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Coach Party regresa con “Nurse Depression”, un grito contra la obsesión por los números

Coach Party regresa con “Nurse Depression”, un grito contra la obsesión por los números

La banda británica Coach Party, cuarteto de rock alternativo originario de la Isla de Wight, vuelve a la carga con “Nurse Depression”, un tema crudo, ruidoso y sin concesiones que marca su primera música nueva desde el lanzamiento de su segundo álbum, Caramel, en septiembre de 2025.

El single se estrenó en exclusiva en el programa de Steve Lamacq en BBC 6Music, reafirmando el estatus del grupo como una de las propuestas más viscerales del rock alternativo. Con guitarras abrasivas y una base rítmica implacable, “Nurse Depression” captura a la perfección la frustración acumulada de una banda que se niega a suavizar su mensaje.



Producida por el propio batería del grupo, Guy Page, la canción apunta directamente a la creciente obsesión de la industria musical por los números, las métricas y los algoritmos, en detrimento del impacto emocional y la integridad artística. Es una crítica feroz a un sistema que mide el valor del arte en reproducciones y estadísticas, olvidando lo que realmente importa: cómo te hace sentir una canción.

Musicalmente, el tema es un asalto frontal. Riffs salvajes, baterías insistentes y una energía que no da tregua sirven de vehículo para un mensaje claro. La cantante y bajista Jess Eastwood canaliza influencias que recuerdan a Hole, Sprints, Turnstile o Amyl and the Sniffers, combinando introspección y rabia con una actitud desafiante. Su declaración es directa y contundente: “no confíes en los números, vuelve a poner tu fe en el arte”.

Con “Nurse Depression”, Coach Party no solo reafirma su identidad forjada entre guitarras que derriten la cara y una honestidad brutal y lanza una llamada de atención tanto a la industria como al público. Es un recordatorio de que el rock sigue siendo un espacio para la catarsis, la emoción y la resistencia creativa.


Dana Al Meer y “La Wahani”: una voz que une culturas

Dana Al Meer y “La Wahani”: una voz que une culturas

Dana Al Meer es una cantante, intérprete y directora creativa catarí cuya voz se ha convertido en un símbolo de identidad, emoción y conexión cultural. Reconocida internacionalmente por abrir y cerrar la Copa Mundial de la FIFA Qatar 2022, Dana ha marcado momentos históricos con una presencia artística profundamente arraigada en la herencia árabe y una sensibilidad contemporánea.

Su trayectoria incluye importantes hitos, como el tercer puesto en el Festival de la Canción en Moscú, consolidando su proyección global y su versatilidad artística. Con una voz poderosa y una visión clara, Dana continúa trazando su camino dentro de la escena musical árabe, combinando tradición y modernidad con autenticidad.



“La Wahani – لا واهني” representa el segundo lanzamiento de esta nueva etapa artística y forma parte de su estrategia para conectar con el público del mundo árabe y la diáspora. La canción no solo destaca por su interpretación vocal, “La Wahani” se construye como un puente entre culturas. Sus melodías evocan nostalgia y profundidad emocional, mientras su mensaje trasciende fronteras, invitando al oyente a sentir, recordar y reconocerse. Es una obra pensada para resonar en el corazón del público de la región MENA y más allá, reafirmando la música como un lenguaje universal.


The Infamous Stringdusters y “Up From The Bottom”: bluegrass moderno con espíritu de superación

The Infamous Stringdusters y “Up From The Bottom”: bluegrass moderno con espíritu de superación

The Infamous Stringdusters reeafirman su sonido dentro del bluegrass contemporáneo con “Up From The Bottom”, una canción que combina virtuosismo instrumental, sensibilidad moderna y un mensaje profundamente inspirador. El quinteto estadounidense, conocido por expandir los límites de la música americana sin perder el respeto por sus raíces, entrega aquí una pieza luminosa que conecta tradición y presente con naturalidad.



Impulsada por un entramado preciso de banjo, violín, guitarra y slide, la canción avanza con un ritmo enérgico y contagioso que sostiene un estribillo poderoso, casi como un grito de guerra colectivo. “Up From The Bottom” transmite la sensación de levantarse después de la caída, de atravesar la dificultad con determinación y emerger con una renovada fuerza interior. Su núcleo acústico y su impulso rítmico refuerzan un clima de optimismo ganado, no ingenuo, que se siente auténtico y cercano.

