El trío de Exeter, Soot Sprite, compuesto por Elise Cook (voz principal/guitarra), Sean Mariner (bajo/voz secundaria) y Sam Cother (batería/voz secundaria), ha evolucionado desde sus inicios como un proyecto de lo-fi bedroom pop liderado por Cook, hasta convertirse en una banda que abarca el alt-indie shoegaze con su sonido envolvente y lleno de matices.
Este 16 de mayo, Soot Sprite lanzará su esperado álbum debut, Wield Your Hope Like A Weapon, a través del sello Specialist Subject (conocido por trabajar con artistas como FRESH, Jeff Rosenstock, Doe, Muncie Girls). En este trabajo, la banda muestra una notable madurez musical, abrazando tanto los altibajos de la vida emocional como los momentos de pura energía visceral.
El primer sencillo que lanzaron, All My Friends Are Depressed, da una fuerte pista de lo que nos espera en el álbum. En esta canción, Cook se adentra en una profunda reflexión sobre la crisis de salud mental, un tema personal pero universal. “Es una observación de la crisis de salud mental en la que estamos, lo extendida que está y cómo los factores sociopolíticos juegan un papel importante. También es un recordatorio para mí misma de que tengo que dejar de distraerme de mis problemas y tratar de cambiar algo, o enfrentarlo, porque si no lo hago, nunca superaré este episodio”, dice Cook sobre la canción.
Influenciados por el alt-indie, el shoegaze y un enfoque emocional en la composición, las canciones del álbum exploran la lucha contra la apatía, la importancia de la empatía y la necesidad de esperanza en un mundo cada vez más agitado. Como explica Cook: “Es un álbum sobre abrazar la empatía por encima de la apatía, a pesar del constante flujo de horrores mundiales. Si tenemos empatía, podemos tener esperanza, y con esperanza el cambio siempre es posible”.
Maudlin Strangers, el proyecto originado por el compositor y productor Jake Hays, lo que comenzó como una propuesta en solitario, se ha transformado con el tiempo en una banda que fusiona el rock alternativo con un estilo y personal que mantiene la esencia melódica y emocional de sus primeros trabajos. La banda ha logrado crear una atmósfera que transita entre lo sombrío, lo visceral y lo emocional, destacándose por sus letras profundas y su estilo musical envolvente.
Después de algunos lanzamientos independientes y de curar una banda con amigos cercanos, Maudlin Strangers firmó con BMG/Vagrant Records en 2015, lanzando el EP Overdose. Este lanzamiento marcó un punto de inflexión, ya que no solo les permitió ganar visibilidad en la escena musical independiente, sino que también les abrió puertas para realizar giras con artistas destacados como Bad Suns a través de los Estados Unidos y Canadá. Posteriormente, la banda tuvo el privilegio de compartir escenario con Cold War Kids en su gira por Norteamérica, lo que les permitió afianzar su posición en la escena musical internacional.
Uno de los grandes momentos de este renacer fue su versión del clásico de Chris Isaak, Wicked Game. La banda le da una vuelta única a este tema, aportando una atmósfera oscura, densa y cruda, sin perder la sensualidad y calidez de la original. La interpretación vocal de Hays, al igual que la instrumentación, crea una atmósfera envolvente que da un giro cinematográfico a la canción, llevándola a nuevos territorios musicales sin perder su alma. Este sencillo refleja la capacidad de la banda para reinventar canciones, manteniendo su autenticidad y personalidad, y al mismo tiempo explorando nuevos horizontes sonoros.
Everything Goes se despliega como una pieza cautivadora marcada por un ritmo lento y una instrumental sencilla, en la que predomina la esencia del rock. La canción se distingue por la naturalidad con la que se suceden sus cambios de ritmo, permitiendo que cada transición se sienta orgánica y fluida. La producción es impecable, resaltando la voz del artista, que se eleva con una cadencia íntima y auténtica.
El tema se caracteriza por su sencillez instrumental, donde cada acorde se ejecuta con precisión y moderación. La voz, como protagonista indiscutible, añade profundidad y emoción a cada verso, permitiendo que el mensaje de la canción se transmita de forma directa. Los matices del indie pop se asoman sutilmente, aportando un toque de ligereza que equilibra la intensidad del rock predominante. En conjunto, la composición ofrece una experiencia auditiva disfrutable, en la que la calidad de la producción se hace evidente en cada detalle.
