Indie Rock

Stanley y la Solitaria Belleza del Indie Rock de Camille Schmidt

Stanley y la Solitaria Belleza del Indie Rock de Camille Schmidt

Camille Schmidt, llega directamente desde Brooklyn, Nueva York, su carrera despegó con la publicación de su debut EP Good Person en junio de 2024, donde exploraba las complejidades de la autenticidad, la soledad y las relaciones humanas, todo dentro de un sonido folk-rock marcado por un toque íntimo y una lírica profundamente personal. El EP mostró la habilidad de Schmidt para equilibrar la vulnerabilidad y la fuerza. Pero su evolución no se detuvo ahí. En su próximo álbum Nude #9 Schmidt promete expandir aún más su horizonte sonoro, fusionando géneros como el synth-pop, el folk, el punk y el post-punk, todo mientras profundiza en las complejidades emocionales que marcan su vida.

Uno de los sencillos más esperados del nuevo álbum es Stanley, un tema que ha logrado capturar la atención tanto por su sonoridad única como por la complejidad de su letra. Con una producción que combina guitarras melódicas, un bajo dinámico y una batería contundente, Stanley es una pieza que explora la soledad desde una perspectiva conmovedora y humana.



La inspiración para la canción surgió de una experiencia personal de Camille Schmidt durante un vuelo. Mientras viajaba, escuchó a una mujer hablando por mensaje sobre su novio, Stanley, y reflexionó sobre la soledad que se siente tanto en la ausencia de compañía como en la presencia de alguien que no logra llenar el vacío emocional. Esta introspección sobre el vacío existencial y la búsqueda de consuelo en pequeños detalles y conversaciones inesperadas se traduce perfectamente en la canción. Con una estructura que va desde la calma hasta la intensidad emocional, Stanley es un reflejo honesto de la lucha interna de Schmidt, mientras navega entre la vulnerabilidad y la resiliencia.

Desde los ecos de los años 80 hasta los toques de indie rock contemporáneo, Schmidt ha logrado crear un sonido ecléctico que mantiene la autenticidad de su mensaje. En Nude #9, la artista expande su paleta musical al colaborar con productores y músicos como Ben Zaidi y Eli Heath, quienes aportan nuevas texturas y elementos a la producción.

Schmidt se mantiene fiel a su estilo, pero al mismo tiempo no teme explorar y desafiar los límites de su creatividad, lo que hace de cada uno de sus temas una experiencia única para el oyente.


Solastalgia: El Regreso de Battleflagg a la Música en Tiempos de Cambio

Solastalgia: El Regreso de Battleflagg a la Música en Tiempos de Cambio

BATTLEFLAGG, el proyecto musical de Jeff Hartwig, una propuesta que surgió en 2020 en medio de un periodo de caos personal, social y político. La banda es un colectivo de músicos y artistas visuales, creado con el objetivo de combatir la creciente sensación de cinismo que caracterizó la pandemia. A través de su música, Hartwig busca recuperar el control en un mundo que parecía desmoronarse, mientras ofrece canciones que navegan entre el rock alternativo, el Heartland, la Americana y el indie, con letras directas y coros poderosos que invitan al oyente a unirse en un canto colectivo.

Con una fusión de instrumentos de rock tradicionales con sintetizadores ambientales, bucles de batería y samples el proyecto crea una atmósfera sonora que puede ser tanto relajada como frenética, combinando lo melódico con lo crudo y distorsionado ha sido uno de los elementos que le ha permitido forjar una identidad sonora distintiva.



La canción “Ghosts”, el primer sencillo de su próximo EP Solastalgia, producida por Daniel Knowles, conocido por su trabajo con Sharon Van Etten y Cigarettes After Sex, “Ghosts” es un tema que aborda la sensación de conexión perdida, mientras el mundo conocido desaparece en el retrovisor. El término solastalgia, acuñado por el filósofo Glenn Albrecht, describe ese sentimiento de “nostalgia por lo que aún está en casa”, pero con una carga emocional más profunda y angustiante. A diferencia de la nostalgia, que es la añoranza de algo perdido, la solastalgia es el dolor de ver cómo todo lo que conocemos cambia a nuestro alrededor, sin poder hacer nada al respecto.

