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‘Why Wouldn’t You Say So?’: La Canción que Transmite la Tensión de los Sentimientos No Dichos

‘Why Wouldn’t You Say So?’: La Canción que Transmite la Tensión de los Sentimientos No Dichos

Tora Luna es mucho más que una banda: es un colectivo compuesto por compositores, artistas, intérpretes y arreglistas, que se han unido para explorar nuevos horizontes dentro de la música indie. Nacido en el corazón de la campiña de Wiltshire, este colectivo ha logrado atraer la atención por su estilo único, que fusiona elementos del soul clásico con la energía cruda del indie contemporáneo. Con miembros clave como Alex Broadgate, Dominic Johnson, Joshua Kime y Ellie Parker, Tora Luna se distingue por su enfoque colaborativo, permitiendo que cada músico aporte su propio sello en cada proyecto.

El segundo sencillo de Tora Luna, Why Wouldn’t You Say So?, lanzado el 14 de febrero de 2025, es un claro reflejo de su enfoque innovador. Esta canción marca una nueva etapa en su carrera, mostrando una evolución en su sonido y explorando dinámicas emocionales profundas a través de la música. En ella, el dúo principal formado por Broadgate y Johnson se une a la talentosa vocalista invitada Deslynn Smith para dar vida a una pieza cargada de tensión emocional y arreglos musicales cuidadosamente elaborados.



El tema se caracteriza por un intercambio vocal entre Smith y Johnson, que representa la lucha interna de las relaciones no expresadas. Con una clara influencia de las armonías soul de Motown, pero sin perder la frescura y modernidad del indie, Why Wouldn’t You Say So? captura el momento exacto de esa frustración que surge cuando las palabras no se dicen, pero el sentimiento está presente. La canción se grabó en un estudio convertido en granero en la campiña, lo que aportó un toque íntimo y auténtico al proceso de grabación, destacando la atmósfera natural y la interacción en vivo entre los músicos.

El proceso de grabación, además, se aleja de las técnicas convencionales. En lugar de utilizar un “click-track” para seguir el ritmo, el grupo optó por grabar de manera más orgánica, lo que permitió que la canción tuviera una fluidez y una sensación más natural. Como explica Ellie Parker, “jugar sin un click-track hizo que el ambiente fuera mucho más relajado y, al final, el tema adquirió un tono más conversacional.”

La canción también cuenta con la participación de músicos invitados como Chloë Meade, cuyo violín aporta una melodía melancólica que se entrelaza con la vocalización poderosa de Smith y Johnson, además del saxofón de Edward Cross y la batería intuitiva de Gus White. Este enfoque multidimensional crea una rica capa sonora que transporta al oyente a una experiencia emocional completa.


Paisajes Sonoros Inquietantes: La Dualidad de Plagued by Meaning de Infinite Error

Paisajes Sonoros Inquietantes: La Dualidad de Plagued by Meaning de Infinite Error

En el universo de la música alternativa, Infinite Error es un proyecto enigmático que con el lanzamiento de su nuevo álbum, Plagued by Meaning continúa explorando los límites entre lo real y lo abstracto, entregando una experiencia inmersiva y perturbadora.

Si bien el sonido de Infinite Error podría situarse dentro del rock alternativo y la electrónica experimental, su verdadera esencia radica en su capacidad de trascender etiquetas. Con reminiscencias de bandas como Radiohead, Nine Inch Nails y la obra más cinematográfica de compositores como Jonny Greenwood, el álbum se convierte en una experiencia auditiva que desafía los convencionalismos del género.



Plagued By Meaning

El álbum se construye sobre la reputación de Infinite Error de generar paisajes sonoros que oscilan entre la belleza etérea y la incomodidad visceral. A través de una combinación de elementos orquestales, guitarras atmosféricas y texturas industriales, Plagued by Meaning lleva al oyente a una travesía emocional única. Canciones como “In Lust” y “King Eater” destacan por sus cambios dinámicos y una tensión latente que mantiene en vilo a quien escucha.

