Zoë Kilgren emerge como una artista genuina que desafía las expectativas del indie rock. Como líder y compositora principal de la Zoë Kilgren Band (ZKB), su voz cruda y sus letras profundas han cautivado a una audiencia en crecimiento. Formada en Los Ángeles, ZKB es un cuarteto que fusiona rock, indie, folk, blues, punk y pop en una mezcla poderosa y emotiva. Junto a Kilgren, la banda está compuesta por Richard Follin (guitarra líder), James Wenz (bajo) y Nick Ferrucci (batería), músicos que aportan su propia esencia a cada canción.
Desde el lanzamiento de su EP debut “The Phoenix” en agosto de 2023, la banda ha sido una presencia constante en la escena musical de Los Ángeles, ofreciendo presentaciones en vivo cargadas de energía y emoción. Su música se siente como una conversación sincera con el oyente, explorando temas de amor, pérdida y autodescubrimiento.
En enero de 2025, ZKB lanzará su nuevo sencillo, “Magician”, una canción que marca una evolución en su sonido. Con una estructura poco convencional, la canción explora la tensión entre la fe ciega y la traición, utilizando una mezcla de versos íntimos y un clímax instrumental épico acompañado de un poema hablado.
“Esta canción rompió los límites que me había impuesto”, confiesa Zoë Kilgren. “Habla de la desesperación y la ingenuidad de amar a alguien que nunca logrará cambiar. Es esa persona que bebe demasiado, que coquetea con otras personas y te deja cargando con las consecuencias.”
El título de la canción está inspirado en El Mago del tarot, una figura que representa tanto la manipulación como la creación, el final y el comienzo, aportando una capa adicional de significado a la canción.
Sam Koster es un artista multifacético de Australia, originario de Canberra, que ha forjado su propio camino en los mundos de la música, las artes visuales y el cine. Como músico autodidacta, productor y artista, Koster es conocido por abrazar la libertad en su trabajo.
El talento de Sam abarca múltiples disciplinas. Como multiinstrumentista y productor, canaliza su pasión por la música a través de una variedad de instrumentos, desde guitarras hasta herramientas de producción electrónica. Además de sus proyectos musicales, Sam también es un hábil artista visual y cineasta, creando proyectos que resuenan emocionalmente y exploran temas más profundos.
Bloom: Un EP Nacido en Laos
En su más reciente EP, Bloom. Sam nos comenta que el proyecto fue escrito, grabado y producido durante sus viajes por Laos, un período que influyó profundamente en el sonido y los temas del EP. Bloom es un reflejo de las experiencias, vistas y sonidos que Sam encontró durante su tiempo en el sudeste asiático. Su travesía por Laos le dio el espacio para reflexionar, innovar y crear un álbum que es tanto profundamente personal como universalmente resonante.
El EP transmite una sensación de libertad, con cada pista explorando la compleja danza entre la vulnerabilidad y la fortaleza. Es un viaje de transformación, como el proceso mismo de florecer. Los sonidos de Bloom son una mezcla de lo tradicional y lo moderno, fusionando instrumentación acústica con elementos electrónicos, lo que refleja la disposición de Sam a experimentar y su creencia en dejar que la música lo lleve a donde quiera.
El Track x Track
Midnight
Abriendo el EP, “Midnight” nos lleva a un viaje de texturas, donde principalmente resaltan capas de sonido que nos sumergen en el ruido de la naturaleza y la noche, un piano a manera de ostinato y una voz que juega dentro del Pop que a la vez sabe utilizar recursos como pitchs vocales y sensaciones que bien podrian venir de la psicodelia.
Realmente es dificil encacillar la canción en un genero ya que toma recursos de diferentes lados, desde la caja de ritmos del hip-hop hasta una sensación mas experimental, siempre manteniendo melodias y texturas interesantes.
the love
Como si estuvieran interconectado llega “the love”, a manera de continuación del track anterior, la canción retoma elementos como texturas de ruido, cajas de ritmo, un epiano muy nostalgico y una voz que pasa de melodias pop a secciones que podrian provenir de influencias de artistas mas del lado del hip-hop.
