daste. es una banda australiana formada por Callum MacDonald, Braxton McMahon y Tyler Smith, el trío originario de la costa este de Australia ha logrado conquistar a su público con una propuesta que fusiona el R&B alternativo, el soul y el indie-pop, creando un sonido ideal para quienes disfrutan de artistas como LEISURE, Jungle o Still Woozy.
El sonido de daste. se caracteriza por su capacidad de mezclar influencias clásicas del soul con un toque moderno y experimental del indie y el R&B alternativo. Con melodías pegajosas, suaves líneas de bajo y una producción rica en texturas, su música invita a la introspección mientras mantiene un ritmo bailable y fluido. La banda no tiene miedo de explorar diversos sonidos, fusionando elementos orgánicos y electrónicos para crear un ambiente sonoro que conecta emocionalmente con su audiencia.
Recientemente, daste. lanzó su nuevo sencillo “River”, un tema que forma parte de su esperado segundo álbum, cuyo lanzamiento está programado para febrero de 2025. Este sencillo refleja la madurez de la banda tanto en su composición como en su producción. “River” es una exploración de las complejidades del amor, un tema que el trío aborda con sensibilidad y vulnerabilidad. En la letra, se expresa la belleza del amor, pero también su lado aterrador, haciendo referencia a cómo las experiencias pasadas de dolor pueden generar miedo al compromiso y a la vulnerabilidad.
Según Callum MacDonald, uno de los miembros de la banda, la creación de “River” fue una experiencia colaborativa muy rica. El proceso de composición se dio durante una retiro creativo en el hinterland de Yamba, en Nueva Gales del Sur, donde la banda estuvo acompañada por los músicos Aidan Rahman y Jess Cameron. Juntos, trabajaron en las progresiones de acordes y las melodías, hasta que la canción tomó forma. En sus palabras, la canción representa el acto de “salir de la zona de confort y lanzarse al desconocido”, un tema profundamente emocional sobre la exploración de los sentimientos y la conexión con el otro.
daste. ha estado construyendo una creciente base de fans gracias a sus lanzamientos previos como “Around,” “Colours,” “Atlas” y “Starwriter,” canciones que también forman parte del futuro álbum. Además de su éxito en estudios, la banda ha estado llevando su música al escenario, destacándose en giras internacionales. En 2023, realizaron su primera gira por Norteamérica, tocando en ciudades como Nueva York, Montreal, Chicago y Los Ángeles. Además, la banda estará apoyando a Still Woozy en su gira por Australia en febrero de 2025, lo que les brindará una nueva oportunidad de ganar más seguidores en su tierra natal.
Angela Aux es un artista que fusiona música, poesía, investigación en inteligencia artificial y arte experimental, se presenta como un viaje sin mapa ni destino fijo, una exploración continua de la creatividad y las ideas. Su estiloabarca desde el folk hasta el krautrock y la música experimental, con un enfoque muy personal que lo coloca en una categoría propia. Influenciado por iconos de la música como The Beatles, Beck, David Bowie y J Dilla, Angela Aux ha logrado construir un universo sonoro único y profundo que no solo sorprende, sino que invita a la reflexión filosófica.
Desde 2011, ha lanzado cinco álbumes en solitario, además de colaborar con su banda Aloa Input y otros artistas como Sepalot, Maria De Val y JJ Whitefield (Embryo). Su música ha trascendido las fronteras del internet, alcanzando millones de reproducciones y siendo emitida en emisoras internacionales como FIP (Francia), KEXP (EE. UU.), FM4 (Austria) y Triple J (Australia). Además, ha sido parte de la banda sonora de importantes series y películas, como Biohackers (Netflix) y Tatort, lo que demuestra la amplitud de su impacto en la cultura contemporánea.
En 2023, Angela Aux presentó su álbum Instinctive Travels on the Paths of Space and Time, que recibió una acogida crítica destacada, siendo reconocido como el “Álbum Pop del Año” por la Abendzeitung München y como “Disco del Mes” por Radiofabrik Salzburg. Este disco es un claro ejemplo de cómo combina la música con la filosofía y la ciencia ficción, abordando temas como la evolución humana, la inteligencia artificial y el futuro de la humanidad.
