En una escena musical sedienta de autenticidad, Eric Sleeper nos presenta Run! como una inyección de ritmo explosivo que recuerda la esencia cruda del rock. La canción se desenvuelve con guitarras potentes que marcan un pulso inconfundible, mientras una voz versátil acompaña cada cambio con seguridad. Con una energía que no se amolda a lo predecible, Run! invita al oyente a sumergirse en un universo sonoro lleno de fuerza y dinamismo. Es una propuesta que apuesta por la intensidad sin renunciar a la coherencia musical.
El estilo de Eric Sleeper se forja en un cruce de géneros, donde el indie, el acoustic rock y el folk se funden en una identidad propia. Desde su estudio en casa, en un ambiente sin artificios, ha sabido canalizar influencias de grandes referentes sin imitar, construyendo un sonido que es tan personal como universal. Con Run!, se observa una evolución natural que refleja tanto su experiencia como su capacidad para reinventar el rock de forma orgánica. La canción resulta en una experiencia directa y enérgica, capaz de despertar emociones sin caer en excesos.
Las guitarras en Run! se destacan por su poderío y precisión, creando ganchos que se imprimen en la mente del oyente. Cada acorde y cada riff están diseñados para mantener un flujo constante que desafía la inercia y empuja la narrativa musical hacia nuevos territorios. La ejecución instrumental no solo refuerza el mensaje del tema, sino que se convierte en parte integral de su identidad. Esta fusión de fuerza y sutileza demuestra el compromiso de Eric Sleeper con un rock auténtico y vibrante.
La voz de Eric Sleeper se manifiesta como un elemento clave en Run!, explorando un amplio rango que acentúa la agresividad en momentos precisos. El uso de su registro permite una interpretación que se adapta a las fluctuaciones del tema, dotándolo de una versatilidad que no es común en propuestas similares. La narrativa vocal se entrelaza de manera natural con la instrumentación, creando un puente emocional entre el oyente y la experiencia sonora. Se percibe una madurez en la forma en que aborda cada transición musical.
En el panorama musical actual, se hace presente una propuesta que invita a detenerse y reflexionar. JUZU presenta Volver Amar, una canción que nace en el territorio del rock clásico con un ritmo lento. La atmósfera que envuelve el tema se impregna de nostalgia, acompañada de una letra que invita a recordar y a sentir.
El tema se caracteriza por su ritmo lento, propio del rock clásico, donde la instrumentación se funde con una voz sencilla pero cargada de emoción. La ejecución vocal, sin complicaciones excesivas, logra transmitir una gama de sentimientos que resuena con el oyente. La canción se desenvuelve en una cadencia que expresa el dolor del pasado.
La identidad de JUZU se percibe en la fusión de diversos géneros, sin dejar de lado la influencia del indie pop y el pop rock, elementos que enriquecen la propuesta. La sensibilidad de este tema se alinea con la herencia cultural y musical que el artista ha cultivado desde muy temprana edad. Este equilibrio entre tradición e innovación permite que la canción hable tanto a quienes buscan la nostalgia como a los que valoran la experimentación. La propuesta se mantiene fiel a su esencia sin caer en exageraciones innecesarias.
La construcción de Volver Amar es un ejemplo de cómo se puede explorar la musicalidad sin recurrir a artificios, permitiendo que cada nota y cada palabra tengan su propio espacio. La integración de un ritmo pausado y de una atmósfera íntima se traduce en una experiencia que, aunque discreta, invita a la reflexión.
Carlos Maestro el cantante, compositor, productor y guitarrista ha demostrado ser un talento capaz de navegar por diferentes géneros, desde su inicio con la banda Cuestión de Suerte en 2011, hasta sus colaboraciones con artistas como La Caja de Pandora y James Arthur, Carlos ha construido una carrera marcada por su autenticidad.
Carlos comenzó su carrera en Cuestión de Suerte, una banda de pop rock que le permitió explorar su creatividad y perfeccionar sus habilidades como músico. A lo largo de los años, la banda fue un trampolín para que Carlos se adentrara más profundamente en su carrera en solitario, donde pudo plasmar su estilo personal y sus experiencias. Las colaboraciones con artistas reconocidos le dieron una visibilidad aún mayor, consolidando su nombre en la escena musical.
