Braison Cyrus, cantautor y productor estadounidense, es una de las voces más interesantes del folk moderno y el country alternativo, destacándose por su sensibilidad y su capacidad para crear canciones personales. Criado en una familia musical, Braison decidió forjar su propio camino, primero escribiendo y produciendo para otros artistas, como Noah Cyrus y Fleet Foxes, antes de lanzarse como solista.
Su carrera como artista independiente comenzó en 2018 con el sencillo “I’ll Never Leave You”, y en 2021 lanzó su primer álbum Javelina, aclamado por la crítica como un debut sorprendentemente brillante, que combinaba psicodelia folk con narrativas íntimas y emotivas.
En 2025, Braison Cyrus presenta “Know This”, su esperado sencillo en colaboración con su hermana, la superestrella Miley Cyrus, marcando la primera vez que ambos artistas unen sus voces en una balada de inspiración sureña y tono indie-country. Escrita junto a Jordan Lindley y co-producida con Ryan Rasmussen, la canción combina instrumentación orgánica, armonías cálidas y un estilo narrativo que refleja la autenticidad de Braison como compositor y productor. La colaboración no solo resalta la química familiar, sino que también evidencia su capacidad de crear un sonido propio, lejos de la sombra de su apellido célebre.
Este sencillo es el tercer adelanto de su próximo álbum, el primero desde Javelina, previsto para 2026. El disco promete ser un proyecto audaz y personal, con múltiples colaboradores sorpresa y un enfoque arraigado en la narrativa musical, consolidando a Braison Cyrus como un artista que combina raíces sureñas con sensibilidad contemporánea, ofreciendo canciones que son a la vez cinematográficas, íntimas y profundamente humanas.
La artista independiente madrileña Fitasha continúa con su propuesta musical con el lanzamiento de Colocón, un single que combina hip-hop psicodélico con toques de neo-soul y atmosféricas texturas etéreas. Más que una celebración de un año sin fumar marihuana, la canción habla de un “high” emocional y natural, esa energía que solo ciertas personas pueden provocar, transformando la química y la conexión en música.
Producido por Fitasha, Colocón destaca por su minimalismo y profundidad sonora, con beats flotantes, delays expansivos y una lírica envolvente que invita a vivir una experiencia honesta e inmersiva. El tema explora la sensualidad, la intimidad y la introspección, consolidando la identidad artística de Fitasha como compositora, productora y directora creativa de su propio proyecto.
Este single funciona además como la introducción a su próximo álbum, que promete expandir aún más su exploración de géneros y sonidos, ofreciendo a su comunidad FUNGI GANG una propuesta musical que conecta cuerpo y mente a través de emociones genuinas y paisajes sonoros envolventes. Con Colocón, Fitasha demuestra nuevamente por qué es una de las voces más originales y versátiles de la escena independiente española.
Después del lanzamiento de su álbum Gemelo (2024), la artista de pop experimental Angélica Garcia presenta su primer sencillo independiente, “BUTTERFLY”, que muestra su nueva exploración sonora dentro de un enfoque cyborg-latino. La canción combina elementos de industrial ballroom, glitch hop y narrativa de realismo mágico, generando un sonido bilingüe que mezcla ritmos electrónicos y estructuras experimentales.
El tema se inspira en la experiencia de Garcia trabajando brevemente en House of Yes, un club nocturno en Nueva York. La letra describe la fuerza personal que se requiere para desenvolverse en ese entorno y reflexiona sobre la vida de quienes trabajan en la cultura de clubes nocturnos. Musicalmente, la canción combina un ritmo intenso con un coro más delicado, lo que genera contraste entre agresividad y melódica suavidad.
Además, el símbolo de la mariposa se utiliza como metáfora para explorar aspectos de la identidad y las experiencias de latinos e inmigrantes en Estados Unidos, relacionando belleza y resiliencia. Con “BUTTERFLY”, Garcia continúa desarrollando su enfoque de pop experimental con un estilo que integra narrativa, ritmos electrónicos y referencias culturales.
