El cantante y compositor neoyorquino Sam Setton nos presenta su nuevo sencillo “MADRID”, una pieza que explora las complejidades de una relación a distancia con un enfoque fresco y emocionalmente profundo. Inspirado por su propia experiencia entre Tel Aviv y Nueva York, Setton plasma en la canción la frustración de la separación, la ansiedad de los videollamadas interminables y la esperanza de encontrarse en un punto intermedio, simbolizado por la ciudad de Madrid.
Musicalmente, “MADRID” combina la energía del Light Drum and Bass con los elementos cálidos y melódicos del Contemporary R&B, logrando un equilibrio perfecto entre dinamismo y sensibilidad. Desde los primeros compases, la canción transporta al oyente a un viaje sonoro lleno de paisajes emotivos, donde la electrónica acompaña los latidos del corazón y los susurros de la voz de Setton recrean la intimidad de una conexión que desafía la distancia. Destacan momentos como el minuto 1:48, donde la producción alcanza un clímax que refleja tanto el impulso de seguir adelante como la aceptación de los errores y dificultades pasadas.
El track no solo refleja la tensión emocional de la distancia, sino que también celebra la esperanza y la perseverancia del amor, haciendo que el oyente se sumerja en un relato sensorial y reflexivo. “MADRID” es un claro ejemplo de cómo Sam Setton logra combinar pop alternativo y dance pop con narrativas personales, creando un sonido que es a la vez íntimo y expansivo, introspectivo y bailable.
Con este sencillo, Sam Setton reafirma su capacidad para transformar experiencias personales en música emotiva y cautivadora, mostrando un dominio impecable de la producción y una sensibilidad lírica que conecta directamente con quienes han vivido la tensión y la belleza de un amor a distancia. “MADRID” no es solo una canción, es un viaje que invita a sentir, reflexionar y moverse al ritmo de las emociones.
La artista Lorensa, con base en Los Ángeles, continúa abriendose camino dentro del R&B contemporáneo y el dark pop con el lanzamiento de su nuevo single “Hesitating”. La canción combina un R&B sensual y cálido con elementos de pop alternativo y dark pop, creando un sonido híbrido que destaca por su autenticidad y riqueza emocional.
En Hesitating, Lorensa coloca su voz como centro absoluto de la canción, ofreciendo una interpretación intensa y cautivadora. La letra aborda la compleja tensión entre el deseo y la duda, explorando la lucha entre mantener algo casual y sucumbir a una conexión más profunda y complicada. Esta narrativa es reforzada por una producción sofisticada que incluye sintetizadores expansivos, ritmos groovy y toques de trap, elementos que aportan dinamismo y modernidad al tema.
La cantante demuestra, una vez más, su capacidad para transformar emociones íntimas en música. Su interpretación rica y soulful permite que cada escucha se sumerja en un viaje sonoro lleno de alma, sensualidad y emoción, consolidando a Lorensa como una artista que no necesita presentación: su música habla por sí misma.
Open Road Folk Music surge como una propuesta que apuesta por la pausa, la contemplación y la conexión con la naturaleza. El proyecto, liderado por el compositor y cantautor Tim Janis, encuentra en Mountain Lullaby una de sus expresiones más honestas y emotivas hasta la fecha.
Mountain Lullaby se desarrolla dentro del folk acústico, pero va más allá de las estructuras tradicionales del género. La canción se construye a partir de guitarras cálidas y delicadas, sobre las que se despliegan melodías suaves y una voz serena que guía al oyente a través de un paisaje sonoro íntimo y envolvente. Cada elemento está colocado con intención, permitiendo que el silencio y la sencillez también formen parte del discurso musical.
Uno de los aspectos destacados del tema es la incorporación de arreglos de cuerdas de inspiración clásica, que aportan una dimensión cinematográfica sin romper la atmósfera de calma. Estos elementos orquestales refuerzan la carga emocional de la canción y convierten la escucha en un viaje sensorial que evoca montañas, bosques abiertos y momentos de introspección profunda.
