Indie Rock

Livingmore: Entre nostalgias y nuevas melodías del indie rock

Livingmore: Entre nostalgias y nuevas melodías del indie rock

Formado en 2014 en Los Ángeles, Livingmore surgió cuando Alex y Spencer se conocieron a través de sus proyectos solistas. La química musical entre ambos fue inmediata, dando origen a un proyecto conjunto que rápidamente captó la atención del público con un EP y varios sencillos. Su interpretación de Little Bird en un estacionamiento se volvió viral, consolidando su presencia en línea y marcando el inicio de una carrera prometedora en la escena indie.

Su álbum debut, OK To Land, recibió elogios de la crítica y presentó al mundo un sonido que combina la sensibilidad moderna del indie rock con un toque de pop nostálgico. En 2021, la banda lanzó Take Me, producido junto al baterista y colaborador Mike Schadel y mezclado por Josiah Mazzaschi, que mostró su crecimiento artístico y exploración sonora. Su álbum de 2022, Look, destacó por su intimidad y versatilidad, confirmando a Livingmore como un grupo capaz de experimentar sin perder su identidad.



El sonido de Livingmore se caracteriza por melodías pegajosas, guitarras expresivas y letras que exploran emociones profundas, desde la vulnerabilidad hasta la resiliencia. Su sencillo más reciente, Hurting, continúa esta línea, combinando elementos de Country y Southern Rock con un enfoque introspectivo que invita a la reflexión y la empatía. La banda también acompaña su música con visuales impactantes, como el videoclip de Hurting, que captura la esencia de la canción a través de secuencias en cámara lenta.

Actualmente, Livingmore trabaja junto a Jeff Schroeder (Smashing Pumpkins) en su próximo material, prometiendo seguir sorprendiendo con su estilo único. Con actuaciones enérgicas, un sonido distintivo y una capacidad para conectar emocionalmente con su audiencia, Livingmore se ha consolidado como uno de los actos indie más interesantes de la actualidad.


Magical Mind: La Visión Musical de Ace of Wands

Magical Mind: La Visión Musical de Ace of Wands

Hay proyectos musicales que nacen de una visión clara, y el de Ace of Wands es uno de ellos. Liderado por la compositora y multiinstrumentista Lee Rose, este trío de Toronto se distingue por su enfoque creativo y su instrumentación particular. La forma en que Rose alterna el violín y la guitarra mientras maneja pedales de bajo sintetizado con los pies habla de un diseño sonoro muy meditado para sus presentaciones.

Su canción Magical Mind es un buen ejemplo de esta arquitectura en acción. La pieza se construye sobre un ritmo de rock sólido, donde las voces femeninas asumen un rol protagónico y definen la dirección del tema. Lo que destaca es su estructura, que se percibe ingeniosa y bien pensada, logrando capturar la atención del oyente a través de su desarrollo y dinámica interna.



El sonido del grupo evoca referentes del art-rock y el pop orquestal, pero también la distorsión del rock alternativo. Esta mezcla tiene su origen en la formación de Rose, una violinista clásica que tuvo una revelación mientras estaba de gira como músico de acompañamiento. Fue esa experiencia la que la impulsó a perseguir con seriedad su propia visión musical, un camino que venía gestándose por años.

La visión de Rose encontró su forma definitiva con la llegada de Anna Mernieks y Jody Brumell, cuya química aportó la profundidad y la garra necesarias. En Ace of Wands se escucha tanto la intención de una compositora como la fuerza de un ensamble cohesionado. Magical Mind es una muestra de un proyecto que utiliza la musicalidad y la estructura para crear un mundo sonoro propio.


Tom A. Smith Una Trayectoria Forjada en el Escenario

Tom A. Smith Una Trayectoria Forjada en el Escenario

La edad es a menudo un indicador engañoso en el mundo de la música, y el caso de Tom A. Smith es un claro ejemplo. Con solo 18 años, este músico de Sunderland presenta una hoja de ruta que muchos artistas consolidados tardarían décadas en construir. Su desarrollo no ha ocurrido en un estudio de grabación aislado, sino sobre las tablas de escenarios legendarios, un hecho que define su sonido de manera fundamental.

Su canción I Don’t Blame You es un testimonio de esa formación. La pieza se sustenta en una sección rítmica de notable construcción y ganchos efectivos que capturan la atención sin esfuerzo. Con influencias que beben del rock y el indie pop moderno, el tema proyecta una sensación de frescura, anclada por una presencia vocal que se abre paso con claridad y convicción en la mezcla.