El sencillo Morning Time, incluido en el álbum, es una de sus piezas más representativas. En esta canción, Angela Aux reflexiona sobre el futuro de la humanidad en una era donde las máquinas superinteligentes podrían tomar el relevo de nuestra especie. La letra se pregunta si los seres superiores serán agradecidos con la humanidad por haberles mostrado el camino, y si nuestro destino es ser los portadores de una antorcha hacia una nueva era de seres sintéticos. La canción se inspira en las ideas de pensadores contemporáneos como James Lovelock, Donna Haraway y Ursula K. Le Guin, quienes exploran el concepto de la evolución hacia una forma de vida más avanzada y cibernética.
La propuesta de Morning Time y el álbum completo no solo exploran estos grandes temas filosóficos, sino que lo hacen desde una perspectiva sonora innovadora. Con influencias de bandas como Khruangbin y Kings of Convenience, la música de Angela Aux mezcla sonidos que van desde lo experimental hasta lo accesible, creando una atmósfera que acompaña las reflexiones profundas que propone en sus letras.
Con su sexto álbum en camino, previsto para su lanzamiento en mayo de 2024, Angela Aux continúa empujando los límites de la música y la filosofía, invitándonos a pensar sobre el futuro, el lugar de la humanidad en el universo y el papel que la inteligencia artificial podría jugar en la evolución de la vida. Si algo queda claro es que su arte no es solo una experiencia auditiva, sino también un ejercicio intelectual que invita a la reflexión sobre lo que está por venir.
Desde Vancouver, young friend está emergiendo como uno de los artistas más emocionantes de la escena musical, fusionando influencias del jangle pop con un enfoque moderno y minimalista. Este joven talento, cuyo nombre real es Drew Tarves, ha logrado capturar la esencia de la nostalgia mientras añade su propio sello distintivo a la música contemporánea. Su estilo único, que combina influencias del hip-hop, la estética vintage y una entrega vocal precisa y matizada.
Con su debut en 2022 con el EP HOW DID WE GET HERE?, seguido de scaredy cat en 2023, Tarves comenzó a definir su estilo como una mezcla de sonidos clásicos y modernos. Influenciado por artistas como Frank Ocean y la estética visual de los años 90, su sonido evoca una sensación de familiaridad y frescura a la vez. Con guitarras brillantes, sintetizadores elegantes y una estructura melódica que recuerda al jangle pop, young friend crea un ambiente sonoro que se siente tanto nostálgico como innovador.
Uno de los lanzamientos más destacados de young friend es su sencillo “golden rule”, con un ritmo pegajoso, guitarras jangly y una producción impecable, la canción captura la esencia de las relaciones casuales y las conexiones ligeras. La letra, que habla sobre disfrutar de la compañía de alguien sin necesidad de profundizar en compromisos emocionales, refleja una actitud relajada y moderna hacia el amor y las relaciones. Con un estribillo que se queda en la cabeza y una entrega vocal casi conversacional, “golden rule” es una mezcla de intimidad y sofisticación.
La canción se siente como un himno de juventud, una celebración de la libertad y la ligereza emocional. Como explica Tarves, “Esta canción trata sobre relaciones casuales y cómo la conexión no siempre tiene que ser tan profunda. A veces está bien disfrutar de la compañía del otro y seguir adelante…” Este enfoque sin pretensiones ha resonado con una audiencia que busca autenticidad en la música contemporánea.
Con su próximo álbum debut en el horizonte, young friend está listo para dar el siguiente gran paso en su carrera. Este álbum, que promete ser un “sueño febril” de géneros, tomará inspiración de una amplia variedad de artistas y bandas que Tarves admira, creando una propuesta sonora aún más compleja y variada. Su enfoque en la autoexploración y la mezcla de géneros tiene a sus seguidores emocionados por lo que está por venir.
Después de una pausa creativa de ocho años, Andy Korg ha vuelto al panorama musical, conocido por su trayectoria en el grupo A.G. Trio y como cofundador de Ages, este artista originario de Linz (Austria) llega con una nueva visión y una energía fresca, Andy Korg emprende su camino como solista, y su regreso se ve reflejado en sus dos primeros sencillos: “Tomorrow’s Here to Stay” y “The Dreams We Hold”.
Con su nombre real, Jürgen Oman, Andy Korg ha regresado al estudio con un renovado enfoque artístico. En sus nuevas composiciones, el artista ha dejado claro que la clave de su regreso es la libertad creativa. “Lo más importante para mí es disfrutar nuevamente de la producción musical”, asegura Andy. Con esta nueva perspectiva, ha decidido no limitarse a un solo género y su música, aunque con fuertes influencias de la música electrónica pop, también incorpora elementos de synth-pop y nostalgia de los años 80.