El próximo single de Carlos, “Nunca”, que verá la luz el 4 de octubre de 2024, marca un punto culminante en su carrera. Este sencillo no solo es el cuarto capítulo de una serie de canciones que exploran las complejidades de las relaciones humanas, sino también una pieza cargada de fuerza y emoción. Tras el lanzamiento de “Quiero”, “Vuelves” y “Te Pido”, que abordaron diferentes etapas de una relación tóxica, “Nunca” se presenta como una reflexión definitiva sobre la traición y la desilusión. Es un grito de liberación personal que cierra un ciclo con un mensaje claro: a veces, la única forma de avanzar es dejar atrás lo que ya no nos suma.
“Nunca” se construye sobre una base de pop rock que fusiona la energía vibrante de la voz de Carlos con una instrumentación dinámica. La guitarra, con texturas profundas, y la batería, con un ritmo contundente, crean una atmósfera de tensión y fuerza, mientras que la voz de Carlos transmite todo el dolor y la rabia contenidos en la letra. La canción se sumerge en los sentimientos de frustración y desilusión tras una relación rota por la traición, donde la emocionalidad de las palabras se complementa con la energía sonora del rock.
La letra de “Nunca” es un viaje de desamor que no deja indiferente. Las frases como “No te importó” expresan el sentimiento de abandono y traición, mientras que las referencias a la “cárcel” evocan la sensación de estar atrapado en una relación emocionalmente destructiva. La canción habla de esa lucha interna por encontrar la fuerza para liberarse de lo que ya no aporta nada positivo, un tema universal que seguramente conectará con muchas personas que han vivido situaciones similares.
El enfoque de Carlos Maestro hacia la música siempre ha sido muy personal. No solo se trata de componer canciones, sino de contar historias que son un reflejo de sus vivencias. Con la llegada de “Nunca”, se espera que su música siga tocando corazones y ofreciendo una vía de escape para aquellos que necesitan liberar sus propios dolores.
Zoë Kilgren emerge como una artista genuina que desafía las expectativas del indie rock. Como líder y compositora principal de la Zoë Kilgren Band (ZKB), su voz cruda y sus letras profundas han cautivado a una audiencia en crecimiento. Formada en Los Ángeles, ZKB es un cuarteto que fusiona rock, indie, folk, blues, punk y pop en una mezcla poderosa y emotiva. Junto a Kilgren, la banda está compuesta por Richard Follin (guitarra líder), James Wenz (bajo) y Nick Ferrucci (batería), músicos que aportan su propia esencia a cada canción.
Desde el lanzamiento de su EP debut “The Phoenix” en agosto de 2023, la banda ha sido una presencia constante en la escena musical de Los Ángeles, ofreciendo presentaciones en vivo cargadas de energía y emoción. Su música se siente como una conversación sincera con el oyente, explorando temas de amor, pérdida y autodescubrimiento.
En enero de 2025, ZKB lanzará su nuevo sencillo, “Magician”, una canción que marca una evolución en su sonido. Con una estructura poco convencional, la canción explora la tensión entre la fe ciega y la traición, utilizando una mezcla de versos íntimos y un clímax instrumental épico acompañado de un poema hablado.
“Esta canción rompió los límites que me había impuesto”, confiesa Zoë Kilgren. “Habla de la desesperación y la ingenuidad de amar a alguien que nunca logrará cambiar. Es esa persona que bebe demasiado, que coquetea con otras personas y te deja cargando con las consecuencias.”
El título de la canción está inspirado en El Mago del tarot, una figura que representa tanto la manipulación como la creación, el final y el comienzo, aportando una capa adicional de significado a la canción.
Sam Koster es un artista multifacético de Australia, originario de Canberra, que ha forjado su propio camino en los mundos de la música, las artes visuales y el cine. Como músico autodidacta, productor y artista, Koster es conocido por abrazar la libertad en su trabajo.
El talento de Sam abarca múltiples disciplinas. Como multiinstrumentista y productor, canaliza su pasión por la música a través de una variedad de instrumentos, desde guitarras hasta herramientas de producción electrónica. Además de sus proyectos musicales, Sam también es un hábil artista visual y cineasta, creando proyectos que resuenan emocionalmente y exploran temas más profundos.
Bloom: Un EP Nacido en Laos
En su más reciente EP, Bloom. Sam nos comenta que el proyecto fue escrito, grabado y producido durante sus viajes por Laos, un período que influyó profundamente en el sonido y los temas del EP. Bloom es un reflejo de las experiencias, vistas y sonidos que Sam encontró durante su tiempo en el sudeste asiático. Su travesía por Laos le dio el espacio para reflexionar, innovar y crear un álbum que es tanto profundamente personal como universalmente resonante.
