Indie Pop

The Drive: La gasolina emocional del nuevo pop-rock californiano

The Drive: La gasolina emocional del nuevo pop-rock californiano

Desde un pequeño escenario en el sótano del pub familiar hasta festivales, The Drive ha recorrido un camino impulsado por la pasión, la disciplina y el deseo de dejar huella. Formado por los hermanos Danny (voz, teclados, guitarra) e Isaac (batería, teclados), este dúo de Los Ángeles ha convertido su vínculo fraternal y amor por la música en una propuesta propia dentro del pop-rock alternativo.

El nombre de la banda: The Drive representa ese motor interno que empuja a seguir adelante, incluso cuando las circunstancias son difíciles. Su lema podría extraerse directamente de su canción “Feeling”: “What’s the point of getting older, if you got nothing to show?” (“¿Cuál es el sentido de envejecer si no tienes nada que mostrar?”).

Criados entre mesas, clientes y música en vivo, los hermanos comenzaron a escribir y tocar sus propias canciones en los ratos libres entre el colegio y el trabajo. El escenario del pub se convirtió en su primer hogar artístico, donde aprendieron a desenvolverse con naturalidad y autenticidad frente al público.



Su último sencillo, “drugs”, explora la intensidad del enamoramiento como una forma de adicción emocional. Con letras que capturan esa euforia, ansiedad y deseo de no soltar el “subidón” del amor, la canción se convierte en una experiencia sensorial que no deja indiferente. Con cada nueva canción, con cada show en vivo, estos hermanos demuestran que el camino del esfuerzo, la constancia y la autenticidad puede llevar muy lejos. Y ellos apenas están comenzando.


Un Pop Galáctico: Venture Boi con una Reimaginación de BENNIE AND THE JETS

Un Pop Galáctico: Venture Boi con una Reimaginación de BENNIE AND THE JETS

En su revisión de “BENNIE AND THE JETS (Elton John Cover)”, Venture Boi apuesta por un pulso intrigante que respeta el latido original sin esconderse tras él. El ritmo adopta matices pop contemporáneo, pero mantiene ese toque de misterio que caracteriza al tema clásico. Es una versión que juega con la familiaridad del coro mientras explora nuevos recovecos sonoros.

La voz de Venture Boi aporta un brillo añadido a la melodía, mostrando una energía que contrasta con el tono más pausado de la versión de Elton John. Este dinamismo vocal realza los coros y llena de vida los pasajes instrumentales. La producción no busca reinventar por completo el tema, sino insuflarle un nuevo carácter a través de guitarras y texturas etéreas.



Detrás del proyecto se encuentra Matt Sanderlin, músico y productor de Nashville que fusiona influencias tan dispares como Tears For Fears, The Smiths, Beach House y Tame Impala. Con el apodo de Morrissey en el espacio, Venture Boi se mueve en el territorio del dream pop, creando atmósferas cargadas de aventura y nostalgia. Su aproximación al pop es siempre introspectiva, usando la reinterpretación como un ejercicio de estilo.

Este cover llega en un momento clave, mientras Venture Boi colabora con Micah Tawlks en un álbum conceptual que explorará experiencias cercanas a la muerte y revelaciones vitales. Si bien “BENNIE AND THE JETS (Elton John Cover)” es un guiño al pasado, también sirve como adelanto de la exploración sonora que Sanderlin ofrecerá en 2024. Es, sin duda, una pieza disfrutable para los amantes del pop con ganas de descubrir nuevos matices.


Ritmo, Alegria y Nostalgia: Seafret regresa con Wait

Ritmo, Alegria y Nostalgia: Seafret regresa con Wait

Después de redefinir su espacio creativo lejos de las luces de la gran ciudad, Seafret regresa con “Wait”, un tema que fusiona con acierto el pop ligero y suaves tintes country. El ritmo pegajoso de la canción se desliza con facilidad, ofreciendo una experiencia inmediata y disfrutable. Esa cadencia, acompañada de arreglos claros y directos, transmite una sensación de felicidad que invita a sumarse al pulso de la melodía.