El tema forma parte del álbum 20/20 y cuenta además con un videoclip oficial que amplifica su carga emocional, acompañando visualmente ese viaje de resiliencia y renovación. Con esta canción, The Infamous Stringdusters demuestran que el bluegrass puede ser tan emotivo y actual como cualquier otro género, manteniendo viva la esencia de la música americana mientras la proyectan hacia nuevos horizontes.


Max Styler y “You & Me (Notre Dame Remix)”: house hipnótico con pulso nocturno

Max Styler y “You & Me (Notre Dame Remix)”: house hipnótico con pulso nocturno

Max Styler continúa expandiendo el universo de You & Me con una nueva reinterpretación a cargo de Notre Dame, que lleva el track hacia un territorio más oscuro, elegante y profundamente hipnótico. El productor californiano, una de las figuras más sólidas del house actual y fundador del sello Nu Moda, vuelve a demostrar la versatilidad de su música al abrirla a un remix que transforma la energía original sin perder su esencia.



En esta versión, Notre Dame apuesta por una atmósfera más envolvente y nocturna, construida sobre grooves profundos, sintetizadores cargados de tensión y un beat firme que avanza con sutileza pero sin descanso. El remix se apoya menos en el impacto inmediato y más en la progresión, ideal para la pista de baile en su punto más introspectivo, cuando la música se vuelve hipnosis colectiva. Cada elemento está cuidadosamente dosificado, creando una sensación de movimiento constante que atrapa sin necesidad de excesos.

“You & Me (Notre Dame Remix)” confirma por qué Max Styler se ha convertido en un referente del house contemporáneo: sus producciones funcionan como lienzos abiertos a distintas lecturas, capaces de adaptarse tanto al peak time como a los momentos más profundos del club. Editado por Nu Moda y disponible en las principales plataformas digitales, este remix refuerza el carácter internacional del proyecto y consolida a You & Me como un track que sigue evolucionando, conectando distintas visiones dentro de la escena electrónica actual.


Graham Candy y Showing Me Showing You: una mirada íntima desde lo acústico

Graham Candy y Showing Me Showing You: una mirada íntima desde lo acústico

Graham Candy, artista nacido en Nueva Zelanda y radicado en Alemania, continúa ampliando su trayectoria con el lanzamiento de “Showing Me Showing You”, un sencillo que marca un regreso a una estética más íntima y orgánica. Conocido por su participación en proyectos electrónicos de gran alcance internacional, Candy presenta aquí una faceta centrada en la sencillez sonora y la cercanía emocional.



La canción se construye a partir de una producción acústica y contenida, donde la guitarra cumple un rol central y deja espacio para una interpretación vocal clara y directa. Lejos de arreglos complejos, Showing Me Showing You apuesta por una estructura minimalista que refuerza el carácter reflexivo del tema. Esta elección permite que la atención se concentre en la letra y en la interpretación, elementos clave de la propuesta.

A nivel conceptual, el sencillo aborda temas como la vulnerabilidad, la autoafirmación y la búsqueda de equilibrio emocional. La narrativa sugiere un proceso de aceptación personal y de apertura, sin dramatismos excesivos, apoyándose en un tono sereno y contemplativo. La canción se desarrolla con una calma constante, transmitiendo una sensación de recogimiento y honestidad.

Showing Me Showing You se inscribe dentro del folk y el acústico contemporáneo, y resulta coherente con una línea de trabajo que prioriza la atmósfera y la sinceridad por encima del impacto inmediato. En este nuevo lanzamiento, Graham Candy propone una escucha pausada y cercana, reafirmando su versatilidad como compositor e intérprete y abriendo un nuevo capítulo dentro de su evolución artística.


Lucas Valiante y siren.: una exploración sonora desde la expresión cruda

Lucas Valiante y siren.: una exploración sonora desde la expresión cruda

Lucas Valiante desarrolla su proyecto musical desde una perspectiva centrada en la expresión y el proceso creativo más que en la búsqueda de un acabado pulido. Su enfoque se caracteriza por el uso de elementos crudos, distorsionados y emocionalmente directos, dando lugar a composiciones que funcionan como registros de estados anímicos y momentos personales.

