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The Drive: La gasolina emocional del nuevo pop-rock californiano

The Drive: La gasolina emocional del nuevo pop-rock californiano

Desde un pequeño escenario en el sótano del pub familiar hasta festivales, The Drive ha recorrido un camino impulsado por la pasión, la disciplina y el deseo de dejar huella. Formado por los hermanos Danny (voz, teclados, guitarra) e Isaac (batería, teclados), este dúo de Los Ángeles ha convertido su vínculo fraternal y amor por la música en una propuesta propia dentro del pop-rock alternativo.

El nombre de la banda: The Drive representa ese motor interno que empuja a seguir adelante, incluso cuando las circunstancias son difíciles. Su lema podría extraerse directamente de su canción “Feeling”: “What’s the point of getting older, if you got nothing to show?” (“¿Cuál es el sentido de envejecer si no tienes nada que mostrar?”).

Criados entre mesas, clientes y música en vivo, los hermanos comenzaron a escribir y tocar sus propias canciones en los ratos libres entre el colegio y el trabajo. El escenario del pub se convirtió en su primer hogar artístico, donde aprendieron a desenvolverse con naturalidad y autenticidad frente al público.



Su último sencillo, “drugs”, explora la intensidad del enamoramiento como una forma de adicción emocional. Con letras que capturan esa euforia, ansiedad y deseo de no soltar el “subidón” del amor, la canción se convierte en una experiencia sensorial que no deja indiferente. Con cada nueva canción, con cada show en vivo, estos hermanos demuestran que el camino del esfuerzo, la constancia y la autenticidad puede llevar muy lejos. Y ellos apenas están comenzando.


“Queens”: El hechizo synthpop de Parlour Magic que transforma la nostalgia en arte

“Queens”: El hechizo synthpop de Parlour Magic que transforma la nostalgia en arte

Desde el corazón de Nueva York emerge Parlour Magic, el proyecto de synthpop liderado por el productor y artista multimedia Luc Bokor-Smith. Con una estética sonora que remite a la nostalgia de los años 80 y una visión profundamente contemporánea, Parlour Magic ha logrado establecer un estilo propio que brilla con sofisticación, melancolía y una marcada identidad visual.

El debut discográfico llegó con The Fluid Neon Origami Trick (2020), un álbum que estableció las bases del universo Parlour Magic: sintetizadores analógicos, estructuras melódicas envolventes y una producción impecable. Más adelante, el EP Hydrogen Palace (2021) expandió este lenguaje con una sensibilidad más experimental, confirmando que Bokor-Smith no es solo un músico, sino un arquitecto sonoro.



En octubre de 2024, lanzó su segundo álbum de estudio, Saturn Return, una obra ambiciosa grabada a lo largo de casi tres años entre Nueva York, Las Vegas y Berlín, y coproducida junto a Fab Dupont. El título hace referencia al fenómeno astrológico que simboliza el cierre de un ciclo vital y el comienzo de otro, una metáfora precisa para un álbum introspectivo, pulido y emocionalmente expansivo. En temas como Queens, se siente la madurez artística de Bokor-Smith: líneas vocales suaves sobre un tapiz de sintetizadores brillantes, armonías cuidadas y una atmósfera casi cinematográfica.

“Queens” se presenta como un viaje de tres minutos a través de sintetizadores analógicos, texturas envolventes y una sensibilidad melódica que recuerda la grandeza de los años 80, pero con un enfoque contemporáneo y cinematográfico. Producido junto al renombrado Fab Dupont, el tema forma parte “Saturn Return“.


Hamish Anderson nos recuerda que no estamos solos en “Everybody”

Hamish Anderson nos recuerda que no estamos solos en “Everybody”

En un momento en el que el mundo se vio obligado a detenerse, el artista australiano Hamish Anderson encontró en el silencio una puerta hacia adentro. De esa introspección profunda nació “Everybody”, una canción que representa un renacer musical, sino también una afirmación emocional de lo que significa estar perdido… y reencontrarse.

Lanzado el 11 de octubre de 2024 como parte de su más reciente álbum Electric, “Everybody” es una carta abierta al alma. Con una guitarra que respira blues y un ritmo que dialoga con la nostalgia y la esperanza, Anderson conecta con un sentimiento compartido por millones tras la pandemia: el aislamiento, la búsqueda de sentido, y la necesidad urgente de reconexión.

“Este álbum habla de estar aislado del mundo y de mirarse al espejo después de años de evitarlo. Es sobre redescubrir quién eres, reconectarte con lo esencial, y usar la música como puente”, cuenta Anderson.