Al preguntarle qué espera que los oyentes saquen de su nueva música, Hartwig responde: “Cuando escuchen estas canciones, quiero que entiendan y sientan el poder de las simples instantáneas descritas dentro de ellas, y cómo esos momentos son comunes para muchos. Ojalá, al comprender que las experiencias de las canciones son comunes para todos nosotros, especialmente frente a un cambio masivo, el oyente encuentre una conexión más profunda con las personas y los lugares que lo rodean.”


De los 80s al Presente: Nicola Carrara Revive la Nostalgia con ‘Recuerdo Bien’

De los 80s al Presente: Nicola Carrara Revive la Nostalgia con ‘Recuerdo Bien’

Nicola Carrara es un músico, productor y multiinstrumentista argentino con una estética marcada por el pop/rock inglés de principios de milenio, su música abarca una amplia gama de géneros que van desde el post-punk y la psicodelia hasta el pop electrónico. Oriundo de Resistencia, Chaco, Carrara se trasladó a Buenos Aires en 2015, donde comenzó a forjar su carrera en un entorno lleno de desafíos. Al principio, su vida en la ciudad se caracterizó por la humildad de limpiar baños y realizar pequeños shows acústicos, pero su talento pronto lo llevó a un camino ascendente.

En 2019, Carrara presentó su álbum debut Melancosuite, un trabajo que combina la energía del pop con el alma del rock, consolidándose como un artista con una propuesta fresca y cautivadora. El álbum incluye temas como “Revolver” y “Recuerdos (Ya Nada Existe)”, que reflejan su capacidad para crear melodías contagiosas acompañadas de letras profundas y reflexivas. Con una presentación en el C.C. Richards de Buenos Aires, cerró el año de manera exitosa, reafirmando su lugar en la escena local.



El pasado 8 de noviembre, Nicola lanzó su tan single Recuerdo Bien, una pieza que se sumerge profundamente en la nostalgia del post-punk de los años 80. Con este nuevo tema, Carrara no solo sigue demostrando su capacidad para explorar distintos géneros, sino que también invita a los oyentes a un viaje lleno de recuerdos, emociones y sensaciones que trascienden lo real y lo soñado.

Recuerdo Bien es una canción que emana una energía vibrante, marcada por sus melodías contagiosas y sus letras introspectivas, características que han consolidado a Carrara como un artista único en la escena indie. El tema invita a ser cantado a viva voz, especialmente en un festival al atardecer, tal como lo describe el propio artista. En palabras de Nicola, Recuerdo Bien “evoca una sensación de movimiento y deseo, como si cada nota nos llevara de vuelta a esos instantes fugaces, donde el baile y los sueños se mezclan”. Así, la canción se convierte en un recordatorio sonoro de esos momentos especiales que permanecen en la memoria, una especie de ritual que se revive cada vez que su estribillo resuena en el aire.

La atmósfera de Recuerdo Bien recuerda a los sonidos de la década de los 80, pero su propuesta sigue siendo fresca. Esta mezcla entre lo nostálgico y lo moderno permite que la canción resuene con diferentes generaciones, evocando tanto la juventud de aquellos que vivieron los años dorados del post-punk como la de aquellos que descubren esta estética hoy en día.

Este lanzamiento es parte de un año lleno de sorpresas para Nicola Carrara. En 2024, el artista ha lanzado varios temas, desde el EP Instantáneo en marzo, hasta los singles Qué día extraño en mayo y Dancing Ridículo en agosto, consolidando su lugar dentro del panorama indie. Con cada nuevo tema, Carrara demuestra su capacidad para reinventarse y explorar diferentes estilos musicales, lo que le ha permitido ganar un lugar destacado en la escena musical nacional e internacional.