En siren., Valiante construye un paisaje sonoro basado en sintetizadores, capas electrónicas y una producción de estética lo-fi. La canción se mueve entre pasajes de tensión y momentos de mayor apertura sonora, generando una dinámica que sostiene el desarrollo del tema. La voz, integrada como un elemento más dentro de la textura general, refuerza el carácter íntimo de la pieza sin buscar protagonismo excesivo.



siren. se inscribe en una corriente que prioriza la vulnerabilidad y la experimentación por sobre la estructura tradicional de la canción pop. La distorsión, el uso de imperfecciones y la elección de una narrativa abierta forman parte de una decisión estética coherente con la identidad del proyecto.

En conjunto, siren. ofrece una aproximación honesta al universo creativo de Lucas Valiante, presentando una obra que privilegia la expresión personal y el proceso artístico, y que se posiciona como una propuesta alineada con las exploraciones contemporáneas de la música electrónica alternativa.


JUNG convierte el cansancio post-viaje en un himno pop con “Vacation”

JUNG convierte el cansancio post-viaje en un himno pop con “Vacation”

La dupla sueca JUNG, formada por los hermanos Tom y Henrik Ljungqvist, da la bienvenida anticipada al verano de 2026 con su nuevo sencillo “Vacation”, una canción vibrante que captura a la perfección esa sensación contradictoria de regresar de un viaje más cansado de lo que te fuiste y necesitar, irónicamente, otra escapada. Lejos de ser solo un tema ligero, la canción conecta desde la experiencia cotidiana y la transforma en un himno energético y contagioso.



Musicalmente, “Vacation” se mueve entre el indie pop, el britpop de los años 2000 y el electropop moderno, con una producción dinámica que evoca la nostalgia de proyectos como Gorillaz, Peter Bjorn and John y Foster the People, pero manteniendo una identidad fresca y actual. El ritmo pulsante, los sintetizadores brillantes y un estribillo poco convencional convierten al tema en un candidato natural a banda sonora del verano.

La canción fue escrita en Londres junto a Tim Powell, coautor del icónico “Believe” de Cher, y James Bell, conocido por su trabajo en “The Business” de Tiësto, una colaboración que se percibe en la solidez pop y la ambición internacional del sencillo. Como detalle entrañable, las hijas de Tom y Henrik, Sam y Mary, participan en la canción bajo el nombre de Baby Hooligans, aportando un matiz familiar y espontáneo que refuerza el espíritu despreocupado del tema.

Este lanzamiento no solo adelanta lo que será su próximo EP, previsto para abril de 2026, sino que reafirma a la banda como una de las propuestas más sólidas y emocionantes del pop escandinavo actual.


Olive Jones presenta “Kingdom”, un himno político lleno de soul y blues electrónico

Olive Jones presenta “Kingdom”, un himno político lleno de soul y blues electrónico

La cantante y compositora británica Olive Jones continúa como una de las voces más prometedoras del soul y el indie alternativo en Reino Unido con el lanzamiento de su nuevo single “Kingdom”, adelanto de su álbum debut For Mary, que saldrá a la luz el 13 de marzo de 2026.

“Kingdom” llega como una canción poderosa y reflexiva que combina influencias de blues y electrónica, creando un sonido sofisticado que envuelve al oyente desde los primeros segundos. La temática de la canción es clara y directa: Olive aborda la división social y política, inspirada en los momentos de tensión del Brexit, y nos invita a reflexionar sobre la necesidad de encontrar puntos en común para construir un mundo más unido. La artista describe esta pieza como su himno político, donde la lírica comprometida se encuentra con un ritmo cautivador y lleno de vitalidad.



Este single no solo destaca por su mensaje, sino también por su ejecución musical. Las guitarras, los arreglos electrónicos y la voz característica de Olive, dulce, introspectiva y llena de emoción, crean un balance perfecto entre lo moderno y lo vintage, demostrando su madurez artística y sensibilidad musical.