Mike Legere, originario de Nova Scotia y radicado en Toronto, se ha forjado un camino sólido como compositor y productor. Con dos álbumes de larga duración en su haber —Ourselves in Public (2018) y Memory Forming Clouds (2022)—, ha explorado diversas facetas de la creación musical, experimentando con arreglos y procesos de grabación. Su paso por el mundo del estudio, primero como ingeniero y luego como líder en proyectos propios, le ha permitido desarrollar un estilo propio lleno de honestidad y sensibilidad. Las vivencias personales, marcadas por desafíos y transformaciones, se reflejan en la profundidad emocional de su música.
En definitiva, Everything Goes se erige como una muestra del talento multifacético de Mike Legere, donde la sencillez instrumental y la expresividad vocal se conjugan para crear un relato sonoro lleno de matices. La canción no solo destaca por su impecable producción, sino también por la autenticidad que impregna cada nota, convirtiéndola en una propuesta envolvente y atemporal. A través de este tema, el artista invita a explorar un paisaje musical que equilibra la introspección con influencias clásicas, reafirmando su capacidad para transformar experiencias personales en arte.
Love Ghost es una banda que ha sabido fusionar el rock alternativo, grunge, metal, pop-punk y trap en un sonido único y propio. Liderada por Finnegan Bell, también conocido como “Ghost”, la agrupación ha conquistado escenarios en cuatro continentes, colaborando con algunos de los artistas más innovadores de la escena musical actual.
Desde los 10 años, Finnegan Bell comenzó su aventura en la música, presentándose en pequeños eventos y tocando en acústico. Sin embargo, su ambición lo llevó rápidamente a los grandes escenarios. Durante sus años de secundaria, Love Ghost logró un hito importante al presentarse en el escenario principal del festival FFF en Ecuador. A partir de ahí, la banda comenzó a expandirse internacionalmente con giras en Irlanda, donde se presentaron en el icónico Whelan’s en Dublín, y en Japón, con una serie de 15 conciertos en ciudades como Tokio y Osaka.
Sus letras, con un enfoque oscuro, poético y emocional, abordan temas como la salud mental, el trauma y la lucha existencial, resonando con una audiencia joven que busca autenticidad en la música. En México, Love Ghost ha encontrado un hogar musical, trabajando con talentos como Adan Cruz, Santa RM, Dan García, Ritorukai, Wiplash, Blnko y Rayben, además de próximos lanzamientos con El Burger y Pau Laggies.
El nuevo álbum de Love Ghost, Memento Morí, es una experiencia sonora cruda que fusiona rock alternativo, emo trap y música urbana latina. Con este lanzamiento, la banda liderada por Finnegan Bell sigue empujando los límites del género, colaborando con algunos de los artistas emergentes más emocionantes de México.
El título Memento Morí—una expresión en latín que significa “Recuerda que morirás”—captura el tono del álbum: una introspección profunda sobre el amor, la pérdida y el sentido de la existencia. A través de una combinación de melodías melancólicas, letras introspectivas y una mezcla de voces en español e inglés, Love Ghost crea un universo musical que conecta con una generación que enfrenta sus propias batallas emocionales.
Las canciones oscilan entre himnos trap enérgicos y baladas desgarradoras con guitarras, reflejando la dualidad entre la lucha y la aceptación.
El Track x Track de Memento Morí
1. DECOY (Love Ghost x Katsu Energy)
Un tema que encapsula la lucha interna contra las ilusiones y las falsas realidades. Con una producción intensa de Berdu, “DECOY” fusiona emociones crudas con un sonido alternativo y trap. La colaboración con Katsu Energy añade un matiz hipnótico, mientras las letras exploran la sensación de ser atrapado en una mentira emocional. El sonido de Love Ghost en este albúm quizas nos recuerde a referentes anglosajones, y en esta ocasión el joven artista logra llevar muy bien al idioma español, recordandonos a referentes como Bring Me The Horizon en sus discos mas recientes.
2. Cocaine Chronicles (Love Ghost)
Una introspectiva oda a la lucha personal y la resiliencia, con un sonido que recuerda a los días dorados del rock alternativo. La producción de Comisarios envuelve la voz de Finnegan Bell en una atmósfera melancólica y poderosa, reflejando el paso del tiempo y la necesidad de dejar huella en la vida. El estilo de procesamiento vocal es interesnate, ya que le da un tamaño enorme que sigue muy presente en secciones mas melodicas o donde predomina el Rap.