La voz de Seafret se revela versátil y cargada de sentimiento, ajustándose a la atmósfera íntima de “Wait”. Jack Sedman brinda una interpretación que, sin caer en excesos, logra comunicar ternura y urgencia a la vez. La combinación de su tono con ligeros acordes acústicos y detalles country ofrece una textura que equilibra modernidad y calidez, otorgando a la canción una personalidad propia.



Tras su debut con Tell Me It’s Real y una estancia en Londres bajo el alero de una gran discográfica, Seafret decidió volver a sus raíces en el norte de Inglaterra para recuperar el control de su música. Esa independencia ha dado fruto en un proceso creativo libre de presiones, donde la banda ha escrito y grabado sin ataduras. “Wait” es el resultado de esa etapa de introspección y libertad, reflejando la frescura que surge al hacer las cosas a su manera.

En definitiva, “Wait” marca un nuevo capítulo en la trayectoria de Seafret, donde la mezcla de influencias y la honestidad sonora se complementan de forma natural. La canción anticipa un próximo álbum en el que, sin duda, la autonomía y el compromiso con su propio estilo volverán a ser protagonistas. Para quienes los han seguido desde sus primeros pasos y para los nuevos oyentes, este sencillo ofrece la promesa de un viaje musical que celebra la alegría y la autenticidad.


Bienvenido a la Nueva Ola #590 | IDA JANE, Savoi, Keeli Jordan

Bienvenido a la Nueva Ola #590 | IDA JANE, Savoi, Keeli Jordan

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


IDA JANE – Smile | Suiza

IDA JANE es una cantante y compositora con raíces australianas, conocida por su fusión de indie pop y blues. Su música captura emociones auténticas y experiencias personales, como su fascinante travesía de dos años en bicicleta por la Carretera Pamir en Asia Central, y temas universales como el amor, las relaciones rotas y la amistad. Tras un proceso introspectivo, finalmente lanzó su canción más personal, “Smile, Little Boy”, escrita para su hijo, que refleja la importancia de la bondad y la magia de una sonrisa en momentos de incertidumbre.


Keeli Jordan – small talk | Estados Unidos

Keeli Jordan es una cantante y compositora filipino-estadounidense de pop, indie y alternativa. A los 14 años, empezó a componer canciones que reflejan sus experiencias personales y su deseo de conectar con los oyentes. A través de sus letras, busca brindar apoyo a aquellos que atraviesan procesos de sanación emocional. Su tema “small talk” aborda la frustración de la superficialidad en las relaciones modernas y el deseo de ir más allá de las expectativas vacías del mundo de las citas.


Savoi – Collide | Australia

Savoi es un compositor, productor y artista australiano, radicado en Brisbane, especializado en música electrónica y pop. Savoi se hizo especialmente famoso por su participación en el éxito “Next To You” de LDRU, que alcanzó el oro en Australia. Ha trabajado con artistas como Shock One, Two Can, Hounded y WRLD.


“Queens”: El hechizo synthpop de Parlour Magic que transforma la nostalgia en arte

“Queens”: El hechizo synthpop de Parlour Magic que transforma la nostalgia en arte

Desde el corazón de Nueva York emerge Parlour Magic, el proyecto de synthpop liderado por el productor y artista multimedia Luc Bokor-Smith. Con una estética sonora que remite a la nostalgia de los años 80 y una visión profundamente contemporánea, Parlour Magic ha logrado establecer un estilo propio que brilla con sofisticación, melancolía y una marcada identidad visual.

El debut discográfico llegó con The Fluid Neon Origami Trick (2020), un álbum que estableció las bases del universo Parlour Magic: sintetizadores analógicos, estructuras melódicas envolventes y una producción impecable. Más adelante, el EP Hydrogen Palace (2021) expandió este lenguaje con una sensibilidad más experimental, confirmando que Bokor-Smith no es solo un músico, sino un arquitecto sonoro.