Chic Chameleon: Melancolía y Paisajes Sonoros desde las Praderas Canadienses

Chic Chameleon: Melancolía y Paisajes Sonoros desde las Praderas Canadienses

Desde las praderas canadienses hasta las atmósferas etéreas de sus composiciones, Chic Chameleon es un proyecto que invita a la introspección y los sonidos etereos. Detrás de este alias artístico se encuentra Patrick Froese, un multiinstrumentista y productor originario de Edmonton, Alberta, cuya música fusiona géneros como el Dream-Pop y el Shoegaze para crear paisajes sonoros llenos de melancolía y profundidad emocional.

Patrick creció en una granja familiar en las amplias praderas de Canadá, un entorno que influyó en su sensibilidad musical y en la estética de su sonido. Tras completar sus estudios secundarios, decidió dedicarse por completo a la música, estudiando composición y producción en la Universidad MacEwan en Edmonton. Además de graduarse con distinción, Patrick complementó su formación con clases de ingeniería de audio, habilidades que le permitieron grabar y mezclar sus propios temas.

Desde 2019, Patrick ha dado vida a Chic Chameleon, un proyecto musical que refleja su conciencia introspectiva y melancólica. Inspirado en géneros como el Dream-Pop y el Shoegaze, Patrick crea piezas con reverberaciones exuberantes, delays envolventes y tonos de coro almibarados. Estos elementos, combinados con líneas de guitarra texturizadas, sintetizadores graduales y melodías vocales hipnóticas, construyen un sonido envolvente que transporta al oyente a un estado de contemplación.



“Shade Your Way” surge de una exploración musical que comenzó con una línea arpegiada en el bajo. La combinación de vocales suaves con las cálidas frecuencias del instrumento crea un ambiente envolvente que resulta hipnótico. Esta canción aborda los sentimientos persistentes después de una amistad tóxica que se salió de control, sirviendo como una vía de escape y reflexión para Patrick. La profundidad de la pista se ve acentuada por las atmósferas sutiles y la voz femenina, que añade un matiz emocional y narrativo a la composición.



Por otro lado “Head Against The Floor” surgió durante la Navidad de 2023, un momento de reflexión personal marcado por el peso emocional de la temporada y los recuerdos de una ruptura familiar. La canción explora temas de irreversibilidad y pérdida, usando una instrumentación vehemente que resuena con fuerza en el oyente. Por su parte, “Shade Your Way” destaca por su inicio en el bajo, con suaves vocales que flotan sobre una línea arpegiada y cálida. La pista es una catarsis musical que aborda las emociones residuales tras una amistad tóxica que salió de control, combinando melancolía con una atmósfera envolvente y sutil.

Cada composición de Chic Chameleon funciona como un “lienzo sonoro”, donde Patrick despliega su habilidad para transmitir emociones complejas. Temas como la soledad, las relaciones y la melancolía son recurrentes en su obra, expresados con elegancia a través de letras introspectivas y melodías etéreas.


Again for the First Time : La Calma y Profundidad del Indie Pop Moderno

Again for the First Time : La Calma y Profundidad del Indie Pop Moderno

El indie pop sigue sorprendiendo con propuestas frescas y profundas, y en esta ocasión, “Again for the First Time”, el nuevo EP de everythings, destaca por su sensibilidad y su evolución sonora. Alex Behrens, el hombre detrás del proyecto, ha creado una obra que refleja sus años de experiencia en la música, fusionando influencias de artistas como Ben Howard y The Japanese House con un toque personal inconfundible. Este EP es una travesía a través de atmósferas relajadas y melodías introspectivas, donde cada canción nos invita a explorar un rincón distinto de su mundo musical.

La primera canción, “Prophet”, abre el EP con una calma bien lograda. La guitarra acústica toma el protagonismo, envolviendo al oyente en un ambiente íntimo y sereno. La voz suave y etérea de Alex flota sobre las cuerdas, creando una sensación de cercanía que sienta las bases para el resto del EP. Es una pieza que destaca por su simplicidad, pero que logra resonar profundamente gracias a su honestidad y la sutileza en la ejecución.