En esta ocasión me gusta como construye hooks mas largos en el coro y logra manterner un estilo consiso y propio a pesar de las multiples referencias que toma. La producción se siente minimalista, sin embargo el juego de texturas como voces procesadas, sonidos noise, bajos, pianos e inclusive cajas de ritmos y baterias hacen que esta sensación minimalista sea muy dificil de lograr y que Sam logra construir tanto en the love como en Midnight.
living inside a dream
Apenas terminando el track anterior, Sam logra conectar un nuevo track a la vez que presentandonos como portagonista una guitarra acustica brillante y resonante, que bien nos podria recordar a música del medio oriente, en esta ocasión su amor por la psicodelia se ve mas presente desde el nombre del track “living inside a dream” y esto se ve reflejado en un track que funciona como un puente etereo de voces y cuerdas brillantes.
YOU ARE LOVED
Como habiamos comentado anteriormente la psicodelia y experimentación es un lugar donde Sam le gusta explorar sonoramente y “YOU ARE LOVED” lo demuestra, jugando con arpegiadores, distorsiones vocales y creando una enorme tensión, el track encargo de cerrar el disco es una canción en esteeroides, donde la sutilidad de elementos como respiraciones y explosiones nos hacen entrar al mundo de SAm Koster.
Lo que realmente distingue a Sam es su compromiso de mantenerse auténtico y libre de las limitaciones de cualquier género o expectativa. Su trabajo, ya sea musical, visual o cinematográfico, proviene de un lugar de honestidad pura y exploración personal. Para Sam. Su capacidad para combinar diversas formas de arte, mezclar géneros libremente y explorar nuevos territorios habla de su compromiso con la autoexpresión.
A medida que Sam continúa evolucionando como artista, está claro que su futuro está lleno de emocionantes posibilidades. Con Bloom ya captando la atención de oyentes y críticos.
Gaia Rollo es una cantante, músico y compositora italiana,. nacida en Puglia, Gaia ha recorrido un camino musical que combina estudios académicos con una destacada carrera artística. Tras completar su licenciatura en Canto Jazz en el Conservatorio de Música “Nino Rota” en 2023, Gaia se ha sumergido en el mundo del jazz y más allá, participando en festivales de renombre y colaborando con artistas influyentes del panorama musical.
Su formación académica en canto jazz le permitió profundizar en las complejidades de este género, pero su inquietud artística la llevó a expandir sus horizontes hacia otros sonidos. Un ejemplo claro de su versatilidad es su colaboración en discos de destacados artistas italianos como Giorgio Tuma en We Love Gilberto y Giancarlo Del Vitto en Wink at Me, donde aportó su talento vocal y compositivo, enriqueciendo las producciones con su estilo único.
En enero de 2024, Gaia lanzó su primer sencillo como solista, titulado “Mountains”, una canción que marca el comienzo de un nuevo ciclo artístico. Es una pieza profundamente personal, escrita durante un periodo de transformación en su vida, cuando se mudó a una nueva casa. En la canción, Gaia reflexiona sobre el proceso de reorganizar su vida, tanto física como emocionalmente, mientras trata de dejar atrás lo negativo y encontrar un equilibrio. La canción se caracteriza por una sonoridad alt-pop refinada, influenciada por artistas como St. Vincent y Cate Le Bon, y se perfila como una de las propuestas más interesantes de la música independiente italiana.
El tema fue producido por Matilde Davoli en SudEst Studio, uno de los estudios más importantes del sur de Italia, y cuenta con un videoclip visualmente cautivador dirigido por Balto, que complementa perfectamente la atmósfera introspectiva de la canción.
En un año de grandes cambios, “Mountains” no solo refleja el final de una etapa para Gaia, sino también el inicio de un nuevo viaje artístico que seguramente nos deparará muchas sorpresas.
