Nuevo Rock

Indie Rock/Nuevo Rock/Rock

“Frío” de Hanz Ruiz: Nostalgia y Skateboards

By Oleada Indie / mayo 21, 2025

Desde Barcelona, España, emerge Hanz Ruiz, un artista que combina el indie rock, el pop alternativo y la electrónica con mucha sensibilidad. Estas temáticas se envuelven en melodías pegadizas y arreglos elaborados, que van desde guitarras distorsionadas hasta atmósferas electrónicas cuidadosamente construidas. Este equilibrio entre lo melódico y lo reflexivo es una de las claves que ha permitido a Hanz conectar con un público creciente y fiel.

El próximo otoño será un momento clave con el lanzamiento de su primer EP, como adelanto, presentó el sencillo “Frío”, una canción que ejemplifica a la perfección su capacidad para combinar emociones contrapuestas: la melancolía del desamor y la frescura de un sonido vibrante y dinámico.

“Frío” se inspira en la cultura skate y la nostalgia de los años 2000, evocando tardes interminables y una sensación de libertad juvenil. Musicalmente, el tema mezcla riffs de guitarra distorsionados con un aire melancólico, mientras la voz de Hanz transmite una sinceridad que atrapa al oyente desde el primer instante. La canción ha sido fruto de un proceso creativo de dos años, producido por Joel Llauradó y apoyado por un equipo que también ha definido una estética visual acorde a la atmósfera del tema.

El videoclip en formato videolyric, filmado en un skate park, refuerza esa conexión con la cultura skater y el espíritu libre que define la música de Hanz Ruiz.Con un pie en la nostalgia y otro en la innovación, Hanz Ruiz representa esa nueva generación de músicos que no temen mezclar influencias y géneros para crear algo propio y resonante.

Acústico/Indie Pop/Nuevo Pop/Nuevo Rock

Sean Waters & the Sunrise Genius: Música desde el aislamiento, claridad desde el caos

By Oleada Indie / mayo 21, 2025

En lo alto de las colinas al oeste de Fort Collins, Colorado, rodeado de pinos y formaciones rocosas, Sean Waters dio vida a su proyecto más íntimo y atmosférico: Sean Waters & the Sunrise Genius. El proyecto es una extensión de su búsqueda personal de sentido, sonido y serenidad en medio del ruido moderno.

En el verano de 2020, mientras cuidaba una casa en Red Feather Lakes (Glacier Meadows Gate 7), Sean convirtió una mesa de comedor con vista a las montañas en un estudio improvisado. Allí nació “Clearer than Crystal”, “Todo lo que necesitas saber está pasando ahora. Ríndete y déjalo ir. Puedes verte. Puedes ver el mundo entero. No te escondas, por favor. Es contigo”, dice la letra murmurada que se ha ido resignificando con el tiempo, aunque el propio Sean admite que no puede explicar exactamente qué quiere decir.

Inspirado por lo accidental —como un vibrato exagerado en una cuerda aislada del acorde de Do mayor— y con un enfoque deliberadamente perezoso, Waters graba guitarra acústica, bajo, voz, palmas y sintetizadores en capas, construyendo una base minimalista pero rica. Posteriormente, envía la sesión al productor Tyler Lindgren, quien añade percusión y aporta dimensión sonora en la mezcla y masterización, especialmente en el segundo verso.

El resultado es un folk indie introspectivo con toques electrónicos, ambientaciones montañosas y una honestidad sin pretensiones. El proyecto capta la belleza de lo inacabado, lo improvisado, lo real. En palabras del propio Sean: “Cuanto más deliberado intento ser al componer, peor salen las canciones”.

Con una vibra que recuerda a Bon Iver, pero con un carácter profundamente propio, este proyecto musical no busca respuestas definitivas, sino momentos de claridad emocional, incluso si son tan fugaces y confusos como un verso murmurado.

Altpop/Nuevo Rock/Pop/Rock

Noelle Sucks no decepciona: Pop alternativo brillante para corazones rotos

By Oleada Indie / mayo 12, 2025

Con una mezcla de alt-pop, bedroom pop y tintes de emo y pop rock, la cantante y compositora estadounidense Noelle Sucks está ganando terreno en la escena independiente con su más reciente sencillo, “Little 2 Close 2 The Sun”, es un testimonio de su capacidad para convertir el desamor en una experiencia sonora envolvente, luminosa y profundamente identificable.