La inspiración detrás de Mountain Lullaby nace de la vida en contacto con la naturaleza y de la búsqueda de claridad interior. Según el propio Janis, la canción funciona como una invitación a admirar las Montañas Rocosas de Colorado y a reconectar con una forma de vida más consciente y pausada. Esta narrativa se traduce en una composición que transmite libertad, pertenencia y una sensación de refugio emocional.
Mountain Lullaby se presenta como una experiencia pensada para acompañar momentos de contemplación, caminatas al aire libre o instantes de calma personal. Es una pieza ideal para playlists de folk alternativo, música ambiental o sonidos para la reflexión.
Tunacola continúa expandiendo el universo de La Casa Iluminada con el lanzamiento de “Día 440 – Tepoztlán”, el sexto sencillo de su quinto álbum y, al mismo tiempo, una nueva jugada dentro de un ambicioso proyecto que une música y juego de mesa. Bajo este concepto, Ricardo Luna alias Tunacolaconvierte el proceso creativo en una experiencia lúdica: cada canción nace a partir de reglas, restricciones e instrucciones definidas por un tablero, dados y casilleros que marcan el rumbo de la composición y la producción.
El título no es casual. Día 440 señala el momento exacto del recorrido desde el inicio del juego, el día 0, una travesía que se extenderá hasta el día 1835, completando cinco años de creación continua. Cada lanzamiento funciona como una entrada de diario musical, y Tepoztlán se presenta como una postal emocional dentro de ese viaje prolongado y consciente.
En lo sonoro, la canción recupera la faceta más cálida y pop de Tunacola. Entre sintetizadores envolventes, un delicado cuarteto de cuerdas, baterías interpretadas por el propio Richi y guitarras a cargo de Matías Tigre, Día 440 – Tepoztlán construye un paisaje nostálgico que acompaña una reflexión íntima: crecer, dejar atrás etapas y aceptar que el espíritu salvaje de la juventud ya no se manifiesta igual, aunque su aullido siga resonando en algún rincón interno.
La letra y la atmósfera invitan a mirar hacia atrás sin caer en la melancolía paralizante, entendiendo el paso del tiempo como una transformación inevitable. Esa mezcla de añoranza y serenidad convierte a la canción en uno de los momentos más emotivos del proyecto hasta ahora.
Paralelamente, La Casa Iluminada continúa desarrollándose también como objeto físico. El juego de mesa está siendo diseñado por Edu Leblanc para su futura presentación al público, con la intención de que músicos, aficionados y curiosos puedan experimentar de primera mano esta forma alternativa de creación.
El dúo venezolano Maiah & Gabriel continúa construyendo, canción a canción, uno de los proyectos independientes más singulares del pop alternativo actual. Con Palíndromo, su nuevo single, presentan el segundo capítulo de un álbum conceptual que avanza sin disquera, sin equipo externo y con una premisa clara: crear desde la honestidad absoluta, documentando cada paso ante una comunidad que ya supera el millón de seguidores en redes.
Después de Blanco & Negro su debut de atmósfera electrónica y estética cuidada, que acumula más de 100 mil reproducciones en YouTube, Palíndromo se repliega hacia lo esencial. Construida únicamente con piano y voz, la canción es un ejercicio de minimalismo emocional que destila fragilidad, silencio y pausa, dialogando con la herencia melancólica de Mecano, Depeche Mode y The Smiths.
La historia detrás del tema atraviesa la canción de principio a fin. Palíndromo fue escrita por Gabriel en un momento de pérdida personal profunda, cuando dos de sus amigos más cercanos fallecieron con pocos meses de diferencia. Desde ese dolor nace una reflexión universal: la búsqueda de refugio en el amor cuando el mundo se derrumba. Lejos del dramatismo explícito, la canción encuentra su fuerza en la contención y en la vulnerabilidad, dejando espacio para que el oyente se reconozca en ella.