Los Ángeles, CA – La banda de pop latino MYRANDAS irrumpe con un nuevo aire tropical con el lanzamiento de su sencillo “Ponte Linda”, un homenaje a la belleza, la confianza y la expresión personal de las mujeres. Con un ritmo contagioso, melodías envolventes y una energía que invita a la fiesta, la canción se posiciona como un himno para disfrutar el momento y brillar con libertad.
El dúo, formado por la cantante trilingüe Kristina Miranda y el multiinstrumentista y ingeniero ganador del Grammy Marciel Miranda, combina sus raíces habaneras con la innovación musical que han desarrollado desde su base en Los Ángeles. En “Ponte Linda”, la fusión de grooves caribeños, producción electrónica y sensibilidad pop crea un sonido vibrante que refleja identidad y autenticidad. Las letras, como “Todas mis mamis brillan como Cartier — brillan de noche y de día, de La Habana a Hialeah”, celebran la autoaceptación y la fuerza interior.
Además, los arreglos de trompetas y la producción detallada aportan un guiño festivo que evoca la energía de una noche en el Malecón cubano, mientras que los aportes vocales de Marciel Miranda suman un toque romántico que enriquece la narrativa de la canción. Con su mensaje empoderador y su ritmo que invita a la pista de baile, “Ponte Linda” confirma el lugar de MYRANDAS como una de las propuestas más frescas y alegres del pop latino contemporáneo.
La banda, que ya ha destacado con canciones como “La Habitación”, y su EP Nos Dejamos Llevar, continúa consolidando su sonido demostrando que la combinación de raíces, innovación y celebración es la fórmula perfecta para conectar con el público y llevar la fiesta latina a todas partes.
El proyecto musical Aukai, liderado por el multiinstrumentista alemán Markus Sieber, se ha consolidado como una de las voces más singulares dentro del ambient acústico y el folk minimalista contemporáneo. Con una sensibilidad que combina exploración técnica y profundidad emocional, Aukai crea composiciones que funcionan como refugios sonoros: espacios íntimos donde la música respira, se expande y acompaña al oyente hacia un estado de quietud interior.
Su próximo álbum, Chambers, anunciado para el 3 de marzo a través de Apapachoa Records, es quizá la obra que mejor encapsula la filosofía creativa de Sieber. Concebido como una “secuencia onírica de sonidos”, el disco fue grabado en solo tres días no consecutivos a lo largo de dos años, en el legendario Saal 3 del Funkhaus de Berlín. Este espacio –un estudio históricamente dedicado a ensambles de cámara y recientemente revitalizado por Nils Frahm– se convirtió en un catalizador fundamental: no solo por su diseño acústico altamente afinado, sino por su capacidad de resucitar memorias de la infancia del artista, quien creció escuchando la radio transmitida desde ese mismo edificio.
Chambers marca además un punto de inflexión: es el primer álbum en el que Aukai está completamente interpretado por Sieber. Armado con su guitarra de octava y su charango barítono, comenzó grabando bocetos que luego evolucionaron al incorporar instrumentos del propio Saal 3, como el órgano de lengüetas, el piano, la celesta y una serie de sintetizadores analógicos. El resultado es un tejido sonoro meticuloso y atmosférico, donde cada sonido parece surgir del diálogo entre el músico y la habitación misma.
El primer adelanto, “Vulture”, encapsula esta visión: un tema instrumental cálido y minimalista que combina cuerdas delicadas, silencios cargados de intención y un carácter espiritual que emerge de su simplicidad. Con una estética que abraza lo introspectivo, la pieza funciona como un microcosmos del universo de Aukai—un viaje hacia el adentro, hacia lo invisible y lo emocionalmente sutil.
La obra de Aukai se distingue por su capacidad de conectar paisaje y emoción, espacio físico y espacio interior. Sieber ha grabado a lo largo de los años en cabañas, estudios remotos y entornos naturales en América y Europa, siempre en búsqueda de lugares que amplifiquen la resonancia emocional de sus instrumentos. En Chambers, esa búsqueda encuentra un nuevo significado: un retorno simbólico a un hogar acústico que, más que un estudio, es un portal hacia el tiempo, la memoria y la transformación.
Con Chambers, Aukai no solo amplía su catálogo, sino que reafirma su lugar como uno de los artesanos más sensibles del sonido contemporáneo. Música para escuchar de cerca, para respirar con ella, para habitar el silencio sin miedo. Una invitación a detenerse y, por un momento, simplemente ser.