El álbum For Mary recopila 12 canciones inspiradas en distintas etapas de la vida de Olive, en sus emociones y experiencias personales. Cada tema refleja una parte de su historia y personalidad, haciendo del disco una obra íntima y cohesionada que promete consolidar a Olive Jones como una de las artistas más importantes del soul contemporáneo británico. Con “Kingdom”, Olive nos invita no solo a disfrutar de un sonido cautivador, sino también a reflexionar y sentir, mostrando que el arte puede ser un vehículo poderoso para la conciencia social. Este single es, sin duda, una prueba del talento y la visión de una artista que ya está dejando su huella en la música actual.


Aukai presenta “Yobue”: la calma como lenguaje sonoro

Aukai presenta “Yobue”: la calma como lenguaje sonoro

Aukai regresa con “Yobue”, un sencillo instrumental que reafirma la identidad del proyecto como un espacio de introspección, pausa y sensibilidad sonora. Bajo la dirección creativa de Markus Sieber, la pieza se construye sin necesidad de palabras, confiando plenamente en el poder emocional del sonido para transmitir un mensaje de serenidad y transformación interior.



Desde los primeros segundos, “Yobue” envuelve al oyente en una atmósfera etérea y expansiva. Arreglos de cuerdas delicadas, donde el arpa adquiere un protagonismo especial, se entrelazan con sutiles capas de sintetizadores que aportan profundidad y calidez. La composición fluye con naturalidad, invitando a cerrar los ojos y dejarse llevar por un viaje introspectivo que evoca la idea de calma tras la tormenta, recordándonos que incluso los momentos más intensos son siempre pasajeros.

La estructura del tema destaca por su elegancia y su desarrollo orgánico. No hay rupturas bruscas ni dramatismos forzados; cada sonido parece colocado con intención, como si la música respirara junto al oyente. En ese equilibrio entre fragilidad y amplitud, “Yobue” se convierte en una experiencia casi meditativa, ideal para momentos de contemplación, descanso o reconexión emocional.

Con este lanzamiento, Aukai continúa explorando la música como un refugio sensorial y espiritual. “Yobue” no solo funciona como un adelanto del universo sonoro que Markus Sieber sigue construyendo, sino también como una invitación a transformar el miedo en inspiración y el silencio en un espacio fértil para el renacer interior. Es una pieza que no se escucha de manera superficial, sino que se habita, dejando una huella sutil pero profunda en quien se permite detenerse y escuchar.


Louie El Ser y “Cicada”: el arte de esperar en un paisaje sonoro nocturno

Louie El Ser y “Cicada”: el arte de esperar en un paisaje sonoro nocturno

Louie El Ser continúa expandiendo su universo con «Cicada», un sencillo hipnótico e introspectivo que firma en colaboración con el también artista latino de San Francisco Peña. Inspirada en el ciclo vital de la cigarra, capaz de permanecer entre trece y diecisiete años bajo tierra antes de emerger, la canción utiliza esta metáfora natural para reflexionar sobre la paciencia, el tiempo y la confianza en los procesos personales. Más que una simple escucha, Cicada se presenta como una experiencia sensorial que invita a detenerse y observar el ritmo interno de las emociones.



Musicalmente, el tema se mueve entre el darkwave, el alt-pop latino y paisajes electrónicos de carácter nocturno. La producción, liderada por Louie El Ser, se construye a partir de percusiones lentas y pulsantes que generan una tensión contenida, mientras capas ambientales y sintetizadores etéreos envuelven al oyente en una atmósfera íntima y casi meditativa. La participación de Peña aporta guitarras y líneas de bajo suaves pero profundas, que refuerzan el carácter onírico del track y crean un diálogo orgánico entre ambos artistas.

En el plano lírico, Cicada aborda la espera consciente: ese momento en el que se sabe que algo llegará —amor, crecimiento, reconocimiento—, aunque no se pueda acelerar su aparición. Louie El Ser y Peña convierten esa certeza silenciosa en una narrativa emocional que conecta con la ansiedad moderna, pero propone la calma como respuesta. Cada verso parece respirar junto a la producción, dejando espacios de silencio que funcionan como parte esencial del discurso sonoro.

Con «Cicada», Louie El Ser construye mundos propios, donde la sensualidad, la introspección y la exploración sonora conviven sin concesiones. El sencillo no busca el impacto inmediato, sino una conexión más profunda y duradera, recordándonos que, al igual que la cigarra, hay procesos que solo florecen cuando llega su momento exacto.