Glass Caves, el dúo de rock indie originario de York, sigue demostrando que el esfuerzo y la dedicación pueden llevarte lejos. Con un comienzo modesto pero lleno de pasión, desde sus días de buskers en las calles de su ciudad natal, hasta llegar a colocar su álbum debut en el Top 40 del Reino Unido, Glass Caves han capturado la atención de críticos y fanáticos por igual.
La historia de Glass Caves comenzó en 2014, cuando los miembros del dúo decidieron tomar el camino menos convencional para financiar su primer álbum. Durante tres meses, viajaron por todo el país, tocando en las calles y buscando el apoyo de sus seguidores. Su esfuerzo rindió frutos cuando su álbum debut alcanzó el Top 40 del Reino Unido, lo que les abrió puertas para tocar en radios de gran renombre como BBC Radio 1 y Radio X, y ganar el reconocimiento de medios como GQ y Atwood Magazine.
En enero de 2025, Glass Caves volvió a hacer ruido con su nuevo sencillo Making Waves, la canción mezcla la melancolía de su letra con una sonoridad vibrante y moderna, que caracteriza el estilo de la banda. El sencillo habla sobre el poder del apoyo incondicional y la importancia de estar al lado de esa persona especial, incluso en los momentos más difíciles. La letra refleja la conexión profunda entre dos personas que, sin importar las adversidades, se mantienen juntas y se apoyan mutuamente.
Este tema forma parte de su esperado segundo álbum, Back to Earth, que verá la luz el 2 de mayo de 2025. Con el lanzamiento de este álbum, Glass Caves promete seguir sorprendiendo con su sonido fresco y emocionante, y ofrecer a sus fans una nueva dosis de su energía inconfundible.
Placement es una banda post-punk/noise-rock originaria de Kaurna Land (Adelaida, Australia), que ha venido conquistando los escenarios con su sonido crudo y experimental. Desde sus primeros días, Placement ha sido un proyecto marcado por su fusión de géneros como el Indie Rock, Indie Pop y Alt Rock, con toques de Spoken Word que añaden una capa de profundidad a su identidad sonora.
El sonido de Placement se caracteriza por una atmósfera densa y envolvente, perfecta para acompañar la línea vocal, que ofrece una interpretación sólida y desafiante. Su último sencillo, “Inertia/Heavy Lids,” es un claro ejemplo de esta propuesta sonora. La canción, desde sus primeros compases, establece un ritmo oscuro y constante, acompañado de saxofones distantes que casi parecen gemir, creando una sensación de descenso controlado hacia la introspección. La mezcla de retroalimentación experimental y disonancia con armonías vocales ricas genera una experiencia auditiva intensa que no deja indiferente a quien la escucha.
El tema de “Inertia/Heavy Lids” toca una de las preocupaciones universales más profundas: la repetición y la lucha por liberarse de los ciclos monótonos que nos atrapan. La letra invita a reflexionar sobre cómo, a veces, seguimos en la rutina simplemente porque es lo que conocemos, sin cuestionarnos si aún nos llena o nos satisface. Como bien expresa la vocalista Malia, la canción plantea la pregunta: “¿Realmente estamos despiertos o estamos caminando dormidos a través de la rutina, haciendo lo mismo una y otra vez?”
Su estilo se nutre de la improvisación, lo que convierte cada uno de sus conciertos en una experiencia única y feroz. La banda se inspira en el arte escénico, y su energía y presencia en el escenario se reflejan en su capacidad para conectar con el público de una manera visceral. Desde sus inicios, Placement ha viajado por la costa este y sur de Australia, tocando en diversas ciudades y compartiendo escenarios con bandas internacionales, consolidando su reputación como una de las propuestas más interesantes dentro de la escena alternativa del país.
Con una agenda de giras que sigue en crecimiento, Placement está preparando el lanzamiento de su primer álbum de estudio, Insect, que promete ser una obra aún más experimental y profunda. “Inertia/Heavy Lids” es solo una pequeña muestra de lo que está por venir.