“Conceit”, la segunda canción, introduce elementos más complejos, pero sin perder la esencia tranquila que caracteriza el trabajo de everythings. Los sintetizadores y los efectos en la guitarra añaden capas de profundidad a la melodía, mientras que el ritmo relajado y las influencias de indie pop moderno le dan un aire fresco y contemporáneo. Es una canción que, si bien continúa la atmósfera serena del EP, demuestra una evolución en la producción y en la forma en que Alex experimenta con diferentes sonidos.

El cierre llega con “Again for the First Time”, la canción que da nombre al EP y que marca una transición hacia un sonido con más tintes de rock. Aunque la tranquilidad sigue presente, esta vez el ritmo es más marcado, y los elementos modernos que se han ido construyendo a lo largo del EP alcanzan su máxima expresión. Es una despedida perfecta, que no solo cierra el ciclo del EP, sino que deja al oyente con la sensación de haber presenciado una evolución tanto musical como emocional.

Alex Behrens, originario de Buffalo, Nueva York, lleva más de una década haciendo música, pero solo recientemente ha comenzado a lanzar su trabajo de manera seria. Inspirado por artistas como Ben Howard y The Japanese House, Alex ha sabido encontrar su propia voz dentro del indie pop.


“Sunlight” de Flipturn: Una Gran Propuesta con Tintes Retro

“Sunlight” de Flipturn: Una Gran Propuesta con Tintes Retro

Desde los primeros momentos de “Sunlight”, queda claro que Flipturn ha encontrado la fórmula para mezclar lo clásico con lo contemporáneo. Con un ritmo tranquilo que se nutre de influencias del rock e indie pop, esta canción trae consigo un aire nostálgico y divertido, característico del sonido de la banda. A través de una interpretación vocal peculiar y llena de matices por parte de Dillon Basse, la canción logra captar la atención del oyente de manera orgánica y refrescante.

El EP Sunlight no solo demuestra la madurez de Flipturn, sino también su habilidad para crear piezas que, a pesar de ser sencillas en estructura, se sienten profundamente personales y llenas de energía. Basse, junto con Tristan Duncan en la guitarra principal y Madeline Jarman en el bajo, logran construir una atmósfera única, en la que cada instrumento se despliega con suavidad, complementando perfectamente con la voz.



El origen de Flipturn en 2015 como un grupo de amigos de secundaria en Fernandina Beach, Florida, no es diferente al de muchas bandas. Sin embargo, lo que los separa del resto es su innegable química y magnetismo en el escenario. La presencia equilibrada de voces masculinas y femeninas dentro de la banda añade una capa de inclusión que ha resonado profundamente entre sus seguidores, creando una conexión genuina durante cada presentación en vivo.

La energía de sus conciertos es difícil de describir sin haberla vivido, pero las palabras que más se acercan son “fiebre onírica”. Cada actuación de Flipturn se convierte en una experiencia catártica para la audiencia, donde las voces de Basse pueden sacudir tanto las paredes de la sala como las emociones más profundas de quienes escuchan. El intercambio artístico entre los miembros de la banda permite que sus presentaciones se sientan como un desprendimiento total de inhibiciones.

Con millones de reproducciones en Spotify y una base de fans que sigue creciendo de manera orgánica, Flipturn es una banda que ha logrado forjar su camino en la escena indie sin perder su esencia. “Sunlight” es un ejemplo brillante de su capacidad para crear música que, aunque aparentemente sencilla, está llena de detalles que invitan al oyente a sumergirse en su propuesta músical.


Misty Coast: La Nostalgia y el Encanto Retro de “Swimming”

Misty Coast: La Nostalgia y el Encanto Retro de “Swimming”

En el vasto mar del indie pop, pocas bandas logran captar la atención de manera tan efectiva como Misty Coast. Formado por Linn Frøkedal y Richard Myklebust, este dúo noruego ha sabido transformar su experiencia en la escena del noise rock —con The Megaphonic Thrift— en una propuesta más suave, pero no menos poderosa. Con “Swimming”, Misty Coast nos invita a sumergirnos en una atmósfera retro, donde la delicadeza del dream pop se fusiona con la nostalgia de melodías que parecen flotar en el tiempo.