Como es habitual en el proyecto, el universo visual es inseparable de la música. El videoclip de Palíndromo fue filmado, dirigido y producido íntegramente por Maiah & Gabriel, sin crew, y concebido como un monólogo en plano secuencia, desnudo de artificios. La estética bebe del cine de autores como Wim Wenders, Wong Kar-wai, Ingmar Bergman y David Lynch, reafirmando su rechazo a lo inmediato y lo prefabricado en favor de una nostalgia consciente, casi militante.
Palíndromo forma parte de una obra mayor: un álbum que dialoga con la deconstrucción del romance contemporáneo, una película narrada a través de cada videoclip y una serie documental que muestra, sin filtros, el desafío de crear arte independiente en un contexto dominado por la inmediatez y los algoritmos. Todo el proceso se comparte de forma constante con su comunidad en Patreon, reforzando un vínculo directo entre obra y público.
Con más de veinte años de vida y creación compartida, Maiah & Gabriel atraviesan una de sus etapas más honestas y expuestas. Palíndromo no es solo una canción: es una confesión, una carta de amor y un refugio emocional en tiempos de ruido y colapso. Una prueba más de que, incluso en la fragilidad, el amor y la creación pueden seguir siendo un acto de resistencia.
El productor y compositor radicado en Rotterdam som som regresa con “Rapture”, un single que convierte la angustia existencial en una experiencia catártica y bailable. Entre el indie disco, el alt-dance y el pop hipnagógico, la canción funciona como un escape luminoso en medio de un mundo que parece debatirse constantemente entre el colapso y la rutina.
“Rapture” explora la idea de nuestra supuesta inmortalidad, la negación del fin y esa elección casi inconsciente de vivir el presente incluso cuando el futuro se siente incierto. Con una base rítmica envolvente y texturas soñadoras, el tema captura una sensación muy propia de estos tiempos: no saber si estamos ante el fin del mundo o simplemente frente a otro viernes por la noche. En cualquier caso, som som propone una respuesta clara: bailar a través del caos.
El single entre euforia y melancolía, sintetizadores difusos, grooves hipnóticos y una producción cuidada construyen un paisaje que invita tanto a la pista de baile como a la introspección nocturna.
Como artista, som som se ha caracterizado por crear música indie introspectiva y pegajosa, donde las atmósferas etéreas se combinan con una narrativa emocional honesta. Su proyecto avanza constantemente empujando los límites del indie pop, incorporando elementos del rock alternativo y la electrónica sin perder una identidad personal muy marcada.
La cantante y compositora canadiense Sara Diamond, cuatro veces nominada al GRAMMY, atraviesa uno de los momentos más significativos de su carrera con el lanzamiento de “Mother”, una canción íntima y profundamente humana que ha conectado con audiencias del mundo.
El origen del tema es tan honesto como su resultado final. A finales del mes pasado, Sara comenzó a escribir “Mother” con una intención clara: crear algo completamente verdadero. Sin filtros ni artificios. Durante el proceso, compartió fragmentos en bruto en TikTok e Instagram, sin imaginar el impacto que tendrían. En cuestión de días, los clips superaron más de 1.2 millones de reproducciones en Instagram y 500 mil en TikTok, confirmando que la canción estaba tocando una fibra profunda.
Impulsada por esa respuesta, Sara terminó la canción ese mismo fin de semana. El resultado es una pieza despojada y emocionalmente arrolladora, construida sobre un piano contundente y una producción sutil que deja espacio absoluto a su voz. En “Mother”, Sara canta sobre la fuerza heredada entre generaciones de mujeres, los sacrificios silenciosos, la memoria y la libertad. Es una especie de promesa: vivir de una manera que honre la lucha y la fe de quienes vinieron antes.
A nivel interpretativo, su voz suena firme, contenida y, al mismo tiempo, profundamente vulnerable. No hay excesos ni dramatismos forzados: cada nota parece nacer desde la necesidad real de decir algo importante.