La banda estadounidense OSNOVA se ha consolidado como una propuesta fresca y evocadora dentro de la escena shoegaze de Los Ángeles. Su sonido, una mezcla equilibrada de atmósferas cargadas y momentos intensos, ha sido descrito como caminar solo en una noche oscura: un avance seguro que esconde un trasfondo inquietante y ansioso. Este enfoque sonoro, que combina movimiento y emoción, define el espíritu de una banda en constante evolución.
OSNOVA nació en 2018 como el proyecto instrumental del guitarrista Jean-Claude Vorgeack. Apodado JC por sus seguidores, Jean-Claude es un apasionado de la música alternativa, con una trayectoria que abarca desde su infancia analizando portadas de discos y letras hasta años de participación en bandas underground. En la búsqueda de un baterista, JC encontró a Sam Ribeyro, un emigrante ruso cuya precisión y expresividad dieron vida a las primeras maquetas del proyecto. Durante la pandemia de COVID-19, Sam y JC perfeccionaron su sonido, pero el verdadero punto de inflexión llegó en julio de 2022, cuando finalmente encontraron a su vocalista: Caroline McLaughlin.
En el otoño de 2022, OSNOVA lanzó su EP debut homónimo, seguido por el sencillo “Octavian” y su lado B “For Selene” en 2023. Cada lanzamiento consolidó su identidad sonora, llevando al público en un viaje entre lo nostálgico y lo experimental. En agosto de 2024, el trío presentó “Waiting for June”, una pieza melancólica que explora el anhelo y la conexión emocional, marcando un hito en su evolución artística.
El 24 de enero de 2025, OSNOVA lanzará “Climbing Dues”, un sencillo que promete ser uno de los más emotivos y reflexivos de la banda. La canción aborda los costos crecientes de participar en una sociedad obsesionada con extraer valor de las personas, explorando las luchas generacionales en un sistema que privilegia la productividad sobre el bienestar.
Caroline McLaughlin explica: “‘Climbing Dues’ trata sobre los costos crecientes de participar en una sociedad que busca quitarte lo que considera más valioso. Cada generación atraviesa un ciclo similar, luchando por alcanzar lo que se percibe como éxito, hasta que la sociedad decide que ya no eres valioso y el ciclo se reinicia con la generación más joven.”
La combinación de la interpretación vocal de Caroline y la rica instrumentación de la banda crea una pieza que equilibra el peso existencial con una belleza etérea. Este lanzamiento demuestra la habilidad de OSNOVA para conectar con su audiencia a nivel emocional e intelectual, manteniéndose fiel a su estilo mientras exploran nuevos horizontes.
Desde las calles de Birmingham, el dúo británico PHWOAR emerge con un sonido lleno de energía, sensibilidad DIY y melodías pegajosas, la banda está compuesto por Helena, quien domina la batería con potencia, y Paul, que imprime carácter con su guitarra, mientras ambos comparten las labores vocales. Su música es un reflejo de su esencia: una mezcla de humor brummie y la resistencia característica del norte de Inglaterra, todo forjado en “el caldero de la vida”, como ellos mismos lo describen.
PHWOAR ha iniciado 2025 con fuerza su EP, titulado “Flowers Through the Concrete”, verá la luz en abril, pero antes de su lanzamiento, el dúo ha preparado tres sencillos que marcarán el camino. El EP ha sido producido y escrito por la propia banda, con el apoyo de Adrian Hall, un reconocido productor que ha trabajado con artistas como Tori Amos, Nova Twins y Depeche Mode, quien también se encargó de la mezcla y la masterización.
El primer sencillo, “Waiting for the Sun”, lanzado el 20 de enero combina letras profundas con un sonido crudo y envolvente. La canción explora temas universales como la resiliencia, la esperanza y la fuerza que se encuentra en los momentos más difíciles. PHWOAR explica:
“Esta canción habla de la resiliencia. Explora la esperanza como una forma de rebeldía y el aprendizaje de la fortaleza en momentos de debilidad.”