La canción nace, según palabras de la propia artista, desde un “purgatorio post-rompimiento”, un limbo emocional donde no se puede volver atrás, pero avanzar tampoco parece claro. Esa ambigüedad sentimental se refleja en la producción: sintetizadores brillantes, riffs de guitarra eléctrica sutiles, y una voz que oscila entre la melancolía y la esperanza.

“No podía regresar, pero seguir adelante también era extraño. Estaba completamente en limbo, sin dejar entrar ni salir a nadie”, explica Noelle sobre el proceso emocional que inspiró la canción.

Aunque su nombre artístico —Noelle Sucks— juega con la ironía, su música dice todo lo contrario. Con una estética sonora que remite a los días de NeverShoutNever, Owl City o The Postal Service, Noelle logra mantener esa nostalgia viva, pero la moderniza con una producción refinada y letras que resuenan con las experiencias de las nuevas generaciones.

“Little 2 Close 2 The Sun” no es solo una canción sobre el fin de una etapa amorosa, sino una obra que abraza el dolor y lo transforma en belleza, sin caer en dramatismos innecesarios. Incluso quienes no están atravesando una ruptura podrán disfrutar de su energía, estructura dinámica y frescura vocal.

Indie Rock/Nuevo Rock/Pop Rock

Chico Jorge: El Nuevo Proyecto de Jordi Bastida que Fusiona Indie Pop, Noise y Emociones Universales

By Oleada Indie / mayo 3, 2025

Jordi Bastida, conocido por su trabajo como guitarrista en bandas como Sidonie y Alizzz, ha decidido recuperar su proyecto personal Chico Jorge para dar un nuevo paso en su carrera musical. Tras años de compartir escenario con grandes artistas y de aportar su talento en diversas producciones, Bastida presenta su álbum debut bajo el nombre de Chico Jorge, un trabajo que estará disponible a través del sello Magic in the Air Records tras el verano de 2025.

El primer adelanto del álbum, titulado “cupido enamorado”, es una muestra de lo que será el sonido de Chico Jorge. Con un estilo que fusiona el indie pop con el noise, el tema destaca por su energía frenética, con guitarras rotas y baterías intensas que reflejan la fuerza destructiva del amor en sus primeras fases de enamoramiento. La instrumentación nerviosa y acelerada se combina con una lírica que reflexiona sobre cómo el amor puede ser a la vez hermoso y devastador. La canción nos transporta a un lugar donde la pasión y el caos se entrelazan, pero al final, como siempre en las canciones de Chico Jorge, hay una luz al final del túnel.

Este tema sigue la línea de su EP debut Chico Jorge i (2021), que lo introdujo como un artista con una visión clara y una propuesta musical sólida. Al igual que el EP, “cupido enamorado” se inspira en bandas como Deerhunter, Wilco, The Strokes, y otros referentes de la escena indie. Sin embargo, la influencia de Alizzz, con quien Bastida comparte una estrecha relación profesional, también se siente en los arreglos y la atmósfera sonora, destacándose el pop-rock de ascendencia británica que caracteriza tanto a la música de Alizzz como a la de Bastida.

En “cupido enamorado”, Bastida captura la esencia de enamorarse, no solo de una persona, sino de la idea misma del amor. La letra nos lleva por un recorrido de deseos no correspondidos, promesas que se desvanecen con el tiempo y la eterna búsqueda de la conexión emocional. Los versos evocan imágenes de momentos fugaces, como esos mensajes de texto nunca enviados que, aunque no llegan a ser leídos, permanecen en la memoria.

Las capas sonoras y las texturas electrónicas añaden profundidad a la canción, creando un ambiente en el que el oyente se siente envuelto por la atmósfera melancólica y nostálgica que se desprende de cada acorde.

Lo Mejor de la Semana/Nuevo Rock/Nuevos Sonidos/Rock

Hamish Anderson nos recuerda que no estamos solos en “Everybody”

By Oleada Indie / mayo 3, 2025

En un momento en el que el mundo se vio obligado a detenerse, el artista australiano Hamish Anderson encontró en el silencio una puerta hacia adentro. De esa introspección profunda nació “Everybody”, una canción que representa un renacer musical, sino también una afirmación emocional de lo que significa estar perdido… y reencontrarse.