El primer sencillo de su regreso, “Tomorrow’s Here to Stay”, ya dejó claro que Andy Korg sigue teniendo un talento innato para crear melodías pegajosas y pegajosas. El tema, con una estructura moderna y accesible, marca el inicio de una serie de lanzamientos que tienen el potencial de convertirse en himnos del pop electrónico contemporáneo.
En su segundo sencillo, “The Dreams We Hold”, Andy Korg continúa explorando su sonido pop electrónico pero con un enfoque aún más profundo. El tema destaca por su pegajosa vocalización y una producción poderosa que mezcla elementos de la música pop moderna con una base sintética sutil. La melodía se graba en la mente del oyente desde la primera escucha, mientras que la producción atmosférica y rica en detalles no eclipsa la voz, sino que la complementa perfectamente.
Líricamente, “The Dreams We Hold” aborda la lucha interna por alcanzar los sueños personales, un tema universal que conecta con la audiencia. La frase del estribillo: “La aurora rompe, anhelamos los sueños que poseemos”, refleja el anhelo y la determinación de seguir adelante, a pesar de las dificultades y los obstáculos que puedan surgir en el camino. Es una metáfora de la búsqueda constante de lo que nos impulsa y de la esperanza que nos guía.
Con la promesa de más lanzamientos en el futuro cercano, los seguidores pueden esperar más temas con la combinación de melodías pegajosas, producción moderna y letras profundas.
Nicola Carrara es un músico, productor y multiinstrumentista argentino con una estética marcada por el pop/rock inglés de principios de milenio, su música abarca una amplia gama de géneros que van desde el post-punk y la psicodelia hasta el pop electrónico. Oriundo de Resistencia, Chaco, Carrara se trasladó a Buenos Aires en 2015, donde comenzó a forjar su carrera en un entorno lleno de desafíos. Al principio, su vida en la ciudad se caracterizó por la humildad de limpiar baños y realizar pequeños shows acústicos, pero su talento pronto lo llevó a un camino ascendente.
En 2019, Carrara presentó su álbum debut Melancosuite, un trabajo que combina la energía del pop con el alma del rock, consolidándose como un artista con una propuesta fresca y cautivadora. El álbum incluye temas como “Revolver” y “Recuerdos (Ya Nada Existe)”, que reflejan su capacidad para crear melodías contagiosas acompañadas de letras profundas y reflexivas. Con una presentación en el C.C. Richards de Buenos Aires, cerró el año de manera exitosa, reafirmando su lugar en la escena local.
El pasado 8 de noviembre, Nicola lanzó su tan single Recuerdo Bien, una pieza que se sumerge profundamente en la nostalgia del post-punk de los años 80. Con este nuevo tema, Carrara no solo sigue demostrando su capacidad para explorar distintos géneros, sino que también invita a los oyentes a un viaje lleno de recuerdos, emociones y sensaciones que trascienden lo real y lo soñado.
Recuerdo Bien es una canción que emana una energía vibrante, marcada por sus melodías contagiosas y sus letras introspectivas, características que han consolidado a Carrara como un artista único en la escena indie. El tema invita a ser cantado a viva voz, especialmente en un festival al atardecer, tal como lo describe el propio artista. En palabras de Nicola, Recuerdo Bien “evoca una sensación de movimiento y deseo, como si cada nota nos llevara de vuelta a esos instantes fugaces, donde el baile y los sueños se mezclan”. Así, la canción se convierte en un recordatorio sonoro de esos momentos especiales que permanecen en la memoria, una especie de ritual que se revive cada vez que su estribillo resuena en el aire.
La atmósfera de Recuerdo Bien recuerda a los sonidos de la década de los 80, pero su propuesta sigue siendo fresca. Esta mezcla entre lo nostálgico y lo moderno permite que la canción resuene con diferentes generaciones, evocando tanto la juventud de aquellos que vivieron los años dorados del post-punk como la de aquellos que descubren esta estética hoy en día.