El EP transmite una sensación de libertad, con cada pista explorando la compleja danza entre la vulnerabilidad y la fortaleza. Es un viaje de transformación, como el proceso mismo de florecer. Los sonidos de Bloom son una mezcla de lo tradicional y lo moderno, fusionando instrumentación acústica con elementos electrónicos, lo que refleja la disposición de Sam a experimentar y su creencia en dejar que la música lo lleve a donde quiera.
El Track x Track
Midnight
Abriendo el EP, “Midnight” nos lleva a un viaje de texturas, donde principalmente resaltan capas de sonido que nos sumergen en el ruido de la naturaleza y la noche, un piano a manera de ostinato y una voz que juega dentro del Pop que a la vez sabe utilizar recursos como pitchs vocales y sensaciones que bien podrian venir de la psicodelia.
Realmente es dificil encacillar la canción en un genero ya que toma recursos de diferentes lados, desde la caja de ritmos del hip-hop hasta una sensación mas experimental, siempre manteniendo melodias y texturas interesantes.
the love
Como si estuvieran interconectado llega “the love”, a manera de continuación del track anterior, la canción retoma elementos como texturas de ruido, cajas de ritmo, un epiano muy nostalgico y una voz que pasa de melodias pop a secciones que podrian provenir de influencias de artistas mas del lado del hip-hop.
En esta ocasión me gusta como construye hooks mas largos en el coro y logra manterner un estilo consiso y propio a pesar de las multiples referencias que toma. La producción se siente minimalista, sin embargo el juego de texturas como voces procesadas, sonidos noise, bajos, pianos e inclusive cajas de ritmos y baterias hacen que esta sensación minimalista sea muy dificil de lograr y que Sam logra construir tanto en the love como en Midnight.
living inside a dream
Apenas terminando el track anterior, Sam logra conectar un nuevo track a la vez que presentandonos como portagonista una guitarra acustica brillante y resonante, que bien nos podria recordar a música del medio oriente, en esta ocasión su amor por la psicodelia se ve mas presente desde el nombre del track “living inside a dream” y esto se ve reflejado en un track que funciona como un puente etereo de voces y cuerdas brillantes.
YOU ARE LOVED
Como habiamos comentado anteriormente la psicodelia y experimentación es un lugar donde Sam le gusta explorar sonoramente y “YOU ARE LOVED” lo demuestra, jugando con arpegiadores, distorsiones vocales y creando una enorme tensión, el track encargo de cerrar el disco es una canción en esteeroides, donde la sutilidad de elementos como respiraciones y explosiones nos hacen entrar al mundo de SAm Koster.
Lo que realmente distingue a Sam es su compromiso de mantenerse auténtico y libre de las limitaciones de cualquier género o expectativa. Su trabajo, ya sea musical, visual o cinematográfico, proviene de un lugar de honestidad pura y exploración personal. Para Sam. Su capacidad para combinar diversas formas de arte, mezclar géneros libremente y explorar nuevos territorios habla de su compromiso con la autoexpresión.
A medida que Sam continúa evolucionando como artista, está claro que su futuro está lleno de emocionantes posibilidades. Con Bloom ya captando la atención de oyentes y críticos.
Gaia Rollo es una cantante, músico y compositora italiana,. nacida en Puglia, Gaia ha recorrido un camino musical que combina estudios académicos con una destacada carrera artística. Tras completar su licenciatura en Canto Jazz en el Conservatorio de Música “Nino Rota” en 2023, Gaia se ha sumergido en el mundo del jazz y más allá, participando en festivales de renombre y colaborando con artistas influyentes del panorama musical.
Su formación académica en canto jazz le permitió profundizar en las complejidades de este género, pero su inquietud artística la llevó a expandir sus horizontes hacia otros sonidos. Un ejemplo claro de su versatilidad es su colaboración en discos de destacados artistas italianos como Giorgio Tuma en We Love Gilberto y Giancarlo Del Vitto en Wink at Me, donde aportó su talento vocal y compositivo, enriqueciendo las producciones con su estilo único.
En enero de 2024, Gaia lanzó su primer sencillo como solista, titulado “Mountains”, una canción que marca el comienzo de un nuevo ciclo artístico. Es una pieza profundamente personal, escrita durante un periodo de transformación en su vida, cuando se mudó a una nueva casa. En la canción, Gaia reflexiona sobre el proceso de reorganizar su vida, tanto física como emocionalmente, mientras trata de dejar atrás lo negativo y encontrar un equilibrio. La canción se caracteriza por una sonoridad alt-pop refinada, influenciada por artistas como St. Vincent y Cate Le Bon, y se perfila como una de las propuestas más interesantes de la música independiente italiana.