Este nivel de ejecución no ha pasado desapercibido, ganándole el respeto de figuras consolidadas. Haber compartido escenario con artistas como Sam Fender y recibir el reconocimiento de Elton John no son meras anécdotas, sino validaciones de un talento en pleno desarrollo. La colaboración con el productor Larry Hibbitt también apunta a una búsqueda sonora ambiciosa y bien dirigida para su carrera.

Más que una promesa emergente, Tom A. Smith se presenta como un músico con un oficio ya definido. En I Don’t Blame You se percibe la energía de la juventud, pero también la seguridad de quien conoce el escenario. Es una propuesta musical potente y directa que merece ser escuchada para comprender cómo la experiencia, y no solo los años, moldea a un artista.


El pulso retro de “Back Where You Belong”

El pulso retro de “Back Where You Belong”

Desde Noruega, Cocktail Slippers regresan con “Back Where You Belong”, una canción que destaca por su marcado aire rockero y una estética retro imposible de ignorar. Las guitarras mantienen un pulso constante, mientras las voces femeninas se entrelazan con naturalidad sobre un ritmo que atrapa de inmediato. Con esta propuesta, la banda reafirma su capacidad de llevar la energía del garage y el punk hacia un terreno más cercano al indie actual.

Formadas por SUGAR en el bajo, ROCKET QUEEN y VEGA en las guitarras, SMASH en la batería y HOPE en la voz, las integrantes de Cocktail Slippers han consolidado un estilo propio que, aunque inspirado en Blondie, Ramones, The Cramps o Patti Smith, no se limita a reproducir fórmulas del pasado. Su sello está en la fuerza de los riffs y en la armonía que construyen al combinarse, dando forma a un sonido inmediato y reconocible.



A lo largo de su trayectoria, la agrupación ha sabido equilibrar la tradición del rock con un enfoque actual. Sus presentaciones en vivo se han convertido en un punto de referencia, gracias a la intensidad que transmiten y a una estética cuidada que forma parte de su identidad. Este mismo espíritu se refleja en “Back Where You Belong”, donde la energía se sostiene sin perder claridad ni ritmo.

En esta nueva entrega, Cocktail Slippers no buscan reinventar el género, sino mantener viva su esencia y acercarla a nuevos oídos. El resultado es un tema que combina lo inmediato con lo atemporal, uniendo la nostalgia del rock clásico con la frescura del indie contemporáneo. Con ello, el grupo reafirma que su propuesta sigue vigente y con espacio para crecer dentro de la escena internacional.


Invader: el grito bilingüe de Fake Dad contra los invasores

Invader: el grito bilingüe de Fake Dad contra los invasores

Fake Dad ha sabido jugar con la ironía de su nombre para construir un universo propio que se mueve entre el indie rock, el dream pop y ahora también la irreverencia del punk. Formado por Andrea de Varona y Josh Ford, el dúo nació en 2020 en Nueva York y actualmente reside en Los Ángeles, llevando consigo la energía caótica de la gran ciudad y la frescura de la costa oeste.

Desde su primer encuentro en una fiesta universitaria en el East Village, Andrea y Josh han sido inseparables, compartiendo no solo una relación personal sino también una visión artística que se nutre de contrastes: la dulzura y la rabia, lo íntimo y lo explosivo, lo verdadero y lo ficticio. Esa dualidad se refleja en cada uno de sus lanzamientos, donde las guitarras crujientes conviven con sintetizadores brillantes y ganchos pop capaces de quedarse en la cabeza durante días.



En los últimos años, Fake Dad se ha obsesionado con la idea de la “pose” en el rock. Y es que, como ellos mismos señalan, algunos de los artistas más grandes construyeron personajes para poder decir verdades más profundas: PJ Harvey gritaba que era “man-sized”, Stevie Nicks encarnaba a la bruja indomable, David Bowie se convirtió en extraterrestre y LCD Soundsystem fingía ser el alma de la fiesta. Para Andrea y Josh, lo falso puede ser un camino hacia la autenticidad.