Sin biografía ni referencias visuales, el proyecto invita a su público a sumergirse en un diálogo subjetivo con la música, donde cada interpretación es válida y única. Esta aproximación genera una conexión profunda a quienes encuentran en Infinite Error un refugio de introspección y exploración.


El Track x Track de Plagued By Meaning

  • Plagued by Meaning – La canción que da nombre al álbum establece el tono con una mezcla de cuerdas sombrías y sintetizadores inquietantes. La atmósfera oscila entre lo melancólico y lo apocalíptico, creando un telón de fondo sonoro cargado de tensión y emoción. Una pista completamente instrumental que funciona como una apartura hacia un disco cargado de emociones que oscila entre los sombrio y macabro.

  • In Lust – Comienza con una percusión hipnótica y capas de sonidos industriales, que nos llevan de lo monumental a a un espacio etéreo donde las voces fantasmales emergen para guiar una narrativa de deseo y pérdida, con texturas metalizadas que pasan por lo industrial y el noise. La canción poco a poco utiliza elementos que le van dando una estructura cada mas grande y que nos logra meter a este mundo creado por Infinite Error lleno de terror y angustia.

  • King Eater – Despues de un a una canción llena de cuerdas dignas de una pelicula de terror, el tercer track del disco opta por sumergirnos en unos ritmos hipnoticos de guitarras y percusiones, una de las canciones más dinámicas del álbum. Su estructura va en constante evolución mientras mantiene una sensación de anticipación, misterio y energia.

  • Birds Calling It Quits – Con un tono más contemplativo, esta pieza fusiona el folk con arreglos orquestales. Con un piano como isntrumento base para la canción, el titulo refleja esa sutileza de la canción para poder sumergirnos en un mundo donde poco a poco los destellos de luz se van acercando en este mundo lleno de sombras y terror. La canción es un respiro dentro del álbum, ofreciendo un momento de calma antes de volver a la intensidad.

  • Belatedness- La siguiente canción nos regresa a ritmos mas dinamicos, con una inquietante guitarra que marca la pauta para una sensación energica pero que se ve calamada por las voces fantasmagoricas antes de llegar a explotar en un coro lleno de texturas y riffs inquietantes.

  • Puerile – Llegando al sexto track del disco “Puerile” nos sorprende con una nueva faseta del albúm, tomando elementos recurrentes como cuerdas inquietantes y riffs perturbadores, logran combinarlo de una manera muy organica con un ritmo mas dance que funciona increiblemente bien, una composición inquietante que juega con la disonancia y ritmos mecánicos. La sensación de paranoia y urgencia se refuerza con letras evocadoras y capas de sintetizadores angustiantes.

  • Derealizing – Explorando la fragmentación de la identidad y la percepción de la realidad. Con una instrumentación minimalista y un clímax envolvente, esta canción va preparando el cierre del disco.

  • Little Evils – Adentrandonos en el track, el uso de los riffs como ostinanto para generar tensión asi como el uso de sintetizadores y arpas le dan una energia y suspenso increible a “Little Evils” que va creciendo y surmergiendonos en una especie de dance sombrio y cautivador.

  • Causing You Worry – Como cierre del albúm, el track final del disco es una pieza ligera que fusiona la tranquilidad de un piano con una overtura llena de sonidos etereos, cuerdas, noise y ritmica perturbante, finalmente el disco cierra una ventana que nos lleva al inquietante mundo de Infinite Error.

Plagued by Meaning es una invitación a perderse en la vastedad de su sonido, a desafiar las convenciones del género y explorar las profundidades emocionales que Infinite Error ha logrado construir. Con diferentes referencias sonoras, desde generos como la poliritmia y viajes etereos hasta quizas referencias mas masivas como el sonido de propio de Thom Yorke en Radiohead.