El tema fue producido por Matilde Davoli en SudEst Studio, uno de los estudios más importantes del sur de Italia, y cuenta con un videoclip visualmente cautivador dirigido por Balto, que complementa perfectamente la atmósfera introspectiva de la canción.
En un año de grandes cambios, “Mountains” no solo refleja el final de una etapa para Gaia, sino también el inicio de un nuevo viaje artístico que seguramente nos deparará muchas sorpresas.
Glass Caves, el dúo de rock indie originario de York, sigue demostrando que el esfuerzo y la dedicación pueden llevarte lejos. Con un comienzo modesto pero lleno de pasión, desde sus días de buskers en las calles de su ciudad natal, hasta llegar a colocar su álbum debut en el Top 40 del Reino Unido, Glass Caves han capturado la atención de críticos y fanáticos por igual.
La historia de Glass Caves comenzó en 2014, cuando los miembros del dúo decidieron tomar el camino menos convencional para financiar su primer álbum. Durante tres meses, viajaron por todo el país, tocando en las calles y buscando el apoyo de sus seguidores. Su esfuerzo rindió frutos cuando su álbum debut alcanzó el Top 40 del Reino Unido, lo que les abrió puertas para tocar en radios de gran renombre como BBC Radio 1 y Radio X, y ganar el reconocimiento de medios como GQ y Atwood Magazine.
En enero de 2025, Glass Caves volvió a hacer ruido con su nuevo sencillo Making Waves, la canción mezcla la melancolía de su letra con una sonoridad vibrante y moderna, que caracteriza el estilo de la banda. El sencillo habla sobre el poder del apoyo incondicional y la importancia de estar al lado de esa persona especial, incluso en los momentos más difíciles. La letra refleja la conexión profunda entre dos personas que, sin importar las adversidades, se mantienen juntas y se apoyan mutuamente.
Este tema forma parte de su esperado segundo álbum, Back to Earth, que verá la luz el 2 de mayo de 2025. Con el lanzamiento de este álbum, Glass Caves promete seguir sorprendiendo con su sonido fresco y emocionante, y ofrecer a sus fans una nueva dosis de su energía inconfundible.
Placement es una banda post-punk/noise-rock originaria de Kaurna Land (Adelaida, Australia), que ha venido conquistando los escenarios con su sonido crudo y experimental. Desde sus primeros días, Placement ha sido un proyecto marcado por su fusión de géneros como el Indie Rock, Indie Pop y Alt Rock, con toques de Spoken Word que añaden una capa de profundidad a su identidad sonora.
El sonido de Placement se caracteriza por una atmósfera densa y envolvente, perfecta para acompañar la línea vocal, que ofrece una interpretación sólida y desafiante. Su último sencillo, “Inertia/Heavy Lids,” es un claro ejemplo de esta propuesta sonora. La canción, desde sus primeros compases, establece un ritmo oscuro y constante, acompañado de saxofones distantes que casi parecen gemir, creando una sensación de descenso controlado hacia la introspección. La mezcla de retroalimentación experimental y disonancia con armonías vocales ricas genera una experiencia auditiva intensa que no deja indiferente a quien la escucha.
El tema de “Inertia/Heavy Lids” toca una de las preocupaciones universales más profundas: la repetición y la lucha por liberarse de los ciclos monótonos que nos atrapan. La letra invita a reflexionar sobre cómo, a veces, seguimos en la rutina simplemente porque es lo que conocemos, sin cuestionarnos si aún nos llena o nos satisface. Como bien expresa la vocalista Malia, la canción plantea la pregunta: “¿Realmente estamos despiertos o estamos caminando dormidos a través de la rutina, haciendo lo mismo una y otra vez?”
Su estilo se nutre de la improvisación, lo que convierte cada uno de sus conciertos en una experiencia única y feroz. La banda se inspira en el arte escénico, y su energía y presencia en el escenario se reflejan en su capacidad para conectar con el público de una manera visceral. Desde sus inicios, Placement ha viajado por la costa este y sur de Australia, tocando en diversas ciudades y compartiendo escenarios con bandas internacionales, consolidando su reputación como una de las propuestas más interesantes dentro de la escena alternativa del país.
Con una agenda de giras que sigue en crecimiento, Placement está preparando el lanzamiento de su primer álbum de estudio, Insect, que promete ser una obra aún más experimental y profunda. “Inertia/Heavy Lids” es solo una pequeña muestra de lo que está por venir.
La banda estadounidense OSNOVA se ha consolidado como una propuesta fresca y evocadora dentro de la escena shoegaze de Los Ángeles. Su sonido, una mezcla equilibrada de atmósferas cargadas y momentos intensos, ha sido descrito como caminar solo en una noche oscura: un avance seguro que esconde un trasfondo inquietante y ansioso. Este enfoque sonoro, que combina movimiento y emoción, define el espíritu de una banda en constante evolución.