El día de su lanzamiento, conocido como Blue Monday en el Reino Unido, añade un significado especial. PHWOAR critica la instrumentalización de la salud mental como herramienta de marketing:
“Blue Monday fue inventado para vender cosas, utilizando la salud mental de las personas como excusa para hacerlo.”
Con un mensaje poderoso, el dúo recuerda que incluso en los momentos más oscuros siempre hay luz al final del túnel:
“El punto más bajo nunca es una constante. Siempre hay luz después de la oscuridad. A veces, solo estamos obligados a esperar el sol.”
PHWOAR no solo es música; es una experiencia que busca conectar profundamente con su audiencia. Su estilo, que recuerda a bandas como Manic Street Preachers y Placebo, logra un equilibrio entre el rock alternativo y la cercanía de canciones para ser cantadas y disfrutadas colectivamente.
Darker Lighter es el proyecto sonoro de Salar Rajabnik, un músico, compositor y productor multiinstrumentista originario de Los Ángeles, cuya vida entrelazada entre dos culturas tan disímiles como la de Teherán y Kansas City. Con una estética que remite al post-punk, indie rock y alt-rock, su propuesta surge de una vida a caballo entre continentes.
Desde joven, Rajabnik se autodenominó músico autodidacta, dominando varios instrumentos como el bajo, la guitarra, la batería y, por supuesto, la producción musical. Su incursión en el mundo de la música profesional lo llevó a colaborar con algunas bandas emblemáticas del rock alternativo contemporáneo. Durante años, fue el técnico de guitarra de gigantes como Foo Fighters, Queens Of The Stone Age y Kim Gordon, lo que le permitió aprender de cerca los secretos del oficio y compartir el escenario con algunas de las figuras más relevantes de la escena internacional.
Con el nombre de Darker Lighter, Rajabnik finalmente presenta su música al mundo con un sonido que abarca toda la riqueza de sus influencias personales y musicales. El tercer sencillo de su álbum, “Someday Soon” guía al oyente a través de un viaje sonoro que combina la energía del rock alternativo con la melancolía y la esperanza propias de la transición personal. El tema toca fibras profundas, con letras como “Someday soon” y “In your garden in the rain”, que nos evocan la necesidad de cambio y la sanación tras una relación rota, mientras las guitarras distorsionadas y crudas le dan una fuerza dinámica a la narrativa.
El tema se completa con una atmósfera llena de nostalgia y tensión emocional, que mantiene a los oyentes atrapados de principio a fin, mientras se sumergen en un paisaje sonoro en el que lo indie y lo alternativo se encuentran con una rica carga de emoción.
Este sencillo es un adelanto de lo que será el álbum completo de Darker Lighter, grabado en el icónico Studio 606 de Foo Fighters, bajo la producción de Robert Adam Stevenson (quien ha trabajado con artistas como Paul McCartney, Queens Of The Stone Age, The Kills y Jeff Beck), el disco está siendo esperado con ansias por los fanáticos del rock y el indie.
Naya mö es una artista originaria de la campiña francesa, específicamente de Burdeos, que ha ido forjando su propio camino dentro de la escena alternativa. Después de haber abierto el concierto de The 1975 en octubre de 2023, naya ha lanzando música bajo el nombre de naya mö en junio de 2024. Desde entonces, ha cautivado a los oyentes con su inconfundible voz etérea con temas como “haunting me”, “lost minds” y “before the darkness comes again”, producidos por Remi Aguilella, miembro de Daughter.
En sus últimas canciones, naya ha explorado una dirección más cruda y audaz, influenciada por el shoegaze y el alt-pop de los años 90, así como el indie rock de los 00s. Esta transformación se consolidó cuando viajó a Baltimore para colaborar con el productor y artista Bartees Strange. Al combinar influencias de grandes íconos del alt-rock como PJ Harvey, Mogwai y Slowdive, junto a artistas contemporáneos como Fontaines D.C., Blondshell y Snail Mail, naya mö ha logrado forjar una voz única, poderosa y profundamente emocional.