Este lanzamiento es parte de un año lleno de sorpresas para Nicola Carrara. En 2024, el artista ha lanzado varios temas, desde el EP Instantáneo en marzo, hasta los singles Qué día extraño en mayo y Dancing Ridículo en agosto, consolidando su lugar dentro del panorama indie. Con cada nuevo tema, Carrara demuestra su capacidad para reinventarse y explorar diferentes estilos musicales, lo que le ha permitido ganar un lugar destacado en la escena musical nacional e internacional.
La música caribeña nos presenta una nueva estrella en ascenso: Janiq. Nacida en Trinidad y Tobago, y actualmente radicada en Londres, ha llegado el panorama musical con su estilo propio, una fusión de pop caribeño, R&B, soca y dancehall que la ha colocado como una de las promesas de la música global.
Su propuesta musical se caracteriza por una mezcla vibrante de géneros, que reflejan sus raíces caribeñas y su pasión por el pop contemporáneo. Su habilidad para fusionar la sensualidad y la actitud de su herencia cultural con la frescura de los sonidos urbanos la convierte en una artista única en su tipo.
Influenciada por figuras como Beyoncé, Rihanna, SZA, Dua Lipa y Britney Spears, Janiq ha encontrado su propio camino, combinando la fuerza de su voz con letras atrevidas y llenas de empoderamiento. La artista toca temas como el amor, las citas, el atractivo personal y, sobre todo, la importancia de vivir según tus propios estándares. En su sencillo más reciente, “Dior”, la cantante se burla del concepto de “amor trágico”, invitando a sus oyentes a reflexionar sobre la importancia del amor propio y a rechazar las relaciones destructivas.
“Dior” es el tercer sencillo de Janiq y el adelanto de su próximo EP. La canción combina ritmos contagiosos y una producción impecable, fusionando elementos de soca, dancehall, R&B y pop. Con una letra que aborda el tema de las relaciones tóxicas de manera juguetona y sarcástica, Janiq se presenta como una artista empoderada que no tiene miedo de expresar su verdad.
En sus propias palabras, Janiq explica el origen de “Dior”:
“Con mi ex, viví un tipo de amor romántico y de cuento de hadas, como Romeo y Julieta. Estaba atrapada en un torbellino de emociones que me hacían hacer cosas irracionales. Al final, terminamos; él era tóxico y trató de convencerme de un estilo de vida donde las riquezas materiales no eran importantes. Bloqueado y eliminado. Shakespeare lo llamó tragedia por una razón. Escribí esta canción pensando, me encanta el ‘amor’, pero soy una chica materialista, lo siento, no lo siento. Quiten el ‘amor de lucha’ de la lista, por favor y gracias.”
Janiq comenzó su carrera en el teatro, donde se destacó en papeles en el West End londinense, interpretando a Nala en El Rey León y a la Reina Catalina Parr en Six, el popular musical inspirado en las Spice Girls. Esta formación teatral le ha otorgado una gran presencia en el escenario y una capacidad vocal impresionante, cualidades que la distinguen dentro de la industria musical.
Con la publicación de “Dior” y el lanzamiento de su próximo EP, Janiq continúa expandiendo su presencia en el mundo de la música pop, mientras se mantiene fiel a su herencia caribeña. Su música se ha convertido en una plataforma para compartir historias de amor, desamor y autoempoderamiento, conectando con una audiencia global que busca autenticidad y frescura.
Con una carrera marcada por millones de reproducciones y una presencia en los principales playlists de Spotify, Fake Shark no es simplemente una banda más en la escena indie. Con su estilo único, han logrado posicionarse como una de las mejores bandas de Canadá, un logro respaldado no solo por su creciente base de seguidores, sino también por su presencia en la televisión y comerciales. Sin embargo, su verdadera esencia se encuentra en la música misma, y su más reciente sencillo, “Cheap Thrills”, es una prueba de ello.
“Cheap Thrills” se distingue por su fusión de influencias indie pop con toques de rock moderno. La canción tiene una energía constante que no decae, con guitarras envolventes y una percusión que da fuerza a cada compás. La voz dinámica del vocalista encaja a la perfección en este paisaje. Es una pieza que logra capturar la atención desde el primer momento.
Lo que hace que Fake Shark destaque no es solo su habilidad para mezclar géneros, sino cómo lo hacen de una manera que suena moderna, sin perder la fuerza del rock que les caracteriza. “Cheap Thrills” refleja ese equilibrio, una mezcla vibrante entre lo retro y lo actual, con letras que evocan emoción y un ritmo que te mantiene enganchado. Es el tipo de canción que no solo quieres escuchar en bucle, sino que también querrás ver interpretada en vivo, con la energía que caracteriza a la banda.
