt es un nombre que ha brillado con fuerza en el mundo del entretenimiento durante años, conquistando tanto a los amantes del teatro como a los seguidores de la televisión. Con una carrera que incluye papeles memorables en producciones como Mamma Mia! y series populares como Hart of Dixie y Passions, Brandi ha demostrado ser una artista multifacética con un talento que trasciende formatos. Ahora, esta versátil intérprete da un paso audaz y emocionante hacia la música pop, consolidándose como una voz fresca y poderosa dentro del género synth-pop.
Su más reciente lanzamiento, “Back in Time”, es un reflejo perfecto de esta transición. La canción mezcla sintetizadores brillantes, ritmos pegajosos y letras emotivas que exploran la forma en que el amor puede llevarnos a revivir momentos del pasado. Es un track que capta la esencia del pop ochentero, pero con una producción moderna y pulida que conecta con la sensibilidad contemporánea. La voz de Brandi, entrenada en Broadway, añade una profundidad y una emotividad que elevan la canción más allá de un simple tema bailable, convirtiéndola en una experiencia sonora cargada de nostalgia y sentimiento.
“Back in Time” es el primer sencillo de su próximo EP just/like/this, una colección que promete explorar ese espacio emocional entre la medianoche y el amanecer, donde los pensamientos se vuelven más introspectivos y las emociones más intensas. Fans de artistas como Dua Lipa, Carly Rae Jepsen y Taylor Swift encontrarán en Brandi una nueva favorita, gracias a su habilidad para combinar melodías pegajosas con narrativas personales y auténticas.
El camino de Brandi hacia la música pop no es casualidad. Tras estudiar drama en la prestigiosa Tisch School of the Arts de NYU, encontró su voz no solo en el teatro y la televisión, sino también en el estudio de grabación, colaborando con grandes nombres como John Legend y productores ganadores de premios Grammy como Tony Prendatt. Ha trabajado con compositores legendarios y su experiencia en Broadway le ha dado una técnica vocal que pocos pueden igualar.
JT Roach es un cantautor estadounidense, su nombre comenzó a resonar fuertemente tras ganar la primera temporada del programa de televisión de NBC, Songland, donde su canción “Somebody to Love” fue seleccionada por la banda OneRepublic para grabarla y presentarla al público.
Desde entonces, JT Roach ha consolidado una carrera sólida tanto como artista solista como compositor y productor, firmado con la editorial Prescription Songs. Entre sus colaboraciones más destacadas se encuentran proyectos con artistas como Slander, Emily Warren, Said The Sky, Don Diablo y ROZES, lo que ha ampliado su versatilidad y alcance dentro del mundo de la música electrónica y el pop.
Uno de los aspectos más distintivos de JT Roach es su habilidad para explorar temas de vulnerabilidad emocional, conflictos existenciales y las dificultades de la vida cotidiana a través de su narrativa lírica. Canciones como “Mr. Fix It” ilustran este enfoque con gran claridad: en ella, Roach aborda la impotencia que siente frente a problemas sociales, familiares y personales que parecen imposibles de solucionar, expresando frustración y honestidad con un tono melódico que envuelve al oyente en una atmósfera tanto melancólica como esperanzadora.
En 2024, se espera el lanzamiento de su primer álbum completo, junto con un paquete de remixes que explorará aún más la fusión entre pop, chill house y electrónica, demostrando su constante evolución como artista.
Desde Medellín, Colombia, bajo el nombre de Ale Camalión se presenta el músico y diseñador gráfico Alejandro Cardona Arango quien ha creado un universo donde la vulnerabilidad se convierte en una fuerza creativa y la melancolía, en belleza sonora. Su EP debut, Saudade, es un refugio, una catarsis y renacimiento personal.
Su relación con la música comenzó en la adolescencia, pero fue interrumpida por una decisión dolorosa: abandonar su vocación para cumplir con las expectativas de lo que el mundo considera un “trabajo real”. Durante siete años, ese silencio lo arrastró a una profunda depresión. Sin embargo, fue precisamente en ese abismo donde encontró el impulso para volver a su esencia y reconstruirse desde el arte. Así nació Saudade, su primer EP.