Con “outsider”, naya mö se adentra aún más en sonidos potentes y expansivos, presentando un himno shoegaze indie que rápidamente se conecta con las emociones del oyente. “Outsider” refleja el sentimiento de estar perdido, de no encajar en el mundo que nos rodea. La letra explora la oscuridad de esa sensación, pero también ofrece un giro hacia la rebeldía y la determinación para desafiar lo establecido. Tal como comenta naya sobre el tema:
“Es sobre esa sensación de estar perdido, como si estuvieras tratando de encontrar tu lugar pero nada hace clic. Es oscuro, pero termina con una sensación de desafío contra el statu quo. Una determinación de hacer que las cosas cambien sacudiendo el orden.”
El 21 de febrero de 2025, naya mö lanzará su primer EP titulado dealing with ghosts, una obra de cinco canciones que profundiza en los temas de la memoria, la identidad y las emociones que nos persiguen, tanto las positivas como las negativas. Como ella misma describe:
“El EP trata sobre los fantasmas que habitan mi mente y mi cuerpo. Buenos y malos, oscuros y luminosos, amor y miedo. Las sombras de recuerdos, ideas, arrepentimientos, personas que permanecen en mi cabeza. Escribí canciones sobre ellos y las empapé en distorsión, reverb y fuzz.”
Same Eyes es una banda de synth-pop originaria de Ann Arbor, Michigan, quienes a traves de la música electrónica y el pop de los años 80, fusonan una energía vibrante y contemporánea. Formada en 2019 por Alex Hughes y Chad Pratt, Same Eyes ha logrado crear un sonido único que abarca desde el dream pop y el shoegaze hasta el minimal synth, todo envuelto en una atmósfera envolvente y etérea.
Con influencias diversas, donde el ambiente onírico de las bandas de rock ambiental pioneras se mezcla con la energía de una fiesta a las 3 de la mañana. El resultado es una experiencia sonora que captura la oscuridad asi como la luz, explorando los contrastes emocionales del mundo moderno.
El proceso creativo de la banda es interesante, ya que gran parte de su trabajo se ha producido a distancia, con Pratt en Michigan y Hughes en Ohio. A través del intercambio constante de ideas por correo electrónico, han logrado construir un sonido multifacético y vibrante que evoluciona constantemente. Con una base de ritmos inventivos, cortes de sintetizadores brillantes y capas densas de melodías superpuestas, Same Eyes crea canciones complejas pero accesibles, llenas de matices y texturas que invitan a la reflexión.
Don’t Let Go es una de las composiciones más destacadas del próximo álbum de Same Eyes, Love Comes Crashing. En este tema, la banda sigue explorando su característico estilo: capas densas de sintetizadores, líneas de bajo que flotan con suavidad pero que tienen un impacto profundo, y melodías que se deslizan suavemente en la conciencia del oyente. La canción se nutre de influencias del dream pop y shoegaze, pero también de la síntesis minimalista que caracteriza a muchos de sus temas anteriores. La producción, realizada en su propio estudio, tiene una atmósfera etérea que, junto a la masterización de Warren Defever (His Name Is Alive) en Third Man Records, logra una mezcla perfecta entre la claridad de los sonidos electrónicos y la calidez de las texturas más orgánicas.
El tema refleja la habilidad de Same Eyes para navegar entre lo introspectivo y lo expansivo, con la letra de Hughes que oscila entre la fantasía alucinógena y una visión cruda de la emoción humana. La lírica puede ser descarnada y realista, o transportarnos a paisajes irreales donde la realidad se diluye en la experiencia. Este contraste se convierte en el alma de la banda, que no teme desdibujar los límites entre la claridad y la confusión, el éxtasis y la desilusión.