Lanzado el 11 de octubre de 2024 como parte de su más reciente álbum Electric, “Everybody” es una carta abierta al alma. Con una guitarra que respira blues y un ritmo que dialoga con la nostalgia y la esperanza, Anderson conecta con un sentimiento compartido por millones tras la pandemia: el aislamiento, la búsqueda de sentido, y la necesidad urgente de reconexión.

“Este álbum habla de estar aislado del mundo y de mirarse al espejo después de años de evitarlo. Es sobre redescubrir quién eres, reconectarte con lo esencial, y usar la música como puente”, cuenta Anderson.

Durante los confinamientos, el artista se reencontró con su yo más joven, el niño de 12 años que pasaba horas tocando guitarra sobre discos de Hendrix, Buddy Guy o Jeff Beck. Esa reconexión con sus raíces musicales marcó el ADN de Electric, un trabajo donde la guitarra eléctrica no solo lidera, sino que cuenta una historia emocional por sí misma. En “Everybody”, esta narrativa se manifiesta en un solo que va de lo tímido a lo seguro, como si también viajara desde la confusión hacia la claridad.

La letra no ofrece soluciones fáciles ni finales felices forzados. En cambio, ofrece compañía: “Everybody’s felt this way / Everybody knows this pain” (“Todos se han sentido así / Todos conocen este dolor”). Es una afirmación de vulnerabilidad compartida, que en lugar de aislar, une.

Indie Rock/Nuevo Rock/Psicodelia

Entre Astros y Acordes: La Cosmología Sonora de Vinyl Williams

By Oleada Indie / mayo 2, 2025

Vinyl Williams, nombre artístico de Lionel Williams, es mucho más que un músico: es un creador de universos. Radicado en Los Ángeles, este artista multidisciplinario ha desarrollado una de las propuestas más singulares y expansivas del panorama psicodélico contemporáneo.

Su obra combina lo-fi y hi-fi, filosofía, geometría sagrada y espiritualidad cósmica, todo envuelto en un sonido que remite a la psicodelia de los años 70 pero con una visión futurista. Con influencias que van desde Van Dyke Parks y Todd Rundgren hasta Cindy Lee y Iasos, Vinyl Williams crea una alquimia sonora que resulta tan cerebral como emocional. Su música se mueve entre el pop cósmico, el ambient, el dream pop y el rock experimental, siempre con una estética que recuerda a un sueño lúcido o una utopía interestelar.

El próximo 13 de junio de 2025, lanzará Polyhaven / Portasymphony, un doble LP que reúne dos caras opuestas de su creatividad: una producción lo-fi e instrumental, y otra hi-fi más melódica y detallada. Ambos lados se presentarán en un vinilo doble tipo “gatefold”, con un holograma lenticular que cambia de imagen al moverlo, reflejando su pasión por lo sensorial y lo interactivo.

Dentro del álbum, destacan sencillos como “Find the Hidden” —acompañado por un video interactivo donde el espectador puede buscar objetos ocultos— y “Sunlight”, una pieza instrumental cálida y envolvente que evoca la sensación de quedarse dormido bajo el sol. Este tema demuestra que Vinyl Williams puede contar historias profundas sin necesidad de letras, usando únicamente la textura de sus sonidos y la riqueza de sus arreglos.

Más allá de la música, Lionel ha creado un concepto llamado “astrología musical”, una aplicación que convierte fechas y posiciones planetarias en notas musicales, reafirmando su obsesión por encontrar la armonía entre ciencia, arte y espiritualidad. Su obra invita a imaginar un futuro donde la música, la imagen y la conciencia convergen en una misma frecuencia.

Indie Rock/Nuevo Rock/Shoegaze

Soot Sprite: Shoegaze, esperanza y catarsis desde Exeter

By Oleada Indie / mayo 1, 2025

Desde los confines introspectivos de un proyecto solista lo-fi hasta convertirse en una de las nuevas propuestas más interesantes del alt-indie británico, Soot Sprite ha sabido evolucionar sin perder su esencia. Liderado por la cantante, guitarrista y compositora Elise Cook, el trío oriundo de Exeter se prepara para el lanzamiento de su álbum debut, Wield Your Hope Like A Weapon a través del sello Specialist Subject Records.