Saudade es una palabra portuguesa que no tiene una traducción exacta al español, pero que encierra una mezcla de nostalgia, amor perdido y añoranza por lo que ya no está. Ese sentimiento atraviesa cada una de las seis canciones del EP, que fusionan synthpop, dream pop, shoegaze y una sensibilidad lírica profunda. Canciones como “Reflejos”, “El mar sobre nosotros”, “Noche negra” y “Mal y un reloj” tejen paisajes emocionales que hablan de desarraigo, introspección y reconexión personal.
El EP fue producido en Medellín junto a Simón Ramírez Acosta, guitarrista de La Banda del Bisonte, mientras que el mástering fue realizado por Sebastián Lopera, nominado a cuatro Latin Grammy.
El Track x Track de Saudade
No Hay Mas (ft. Cheri)
El disco abre con el focus track, “No hay más”, una colaboración con la artista Chéri, y ofrece una mirada cruda sobre la falsa idea de libertad que pueden representar las fiestas, las luces de la ciudad y el ruido social. Lejos de liberarnos, a veces nos aíslan aún más de nuestra esencia. Co
“No hay más denuncia la ilusión de que la ciudad y la fiesta puedan liberarnos. Al contrario, nos encierran, distanciándonos de lo que realmente somos”, explica Ale.
Un track influenciado por el sonido mas clasico del Indie Rock de los ultimos años, con reminisencias a Siddhartaha, Reyno o inclusive Zoé, el track nos lleva por capas de sintetizadores y guitarras crunchy, mientras las voces juegan mucho con la letra poetica y que logra destacar la voz de Cheri al darle un color dulce a la canción.
Mal y un Reloj
Como segundo track del disco Alex nos presenta una canción que se abalanza mas a los sonidos del rock, jugando entre metaforas y una oda al tiempo Mar y un Reloj, explora esta sensación de no poder parar el tiempo, mientras poco a poco nos lleva a un mundo lleno de sintetizadores y riffs de guitarras potentes.
Noche Negra
En Noche Negra, Alex explora nuevos colores de su voz, siendo el uso del falsete un distintivo de este track, con ritmos solidos y sintetizadores juguetones el artista nos lleva a una historia donde mirar hacia dentro y crecer a traves de la realidad se vulven la bandera de la canción, dandole este toque instrospectivo que busca Alex en Saudade, recordandonos en ocasiones a bandas como Cuarteto de Nos.
Kaguya
Desde el titulo del cuarto track se nos hace interesante la presentación de este nuevo tema, con una voz un poco mas ligera y una sensación mas relajada, este track le da ese punto de tranquilidad que el album necesitaba, si bien la canción sigue jugando mucho con temas como la nostalgia, el silencio y las emociones, la canción logra sentirse mas digerible y disfrutable entre su melodia instrumental.
El mar sobre nosotros
En camino a la recta final el mar sobre nosotros, inicia con todo con unos sintetizadores mas agresivos que llaman la atencion desde el primer momento, en esta ocasión el ritmo que venia proponiendo Ale durante en el disco se mantiene y quizas eso llegue a ser un poco cansado, pero esta exploración de un ritmo mas dance le da una sensación diferente a la canción, quizas nos hubiera gustado explorar un poco mas de minimalismo en algunos tracks … pero esta evolución a temas mas cargados de riffs y sintetizadores retros tambien se siente como un paso natural en la discografia.
Reflejos
Reflejos cierra el disco, con texturas diferentes a los tracks anteriores pero con una sencilles muy llevadera.
Más allá de su propuesta sonora, Ale Camalión se ve comprometido con la visibilización de la salud mental. Sus letras y mensajes apuntan a abrir conversaciones necesarias sobre depresión, ansiedad, y la importancia de volver a uno mismo.
“Quiero llevar a quienes se sumergen en mi universo a un mundo donde los sentimientos recobran su magia. Donde el dolor se transforma en arte”, concluye Ale.
Ale no solo canta lo que duele, sino que lo transforma en una experiencia que acompaña, abraza y libera. En tiempos de inmediatez y ruido, su música es una invitación a escuchar hacia adentro.