Durante los confinamientos, el artista se reencontró con su yo más joven, el niño de 12 años que pasaba horas tocando guitarra sobre discos de Hendrix, Buddy Guy o Jeff Beck. Esa reconexión con sus raíces musicales marcó el ADN de Electric, un trabajo donde la guitarra eléctrica no solo lidera, sino que cuenta una historia emocional por sí misma. En “Everybody”, esta narrativa se manifiesta en un solo que va de lo tímido a lo seguro, como si también viajara desde la confusión hacia la claridad.

La letra no ofrece soluciones fáciles ni finales felices forzados. En cambio, ofrece compañía: “Everybody’s felt this way / Everybody knows this pain” (“Todos se han sentido así / Todos conocen este dolor”). Es una afirmación de vulnerabilidad compartida, que en lugar de aislar, une.


Skintight Crazy: El Viaje Emocional de August Royals a Través del Amor y la Pérdida

Skintight Crazy: El Viaje Emocional de August Royals a Través del Amor y la Pérdida

August Royals con un sonido que equilibra la accesibilidad con la profundidad artística, el cantante y compositor mezcla sinceridad emocional con un enfoque musical sofisticado.

Su debut con RCA Records en 2021, con el lanzamiento de su sencillo “Blue Football”, captó la atención de la industria musical y sentó las bases para su carrera. Con una mezcla de pop sofisticado y líricas vulnerables, August se presentó como un creador dispuesto a explorar sus emociones más profundas, a la par que ofrecía un sonido pegajoso que podía conectar con una audiencia más amplia. El 2022 vio el lanzamiento de su primer EP, Inhaler, una obra de nueve canciones que presentó una mezcla de géneros que reflejaban tanto la variedad de influencias de August como su capacidad para explorar diferentes estilos musicales. A pesar de su éxito, August decidió alejarse de RCA Records para tomarse un tiempo para reflexionar sobre su rumbo como artista, alejándose de la presión de la industria para descubrir su verdadero sonido.



Con su retorno en 2025, August Royals regresa con una energía renovada y una visión más clara de su arte. Tras un período de silencio creativo, donde pasó tiempo desconectado del ruido exterior, ha vuelto con lo que él mismo considera sus canciones más auténticas y refinadas. Su sencillo “American Spirit” marcó su regreso triunfal, con una interpretación vocal única que conserva la accesibilidad del pop, mientras mantiene una conexión profunda con su propia identidad.

Sin embargo, su segundo sencillo independiente, Skintight Crazy, es el que verdaderamente ha dejado una marca en sus seguidores. En esta canción, August reflexiona sobre la complejidad emocional de una ruptura. Las letras exploran los efectos persistentes de una relación terminada, capturando el dolor de darse cuenta de que el amor que una vez sentimos ya no es con la persona que tenemos frente a nosotros, sino con la versión pasada de esa persona. Musicalmente, el tema destaca por su ritmo contagioso, uniendo guitarras suaves, sintetizadores pegajosos y una percusión dinámica que se mezcla perfectamente con su voz. La canción tiene una atmósfera vibrante, a pesar de la temática melancólica, invitando a la reflexión, pero también al disfrute.

Skintight Crazy representa la evolución de August Royals como artista, quien ha logrado transformar sus experiencias personales en canciones poderosas que resuenan con sus oyentes. Cada nueva publicación parece ser una exploración más profunda de sí mismo, desde sus luchas internas hasta sus victorias emocionales. Con su habilidad para crear música que es tanto introspectiva como accesible, no cabe duda de que August tiene mucho que ofrecer en los próximos años.


Babe Club: El renacer emocional del pop sintético desde Charleston

Babe Club: El renacer emocional del pop sintético desde Charleston

Desde Charleston, Carolina del Sur, Babe Club emerge como una propuesta de synth-pop alternativo actual. Formado por Jenna Desmond y Corey Campbell, el proyecto nació tras años de gira con la banda de americana Susto, donde compartieron escenarios de gran escala y festivales por todo el país. Pero entre guitarras folk y carreteras interminables, Desmond y Campbell comenzaron a moldear un sonido propio: más introspectivo, más melancólico, más ellos.

En 2018 decidieron dejar Susto y lanzarse por completo en su visión creativa. Así nació Babe Club. En sus inicios, el dúo apostaba por un enfoque más rockero, un reflejo directo de su experiencia en vivo. Su primer EP, Remember This Feeling (2020), producido por Dan Gleason (Grouplove) y mezclado por TJ Elias (Manchester Orchestra), rebosa de guitarras distorsionadas y percusión afilada, y marca un punto de partida cargado de urgencia y energía juvenil.