OSNOVA nació en 2018 como el proyecto instrumental del guitarrista Jean-Claude Vorgeack. Apodado JC por sus seguidores, Jean-Claude es un apasionado de la música alternativa, con una trayectoria que abarca desde su infancia analizando portadas de discos y letras hasta años de participación en bandas underground. En la búsqueda de un baterista, JC encontró a Sam Ribeyro, un emigrante ruso cuya precisión y expresividad dieron vida a las primeras maquetas del proyecto. Durante la pandemia de COVID-19, Sam y JC perfeccionaron su sonido, pero el verdadero punto de inflexión llegó en julio de 2022, cuando finalmente encontraron a su vocalista: Caroline McLaughlin.
En el otoño de 2022, OSNOVA lanzó su EP debut homónimo, seguido por el sencillo “Octavian” y su lado B “For Selene” en 2023. Cada lanzamiento consolidó su identidad sonora, llevando al público en un viaje entre lo nostálgico y lo experimental. En agosto de 2024, el trío presentó “Waiting for June”, una pieza melancólica que explora el anhelo y la conexión emocional, marcando un hito en su evolución artística.
El 24 de enero de 2025, OSNOVA lanzará “Climbing Dues”, un sencillo que promete ser uno de los más emotivos y reflexivos de la banda. La canción aborda los costos crecientes de participar en una sociedad obsesionada con extraer valor de las personas, explorando las luchas generacionales en un sistema que privilegia la productividad sobre el bienestar.
Caroline McLaughlin explica: “‘Climbing Dues’ trata sobre los costos crecientes de participar en una sociedad que busca quitarte lo que considera más valioso. Cada generación atraviesa un ciclo similar, luchando por alcanzar lo que se percibe como éxito, hasta que la sociedad decide que ya no eres valioso y el ciclo se reinicia con la generación más joven.”
La combinación de la interpretación vocal de Caroline y la rica instrumentación de la banda crea una pieza que equilibra el peso existencial con una belleza etérea. Este lanzamiento demuestra la habilidad de OSNOVA para conectar con su audiencia a nivel emocional e intelectual, manteniéndose fiel a su estilo mientras exploran nuevos horizontes.
Desde las calles de Birmingham, el dúo británico PHWOAR emerge con un sonido lleno de energía, sensibilidad DIY y melodías pegajosas, la banda está compuesto por Helena, quien domina la batería con potencia, y Paul, que imprime carácter con su guitarra, mientras ambos comparten las labores vocales. Su música es un reflejo de su esencia: una mezcla de humor brummie y la resistencia característica del norte de Inglaterra, todo forjado en “el caldero de la vida”, como ellos mismos lo describen.
PHWOAR ha iniciado 2025 con fuerza su EP, titulado “Flowers Through the Concrete”, verá la luz en abril, pero antes de su lanzamiento, el dúo ha preparado tres sencillos que marcarán el camino. El EP ha sido producido y escrito por la propia banda, con el apoyo de Adrian Hall, un reconocido productor que ha trabajado con artistas como Tori Amos, Nova Twins y Depeche Mode, quien también se encargó de la mezcla y la masterización.
El primer sencillo, “Waiting for the Sun”, lanzado el 20 de enero combina letras profundas con un sonido crudo y envolvente. La canción explora temas universales como la resiliencia, la esperanza y la fuerza que se encuentra en los momentos más difíciles. PHWOAR explica:
“Esta canción habla de la resiliencia. Explora la esperanza como una forma de rebeldía y el aprendizaje de la fortaleza en momentos de debilidad.”
El día de su lanzamiento, conocido como Blue Monday en el Reino Unido, añade un significado especial. PHWOAR critica la instrumentalización de la salud mental como herramienta de marketing:
“Blue Monday fue inventado para vender cosas, utilizando la salud mental de las personas como excusa para hacerlo.”
Con un mensaje poderoso, el dúo recuerda que incluso en los momentos más oscuros siempre hay luz al final del túnel:
“El punto más bajo nunca es una constante. Siempre hay luz después de la oscuridad. A veces, solo estamos obligados a esperar el sol.”
PHWOAR no solo es música; es una experiencia que busca conectar profundamente con su audiencia. Su estilo, que recuerda a bandas como Manic Street Preachers y Placebo, logra un equilibrio entre el rock alternativo y la cercanía de canciones para ser cantadas y disfrutadas colectivamente.