Su nuevo EP, titulado Holly Wholesome and the Slut Machine, es prueba de ello: un viaje por un mundo surrealista lleno de payasos furiosos, caballeros trágicos y demonios enmascarados que sirven como metáfora de experiencias muy reales, desde la identidad hasta la sexualidad y la dinámica de pareja en una relación “straight-passing”.

Dentro de este proyecto destaca “Invader”, un sencillo bilingüe y combativo donde Andrea toma la narrativa antiinmigrante y la revierte, señalando a los verdaderos invasores: los hombres poderosos que creen ser dueños del mundo. El tema, cargado de guitarras y un frenesí punk que recuerda a un cruce imposible entre The Prodigy y Wet Leg, convierte la rabia en celebración y resistencia.

Al final, en el universo de Fake Dad, lo falso y lo verdadero no se oponen: conviven. Y es precisamente ahí, en ese espacio intermedio, donde nace algo profundamente auténtico.


La dualidad de TENDER en “Gravity/Infinity”

La dualidad de TENDER en “Gravity/Infinity”

El regreso de TENDER marca un nuevo capítulo en su carrera con el lanzamiento de “Gravity/Infinity”, primer adelanto de su próximo trabajo. La canción se construye sobre un ritmo rápido que combina influencias de indie pop y rock, ofreciendo una atmósfera vibrante que se sostiene gracias a una interpretación vocal con estilo particular. Esa voz, suave y airosa, logra proyectar dinamismo sin perder delicadeza, dándole al tema un carácter distintivo.

Desde su formación en 2015, el dúo compuesto por James Cullen y Dan Cobb ha sabido moverse entre la intimidad del bedroom pop y la ambición expansiva de los escenarios multitudinarios. Su habilidad para equilibrar estas dos dimensiones les ha permitido ganar espacio en medios como NPR y Stereogum, además de acumular millones de escuchas a nivel global. “Gravity/Infinity” refleja esa misma capacidad de síntesis: un sonido que parece cercano, pero que también puede expandirse con fuerza.



La trayectoria de TENDER incluye tres discos que muestran una evolución clara. Modern Addiction (2017) y Fear of Falling Asleep (2019) consolidaron su estilo alt-pop con composiciones detalladas, mientras que Flux (2023) ofreció un relato más íntimo sobre la paternidad y los retos personales vividos por la banda en aquel momento. Ahora, con sus vidas más estables y asentados en la costa sur de Inglaterra, se reencuentran con el origen de su proyecto musical, pero desde una nueva perspectiva.

En ese contexto, “Gravity/Infinity” funciona como un punto de partida. No busca romper del todo con el pasado, sino tender un puente hacia lo que está por venir. Es un tema que mantiene la esencia del dúo, pero con un aire renovado, dejando ver una propuesta indie fresca que conserva dinamismo y sensibilidad a partes iguales. Una pieza que abre camino hacia un álbum que promete seguir explorando esa química inquebrantable que define a TENDER.


Weakened Friends: La Ira y la Emoción Pura del Rock Contemporáneo

Weakened Friends: La Ira y la Emoción Pura del Rock Contemporáneo

La banda de Portland, Maine, Weakened Friends, regresa con fuerza con su esperado álbum Feels Like Hell, y el nuevo sencillo Nosebleed es una clara muestra de su poderío. Con un sonido que combina grunge, punk y post-pop, el proyecto liderado por Sonia Sturino y Annie destila una energía cruda y visceral que golpea directo al corazón del oyente. Cada nota, cada grito y cada rasgueo de guitarra se siente auténtico y sin filtros, como un grito de rebelión frente a la apatía del mundo moderno.

Nosebleed se adentra en ese limbo emocional posterior a una ruptura: cuando aparentamos haber superado lo que nos lastimó, pero seguimos arrastrando el peso de lo no dicho. La voz de Sonia, a veces susurrante, a veces al borde del grito, transmite esa frustración y vulnerabilidad con una intensidad que remite a los grandes del rock alternativo como Nirvana, My Chemical Romance o Placebo. La instrumentación, por su parte, combina guitarras filosas y ritmos energéticos que refuerzan la sensación de catarsis que la banda busca transmitir.



La canción no solo impacta en lo sonoro, también cobra vida con un videoclip cinematográfico dirigido por Tadin Brego, donde la fuerza visual y el simbolismo potencian el desahogo emocional de la música. El resultado es un retrato visceral que conecta tanto con el desamor como con la sensación colectiva de desesperanza contemporánea.