Sin embargo, la evolución no tardó en llegar. Hoy, como cuarteto con la incorporación de MEG HA (teclados) y Julius DeAngelis (batería), Babe Club ha transformado su sonido hacia una atmósfera más íntima, con sintetizadores suaves, letras confesionales y una atención especial a la voz profunda y emocional de Desmond.



Su más reciente sencillo, “Ruin My Life”, lleva la vulnerabilidad a otro nivel. Compuesta tras la ruptura entre Desmond y Campbell, la canción es una carta abierta al dolor y al renacimiento. “Escribí esta canción sobre sentirme feliz y triste al mismo tiempo. Fue aterrador ver cómo todo se derrumbaba, pero también era necesario para empezar de nuevo”, confiesa Jenna.

Con una identidad que combina el pop melancólico con una estética visual atrevida y cinematográfica, Babe Club está entrando en una nueva etapa más madura, honesta y poderosa. Y aunque hayan surgido desde las cenizas de una ruptura, su música demuestra que a veces, romperlo todo es la única forma de crear algo verdaderamente auténtico.


Laila Smith: Cuando la música se convierte en ritual digital

Laila Smith: Cuando la música se convierte en ritual digital

Con una voz que parece emerger desde el centro de una herida abierta, Laila Smith habita ese espacio borroso donde lo íntimo se vuelve colectivo, lo nostálgico se vuelve inquietante, y lo vulnerable se vuelve radical. Laila comenzó su trayectoria como cantante de jazz a los seis años, presentándose en festivales locales de su ciudad natal. Desde entonces, ha recorrido escenarios de prestigio como el Kennedy Center, el Blue Note de Tokio y el Festival de Jazz de Monterey. Sin embargo, tras años como intérprete precoz, su voz —literal y artística— ha mutado. Hoy, se aleja del virtuosismo clásico del jazz para adentrarse en terrenos mucho más oscuros, crudos y personales: lo que ella llama haunted Americana.

Su más reciente sencillo, “Diorama”, es una muestra de esa transformación. Con una instrumentación delicada, marcada por guitarras acústicas, violines y una producción cálida en cinta, la canción parece suave a primera escucha. Pero bajo esa superficie melódica se esconden versos demoledores como “Y si no puedo ser tu favorita, aprenderé a ser menos importante”. La pieza es una reflexión sobre relaciones unilaterales, deseo y la autoaniquilación emocional, inspirada por un periodo de crisis personal durante el colapso de su matrimonio.



Para acompañar el lanzamiento de “Diorama”, ha creado un entorno digital interactivo inspirado en el diorama físico que aparece en la portada del álbum. En esta experiencia inmersiva, los fans pueden manipular una versión en miniatura de la artista y explorar habitaciones cargadas de objetos simbólicos de su vida personal. Desde una boca de incendios que desborda recuerdos de la infancia, hasta un archivo con fallos que clasifica traumas imposibles, cada elemento es una pieza del rompecabezas de su psique.

Inspirado en la estética de los videojuegos FMV de los años 90 y el arte de internet anterior a las plataformas, el proyecto no solo expande su universo artístico: lo convierte en un ritual interactivo. Laila explica que su intención es reclamar el espacio digital como algo sagrado y extraño, alejándose de su actual lógica de consumo.

Diorama” es el segundo adelanto de su próximo EP conceptual, Something Dreadful’s Going To Happen, en el que cada canción representa una fase diferente del duelo. Más allá del tema del trauma sexual o las relaciones fallidas, la obra explora cómo el cuerpo recuerda, cómo el deseo se transforma en obsesión, y cómo la nostalgia puede ser tan corrosiva como sanadora.


R&B, jazz y amor eterno: Austin Gatus y Sophia James en su emotiva colaboración

R&B, jazz y amor eterno: Austin Gatus y Sophia James en su emotiva colaboración

El cantautor californiano Austin Gatus y la cantante Sophia James (ex participante de American Idol) se han unido para crear una pieza musical que captura la esencia del amor joven y las dificultades de una relación a distancia. Su sencillo “Don’t Want This to Change” es una balada R&B con toques de jazz y un aire retro, que destaca por su suave fusión de guitarras, teclados sentimentales y una destacada sección de metales que complementa perfectamente sus voces cálidas y llenas de emoción.

La canción es una declaración de amor en tiempos complicados, donde la distancia se convierte en un desafío a superar. Austin Gatus, conocido por su talento como saxofonista, le da un toque especial al tema con un solo de saxofón que aparece en los momentos clave, evocando una sensación de intimidad y sensualidad. La letra expresa el deseo de mantener una relación sólida y profunda a pesar de los obstáculos que pueda traer la distancia.