Tras el lanzamiento, Sara compartió un mensaje que resume el espíritu de “Mother”: “Estoy increíblemente conmovida por la reacción a ‘Mother’… sus comentarios y videos me han hecho llorar lágrimas de dolor y de alegría al mismo tiempo. La música tiene el poder de sanar, y es un honor que algo que pude canalizar haya tenido este impacto en ustedes.”
“Mother” es una declaración artística, un acto de memoria y una muestra clara del poder que tiene la música cuando nace desde la verdad. Una pieza que no se escucha únicamente con los oídos, sino con la historia personal de cada quien.
Detrás de Baydream hay un universo creativo en constante expansión, donde la música funciona como un reflejo de emociones, sueños y mundos imaginarios. Originario de Hamburgo, el proyecto nació de la necesidad de explorar lo etéreo y lo introspectivo, fusionando influencias de indie, dream pop, electrónica y post-punk para crear un sonido que trasciende géneros.
El proyecto regresa con su más reciente lanzamiento: el EP Tragic Magic. Con este trabajo, el artista continúa explorando los límites del indie contemporáneo, fusionando géneros y construyendo un sonido que es a la vez introspectivo y envolvente.
Tragic Magic combina melodías etéreas con ritmos experimentales, creando un viaje que alterna entre momentos de introspección y explosiones de energía. Cada pista está cuidadosamente elaborada para sumergir al oyente en un universo sonoro donde coexisten el indie rock, el dream pop y elementos electrónicos, acompañados de letras que reflexionan sobre la complejidad de las emociones humanas.
El Track x Track de Tragic Magic
Insomnia
Insomnia abre el EP con una atmósfera delicada y minimalista, combinando sintetizadores dreamy y atmosfericos con percusiones digitales que simulan la sensación de vigilia constante. La producción juega con capas de texturas electrónicas y guitarras ambientales, mientras la voz principal transmite una sensación de quietud y somnolencia, estableciendo el tono melancólico y reflexivo del EP, con una paleta de sonido muy clasicos de dream pop y bedroom pop el proyecto nos adentra poco a poco en su mundo.
A Rose from the Dead
El segundo track continúa con sintetizadores etéreos que evocan dramatismo y elegancia. La canción equilibra momentos de delicadeza con bajeos que colorean y dan movimiento al track, mientras las letras sugieren nostalgia y tensión entre lo perdido y lo recuperado.El EP tiene un tinte muy digital, perfecto para los amantes del Lo-Fi y los sonidos caseros.
Thunder | So Gone
Thunder | So Gone nos mantiene en la misma linea que canciones anteriores, drums digitales, guitarras atmosfericas y una voz con tesitura grave, que va evolucionando a traves de melodias dulces en los sintetizadores.
Hollywood
¡Con Hollywood tenemos justo algo diferente! y que estabamos esperando, con un enfoque mas atmosférico, los sintetizadores brillantes y ritmos marcados que evocan luna calma muy interesante dentro de la industria del entretenimiento. La producción nos acerca a una voz con un tunning diferente en la voz, que especificamente en este track nos encanta por ser sutil y alejarse de las cacniones anteriores, hasta ahora nuestro track favorito del disco.
Loot All
El siguiente track apuesta por un sonido más rítmico y energetico sin romper la taciturnidad del EP, con un groove marcado y elementos mas guitarreros logran generar tensión y movimiento. Las líneas vocales juegan con cadencias irregulares, mientras los arreglos nos hacen mover la cabeza ligeramente en una atmosfera super eterea.
Luise
Llegando casi al final del EP Luise adopta un tono más íntimo y melódico, con guitarras suaves, sintetizadores envolventes y una atmósfera nostálgica que invita a perdernos en melodias dulces y juguetonas. La canción resalta la vulnerabilidad del relato lírico, con vocalizaciones delicadas que transmiten cercanía y sensibilidad.