En octubre de 2024, lanzó su segundo álbum de estudio, Saturn Return, una obra ambiciosa grabada a lo largo de casi tres años entre Nueva York, Las Vegas y Berlín, y coproducida junto a Fab Dupont. El título hace referencia al fenómeno astrológico que simboliza el cierre de un ciclo vital y el comienzo de otro, una metáfora precisa para un álbum introspectivo, pulido y emocionalmente expansivo. En temas como Queens, se siente la madurez artística de Bokor-Smith: líneas vocales suaves sobre un tapiz de sintetizadores brillantes, armonías cuidadas y una atmósfera casi cinematográfica.

“Queens” se presenta como un viaje de tres minutos a través de sintetizadores analógicos, texturas envolventes y una sensibilidad melódica que recuerda la grandeza de los años 80, pero con un enfoque contemporáneo y cinematográfico. Producido junto al renombrado Fab Dupont, el tema forma parte “Saturn Return“.


Cuerdas, silencios y buen ritmo: eggcorn nos sorprende con “Hitler Was a Vegetarian”

Cuerdas, silencios y buen ritmo: eggcorn nos sorprende con “Hitler Was a Vegetarian”

En un mar de producciones donde el artificio suele dominar, eggcorn presenta “Hitler Was a Vegetarian”, una canción que se desmarca con una atmósfera serena y penetrante. Lo primero que llama la atención es la presencia de las cuerdas frotadas, que no solo adornan el tema, sino que lo sostienen, dándole un cuerpo orgánico y envolvente. Es una propuesta que se mueve dentro del indie pop, pero no teme acercarse a lo acústico con una sensibilidad particular.

La voz de eggcorn —proyecto encabezado por Lara Hoffman— se despliega con una expresividad que no exagera, pero que sabe comunicar. Su flexibilidad emocional permite que el ritmo pausado no se vuelva monótono, sino hipnótico. Hay en la interpretación una contención calculada, como si cada palabra estuviera pensada para mantener la intimidad de una idea sin diluir su potencia.



Desde su primer lanzamiento en 2020, eggcorn ha transitado un camino donde la música y la introspección van de la mano. En este nuevo álbum, Observer Effect, la artista parte de un concepto tan filosófico como concreto: la manera en que la observación transforma lo observado. Y en este sentido, cada canción parece diseñada como una mirada interna que, al hacerse pública, transforma también al oyente.

“Hitler Was a Vegetarian” no es una provocación gratuita, sino un título que parece señalar las contradicciones humanas y lo que elegimos ver o ignorar. Con un pasaje reflexivo, contenido en arreglos suaves y una producción que pone la honestidad por encima del adorno.


“Roomful Of People”: La Nueva Era de Rosie Darling, Un Regalo Sonoro para el Alma

“Roomful Of People”: La Nueva Era de Rosie Darling, Un Regalo Sonoro para el Alma

La cantante y compositora Rosie Darling, originaria de Boston y actualmente radicada en Los Ángeles, ha dejado claro que su música no solo es una forma de expresión artística, sino un refugio emocional para ella misma y para quienes la escuchan. Su estilo se caracteriza por la fusión de influencias del pop, el indie y la música alternativa, y a menudo aborda temas universales como el amor, la pérdida y el autodescubrimiento. El tema principal de su carrera ha sido la exploración de las complejidades emocionales, con letras que se sienten profundamente personales y accesibles al mismo tiempo.

En abril de 2025, Rosie Darling compartió con el mundo su más reciente EP, Roomful Of People, un trabajo que marca un giro significativo en su carrera. Producido por Justin Gammella, este nuevo proyecto refleja una versión más madura y juguetona de la artista. Según ella misma ha explicado, Roomful Of People tiene una sonoridad más energética y despreocupada en comparación con su álbum anterior, Lanterns, que era más serio y emocional.



El EP incluye canciones como “It Is What It Is”, un tema que captura la complejidad de aceptar cuando una relación ha llegado a su fin. A través de su voz suave y sus melodías etéreas, Rosie transmite la sensación de liberación que viene con el reconocimiento de que es necesario seguir adelante, incluso cuando la relación aún genera emociones conflictivas. La línea “I say, ‘It is what it is,’ because I know what it isn’t” encapsula perfectamente la idea de aceptar la realidad tal como es, sin aferrarse a lo que podría haber sido.