La inspiración detrás de esta canción proviene de la experiencia personal de Gatus, quien estuvo involucrado en una relación a distancia durante más de cinco años. A través de esta canción, Austin comparte su vivencia de amor y crecimiento personal, un tema recurrente en el futuro EP “You’re My Muse”, que está previsto para finales de 2025. Este EP será una exploración musical sobre la evolución de una relación a distancia, sus altibajos y las lecciones aprendidas, fusionando géneros como el soul, el jazz y el indie-pop.

Una de las decisiones más destacadas en la creación de “Don’t Want This to Change” fue convertirla en un dueto entre Austin y Sophia, lo que permite reflejar ambos puntos de vista dentro de la historia de amor. Sophia James, quien ha trabajado con artistas como Jessica Sanchez, escribió su propia estrofa y puente para ofrecer un contraste perfecto con la voz de Gatus. La elección de las tonalidades en las que ambos cantan aporta una dinámica única al tema, resaltando las emociones de cada uno de los intérpretes.


Astrid Yan: Sanar Cantando desde la Herida más Profunda

Astrid Yan: Sanar Cantando desde la Herida más Profunda

Desde Pichucalco, Chiapas, emerge una voz nueva en el pop en español que no solo canta, sino que sana: Astrid Yan. Con su EP debut Quiero Gritar, esta cantautora nos abre el corazón y nos invita a mirar de frente nuestras heridas más profundas, esas que muchas veces preferimos callar. En su caso, el origen de todo fue una ruptura muy particular: la de su relación con su padre.

“Mis amigos me dicen As, y la primera persona que me rompió el corazón fue mi papá”, confiesa sin rodeos. Y es desde ahí, desde esa honestidad brutal, que nace su música.

El primer track del EP, titulado “Galaxia”, es también la primera canción que escribió en su vida. Tenía 14 años, un teclado Casio viejo, una guitarra y un mundo emocional que se acababa de derrumbar. Durante más de una década, esa canción permaneció incompleta, como una cicatriz abierta. No fue hasta 16 años después que Astrid decidió cerrarla simbólicamente con un outro, dándole un nuevo cuerpo sonoro y una nueva vida. Así, “Galaxia” se transforma en un tema de synth-pop y alt-pop, influenciado por artistas como Moenia, M83 y CHVRCHES, con sintetizadores envolventes y guitarras eléctricas que evocan la inmensidad del universo… y la soledad que a veces habita en él.



Para su promoción, Astrid apostó por visuales animados en 2D que representan a su versión adolescente: una niña que soñaba con huir a otra galaxia para escapar del dolor. Quiero Gritar es una bitácora emocional. A través de sus canciones, Astrid nos lleva por los caminos de la tristeza, el apego, el perdón y la esperanza. En temas como “Sin Temor”, habla de darle una segunda oportunidad al amor, esta vez desde una versión más consciente y vulnerable de sí misma.

“Este EP es el inicio de todo”, explica. “Antes de contar las historias de mis relaciones fallidas en el álbum que viene, necesitaba sacar esto. Porque Quiero Gritar es el grito que nunca lancé cuando era niña.”

Astrid Yan comenzó su relación con la música en la adolescencia, cantando y componiendo dentro del grupo de alabanza de su iglesia cristiana en Chiapas. Allí tocaba el teclado, cantaba y empezaba a ponerle nombre a lo que sentía. Sus influencias combinan lo íntimo y lo épico: desde Shania Twain hasta The Killers, pasando por el pop alternativo que hoy le da identidad a su sonido.


Mokita: La Luz en la Oscuridad de ‘Fortunately’

Mokita: La Luz en la Oscuridad de ‘Fortunately’

Mokita, el proyecto musical de John-Luke Carter, conocido por sus canciones introspectivas y cargadas de emoción a través de letras profundas que exploran la vulnerabilidad, la soledad y, más recientemente, la importancia del apoyo mutuo en tiempos de dificultad.

Su último sencillo, “Fortunately”, marca un giro significativo en la carrera de Mokita, alejándose de la angustia de la incertidumbre para centrarse en la fortaleza que se puede encontrar en los demás. Es un tema sobre tener a alguien en tu vida que siempre está dispuesto a brindarte apoyo, alguien en quien puedes confiar cuando las dificultades de la vida se vuelven más intensas.