Con Nosebleed, Weakened Friends demuestra por qué se han convertido en una de las propuestas más auténticas del indie rock actual: una banda que no teme gritar, confrontar y canalizar la incomodidad en himnos catárticos. Si su anterior disco Quitter reflejaba agotamiento, Feels Like Hell promete ser su reverso: un estallido directo de energía, rabia y libertad.


Entre Amor y Ruinas: La Magia Sonora de Estella Dawn en “Reckless”

Entre Amor y Ruinas: La Magia Sonora de Estella Dawn en “Reckless”

La cantante, compositora, productora y multiinstrumentista Estella Dawn, nacida en Nueva Zelanda y radicada en San Diego, llega con un sonido que fusiona pop, soul, hip-hop y rock. Su más reciente sencillo, “Reckless”, es una poderosa exploración del amor perdido, donde se plasman las emociones crudas de las rupturas: la traición, los conflictos nocturnos y la sensación de que alguien en quien confiabas ahora se ha convertido en un extraño. La canción combina melodías alt-pop memorables con arreglos de piano, guitarras y ritmos que sostienen un ambiente íntimo y cinematográfico, permitiendo que la voz de Estella brille con fuerza y vulnerabilidad al mismo tiempo.



En “Reckless” el estribillo se convierte en un himno confesional y catártico que resuena con cualquiera que haya amado y perdido. Este tema sigue a su anterior lanzamiento “I Like It Rough”.


‘Don’t You Wanna’: La Explosiva Nueva Cara de Big Sleep

‘Don’t You Wanna’: La Explosiva Nueva Cara de Big Sleep

La banda dublinesa Big Sleep sigue creciendo como una de las bandas de indie-rock más prometedoras de Irlanda con su nuevo sencillo “Don’t You Wanna”, producido por Chris W Ryan (NewDad, Just Mustard), el tema mezcla guitarras con fuzz, un ritmo contagioso y la voz potente de Rónán Connolly, creando un sonido que parece hecho para sonar en vivo.



“‘Don’t You Wanna’ es una canción sobre divertirse; ve y diviértete,” comenta la banda, y esa energía se percibe en cada acorde. El coro pegadizo y los riffs llenos de fuerza convierten al tema en un himno que no tarda en quedarse en la cabeza del oyente.

Desde su formación, Big Sleep ha recorrido Europa con su directo explosivo, tocando en festivales como Latitude, Electric Picnic y Beyond The Pale, su sonido, con guiños a Pixies, Big Thief y The Cure, combina potencia, melancolía y melodías que se quedan contigo.


Entre encierros y guitarras: Sleepers Club presenta “Island”

Entre encierros y guitarras: Sleepers Club presenta “Island”

El dúo de Atlanta conocido como Sleepers Club encontró en la incertidumbre de 2020 un refugio inesperado. Con los estudios cerrados y la vida en pausa, Sydney Ward y Damon Moon decidieron encerrarse a crear canciones sin un plan definido. De esas sesiones surgió un catálogo que había permanecido guardado hasta ahora, y entre ellas aparece Island, un tema de indie rock que se distingue por el uso de una steel guitar con distorsión particular.

La canción refleja aquel clima de aislamiento en el que fue concebida: un espacio entre el desconcierto y la necesidad de encontrar equilibrio. Island no busca dar respuestas, sino dejar que la atmósfera sonora hable por sí sola, con guitarras que expanden el paisaje y una base rítmica contenida. La propuesta mantiene un pie en lo onírico y otro en la crudeza del rock alternativo, mostrando la dualidad que caracteriza al proyecto.



El origen de Sleepers Club está marcado por la espontaneidad. Ward había reservado el estudio de Moon con la intención de trabajar en su música, pero la pandemia alteró los planes y transformó la sesión en una colaboración inesperada. Lo que empezó como un escape momentáneo terminó convirtiéndose en un cuerpo de canciones que, aunque quedaron en silencio durante un tiempo, regresan hoy con un sentido renovado.

En ese regreso, Island funciona como una carta de presentación. Más que nostalgia por los días de encierro, ofrece una lectura actual sobre cómo la música puede convertirse en refugio frente al caos. Para Sleepers Club, liberar estas canciones ahora parece ser la manera de cerrar un ciclo, dejándolas correr libres hacia un público que encuentra en sus sonidos un espejo del desconcierto y la calma que coexisten en la vida cotidiana.