Islands
Islands cierra el EP con un enfoque en el groove, combinando paisajes sonoros abiertos. La instrumentación es gradual y texturizada permite que la voz principal emerja con claridad en lo etereo, mientras la estructura musical y los arreglos finales refuerzan el sonido y conclusión para la personalidad sonora de Tragic Magic.
El EP abre con temas que capturan la esencia melancólica de Baydream, con capas de sintetizadores y guitarras que fluyen sobre percusiones digitales y groovies, mientras que los tracks centrales muestran la versatilidad del proyecto, mezclando sintetizadores pegajosos con atmósferas dreamy.
Con Tragic Magic, Baydream ofrece un trabajo que es tanto experimental como accesible, y que promete seguir expandiendo su universo creativo en cada lanzamiento.
Dax, el artista de 26 años originario de Canadá, continúa consolidando su estilo personal con “Diary Of A Trying Man”, uno de sus lanzamientos más introspectivos hasta la fecha. La canción, incluida en su álbum From A Man’s Perspective, se presenta como un diario sonoro donde el rapero transforma una ruptura amorosa en una reflexión íntima sobre esfuerzo, vulnerabilidad y crecimiento personal.
Desde los primeros compases, la producción minimalista de LexNour Beats crea un ambiente melancólico que deja espacio para que la voz de Dax se muestre desnuda y sincera. Cada línea transmite la lucha interna del artista por superar recuerdos dolorosos y la sensación de no haber sido “suficiente”, mientras recuerda noches de desvelo y momentos de confusión emocional. La narrativa de la canción refleja un proceso de autoconfrontación y aceptación, donde se reconoce la importancia del intento, incluso cuando los resultados no son los esperados.
El estribillo, repetido a lo largo de la canción con la frase “I tried”, funciona como un mantra de resiliencia. Más que un lamento, es un reconocimiento del valor del esfuerzo y de la perseverancia frente a las dificultades. Vocalmente, Dax se mantiene contenido, evitando la exageración, lo que potencia la autenticidad de la pieza y permite que los oyentes conecten profundamente con la emoción cruda del relato.
“Diary Of A Trying Man” no es solo una canción sobre ruptura, sino un ejercicio de introspección y reconstrucción personal. Con este lanzamiento, Dax reafirma su capacidad de transformar lo íntimo en universal, mostrando un lado humano y vulnerable que resuena con quienes han enfrentado decepciones, aprendizajes y la constante búsqueda de ser mejores.
Si quieres experimentar la honestidad emocional de Dax, este sencillo se convierte en una escucha imprescindible para adentrarse en su mundo y comprender la fuerza que puede surgir del intento constante.
La cantautora puertorriqueña Yari M. llega al pop latino con el lanzamiento de su álbum debut, Momentos. Con una propuesta musical que fusiona Latin pop, R&B, afrobeat y ritmos urbanos, creando un sonido propio que refleja su identidad artística y su visión innovadora dentro de la música latina contemporánea.
El álbum, llega tras su EP Yo Soy, incluye singles que ya han capturado la atención del público, como “Última Vez” y “Sin Ti”, este último alcanzando el No. 1 en República Dominicana. Cada tema de Momentos ofrece una narrativa emotiva, explorando sentimientos de alegría, nostalgia, desamor y celebración, consolidando la capacidad de Yari M. para conectar con sus oyentes desde la vulnerabilidad y la autenticidad.
“Momentos es un reflejo de quién soy, de mis vivencias y de cómo la música puede contar historias que trascienden fronteras_”, comenta la artista. Su voz combinada con producciones contemporáneas y arreglos cuidadosamente elaborados, logra un equilibrio entre lo emotivo y lo bailable, ideal para el público que busca tanto intensidad emocional como diversión musical.
Con Momentos, Yari M. marca un nuevo capítulo en su trayectoria, confirmando su lugar dentro del pop latino contemporáneo y su compromiso con la música honesta y emocional.