“Swimming” es un claro ejemplo de la habilidad de Misty Coast para tejer capas de efectos y ruido sobre una base melódica pop que, lejos de saturar, envuelve al oyente en una bruma sonora reconfortante. La interpretación vocal de Linn Frøkedal fluye con naturalidad junto al resto de los elementos musicales, creando una experiencia cohesiva y envolvente. El resultado es una canción que logra ser pegajosa sin sacrificar la profundidad emocional.



Frøkedal y Myklebust no son extraños a la reinvención. Tras una década de giras al máximo volumen, incluyendo conciertos junto a Dinosaur Jr. y Steven Malkmus, decidieron darle un giro a su carrera, optando por una fórmula más etérea con Misty Coast. “Swimming”, con su mezcla de influencias retro y toques contemporáneos, es un testimonio del dominio que estos músicos tienen sobre su sonido, creando algo fresco y nostálgico a la vez.

El lanzamiento de su tercer álbum, When I Fall From The Sky, ha consolidado a Misty Coast como una de las bandas indie más destacadas de Noruega. Con críticas favorables, como la otorgada por Under the Radar, que lo calificó con un 8/10, no es de sorprender que temas como “Swimming” sigan resonando en los corazones de quienes buscan una experiencia musical que va más allá de lo superficial.


La Frescura Retro de “Something’s Wrong In My Head”

La Frescura Retro de “Something’s Wrong In My Head”

Desde su formación en 1995, Club 8 se ha consolidado como uno de los pilares del pop sueco, explorando diferentes sonidos y matices dentro del género, pero manteniendo siempre una esencia melódica y emotiva que los caracteriza. Su más reciente sencillo, “Something’s Wrong In My Head”, es una muestra perfecta de esa capacidad camaleónica, fusionando el dream pop, rock, indie pop, y una clara influencia de sonidos retro, logrando una combinación de frescura y nostalgia que atrapa desde los primeros segundos.

En “Something’s Wrong In My Head”, Karolina Komstedt brilla con una interpretación vocal que resulta casi hipnótica, mientras las guitarras y sintetizadores, obra de Johan Angergård, crean una atmósfera envolvente que transporta al oyente a un viaje sonoro lleno de ganchos irresistibles. El tema navega entre ritmos suaves pero con una energía que se mantiene constante, recordándonos por qué Club 8 se ha mantenido por más de dos décadas.



Lo interesante de Club 8 es cómo han evolucionado a lo largo de los años, manteniendo siempre el pop como núcleo, pero experimentando con géneros tan variados como la bossa nova y el trip-hop. La banda comenzó como un simple proyecto de grabación, pero pronto se convirtió en una propuesta sólida en vivo, llevando su música a festivales como el CMJ en Nueva York. Esta versatilidad y su capacidad de reinvención son evidentes en cada una de sus canciones, y “Something’s Wrong In My Head” no es la excepción, pues logra combinar esa frescura moderna con influencias del pasado.

La carrera de Karolina Komstedt y Johan Angergård no se limita a Club 8. Ambos han sido parte de otras bandas y proyectos musicales, y Angergård, en particular, ha dejado su huella en la escena independiente sueca al co-fundar el respetado sello Labrador Records. Esta experiencia y bagaje musical se sienten en la producción de cada uno de sus trabajos, donde siempre hay un cuidado especial por los detalles, tanto en la composición como en la producción.

Con más de dos décadas en la industria musical, Club 8 sigue siendo una fuerza creativa que no deja de sorprender. “Something’s Wrong In My Head” es una pieza que no solo refleja su madurez artística, sino también su capacidad de mantenerse en la vanguardia, adaptándose a los tiempos sin perder su esencia. Si eres fanático del dream pop o del indie con toques retro, esta es una canción que definitivamente debe estar en tu playlist.