Más Allá del Synth-Pop: Salt Ashes y su Homenaje Sonoro al Dolor

Más Allá del Synth-Pop: Salt Ashes y su Homenaje Sonoro al Dolor

Salt Ashes, nombre artístico de Veiga Sanchez, es una cantante y compositora británica que irrumpió en la escena musical con su característico estilo oscuro de synth-pop, fusionando sonidos electrónicos con ritmos de club. Desde su debut, ha capturado la atención de la crítica y el público con su atmósfera única y su capacidad para combinar la nostalgia de la música disco con la profundidad emocional de la música contemporánea.

En 2014, Salt Ashes lanzó sus primeros sencillos, “Somebody” y “If You Let Me Go”, que rápidamente se posicionaron entre los cinco primeros lugares en las listas de Dance de Billboard y Music Week, consolidando su lugar en el panorama musical. Estos éxitos fueron el preludio de una carrera llena de reconocimientos, como el premio MTVU Freshmen y MTV IGGY’s Artist of the Week. Con un sonido que fusiona las influencias de Giorgio Moroder y el pop electrónico de la era moderna, Salt Ashes comenzó a hacerse notar por su capacidad para crear un ambiente oscuro y emotivo en sus canciones.



Uno de los momentos más significativos de su carrera llegó con el lanzamiento de “10 + 2”, un sencillo profundamente personal en el que Salt Ashes deja atrás las atmósferas electrónicas y pulsantes que la caracterizan para abrazar un sonido más íntimo y minimalista. En esta canción, con sólo una guitarra acústica, cuerdas y su voz cargada de emoción, rinde un homenaje a su padre fallecido, abriendo una nueva dimensión en su música. La canción, cálida y cargada de sentimiento, invita a los oyentes a sumergirse en un espacio de introspección y conexión emocional, ofreciendo también un refugio para aquellos que han experimentado pérdidas similares.

El cambio de dirección musical con “10 + 2” marca una evolución en la carrera de Salt Ashes, mostrando una faceta más vulnerable y humana de la artista. Al alejarse del sonido electrónico pesado, la canción se convierte en un testimonio de su capacidad para transformar el dolor personal en arte, permitiendo que sus seguidores se conecten de manera más profunda con ella. Esta pieza no solo revela la madurez de su carrera, sino también la habilidad de Salt Ashes para seguir explorando nuevos territorios sonoros sin perder su esencia.

Salt Ashes sigue demostrando que la música es una forma poderosa de expresar tanto la luz como la oscuridad que todos llevamos dentro. A medida que continúa explorando nuevos territorios emocionales y musicales, no cabe duda de que su viaje artístico apenas comienza, invitándonos a seguir su evolución y a conectar con sus canciones más allá de las pistas de baile.


El Amor Inalcanzable de Francesca Tarantino en ‘Hold On To Me’

El Amor Inalcanzable de Francesca Tarantino en ‘Hold On To Me’

Francesca Tarantino, es una cantautora estadounidense, en su último lanzamiento, Hold On To Me, Francesca se adentra en el universo de géneros como el Indie Rock, Indie Pop y Alternative Rock. La canción refleja una vulnerabilidad palpable, caracterizada por una interpretación vocal poderosa y un uso expresivo de la guitarra. A lo largo de la pieza, Francesca explora el deseo de que una relación siga adelante a pesar de los signos evidentes de distanciamiento. La letra describe la lucha interna entre el amor y la inevitabilidad del adiós, creando una atmósfera llena de introspección y emoción.



“Hold On To Me” es una canción escrita desde la perspectiva de mirar hacia atrás en una relación que ya estaba en terreno inestable, pero sin querer dejar ir a esa persona. El tema central de la canción es la desesperación por aferrarse a alguien, a pesar de que las señales indican que el otro ya se está alejando. Francesca describe cómo, a veces, el amor por sí solo no es suficiente para mantener viva una relación. Esta reflexión se ve intensificada por la producción y los toques delicados de guitarra, que acompañan las palabras cargadas de sentimiento.