3. The Monster Inside (Love Ghost x Plata Shail)
Este explosivo tema, producido por Otho, ahonda en la batalla con los demonios internos. Con un intro super delicado poco a poco evoluciona en un tema mas contemplativo sin llegar a lo pesado pero si a una energía catártica, Plata Shail aporta un contraste vocal que amplifica la angustia de la canción. Un himno para quienes luchan con sus propias sombras y buscan redención.
4. Spiritual Warfare (Love Ghost x DEER)
Tomando inspiración de temas mas electronicas y el trap, la canción con tintes oscuros y etéreos que representa la guerra interna entre la esperanza y la desesperación. Con la producción de DOBLE TEMPO, la combinación de Love Ghost y DEER genera una atmósfera inquietante y envolvente, donde guitarras distorsionadas y beats urbanos se entrelazan en una lucha emocional, las voces procesadas y con ligera distorsion y pitch vocal le dan una sensación mas asfixiante.
5. TWOSIDES (Love Ghost x Ardis)
Un tema que aborda la dualidad humana, la lucha entre la luz y la oscuridad en cada persona. Ervin River construye una producción con cambios de ritmo que reflejan la confusión y la incertidumbre emocional. La química entre Love Ghost y Ardis hace que la canción sea un reflejo de la constante batalla por la identidad, tomando principalmente sonidos de Trap la canción sabe como encajar en un disco lleno de distorsion que busca una identidad mas delicada, Ardis logra darle un aire dulce y delicado a un tema tan emocionalmente cargado.
6. IMPOSTER (Love Ghost x Young Alexx x X Kori)
Un banger de emo trap que explora el síndrome del impostor y la sensación de no pertenecer. Producida por X Kori, esta canción combina sintetizadores oscuros con una base de trap enérgica, mientras las voces de Young Alexx y Love Ghost narran la lucha contra la autopercepción distorsionada y la ansiedad.
7. SOMEWHERE UP ON MARS (Love Ghost x El Verumcito)
El cierre perfecto para el álbum, esta canción transporta al oyente a un viaje psicodélico y existencial. Producida por El Verumcito, su sonido etéreo y espacial crea la sensación de estar flotando en otra dimensión, mientras las letras exploran el deseo de escapar de la realidad y encontrar significado en el caos. En principio el sonido toma inspiración de este rock “triste” de los dos mil, para crear un tema ligero pero emocionalmente desgastante, como en todo el disco la fusion con genero como el trap terminan por darle una identidad muy solida caracteristica de Love Ghost.
Con este álbum, Love Ghost consolida su identidad artística y su conexión con una nueva audiencia global. Memento Morí no es un disco lleno de emociones profundas y una reflexión sobre la fugacidad de la vida. El sonido de Love Ghost sigue evolucionando, rompiendo barreras entre géneros y culturas. Con una creciente base de fans en México, Estados Unidos y Europa, la banda está lista para seguir su ascenso en la escena musical internacional.
Big Society es una banda con un sonido que mezcla la energía del rock, la experimentación sonora y la emoción cruda de sus letras. En su último sencillo, Foolish, Big Society nos muestra una faceta más introspectiva y vulnerable.
La historia de Big Society comenzó en el Royal Northern College of Music, donde Thomas Fripp (guitarrista), Harry Gumery (bajista) y Will Jaquet (baterista) se conocieron y formaron la banda. Al principio, sus sesiones se centraban en cubrir canciones de The Beatles y The Killers, pero pronto Will introdujo su propia composición, lo que dio paso a la creación de un sonido único que ha capturado la atención de una creciente base de seguidores.
La banda ha sido comparada con artistas como MGMT, War On Drugs y Alabama Shakes, pero su estilo tiene una frescura que los hace destacar. Con riffs sedosos y llenos de distorsión que se mezclan con momentos más suaves y melódicos, Big Society ha creado un equilibrio perfecto entre lo crudo y lo delicado. Su música es una montaña rusa emocional, pasando de la explosión de energía a momentos de introspección profunda, todo dentro de un mismo tema.
Foolish, el segundo sencillo de su esperado álbum debut, es un tema que refleja una lucha interna: la evasión, la negación y el enfrentamiento con la realidad en las relaciones. La canción, como describe su compositor Will Jaquet, es una reflexión sobre la dificultad de asumir responsabilidades y el deseo de encontrar apoyo en momentos de caos emocional.