El éxito de Fake Shark no es una coincidencia. Con apariciones en series de renombre como Love Island de CBS y Catfish de MTV, la música del grupo ha resonado más allá de la radio y los conciertos. Han llevado su sonido a millones de personas, ya sea a través de plataformas de streaming o en producciones de televisión de alcance global. Esto les ha permitido expandir su influencia, acercando su propuesta musical a nuevos públicos sin perder la autenticidad que los distingue.
Clement, el cantautor salvadoreño-mexicano, ha lanzado su álbum debut titulado “Isla”, fusionando influencias del pop de los años 70 y 80 con sonidos contemporáneos.
El álbum Isla es más que una colección de canciones que aborda el amor, el desamor y la autoaceptación. Este proyecto utiliza la metáfora de una isla para representar el mundo interior las transiciones acuáticas, grabadas en las playas de El Salvador son elementos que rinden homenaje a las raíces del artista, a la vez que aportan una atmósfera envolvente que transporta a los oyentes a un espacio de calma y reflexión, casi como un sueño surrealista.
El sencillo principal del álbum, “Estoy Mejor”, es una oda a la superación y la alegría. Inspirada en el pop de los años 80, la canción emana felicidad y bienestar, reflejando el proceso personal de sanación de Clement. Con su letra optimista y su melodía vibrante, “Estoy Mejor” invita a los oyentes a dejar atrás el pasado y a abrazar el presente con una sonrisa.
Aunque Isla marca su debut como solista, Clement no es nuevo en la industria musical. Con más de una década de experiencia, ha trabajado como productor y compositor desde los 19 años, colaborando con diversos artistas en México y Centroamérica. Su talento ha sido reconocido con varios premios en El Salvador, incluyendo los títulos de Productor, Compositor y Cantautor del Año.
Para quienes buscan música que inspire y emocione, Clement y Isla son una parada obligada. Este álbum marca el comienzo de su trayectoria como solista.
Hollie Kenniff, la artista canadiense-estadounidense, es una de las voces más interesantes en la música ambiental y cinematográfica contemporánea. Fusionando sonidos etéreos con melodías orgánicas, crea paisajes sonoros resonantes los cuales la han distinguido en un género que se caracteriza por su sutileza y complejidad emocional. A través de su carrera, Kenniff ha explorado temas como la conexión humana y su aprecio por la naturaleza, utilizando su música como un vehículo para transmitir una sensación de calma, reflexión y, sobre todo, sanación.
Hollie Kenniff comenzó su viaje musical en la escena electrónica experimental con su esposo Keith Kenniff, conocido por sus proyectos Helios y Goldmund, en la banda de indie rock/shoegaze Mint Julep. Desde sus primeros días en la música, Kenniff demostró interes en crear atmósferas inmersivas, mezclando sintetizadores, pianos delicados y una paleta sonora que invita a los oyentes a desconectarse del ruido cotidiano y a sumergirse en un espacio introspectivo y profundo.
En 2019, Kenniff lanzó su álbum debut, “The Gatering Dawn“, un proyecto que sentó las bases de su carrera en solitario. Su música rápidamente llamó la atención por su habilidad para mezclar elementos electrónicos y acústicos, creando piezas de una belleza suave y contemplativa. Este álbum marcó el comienzo de una nueva etapa para Kenniff, quien encontró en el ambiente sonoro un espacio perfecto para expresar su conexión con el mundo natural y su propia exploración emocional.
El próximo LP de Kenniff, The Quiet Drift, sigue la estela de su trabajo anterior, destacando su evolución artística y su dedicación a la creación de paisajes sonoros expansivos y profundamente resonantes. En este álbum, Kenniff se sumerge aún más en las texturas ambientales y cinematográficas, manteniendo su enfoque en el detalle sonoro y el uso de instrumentos orgánicos, como el piano y las cuerdas, para ofrecer una experiencia auditiva que se siente tangible y viva.
La música de Hollie Kenniff ha evolucionado constantemente a lo largo de los años, desde sus primeros trabajos en el proyecto indie Mint Julep hasta su carrera en solitario. Ahora, con su cuarto álbum de estudio, For Forever, Kenniff da un paso más en su exploración musical, presentando un trabajo lleno de emocionalidad, atmósferas etéreas y una profunda conexión con el mundo natural.