A lo largo de su carrera, Francesca ha sido reconocida no solo por su voz, sino también por su habilidad para conectar con el público a través de sus composiciones. En 2024, dio 100 conciertos en 20 ciudades diferentes, reafirmando su dedicación al directo y su deseo de compartir su música con el mundo.


Jude York y “After the Opera”: Un viaje sonoro de nostalgia y la modernidad

Jude York y “After the Opera”: Un viaje sonoro de nostalgia y la modernidad

El cantante y compositor australiano Jude York continúa como una de las voces más emocionantes y transformadoras del pop alternativo y el dance pop. Con su capacidad para fusionar una estética vintage con una sensibilidad moderna, Jude ha capturado la atención del público global.

Tras el éxito de temas como Monaco y Those Were the Days, Jude regresa con su nuevo sencillo, After the Opera. Esta canción, se sumerge en temas como el anhelo, la traición y la frágil búsqueda de la belleza en medio del caos emocional.



Acompañando el lanzamiento del sencillo, Jude York presenta un videoclip visualmente impactante que refuerza la historia de After the Opera. La pieza audiovisual que nos sumerge en el mundo de un artista que se encuentra en plena preparación para una actuación crucial. Entre intensos ensayos con sus bailarines, Bouba y Kiki, y una serie de imágenes simbólicas como un jarrón en forma de corazón que se rompe y una lluvia de confeti, el video representa la lucha interna y la vulnerabilidad del proceso creativo.

“Con After the Opera, quería explorar las dualidades del arte y la vida, los momentos de triunfo y vulnerabilidad que nos definen como creadores”, explica Jude York.


“Second Thoughts” y Harrison Kipner: Música, Comunidad y Sanación

“Second Thoughts” y Harrison Kipner: Música, Comunidad y Sanación

Harrison Kipner es un músico y compositor estadounidense con la participación activa de su comunidad. Con un recorrido que incluye la coescritura de “Hey Porsche” de Nelly, y su colaboración en seis canciones del reciente álbum de Mark Owen, Harrison ha sido una figura relevante en el mundo de la música pop y rock.

En su más reciente sencillo, “Second Thoughts”, Harrison ha hecho algo nunca antes visto en su carrera: la canción fue coescrita con nueve de sus seguidores en Twitch, quienes compartieron ideas y emociones en tiempo real durante el proceso creativo. Esta colaboración se materializó en una canción cargada de energía y profundidad, que refleja la lucha interna por salir de los momentos oscuros de la vida y encontrar la belleza en las pequeñas cosas, el amor y la esperanza. Un aspecto notable de la creación de esta pista es que uno de los coautores compartió su historia personal, relatando cómo la música lo ayudó a superar una etapa extremadamente difícil de su vida.



A través de plataformas como Twitch y Discord, Harrison ha creado una comunidad vibrante y solidaria donde los oyentes no solo pueden disfrutar de su música, sino también ser parte del proceso creativo. Esta interacción directa ha hecho que su música se sienta más cercana y emocionalmente conectada con aquellos que la apoyan. La experiencia de “Second Thoughts” es solo el principio de un proyecto más amplio que tiene como objetivo ofrecer un espacio en donde la creatividad colectiva y la música se unan para sanar y crear juntos.

Para Harrison, el acto de escribir música ha trascendido lo personal y se ha convertido en un acto compartido. La espera por su próximo sencillo, “LA Weather”, genera aún más expectativas sobre el rumbo de este proyecto que continúa conectando a las personas a través de la música.


Public Order: Energía, Nostalgia y un Toque de Rebeldía

Public Order: Energía, Nostalgia y un Toque de Rebeldía

Desde el corazón de Gales, el trío de indie rock Public Order está marcando su propio camino en la escena musical británica. Con una energía arrolladora y un sonido que fusiona el indie con el dance, esta banda ha captado la atención de la crítica y del público con su reciente sencillo, “Joker”.