La melodía se construye gradualmente, desde un inicio suave y particular hasta una explosión de energía que invita a moverse, a bailar y a empezar el día con una actitud positiva. Foolish fue grabada en su estudio improvisado en un contenedor de carga en Ancoats, Manchester, donde se han dedicado a crear música auténtica y sin restricciones. La producción se ve complementada por el trabajo de Matt Wiggins, conocido por su trabajo con artistas como Villagers, Lorde y Florence and the Machine, quien mezcló todas las canciones del álbum.
La banda también ha tenido el honor de compartir escenario con íconos de la música como Bob Dylan y Neil Young en un concierto en Hyde Park, lo que demuestra que Big Society no solo es una promesa, sino una realidad que está haciendo su marca en la música.
Harrison Kipner es un músico y compositor estadounidense con la participación activa de su comunidad. Con un recorrido que incluye la coescritura de “Hey Porsche” de Nelly, y su colaboración en seis canciones del reciente álbum de Mark Owen, Harrison ha sido una figura relevante en el mundo de la música pop y rock.
En su más reciente sencillo, “Second Thoughts”, Harrison ha hecho algo nunca antes visto en su carrera: la canción fue coescrita con nueve de sus seguidores en Twitch, quienes compartieron ideas y emociones en tiempo real durante el proceso creativo. Esta colaboración se materializó en una canción cargada de energía y profundidad, que refleja la lucha interna por salir de los momentos oscuros de la vida y encontrar la belleza en las pequeñas cosas, el amor y la esperanza. Un aspecto notable de la creación de esta pista es que uno de los coautores compartió su historia personal, relatando cómo la música lo ayudó a superar una etapa extremadamente difícil de su vida.
A través de plataformas como Twitch y Discord, Harrison ha creado una comunidad vibrante y solidaria donde los oyentes no solo pueden disfrutar de su música, sino también ser parte del proceso creativo. Esta interacción directa ha hecho que su música se sienta más cercana y emocionalmente conectada con aquellos que la apoyan. La experiencia de “Second Thoughts” es solo el principio de un proyecto más amplio que tiene como objetivo ofrecer un espacio en donde la creatividad colectiva y la música se unan para sanar y crear juntos.
Para Harrison, el acto de escribir música ha trascendido lo personal y se ha convertido en un acto compartido. La espera por su próximo sencillo, “LA Weather”, genera aún más expectativas sobre el rumbo de este proyecto que continúa conectando a las personas a través de la música.
Desde el corazón de Gales, el trío de indie rock Public Order está marcando su propio camino en la escena musical británica. Con una energía arrolladora y un sonido que fusiona el indie con el dance, esta banda ha captado la atención de la crítica y del público con su reciente sencillo, “Joker”.
Public Order bebe de la nostalgia del Britpop de los 90 y del legado de bandas icónicas como The Stone Roses, The Prodigy y Kasabian. Sin embargo, han logrado darle un giro moderno a este sonido, creando canciones que resuenan con las nuevas generaciones. “Joker”, su último lanzamiento, encapsula esta mezcla de influencias con una producción vibrante y una narrativa que explora la juventud y su efímera belleza.
“Joker” llega como adelanto de su EP HELLO, que verá la luz el próximo 28 de marzo. La producción de HELLO estuvo a cargo de Jim Abbiss, conocido por su trabajo con Arctic Monkeys y Adele, lo que garantiza un sonido refinado y de gran impacto.
En palabras de la propia banda es “una instantánea agridulce de la juventud”. La canción invita a vivir el momento, abrazar el caos y aceptar que no todo está destinado a durar para siempre, y eso está bien. La combinación de letras introspectivas con una instrumentación enérgica logra crear una atmósfera única que resuena con cualquiera que haya sentido la intensidad de la juventud.
Con su participación en la gira de Everyone You Know por el Reino Unido y su confirmación en festivales como Dot To Dot, Public Order está en camino de consolidarse como una de las bandas más emocionantes del momento. Su capacidad para equilibrar potencia y profundidad emocional en su música sugiere que lo mejor aún está por venir.
En el vibrante panorama indie, emerge Villian como una propuesta que invita a explorar la fusión del rock tradicional con un enfoque contemporáneo. La canción se despliega con una voz enérgica que se integra de manera natural en cada compás. Su estructura se apoya en una producción cuidadosa, donde cada elemento encuentra su lugar sin recurrir a artificios. La propuesta se presenta como una opción reflexiva que equilibra la fuerza del género con un estilo propio.
La instrumentación de Villian resuena con influencias del rock clásico, ofreciendo una base sólida para la interpretación vocal. La ejecución de Brooke Law se muestra precisa y enérgica, sin excederse en la exaltación de su técnica. Cada acorde y ritmo refuerzan una narrativa musical directa y sincera. La cohesión entre voz e instrumentación destaca por su naturalidad y compromiso con una estética indie definida.