Soot Sprite nació en 2018 como un proyecto íntimo y casero de Elise Cook, en un momento en el que la nostalgia y la vulnerabilidad se canalizaban a través de grabaciones DIY. Con el paso de los años, y la incorporación de Sean Mariner (bajo, coros) y Sam Cother (batería, coros), la banda encontró su identidad definitiva: una poderosa mezcla de shoegaze, indie rock y rock alternativo, en la línea de referentes como Soccer Mommy, Wednesday, Ovlov o Sweet Pill.

El título del álbum debut —Wield Your Hope Like A Weapon— no es casual. Inspirado por el libro Hope in the Dark de la escritora y activista Rebecca Solnit, el disco es una defensa radical de la empatía como forma de resistencia en un mundo que constantemente empuja hacia la apatía y el desencanto.

“El poder no quiere que nos importe, quiere que estemos anestesiados. Pero si tenemos esperanza, entonces aún es posible el cambio”, explica Cook. La frase de Solnit, “La esperanza no es un billete de lotería que sostienes en el sofá… es un hacha que usas para romper puertas en una emergencia”, sirve como manifiesto para todo el proyecto.

Musicalmente, el álbum atraviesa paisajes que van desde la distorsión más visceral hasta la calma introspectiva. Canciones como “Vicious Cycles”, el último sencillo publicado, combinan guitarras envolventes con una interpretación vocal que transmite una catarsis emocional sincera. En palabras de Cook:

“‘Vicious Cycles’ trata sobre abordar tus patrones de comportamiento y el daño causado en relaciones anteriores. El miedo a las represalias por el más mínimo contratiempo que persiste mucho después de que la relación impactante haya terminado. La idea de que nunca podrás quitártelo del todo.”

Otros temas como “All My Friends Are Depressed” abordan la crisis de salud mental desde una mirada colectiva, mientras que canciones como “Days After Days” reivindican los pequeños triunfos frente al agotamiento social.

El álbum fue grabado en The Bookhouse (Londres) con producción de Tom Hill, y contó con la colaboración de la exguitarrista Abi Crisp, consolidando así una propuesta sonora tan íntima como expansiva.

Indie Pop/Indie Rock/Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Pop/Nuevo Rock

Entre Susurros y Melodías: El Viaje Musical de Jenny Kern

By Oleada Indie / abril 30, 2025

Jenny Kern es una cantante y compositora canadiense radicada en Brooklyn, con un estilo indie pop que fusiona emotividad, delicadeza y una fuerte presencia. Jenny inicio expandiendo su alcance musical al colaborar con el productor Andy Seltzer, quien ha trabajado con artistas como Maggie Rogers, Chelsea Cutler y Valley. Juntos, crearon dos sencillos, “Satellite” y “Now We Know”, que ayudaron a cimentar aún más su lugar en la escena musical.

En 2021, en el mismo año, lanzó su EP titulado I Never Thought That You Were Listening, una colección que resonó profundamente con sus seguidores. Este trabajo logró colocar dos de sus canciones en el top 40 de la radio, lo que consolidó a Jenny Kern como una artista con una propuesta sólida y un estilo único. Con más de un millón de reproducciones en Spotify, su popularidad sigue en ascenso, y la artista se prepara para seguir expandiendo su música a nuevos públicos.

El 2022 marcó el regreso de Jenny con el lanzamiento de su sencillo “Say It” la canción se aleja de la energía vibrante de sus primeros trabajos y ofrece una balada pop minimalista, llena de susurros, pausas y una introspectiva vulnerabilidad. La letra de la canción, que trata sobre las palabras no dichas y el dolor del silencio en una relación, muestra una vez más la habilidad de Kern para explorar temas personales y universales de manera honesta y conmovedora.

La colaboración de Jenny con el productor Ryder Stuart en este tema, conocido por su trabajo con artistas como Hayes Warner, CANNON y Young Rising Sons, ha resultado en una canción que muchos consideran una de sus mejores hasta la fecha. “Say It” no solo resalta la madurez de la cantante, sino que también marca un punto de inflexión en su carrera, mostrando una evolución tanto en su estilo como en su lírica.