Public Order bebe de la nostalgia del Britpop de los 90 y del legado de bandas icónicas como The Stone Roses, The Prodigy y Kasabian. Sin embargo, han logrado darle un giro moderno a este sonido, creando canciones que resuenan con las nuevas generaciones. “Joker”, su último lanzamiento, encapsula esta mezcla de influencias con una producción vibrante y una narrativa que explora la juventud y su efímera belleza.



“Joker” llega como adelanto de su EP HELLO, que verá la luz el próximo 28 de marzo. La producción de HELLO estuvo a cargo de Jim Abbiss, conocido por su trabajo con Arctic Monkeys y Adele, lo que garantiza un sonido refinado y de gran impacto.

En palabras de la propia banda es “una instantánea agridulce de la juventud”. La canción invita a vivir el momento, abrazar el caos y aceptar que no todo está destinado a durar para siempre, y eso está bien. La combinación de letras introspectivas con una instrumentación enérgica logra crear una atmósfera única que resuena con cualquiera que haya sentido la intensidad de la juventud.

Con su participación en la gira de Everyone You Know por el Reino Unido y su confirmación en festivales como Dot To Dot, Public Order está en camino de consolidarse como una de las bandas más emocionantes del momento. Su capacidad para equilibrar potencia y profundidad emocional en su música sugiere que lo mejor aún está por venir.


Walk the Whale: La banda que fusiona el folk y el rock alternativo

Walk the Whale: La banda que fusiona el folk y el rock alternativo

Desde la soleada costa de California, pero con raíces en Florida, Walk the Whale es una banda que ha sabido combinar el rock alternativo con influencias del folk, creando un sonido propio. Formado por Logan y Parker, este dúo de músicos y multiinstrumentistas ha demostrado que la creatividad y la pasión por la música pueden transformar cualquier idea en una experiencia única.

La historia de Walk the Whale comienza en el año 2010, cuando Logan y Parker se conocieron en la Universidad Estatal de Florida. Un amor compartido por bandas legendarias como King Crimson, The Beatles y Pink Floyd los llevó a colaborar en la creación de partituras para películas estudiantiles. Sin embargo, tras graduarse, cada uno tomó caminos distintos en la música, enfocándose en la educación.



Años más tarde, tras la pandemia, un viaje de Parker a California para visitar a Logan y su esposo les hizo darse cuenta de lo que realmente querían hacer: crear música y compartirla con el mundo. Fue así como nació Walk the Whale, un proyecto en el que canalizan sus influencias, experiencias y conocimientos musicales en composiciones auténticas y emotivas.

Con una explosión de creatividad desde su formación en 2022, la banda ha compuesto más de 40 canciones. Su primer EP, titulado Let Me Land, captura las emociones de un viaje personal y artístico, explorando el cambio, la nostalgia y la necesidad de tomar decisiones que transforman la vida. Cada canción refleja la evolución del dúo y su capacidad para crear melodías cautivadoras con letras introspectivas.



Además de trabajar en sus propias canciones, Walk the Whale se ha convertido en una banda clave dentro de la escena musical de la costa central de California. Gracias a su formación en música, Logan y Parker han logrado colaborar con otros artistas, proporcionando arreglos innovadores y trabajando en diversos géneros, desde folk hasta hip-hop.


Rusowsky y ‘SOPHIA’: El Nuevo Horizonte del Synth Pop

Rusowsky y ‘SOPHIA’: El Nuevo Horizonte del Synth Pop

Rusowsky se ha consolidado como una de las figuras más innovadoras de la escena musical en España. Fusionando distintos géneros y su estilo vanguardista lo han posicionado como un referente en el panorama hispanohablante. Con un sonido que oscila entre el synth pop, el lo-fi y la electrónica experimental, el artista madrileño ha conquistado una audiencia global.

Bajo el nombre de Ruslan Mediavilla, el artista comenzó su trayectoria en la música con una propuesta fresca y arriesgada. Su nombre artístico surge de la combinación de su apodo “Rus” con el nombre del icónico personaje de Monsters Inc., Mike Wazowski. Desde sus primeras producciones, Rusowsky destacó por una estética minimalista y una aproximación experimental a la composición musical. Con canciones que mezclan elementos de R&B, house y pop electrónico, ha logrado crear un estilo propio que ha captado la atención.