Desde el Reino Unido llega So Good, un proyecto musical que combina irreverencia, actitud punk y un humor filoso, construyendo un universo sonoro propio donde lo teatral y lo juvenil se entrelazan con la sensibilidad pop. Con una estética marcada por el espíritu Princess Punk, la artista desafía las convenciones del rock británico tradicional y ofrece una propuesta contemporánea audaz y desenfadada.
Su más reciente sencillo, Give Me My Presents, es un himno pop-punk navideño que rompe con la solemnidad de las fiestas. La canción narra, con sarcasmo y rebeldía, la perspectiva de una joven harta del consumismo, la hipocresía familiar y las tradiciones navideñas, exigiendo regalos sin filtros y burlándose de situaciones como la abuela borracha, todo con un toque de humor adolescente que conecta con el oyente.
Tras haber realizado giras europeas junto a Skunk Anansie y Queens of the Stone Age, y con presentaciones en festivales como In The City (Leeds), Airwaves (Islandia) y diversos escenarios del Reino Unido, So Good se reafirma su personalidad feroz, provocadora y divertida.
La cantante y compositora indie-pop Sidney anuncia su EP debut what if it ends?junto con el lanzamiento del sencillo homónimo. La artista se sumerge en la fragilidad del amor, el miedo a los finales y la resiliencia personal, ofreciendo un viaje musical íntimo y honesto que conecta con las emociones universales de sus oyentes.
Tras haber alcanzado notoriedad internacional como cantante de bodas, Sidney decidió volcar su talento en historias propias después de una ruptura significativa con su prometido, transformando el dolor en creatividad. “Este EP está construido alrededor de una pregunta: ¿y si termina? La he preguntado de muchas maneras distintas, y cada canción refleja esa tensión entre aferrarse y dejar ir, entre esperanza y miedo”, comparte la artista.
El sencillo what if it ends? combina producción indie-pop luminosa con su voz cálida y confesional, explorando cómo las relaciones pueden parecer perfectas por fuera mientras generan incertidumbre por dentro. Temas anteriores, como Golden Boy, se integran en este proyecto, ofreciendo meditaciones sobre la negación, la devoción y la aceptación emocional. A través de siete pistas, el EP recorre un arco que va de la confusión y el apego hasta la claridad y la autoaceptación, consolidando la capacidad de Sidney para narrar experiencias profundas con autenticidad y cercanía.
Sidney ha construido una sólida base de seguidores internacionales gracias a sus virales covers en TikTok e Instagram y sus presentaciones en vivo junto a artistas como Angus & Julia Stone y Mia Wray. Con what if it ends?, la artista redefine su historia, ofreciendo un sonido indie-pop cargado de vulnerabilidad y fuerza que invita a los oyentes a reflexionar sobre el amor, la pérdida y los nuevos comienzos.
El EP promete ser un punto de conexión para todos aquellos que han amado profundamente, enfrentado rupturas y encontrado la manera de seguir adelante, recordando que incluso los finales pueden ser el inicio de algo nuevo.
Desde un aula de secundaria en Traverse City, Michigan, The Accidentals han recorrido un camino extraordinario. Fundadas por la violinista Savannah Buist y la violonchelista Katie Larson, con la incorporación del percusionista Michael Dause, la banda combina folk, pop y texturas orquestales para crear un sonido distintivo, lleno de armonías etéreas y virtuosismo instrumental.
Su música refleja la vulnerabilidad humana y la narrativa compartida, buscando siempre generar conexión con el oyente. Con álbumes como Bittersweet, Vessel, TIME OUT y Reimagined, The Accidentals han demostrado su capacidad de evolucionar constantemente, integrando arreglos orquestales, colaboraciones con productores de renombre y exploraciones sonoras innovadoras.
Junto con la Kaboom Studio Orchestra, presentan una reinterpretación de “White Winter Hymnal”, el clásico de Fleet Foxes. Esta versión logra un equilibrio entre la calidez del alt-pop de cámara y la grandeza de un sonido orquestal completo. Las cuerdas, los metales y la percusión se entrelazan delicadamente con las voces íntimas del trío y las texturas acústicas, generando una experiencia musical que se siente tanto etérea como emocionalmente cercana.