Criada en un entorno familiar de mujeres decididas e independientes, Brooke Law ha forjado una identidad que trasciende lo meramente musical. Su compromiso con la igualdad de género y racial se percibe en cada aspecto de su obra, evidenciando una postura activa ante temas sociales. La influencia de referentes como Annie Lennox, Joan Armatrading y Jeff Buckley se plasma en una sensibilidad emocional y directa. Asimismo, su proyecto debut “Archetypes” revela su interés por explorar distintas facetas del universo femenino a través de cada tema.
En Villian se observa un ejercicio de equilibrio entre la tradición del rock y una propuesta indie actual, sin recurrir a elogios desmedidos. La canción se erige como una invitación a escuchar un relato musical que fusiona técnica e intención. La producción permite que la voz de Brooke Law se destaque de manera orgánica, realzando la narrativa de la pieza. En definitiva, la propuesta invita a iniciar una conversación sobre la identidad y el compromiso personal en un contexto musical contemporáneo.
Desde la soleada costa de California, pero con raíces en Florida, Walk the Whale es una banda que ha sabido combinar el rock alternativo con influencias del folk, creando un sonido propio. Formado por Logan y Parker, este dúo de músicos y multiinstrumentistas ha demostrado que la creatividad y la pasión por la música pueden transformar cualquier idea en una experiencia única.
La historia de Walk the Whale comienza en el año 2010, cuando Logan y Parker se conocieron en la Universidad Estatal de Florida. Un amor compartido por bandas legendarias como King Crimson, The Beatles y Pink Floyd los llevó a colaborar en la creación de partituras para películas estudiantiles. Sin embargo, tras graduarse, cada uno tomó caminos distintos en la música, enfocándose en la educación.
Años más tarde, tras la pandemia, un viaje de Parker a California para visitar a Logan y su esposo les hizo darse cuenta de lo que realmente querían hacer: crear música y compartirla con el mundo. Fue así como nació Walk the Whale, un proyecto en el que canalizan sus influencias, experiencias y conocimientos musicales en composiciones auténticas y emotivas.
Con una explosión de creatividad desde su formación en 2022, la banda ha compuesto más de 40 canciones. Su primer EP, titulado Let Me Land, captura las emociones de un viaje personal y artístico, explorando el cambio, la nostalgia y la necesidad de tomar decisiones que transforman la vida. Cada canción refleja la evolución del dúo y su capacidad para crear melodías cautivadoras con letras introspectivas.
Además de trabajar en sus propias canciones, Walk the Whale se ha convertido en una banda clave dentro de la escena musical de la costa central de California. Gracias a su formación en música, Logan y Parker han logrado colaborar con otros artistas, proporcionando arreglos innovadores y trabajando en diversos géneros, desde folk hasta hip-hop.
La banda suiza Last Leaf Down ha experimentado una notable evolución sonora, inicialmente influenciados por el doom metal, el grupo dio un giro significativo en su trayectoria cuando Benjamin Schenk se unió en 2007, marcando el inicio de una transición hacia el shoegaze y el rock alternativo. Con influencias de bandas como Anathema, Placebo, Katatonia, Slowdive, Keane y Muse, el grupo logró consolidar un estilo propio dentro del género.
Para 2012, Last Leaf Down ya había definido su identidad musical, caracterizada por atmósferas etéreas, guitarras envolventes y una melancolía introspectiva que los distingue dentro de la escena shoegaze. En su álbum debut, Fake Lights, lanzado en 2014 y. Bright Wide Colder en 2017, combinan pasajes hipnóticos con letras cargadas de emoción.
Después de varios años de evolución, Last Leaf Down regresa con su nuevo álbum, Weight of Silence, que será lanzado el 11 de abril. Este trabajo promete una exploración aún más profunda de su característico sonido etéreo y melancólico, manteniendo la esencia que los ha definido desde sus inicios, pero con una madurez artística que refleja su trayectoria.
Con su mezcla de nostalgia, paisajes sonoros expansivos y letras introspectivas, Last Leaf Down continúa marcando su huella en el mundo del shoegaze y el rock alternativo.Si aún no los has escuchado, este es el momento perfecto para sumergirte en su mundo sonoro y descubrir por qué Last Leaf Down es una de las bandas más cautivadoras del shoegaze contemporáneo.