Otro tema destacado del EP es la canción “Roomful Of People”, un dueto con el cantante Jake Scott. La canción aborda el doloroso proceso de seguir adelante mientras todavía se siente una conexión con una persona del pasado. La química entre las voces de Rosie y Jake le da a la canción una fuerza emocional que resuena profundamente con cualquiera que haya pasado por una ruptura difícil.

Además de las canciones sobre el amor y las relaciones, Roomful Of People también aborda temas como las amistades duraderas y el proceso de crecimiento personal. “Joanna” es una pieza nostálgica que refleja el valor de las conexiones que sobreviven al paso del tiempo. Rosie describe la canción como un homenaje a la amistad y a la fortaleza de los lazos que no se rompen con facilidad, incluso cuando la vida se pone en el camino.


Bienvenido a la Nueva Ola #584 | Andrea De Quintana, Eli Golden, The Loft Project

Bienvenido a la Nueva Ola #584 | Andrea De Quintana, Eli Golden, The Loft Project

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Andrea De Quintana – enredada | Venezuela

Andrea de Quintana es una cantante y compositora nacida en Caracas, Venezuela, cuya pasión por la música comenzó desde temprana edad. Su sencillo Enredada captura la esencia del amor y la distancia, transmitiendo una sensación de anhelo y desamor a través de melodías cautivadoras y letras sinceras. La canción, con su instrumentación rica y emotiva, lleva al oyente a un viaje de vulnerabilidad y deseo, evocando la nostalgia de estar enamorado a pesar de la lejanía. Con una atmósfera que recuerda a artistas como Joaquina y Marina Reche, Enredada es para quienes buscan conectar con la melancolía y la intensidad emocional.


Eli Golden – Estados Unidos

Eli Golden es un actor y compositor cuyo talento se destacó inicialmente en el mundo de la actuación, siendo reconocido por su papel de Evan Goldman en 13! The Musical en Netflix y por su participación en series como Orange is the New Black y en Wizard of Lies, donde tuvo la oportunidad de trabajar junto a Robert De Niro. En los últimos años, Eli ha redirigido su energía hacia la música, descubriendo la composición como una vía de autoterapia y expresión. Su primer álbum, FROM THE DESK OF, es una colección de 13 canciones en las que comparte su vulnerabilidad y emociones más profundas.


The Loft Project – Meteor | Estados Unidos

“Meteor” es el sencillo debut de The Loft Project, una canción que captura la intensidad emocional del desamor y la destrucción que deja atrás. Con una melodía cautivadora y una lírica cruda, la canción explora el dolor de un corazón roto de una manera fresca y vívida. A través de su emotiva instrumentación y las experiencias compartidas de los miembros de la banda, “Meteor” se convierte en un himno poderoso para aquellos que han atravesado el sufrimiento de una relación rota.


“Pheromone”: el deseo que arde en silencio, según Danny Addison

“Pheromone”: el deseo que arde en silencio, según Danny Addison

Algunos artistas no solo cantan: confiesan, susurran y a veces hasta gritan con el alma. Ese es el caso de Danny Addison, una de las voces prometedoras de la escena indie-folk contemporánea. Con el lanzamiento de su álbum Porcelain en el verano de 2025, Addison se posiciona como un narrador honesto e intrépido.

El primer adelanto de este trabajo, “Pheromone”, es una pieza que vibra con deseo, contradicción y una atracción casi animal. En ella, Addison canta sobre rendirse ante la tentación, ignorar las señales de alerta y dejarse arrastrar por impulsos inevitables. Su voz, suave pero cargada de urgencia, se entrelaza con una base musical rica en texturas: guitarras detalladas, arreglos vocales envolventes y una producción que crece con intensidad medida.