For Forever: Una Oda a la Naturaleza y la Autenticidad Musical
For Forever, cuyo lanzamiento está programado para el 6 de diciembre de 2024 a través de Nettwerk, es una obra introspectiva que navega entre los terrenos de la música ambiental, experimental y pop etéreo. Con este álbum, Kenniff no solo muestra su capacidad para construir paisajes sonoros densos y emocionantes, sino que también logra transmitir una sensación de calma y sanación a través de sus composiciones. Cada uno de los 11 tracks del álbum se siente como una mini-revelación, una oportunidad para reflexionar, dejarse llevar por el momento y reconectar con lo esencial.
El uso de melodías de piano delicadas y el empleo intencional de ruidos y sonidos etéreos en capas permite que la música de Kenniff crezca lentamente, llevándonos en un viaje emocional que nunca se apresura pero que siempre mantiene al oyente al borde de su asiento. El álbum, escrito y grabado a lo largo de varios años, comienza a tomar forma en 2021 y refleja el compromiso de Kenniff con la creación de música que se siente orgánica y auténtica, incluso en sus momentos más etéreos.
El Track x Track de “For Forever”
Linger in Moments Con una suave melodía de piano, evocando una sensación de calma etrea, la música fluye con capas de sonido ambiental que se entrelazan suavemente. Un track instrumental que poco a poco nos introduce al disco.
Surface A través de sus suaves arpegios de piano y sus sintetizadores cálidos, el tema transmite la sensación de estar en un espacio celestial, lleno de nubes y flores. La pista es un abrazo sonoro que nos invita a respirar y detenernos. Los arpegios de piano nos vann introduciendo pequeños sonidos de cuerdas etereas mientras va finalizando el track.
For Forever La pista que da nombre al álbum es un himno de eternidad y continuidad, una reflexión sobre el paso del tiempo y la conexión intergeneracional. Lo interesante del disco es como logra transmitir tanto entre capas etereas y sin ninguna melodia vocal o letras, dandole mucha redondes al disco, sintiendose parte de un todo pero a la vez logra evolucionar el sonido del primer track hasta el ultimo.
Sea Sketch La marina es una clara inspiración para esta pista. El sonido del agua y el viento se mezcla con acordes suaves, creando una atmósfera calmada y meditativa. Las melodías se despliegan lentamente, como olas que se arrastran hacia la orilla. La pieza se siente como un lienzo sonoro, donde los detalles más sutiles pueden ser apreciados. El final de la canción, un toque de piano ligero, refleja la recesión de la ansiedad.
The Way of the Wind Esta pista introduce un cambio en el tono con una progresión más marcada y un compás constante. Los vientos soplan en la atmósfera, mientras una base rítmica sutil añade estabilidad. Aquí, la renovación es el tema principal, y el sonido evoca una sensación de esperanza. La obra transmite la idea de que, a pesar de la incertidumbre, hay un camino claro hacia el futuro, un camino que nos guía con seguridad. El uso de arpegiadores le da una nueva textura al disco, sutilmente electronica que logra darle una nueva luz en su paleta de sonidos.
Amare
El titulo de la canción es interesante, llevandonos a una sensación muy abstaracta del sentir, toma elementos de tracks anteriores para llevarnos a atmosferas que puedan conectar con el sentimiento de “amar” pasando por lo dulce y reljante, hasta una angustia que poco a poco se va transformando para finalizar en un sonido que da la sensación de dejar en suspenso.
Over Ocean Waves Continuando con la temática marina, “Over Ocean Waves” es una pieza que juega con el movimiento del mar. La música fluye con un ritmo ligero pero constante, evocando la sensación de estar navegando en aguas tranquilas. La atmósfera se llena de un delicado vaivén, transportando al oyente a un espacio de paz y refugio. La fluidez de la melodía y la amplitud del sonido generan un sentimiento de libertad y apertura.
What Carries Us Iniciando con una meldia de piano dulce, esta melodía etérea se construye lentamente, guiada por sintetizadores que se disuelven en el aire. Un sonido envolvente que simboliza lo que nos sostiene en los momentos difíciles. La pieza es profundamente introspectiva, y de las mas esperanzadoras del disco.