Con un enfoque creativo The Accidentals continúan redefiniendo los límites del folk-pop moderno, creando canciones que inspiran, conectan y resuenan profundamente con quienes las escuchan.
Avalon Annaliese Rose Baker, conocida simplemente como Avalon, toma su nombre de la mítica Isla de Avalon, un lugar de magia y sanación que refleja perfectamente su espíritu artístico. Nacida y criada en Los Ángeles, Avalon es cantante, compositora y productora, y su música captura un amplio espectro de emociones humanas: el desamor, la resiliencia y la belleza efímera de los momentos cotidianos.
Su más reciente sencillo, “sydney”, es una emotiva canción de alt-pop que combina delicadas líneas de piano, suaves capas de cuerdas, armonías etéreas y percusión sutil. El tema aborda la dificultad de despedirse o lamentar a alguien que aún está vivo, un sentimiento doloroso que Avalon transforma en una experiencia musical conmovedora y profundamente personal.
La artista comparte la historia detrás de la canción: “Escribí ‘sydney’ sobre mi amiga de la infancia. Nos conocimos en el jardín de niños y fuimos inseparables durante 11 años. De repente, nuestra amistad terminó y, siendo una adolescente de 16 años, no sabía cómo procesar esa pérdida tan significativa. Evité mis sentimientos. Años más tarde, en un momento difícil, empecé a llorarla. Conducía frente a su casa y me disculpaba con nadie, sintiéndome muy avergonzada. Para liberar esa culpa, me senté al piano y canté: ‘I drove past your house, crying’, y así nació el primer verso. Su nombre es realmente Sydney, y sé lo vulnerable que eso me hace, pero la libertad creativa y emocional exige vulnerabilidad”.
Avalon describe “sydney” como un tiempo cápsula de sus emociones, así como una carta de amor, una disculpa y un adiós pendiente a alguien que siempre llevará en su corazón. La canción refleja la autenticidad que caracteriza a Avalon, convirtiéndose en un recordatorio de que sentir profundamente, incluso cuando duele, es parte de la belleza de ser humano: “Creo que el dolor hace florecer las flores más hermosas”.
Con “sydney”, Avalon combina honestidad emocional, producción elegante y una sensibilidad lírica que conecta con la experiencia humana de manera única. Más allá de la música, Avalon se interesa por la fotografía cinematográfica y la filantropía, manteniendo siempre un vínculo cercano con sus seguidores.
Stinkus emerge como una bocanada de aire fresco para el productor y compositor Tyler Thompson, el nombre Stinkus surgió de una broma personal, un apodo que evolucionó de “Tink” a “Tinkus” hasta convertirse en el alias con el que Tyler decidió firmar su obra más auténtica. “Quería algo que no sonara serio, algo que me recordara que esto debía ser divertido”, comenta.
Tras años en el mundo del pop y la producción comercial, Thompson atravesó una ruptura que lo empujó a reinventarse. Así nació 23, su álbum debut, un trabajo visceral y profundamente introspectivo que explora la pérdida, la ansiedad y la libertad emocional con una mezcla de grunge, dream pop y lo-fi.
Grabado en solitario, el disco se siente como un diario abierto, lleno de texturas imperfectas y momentos de pura vulnerabilidad. La prensa lo describió como “una obra cálida, liberadora y sorprendentemente relevante”, destacando su capacidad para convertir el caos interno en algo luminoso.
Para su siguiente etapa, Stinkus decidió aislarse en una cabaña en el norte de Michigan, donde durante dos semanas grabó su nuevo material, incluyendo los sencillos “Holy Virgin” y “Plastic Blue.” En ese entorno silencioso, entre frío, árboles y equipos análogos, encontró el espacio perfecto para seguir experimentando con sonidos y estados de ánimo.
Influenciado por artistas como Alex G, Pinegrove y MJ Lenderman, Stinkus crea un universo sonoro donde las guitarras desafinadas, los coros saturados y los arreglos inesperados conviven con una sensibilidad melódica casi pop. El resultado es una música que suena íntima pero expansiva, imperfecta pero llena de verdad.