Entre Sombras y Melodías: La Magia Cinemática de Robert Ascroft

Entre Sombras y Melodías: La Magia Cinemática de Robert Ascroft

Robert Ascroft es un nombre en el mundo del arte visual y musical, su trabajo, tanto en la cámara como en el estudio musical, se distingue por su capacidad para capturar la esencia humana a través de un lente, además de crear experiencias sonoras que van más allá de la música tradicional.

El estilo musical de Robert Ascroft es tan cinematográfico como su trabajo en fotografía. Su música se caracteriza por melodías etéreas y evocadoras, influenciadas tanto por su formación clásica como por su amor por el cine. Con una inclinación hacia el cine noir de los años 60 y el surrealismo oscuro de cineastas como David Lynch, Ascroft ha logrado crear un sonido que transmite la misma atmósfera inquietante y fascinante que se encuentra en las películas clásicas de esa época.



Su más reciente sencillo, “Where Did You Go”, una colaboración con Britta Phillips (conocida por su trabajo con las bandas Luna y Dean & Britta), es un claro ejemplo de esta influencia. La pista combina guitarras etéreas con una batería hipnótica, creando una atmósfera densa y melancólica que transporta al oyente a un universo sonoro que recuerda a los paisajes sonoros de Lost Highway, la famosa película de Lynch. La voz de Phillips, suave pero cargada de emoción, complementa perfectamente el ambiente oscuro y misterioso de la canción, mientras que la producción de Ascroft logra fusionar la nostalgia de los años 60 con una visión moderna y sofisticada.

Este sencillo forma parte de su próximo álbum Echo Still Remains, que se espera para el 31 de enero de 2024. Con este nuevo proyecto, Ascroft promete llevar a sus oyentes a nuevas alturas artísticas, explorando aún más su capacidad para fusionar sonidos complejos y evocadores con visuales cinematográficos. El álbum está inspirado por su visión artística única, donde lo sonoro y lo visual se convierten en un solo medio para contar historias complejas y emocionales.


“If U Know U Know”: El Himno de Libertad y Camaradería de Cari Cari

“If U Know U Know”: El Himno de Libertad y Camaradería de Cari Cari

Cari Cari es un dúo austriaco de indie rock que fusiona elementos de indie rock, folk y psicodelia. Compuesto por Stephanie Widmer (voz, batería y didgeridoo) y Alexander Köck (voz, guitarras), el grupo ha ido construyendo, paso a paso, su propio universo musical que ha conquistado tanto a la audiencia europea como internacional. Con un estilo que puede compararse con artistas como The Kills, The xx, Fleetwood Mac y Jungle, Cari Cari ha conseguido marcar poco a poco un sonido propio.

La historia de Cari Cari comenzó en varias ciudades de Europa antes de establecerse finalmente en Viena. En sus primeros años, el dúo vivió en Londres, Hamburgo y Madrid, lo que les permitió absorber diversas influencias musicales y culturales que enriquecieron su sonido. En 2018, lanzaron su primer álbum “Anaana”, un trabajo que fue altamente apreciado por la crítica por su audacia y frescura. El álbum presentó un enfoque innovador, destacándose por la combinación de sonidos acústicos y electrónicos, y por su capacidad para mezclar géneros de forma fluida.



El 22 de noviembre de 2023, Cari Cari presentó su nuevo sencillo “If U Know U Know”, que rápidamente se convirtió en uno de los favoritos de sus seguidores. La canción fusiona influencias de indie rock, indie pop y downtempo, creando una atmósfera suave, cálida y envolvente que invita a la introspección y al viaje. Con guitarras relajadas y un ritmo suave, la canción transporta al oyente a un estado de calma mientras transmite un mensaje de resiliencia, camaradería y pasión por la aventura.

“If U Know U Know” habla de la importancia de los lazos humanos y la fortaleza que se encuentra en la unidad, un tema recurrente en la música de Cari Cari.