La creación de “Fortunately” fue un proceso espontáneo y emocional. Escribiendo junto a Trent Dabbs y Jeremy Lutito, Mokita y su equipo comenzaron con una melodía de coro que Dabbs había traído, y a partir de ahí construyeron el resto de la canción. La grabación del tema fue realizada en un solo día, y con el paso de las horas, la canción fue tomando forma, con la adición de un toque especial de cuerdas que la hizo aún más emocionalmente rica.



“Fortunately” comienza con un piano suave y se ve acompañada por percusiones y cuerdas que aportan una capa emocional adicional. La armonía y la instrumentalización de la canción crean una atmósfera envolvente que refleja el mensaje central del tema: aunque la vida puede ser incierta y desafiante, siempre hay una luz en la oscuridad, y a menudo esa luz es una persona dispuesta a caminar junto a nosotros.

Con este sencillo, Mokita presenta un cambio en su sonido, asi como también ofrece una mirada más optimista a través de su música. Mientras que sus trabajos anteriores a menudo se centraban en la introspección y la lucha interna, “Fortunately” se erige como un homenaje a las personas que, sin pedir nada a cambio, nos acompañan y nos dan fuerzas cuando más lo necesitamos.

Este sencillo forma parte de lo que será el primer álbum de Mokita, el cual promete seguir explorando temas emocionales y personales, con un enfoque renovado y esperanzador. “Fortunately” es solo el comienzo de lo que parece ser una nueva etapa en la carrera del artista, una etapa que combina su energía creativa con una conexión emocional más profunda con su audiencia.


Diving For A Prize: El Debut Soñado de Sea Lemon

Diving For A Prize: El Debut Soñado de Sea Lemon

Natalie Lew, conocida artísticamente como Sea Lemon, es una cantante y compositora de Seattle cuyo sonido evoca un mundo de ensueño, melancolía y misterio. Su música, que ha sido comparada con la suavidad del shoegaze y la estructura pop, fusiona la belleza de paisajes naturales con una atmósfera introspectiva. Su proyecto Sea Lemon es un reflejo de su visión única del mundo, inspirada por su vida en el Pacífico Noroeste, y un ejemplo perfecto de cómo lo cotidiano puede transformarse en una experiencia musical.

Sea Lemon comenzó como un proyecto en solitario de Lew, quien creció en Seattle, rodeada por los paisajes naturales de la región. Desde su infancia, Lew estuvo fascinada por la vida marina y los paisajes impresionantes de la costa del Pacífico, lo que influiría profundamente en su música. Aunque su formación musical comenzó con el piano, fue en su tiempo en la Universidad de Washington cuando Lew empezó a experimentar más con la música, aprendiendo a tocar la guitarra y a grabar por su cuenta. Después de una temporada en Nueva York, regresó a la costa oeste en 2020, un período de aislamiento que le permitió descubrir su voz y desarrollar su estilo en solitario.

Su primer EP, Close Up (2020), marcó el comienzo de su carrera como artista solista, pero fue su segundo EP, Stop At Nothing (2021), el que consolidó su sonido. La combinación de guitarras suaves, ritmos etéreos y letras melancólicas atrajo rápidamente la atención de los oyentes que buscaban algo nuevo en el mundo del indie y el dream pop.



En 2025, Sea Lemon dará un paso más en su carrera con el lanzamiento de su primer álbum de larga duración, Diving For A Prize. Este álbum, que se lanzará el 13 de junio, está lleno de canciones que exploran temas como la nostalgia, la introspección y la percepción de lo mundano a través de un lente fantástica. Diving For A Prize fue creado en colaboración con Andy Park (Death Cab For Cutie, Deftones), quien ayudó a darle forma al sonido característico de Sea Lemon, fusionando la suavidad de las melodías con texturas sonoras más densas.

El primer sencillo del álbum, Stay, es una pieza introspectiva que capta perfectamente la esencia del sonido de Sea Lemon. La canción fue escrita después de que Lew se encontrara con un hombre mayor actuando como guardia de seguridad en una tienda de segunda mano, durmiendo en el sofá mientras trabajaba. Esta imagen inspiró a Lew a escribir Stay, una canción que habla sobre la importancia de tomarse un descanso, de saber cuándo relajarse y desconectarse del ritmo frenético de la vida cotidiana. La canción se caracteriza por sus guitarras difusas, su suave percusión y la delicadeza de la voz de Lew, todo ello envuelto en una atmósfera de ensueño y nostalgia.

Las influencias del shoegaze y el dream pop son evidentes, pero su música también se distingue por la claridad de sus estructuras pop, lo que hace que sus canciones sean fácilmente accesibles a pesar de su atmósfera etérea. Los arreglos musicales en sus canciones a menudo se disuelven en texturas suaves, creando un paisaje sonoro envolvente que invita a la reflexión.