“Soy bipolar y tengo TOC, así que mi gusto cambia constantemente”, dice Tyler. “Pero grabar todo en el mismo lugar hace que, aunque las canciones sean distintas, se sientan conectadas. Son distintos estados de ánimo, pero el mismo yo.”
El Track x Track de “I love you, trackstar”
1. “Plastic Blue”
Este arranque abre el álbum con energía ansiosa y una mezcla ecléctica que combina bedroom-pop, indie electrónico y una vibra casi caótica de grunge suave. Desde la primera línea “painting my nails the colour of recycling bin” se percibe la ironía y el detalle cotidiano elevado a metáfora. La producción, realizada en la cabaña de Michigan, aprovecha el entorno aislado para dar una textura cruda pero pulida al mismo tiempo: guitarras que crujen, sintetizadores que emergen como ráfagas, coros que se elevan a un clímax casi frenético. En el álbum sirve como declaración de intenciones: Stinkus no teme mezclar lo íntimo con lo épico, a la vez que nos sorprende por la evolución del sonido del proyecto respecto a su anterior disco.
2. “Falling in Love” ft. Ocean LeClair
La colaboración con Ocean LeClair introduce una dinámica distinta: aquí hay apertura, vulnerabilidad y melodía más clara. La voz invitada aporta un contrapunto al tono algo nervioso de Stinkus, permitiendo que la canción respire y se extienda en direcciones soñadoras. La letra explora el tropiezo de enamorarse mientras uno se debate con sus propias dudas y patrones: ese momento de desprenderse de defensas, dejar que alguien entre, pero sin perder el pulso de uno mismo. Sonoramente, se equilibra entre sintetizadores suaves y guitarras ligeras, apuntaladas por un ritmo que avanza con determinación sin renunciar a momentos de pausa reflexiva. En el contexto del disco aparece como el primer gran “respiro” emocional tras la euforia de “Plastic Blue”.
3. “Only When It Comes to You, I Guess”
Con un título que suena casi confesional, esta pista profundiza en el territorio de la auto-observación: ¿Cuándo realmente entregas tu corazón? ¿Solo cuando la circunstancia lo exige? al final sugiere duda, vacilación. La música acompaña ese estado con acordes que se deslizan lentos, una atmósfera ligeramente etérea, y un tempo algo más moderado que las canciones anteriores completamente sumergido en el Bedroom Pop. Las guitarras pueden sonar un tanto distantes, los planos vocales cercanos, generando intimidad. En el álbum funciona como el puente entre la emoción externa y la introspección, un momento para mirar hacia dentro, ponderar lo que se siente y lo que se dice.
4. “Casino”
“Casino” con una base rítmica más marcada, un pulso que poco a poco va explotando, los sonidos de los platillos y elementos acusticos marcas esta sensación organica que nos encanta. En esta canción Stinkus parece hablar de relaciones, expectativas y pérdidas. La producción mantiene esa estética cruda-refinada: un poco de distorsión, un poco de clara melodía pop, y un ambiente que sugiere salir al filo.
5. “Curiously Intent, (Underdog)”
Este título sugiere curiosidad y propósito, mezcla rara que implica observar y actuar al mismo tiempo. La pista se sumerge en ese deseo de entender al otro o entenderse a uno mismo, sonoramente Stinkus nos sumerge en capas de guitarras acusticas y un ambiente ligeramente reverberado, quizás momentos instrumentales que se extienden. En el marco del álbum, “Curiously Intent” puede servir como el momento de transición medio, donde la energía alta baja un poco para dar paso a una exploración más intensa, preparando el terreno para las canciones que siguen.
6. “I Love You Trackstar”
El tema que le da nombre al álbum representa probablemente el núcleo conceptual de la obra. Un “trackstar” podría referirse a alguien que navega por pistas (musicales, emocionales), que corre, que brilla, quizá alguien que arriesga. “I Love You Trackstar” suena como declaración, como reconocimiento a ese tipo de persona o a ese impulso interno. La canción juega con nuevos elementos, como los son sintetizadores super brillantes, voces procesadas con capas de filtros y una sensación pop que nos encanta. Aquí Stinkus une su deseo de libertad creativa con la emoción cruda del amor, de bien o mal, de arriesgarse. En el álbum aparece en un lugar estratégico: después de haber explorado distintas facetas, este es el momento de reunirlas y presentarlas en un solo pulso.