Pheromone trata de ceder ante el deseo y estar a merced de alguien. Es ignorar las banderas rojas y seguir el instinto, aunque las consecuencias sean evidentes. Es una canción sobre la adicción emocional, sobre lo salvaje y lo humano”, confiesa el propio artista.

Pero Porcelain no se queda en la superficie del deseo. Es un álbum que reflexiona sobre la fragilidad humana, el amor, la pérdida y la reconstrucción. Cada tema está impregnado de sensibilidad y fuerza lírica, desde la contemplación existencial en “And If” hasta la esperanza resignada de “Sense of Touch”. Con raíces en el folk clásico y una estética moderna y elegante, Danny Addison crea un universo sonoro donde la vulnerabilidad no es debilidad, sino el centro de su poder.

Originario de Hitchin y actualmente afincado en Manchester, Danny proviene de una familia musical y es un multiinstrumentista formado en el ámbito clásico. Su talento no ha pasado desapercibido: ha recibido el apoyo de BBC Introducing, ha participado en importantes festivales como AMAUK y ha llamado la atención de figuras como Bob Harris.

Con Porcelain, Danny Addison no solo lanza un álbum, sino una declaración artística: hay belleza en lo roto, hay poesía en lo que no se puede controlar. Y en canciones como “Pheromone”, esa belleza brilla con una intensidad que es imposible ignorar.


Skintight Crazy: El Viaje Emocional de August Royals a Través del Amor y la Pérdida

Skintight Crazy: El Viaje Emocional de August Royals a Través del Amor y la Pérdida

August Royals con un sonido que equilibra la accesibilidad con la profundidad artística, el cantante y compositor mezcla sinceridad emocional con un enfoque musical sofisticado.

Su debut con RCA Records en 2021, con el lanzamiento de su sencillo “Blue Football”, captó la atención de la industria musical y sentó las bases para su carrera. Con una mezcla de pop sofisticado y líricas vulnerables, August se presentó como un creador dispuesto a explorar sus emociones más profundas, a la par que ofrecía un sonido pegajoso que podía conectar con una audiencia más amplia. El 2022 vio el lanzamiento de su primer EP, Inhaler, una obra de nueve canciones que presentó una mezcla de géneros que reflejaban tanto la variedad de influencias de August como su capacidad para explorar diferentes estilos musicales. A pesar de su éxito, August decidió alejarse de RCA Records para tomarse un tiempo para reflexionar sobre su rumbo como artista, alejándose de la presión de la industria para descubrir su verdadero sonido.



Con su retorno en 2025, August Royals regresa con una energía renovada y una visión más clara de su arte. Tras un período de silencio creativo, donde pasó tiempo desconectado del ruido exterior, ha vuelto con lo que él mismo considera sus canciones más auténticas y refinadas. Su sencillo “American Spirit” marcó su regreso triunfal, con una interpretación vocal única que conserva la accesibilidad del pop, mientras mantiene una conexión profunda con su propia identidad.

Sin embargo, su segundo sencillo independiente, Skintight Crazy, es el que verdaderamente ha dejado una marca en sus seguidores. En esta canción, August reflexiona sobre la complejidad emocional de una ruptura. Las letras exploran los efectos persistentes de una relación terminada, capturando el dolor de darse cuenta de que el amor que una vez sentimos ya no es con la persona que tenemos frente a nosotros, sino con la versión pasada de esa persona. Musicalmente, el tema destaca por su ritmo contagioso, uniendo guitarras suaves, sintetizadores pegajosos y una percusión dinámica que se mezcla perfectamente con su voz. La canción tiene una atmósfera vibrante, a pesar de la temática melancólica, invitando a la reflexión, pero también al disfrute.

Skintight Crazy representa la evolución de August Royals como artista, quien ha logrado transformar sus experiencias personales en canciones poderosas que resuenan con sus oyentes. Cada nueva publicación parece ser una exploración más profunda de sí mismo, desde sus luchas internas hasta sus victorias emocionales. Con su habilidad para crear música que es tanto introspectiva como accesible, no cabe duda de que August tiene mucho que ofrecer en los próximos años.