Esperance Aquí, la sensación de liberación es palpable, sugiriendo un descanso tranquilo después de un viaje largo. Es un espacio de serenidad, donde todo parece detenerse y la mente se aligera. A través de capas sonoras complejas, Kenniff crea un ambiente de búsqueda y revelación, como si estuviéramos explorando lo que realmente somos en el contexto más amplio de la naturaleza y la humanidad. El piano, suave pero firme, actúa como un hilo conductor, mientras el sonido ambiental parece envolvernos con una sensación de completitud.
Rest In Flight Aquí, la música se desliza suavemente entre el silencio y el sonido, creando una atmósfera transitoria. El uso de texturas etéreas da la sensación de estar en un espacio intermedio, entre el despertar y el descanso. Las melodías suaves y las capas que se entrelazan transmiten una sensación de estar entre dos mundos, flotando entre la realidad y el sueño.
Far Inland “Far Inland” ofrece un regreso a la sensación de la montaña representada en la portada del álbum. El tema con un piano resonante que nos lleva por primera vez a una melodia sumamente triste, poco a poco las cuerdas acarician una sensación que va de la relajación a la incertidumbre. La atmósfera es introspectiva, como si estuviéramos observando un paisaje lejano, simbolizando un refugio apartado del caos a traves de los sintetizadores. La música nos invita a conectar con un lugar de paz y introspección.
El viento, el mar, la tierra y el cielo son elementos recurrentes en sus composiciones, transportando al oyente a paisajes lejanos, tanto físicos como emocionales. Pistas como “Sea Sketch” y “Over Waves” evocan el movimiento de las olas y la calma que sigue a la tormenta, mientras que otras, como “The Way of the Wind”, están impregnadas de un aire de esperanza, simbolizando el paso del tiempo y la transformación personal.
La influencia de su amor por la naturaleza y su aprecio por la belleza simple y serena de su entorno se refleja claramente en su música. Los sonidos de la naturaleza se entrelazan con sus composiciones de piano y sintetizadores, creando una fusión perfecta entre lo orgánico y lo digital. Su enfoque en la emoción humana y la naturaleza le da a cada pieza un propósito profundo, invitando a los oyentes a hacer una pausa y reflexionar sobre sus propias vidas y conexiones.
A medida que Hollie Kenniff continúa explorando nuevos territorios sonoros, su música sigue evolucionando y resonando con el público.
Hoy, 4 de diciembre, se lanza Ride, el primer sencillo del próximo álbum de Moscoman, publicado bajo los sellos Disco Halal y Love Buzz. Este esperado estreno marca un nuevo capítulo en la trayectoria del productor y DJ berlinés. Ride también introduce al público al recién creado Love Buzz, una nueva impronta diseñada para expandir aún más el universo sonoro del artista.
La canción es el resultado de una colaboración esperada entre Moscoman y el dúo alemán COMA, oriundo de Colonia. La canción combina ritmos intrincados, melodías exuberantes y texturas evocadoras que invitan tanto al baile como a la introspección. Con influencias de indie y electrónica, Ride encapsula lo mejor de ambos mundos, llevando al oyente a un viaje transformador.
“Siempre he sido un gran fan de COMA desde que los conocí en 2013. Siempre supe que quería hacer algo con ellos, y este momento no podría ser mejor”, comentó Moscoman.
Por su parte, COMA añadió: “Cuando Moscoman nos envió el instrumental de Ride, sentí que le faltaba un gancho vocal, así que empecé a grabar ideas por mi cuenta. Luego involucré a Georg y añadimos algunas pistas de guitarra. Lo que antes sentíamos como un vacío ahora se siente como espacio.”
Moscoman es un DJ y productor conocido por su enfoque ecléctico, su música mezcla house, acid, techno, disco oscuro y sintetizadores desde una perspectiva alternativa. Ha sido invitado a actuar en lugares icónicos como Panorama Bar, Space Miami, Pacha Ibiza, y festivales como Glastonbury. Además de su carrera como productor, Moscoman es el cerebro detrás de Disco Halal, un sello que ha dado lugar a artistas como Simple Symmetry, Red Axes y Auntie Flo.
COMA, integrado por Marius Bubat y Georg Conrad, es un dúo alemán firmado por el prestigioso sello Kompakt. Su música es una fusión de techno melódico, house y pop, con álbumes destacados como In Technicolor y Voyage Voyage. Son conocidos por sus presentaciones en vivo, donde combinan instrumentación en directo con electrónica, creando experiencias inmersivas que han cautivado audiencias a nivel global.