Acústico/Indie Pop/Nuevo Pop/Nuevo Rock

Miguel Guevara y la música como refugio: así suena Temporal, su nuevo EP acústico

By Oleada Indie / abril 16, 2025

Miguel Guevara el cantautor, productor y multiinstrumentista bogotano lanza Temporal, un EP acústico que funciona como un acto de resistencia suave: volver a lo esencial, a la canción desnuda, a la emoción pura. Temporal es una pausa, un suspiro entre el ruido, una declaración artística hecha con las manos y el alma. A lo largo de cuatro canciones, Miguel revisita algunos de sus temas anteriores con una nueva sensibilidad: más íntima, más madura, más suya. Lo hace desde una mirada cálida y artesanal, buscando generar una conexión directa con quienes escuchan.

En el centro del EP brilla “Evidente”, la única canción inédita del proyecto. La letra es un desahogo emocional, un momento en que la verdad ya no se puede callar. Su interpretación, vulnerable, se apoya en una producción minimalista donde destacan las texturas acústicas y los matices folclóricos sutiles, esos que remiten a raíz, a tierra, a hogar.

“Las canciones se sienten como refugios, como lugares donde el tiempo se detiene y la emoción encuentra espacio para habitarse.” Así lo describe Miguel, y no hay mejor forma de resumir la experiencia de escuchar Temporal.

La historia musical de Miguel Guevara comenzó desde muy joven. A los seis años ya estudiaba violín con el maestro Miguel Ángel Guevara Díaz. Más adelante, profundizó sus conocimientos en piano y armonía con énfasis en jazz, llevandolo a formar parte de la Orquesta Nueva Filarmonía desde los 13 años, participando en producciones sinfónicas con artistas como Santiago Cruz, Andrés Cepeda, Fonseca, Kraken y Alcolirykoz.

Con Temporal, Miguel Guevara inaugura una nueva etapa en su carrera. Es un proyecto que se aleja de lo grandilocuente para abrazar lo íntimo. Grabado en casa, con un enfoque artesanal tanto en lo sonoro como en lo visual, el EP es también una extensión de lo que viene mostrando en vivo: un formato acústico donde la vulnerabilidad es protagonista y la cercanía con el público se vuelve más tangible que nunca.

Los comentarios no se han hecho esperar. Quienes lo han escuchado destacan la conexión emocional que genera, la sensación de que cada canción es un espacio seguro, un rincón de calma en medio del caos.

“Es música hecha desde el alma de un niño que todavía cree en la honestidad del arte”, dice Miguel. Y eso se siente. Se siente en cada acorde, en cada pausa, en cada palabra cantada sin artificio.

Indie Rock/Nuevo Rock

Entre Buenas Vibras e Influencias Rock: “Fingers Crossed” de Jont

By Rafael Méndez / abril 11, 2025

Con “Fingers Crossed”, Jont presenta una canción que no necesita complicaciones para funcionar. La propuesta se apoya en un ritmo sencillo, pero lo suficientemente sólido como para sostener unos ganchos melódicos que atrapan sin mucho rodeo. Es en esa sencillez donde encuentra su fuerza: una canción directa, cargada de buena vibra y con un enfoque muy claro hacia la conexión emocional.

La voz de Jont tiene esa cualidad cercana, capaz de generar una atmósfera cálida incluso en un contexto rockero. No se trata de una producción que busque impresionar con exceso de arreglos, sino más bien de una que se deja llevar por lo esencial. Esa esencia está en la forma en que las palabras se deslizan sobre los acordes, con una naturalidad que le da carácter propio. La canción no pretende ser otra cosa que una expresión honesta.

A lo largo de su carrera, Jont ha transitado por varios estilos, desde lo acústico e íntimo hasta lo orquestado y energético, sin perder de vista el mensaje de fondo. Su compromiso con la comunidad —visible desde los días del ciclo UNLIT en Londres hasta sus actuales ceremonias de canto en Canadá— ha sido una constante. En este nuevo tema, esa mirada humanista no desaparece; por el contrario, se filtra en los pequeños detalles de su interpretación.

“Fingers Crossed” se siente como una canción de paso firme y mirada al frente, que no olvida lo personal ni el anhelo compartido. No busca adornarse demasiado ni impresionar con grandes gestos; prefiere construir su identidad a través de lo sencillo y lo directo. Esa honestidad, sumada a una melodía eficaz y una voz con personalidad, hacen de esta canción un punto de entrada perfecto para conocer a un artista que lleva años construyendo puentes entre la música y la vida cotidiana.