7. “Still (Interlude)”
El interludio funciona como pausa, como respiro. Tras la canción título, esta pieza nos da remembranza a un sonido lleno de guitarras, con arreglos que facilmente pudiecen venir en el clasico album de American Footbol. La canción sirve para conectar la primera mitad del álbum con la segunda, recalibrar la atención y preparar el terreno para los temas que vendrán.
8. “Holy Virgin”
Uno de los sencillos destacados del álbum: mezcla de dream pop con indie rock, inspiración de sus paseos por el vecindario mientras caminaba al perro, y la sensación de observar la vida cotidiana con ojos emocionales. La canción combina melodía luminosa con letras que tocan lo introspectivo: reflexionar sobre la inocencia o el renacer (“virgin” en el sentido simbólico), sobre la pureza de la experiencia antes de los filtros. Musicalmente, se apoya en sintetizadores, guitarras limpias, quizá coros etéreos. En el flujo del álbum, “Holy Virgin” representa la parte más accesible, quizá la más “hit-potencial”, pero sin perder la autenticidad que define a Stinkus.
9. “Bleeding Orange”
El título sugiere vulnerabilidad (bleeding) y al mismo tiempo un color que puede evocar atardeceres, calor, emoción. Esta canción nos lleva a un memoemnto de nostalgia, entre guitarras acusticas y esta doble voices que nos encanta del artista, con melodias agiles y una letra que poco a poco va pasando de lo nostalgico e intimo a una explosión de energia con un coro super pegajoso pero con la sensibilidad de un atardecer.
10. “Take That What You Want” ft. Lophiile
La colaboración con Lophiile trae otro color al álbum: un crossover entre el indie rock de Stinkus y las texturas electro urbanas de Lophiile. Musicalmente la canción nos sorprende con guitarras mas agresivas pero que son muy bien dijeridas en la canción y estilo de Stinkus, ofreciendo una expansión que ayuda a que el álbum no quede encerrado en un solo tono pero que tampoco pierde el sonido que venia construyendo. La letra sugiere permisividad (“toma lo que quieres”), quizá como un acto de liberación.
11. “Wide Eyed”
En este tramo del álbum, “Wide Eyed” enfoca la mirada hacia adelante, hacia lo que viene, quizá mezclando melancolía y esperanza. Sonoramente un tono mas sereno, el rasgeo de guitarras atmosféricas, voces suaves, y un pulso rítmico mas tranquilamente moderado, la canción representa el “amanecer” tras la tormenta: ves el mundo de nuevo, ojos abiertos.
12. “Coming to an End”
Llega el arco de cierre del disco la canción nos presenta riffs arriesgados, que van de los distorsionado a lo suave de una manera muy llevadera, los golpes de bateria marcan un groove interesante, mientras la voz toma un tona mas relajado y hablado, que le da su propia personalidad a la canción, para el final de la canción los ostinatos vocales y ell aumento en el BPM dan una sensación de crecimiento muy interesante.
13. “Maggie My Dog”
Con una guitarra que nos remonta a los iconos del Pop Punk de los dos mil, “Maggie My Dog” nos da un tono irreverente y divertido, una canción que, por el título, suena menor convencional, un momento de ternura, de pausa emocional, donde Stinkus rinde homenaje a una presencia fiel. En el álbum funciona como el gran respiro antes del cierre final, un gesto de humanidad, de humildad.
14. “The Oath”
La pieza final, “The Oath”, suena como compromiso, promesa, juramento. Un cierre poderoso pero sereno para el álbum: tras todo lo explorado, ansiedad, amor, juego, vulnerabilidad. Sonoramente, la canción recae en una balada acustica, con elementos vistos en el disco como las voces dobladas, un coro sumamente emocional, y un estilo de producción super consolidado.
Con I love you, trackstar en el horizonte, Stinkus no teme mostrar sus contradicciones. Su música es un reflejo del presente, donde la melancolía y la ironía pueden coexistir.