A lo largo de su carrera, Rusowsky ha trabajado con artistas como C. Tangana, Judeline, DELLAFUENTE y Ralphie Choo, consolidándose en la industria musical. Además, su colaboración con Latin Mafia en “neo roneo” y con Bb Trickz en “uwu^^” han sido aclamadas, con esta última siendo nombrada por Rolling Stone en Español como una de las mejores canciones en español del 2024.

En 2025, Rusowsky inició una nueva etapa en su carrera con el lanzamiento de “SOPHIA”, el primer adelanto de su esperado álbum debut. La canción, escrita y producida por él mismo, explora la obsesiva fascinación que se puede desarrollar hacia algo o alguien, transmitiendo una montaña rusa de emociones que van desde la euforia hasta la angustia.

Acompañado de un video musical co-dirigido por Fomotrauma y Roy Viceroy, “SOPHIA” se sumerge en una estética influenciada por el cine de terror, narrando una historia de amor entre el cantante y una misteriosa pareja que conoce a través de la pantalla del televisor.

Con presentaciones en festivales como Axe Ceremonia, Sónar y Lollapalooza en Sudamérica, Rusowsky ha demostrado ser una de las propuestas más imponentes de la música actual. En febrero de 2025, se presentará en el Festival de Bahidorá en México, mientras que en julio formará parte del cartel del Low Festival en Benidorm, España, junto a artistas como Empire of the Sun y Amaia.


Julia Mestre Desata su Lado Salvaje con “Sou Fera”

Julia Mestre Desata su Lado Salvaje con “Sou Fera”

La música brasileña ha sido siempre un crisol de sonidos y emociones, y en los últimos años, una nueva generación de artistas ha revitalizado la escena con frescura y autenticidad. Entre ellos, Julia Mestre destaca como una cantante, compositora, multiinstrumentista, productora musical, actriz y directora creativa, Mestre ha sabido fusionar el encanto nostálgico de la MPB con influencias contemporáneas, creando una propuesta musical única y envolvente.

Nacida en Río de Janeiro, Julia Mestre cuenta con dos álbumes en solitario, un disco colaborativo y tres EPs, consolidando una trayectoria que la ha llevado a ganar un Latin Grammy en la categoría de Mejor Álbum de Pop Contemporáneo en Lengua Portuguesa.

Su trabajo con Bala Desejo, un colectivo musical que ha conquistado públicos dentro y fuera de Brasil, ha sido clave en su reconocimiento internacional. Con un estilo que evoca la calidez y la sofisticación de artistas como Rita Lee y Marina Lima, pero con un aire fresco y moderno.



El lanzamiento de su nuevo sencillo, Sou Fera, marca una nueva etapa en su carrera. Inspirada en la energía de los viajes por carretera, la canción fusiona el aire etéreo del Balearic beat con el groove relajado del boogie brasileño y la sensibilidad del city pop japonés. La producción estuvo a cargo de la propia Julia, junto a Gabriel Quinto, Gabriel Quirino y João Moreira, logrando un sonido envolvente que transporta al oyente a un viaje sensorial por paisajes soleados y emociones intensas.

En sus propias palabras, Sou Fera representa la dualidad de la experiencia humana: la fortaleza exterior y la constante reinvención interna. “Quise reflejar el espíritu de la ‘mujer salvaje’: su sensibilidad y determinación, siempre persiguiendo sus sueños”, explica la artista. La canción también captura la sensación de estar en constante movimiento, de vivir entre escenarios, nuevas ciudades y culturas, pero también de lidiar con la introspección que conlleva ese estilo de vida.

Con un carisma arrollador, Julia Mestre sigue expandiendo su universo musical. Su próximo álbum promete consolidar su evolución artística y ofrecer un viaje sonoro que conecte el pasado y el futuro de la música brasileña.