Indie Pop

“Pheromone”: el deseo que arde en silencio, según Danny Addison

“Pheromone”: el deseo que arde en silencio, según Danny Addison

Algunos artistas no solo cantan: confiesan, susurran y a veces hasta gritan con el alma. Ese es el caso de Danny Addison, una de las voces prometedoras de la escena indie-folk contemporánea. Con el lanzamiento de su álbum Porcelain en el verano de 2025, Addison se posiciona como un narrador honesto e intrépido.

El primer adelanto de este trabajo, “Pheromone”, es una pieza que vibra con deseo, contradicción y una atracción casi animal. En ella, Addison canta sobre rendirse ante la tentación, ignorar las señales de alerta y dejarse arrastrar por impulsos inevitables. Su voz, suave pero cargada de urgencia, se entrelaza con una base musical rica en texturas: guitarras detalladas, arreglos vocales envolventes y una producción que crece con intensidad medida.



Pheromone trata de ceder ante el deseo y estar a merced de alguien. Es ignorar las banderas rojas y seguir el instinto, aunque las consecuencias sean evidentes. Es una canción sobre la adicción emocional, sobre lo salvaje y lo humano”, confiesa el propio artista.

Pero Porcelain no se queda en la superficie del deseo. Es un álbum que reflexiona sobre la fragilidad humana, el amor, la pérdida y la reconstrucción. Cada tema está impregnado de sensibilidad y fuerza lírica, desde la contemplación existencial en “And If” hasta la esperanza resignada de “Sense of Touch”. Con raíces en el folk clásico y una estética moderna y elegante, Danny Addison crea un universo sonoro donde la vulnerabilidad no es debilidad, sino el centro de su poder.

Originario de Hitchin y actualmente afincado en Manchester, Danny proviene de una familia musical y es un multiinstrumentista formado en el ámbito clásico. Su talento no ha pasado desapercibido: ha recibido el apoyo de BBC Introducing, ha participado en importantes festivales como AMAUK y ha llamado la atención de figuras como Bob Harris.

Con Porcelain, Danny Addison no solo lanza un álbum, sino una declaración artística: hay belleza en lo roto, hay poesía en lo que no se puede controlar. Y en canciones como “Pheromone”, esa belleza brilla con una intensidad que es imposible ignorar.


Skintight Crazy: El Viaje Emocional de August Royals a Través del Amor y la Pérdida

Skintight Crazy: El Viaje Emocional de August Royals a Través del Amor y la Pérdida

August Royals con un sonido que equilibra la accesibilidad con la profundidad artística, el cantante y compositor mezcla sinceridad emocional con un enfoque musical sofisticado.

Su debut con RCA Records en 2021, con el lanzamiento de su sencillo “Blue Football”, captó la atención de la industria musical y sentó las bases para su carrera. Con una mezcla de pop sofisticado y líricas vulnerables, August se presentó como un creador dispuesto a explorar sus emociones más profundas, a la par que ofrecía un sonido pegajoso que podía conectar con una audiencia más amplia. El 2022 vio el lanzamiento de su primer EP, Inhaler, una obra de nueve canciones que presentó una mezcla de géneros que reflejaban tanto la variedad de influencias de August como su capacidad para explorar diferentes estilos musicales. A pesar de su éxito, August decidió alejarse de RCA Records para tomarse un tiempo para reflexionar sobre su rumbo como artista, alejándose de la presión de la industria para descubrir su verdadero sonido.



Con su retorno en 2025, August Royals regresa con una energía renovada y una visión más clara de su arte. Tras un período de silencio creativo, donde pasó tiempo desconectado del ruido exterior, ha vuelto con lo que él mismo considera sus canciones más auténticas y refinadas. Su sencillo “American Spirit” marcó su regreso triunfal, con una interpretación vocal única que conserva la accesibilidad del pop, mientras mantiene una conexión profunda con su propia identidad.

Sin embargo, su segundo sencillo independiente, Skintight Crazy, es el que verdaderamente ha dejado una marca en sus seguidores. En esta canción, August reflexiona sobre la complejidad emocional de una ruptura. Las letras exploran los efectos persistentes de una relación terminada, capturando el dolor de darse cuenta de que el amor que una vez sentimos ya no es con la persona que tenemos frente a nosotros, sino con la versión pasada de esa persona. Musicalmente, el tema destaca por su ritmo contagioso, uniendo guitarras suaves, sintetizadores pegajosos y una percusión dinámica que se mezcla perfectamente con su voz. La canción tiene una atmósfera vibrante, a pesar de la temática melancólica, invitando a la reflexión, pero también al disfrute.

Skintight Crazy representa la evolución de August Royals como artista, quien ha logrado transformar sus experiencias personales en canciones poderosas que resuenan con sus oyentes. Cada nueva publicación parece ser una exploración más profunda de sí mismo, desde sus luchas internas hasta sus victorias emocionales. Con su habilidad para crear música que es tanto introspectiva como accesible, no cabe duda de que August tiene mucho que ofrecer en los próximos años.


Entre Susurros y Melodías: El Viaje Musical de Jenny Kern

Entre Susurros y Melodías: El Viaje Musical de Jenny Kern

Jenny Kern es una cantante y compositora canadiense radicada en Brooklyn, con un estilo indie pop que fusiona emotividad, delicadeza y una fuerte presencia. Jenny inicio expandiendo su alcance musical al colaborar con el productor Andy Seltzer, quien ha trabajado con artistas como Maggie Rogers, Chelsea Cutler y Valley. Juntos, crearon dos sencillos, “Satellite” y “Now We Know”, que ayudaron a cimentar aún más su lugar en la escena musical.

En 2021, en el mismo año, lanzó su EP titulado I Never Thought That You Were Listening, una colección que resonó profundamente con sus seguidores. Este trabajo logró colocar dos de sus canciones en el top 40 de la radio, lo que consolidó a Jenny Kern como una artista con una propuesta sólida y un estilo único. Con más de un millón de reproducciones en Spotify, su popularidad sigue en ascenso, y la artista se prepara para seguir expandiendo su música a nuevos públicos.



El 2022 marcó el regreso de Jenny con el lanzamiento de su sencillo “Say It” la canción se aleja de la energía vibrante de sus primeros trabajos y ofrece una balada pop minimalista, llena de susurros, pausas y una introspectiva vulnerabilidad. La letra de la canción, que trata sobre las palabras no dichas y el dolor del silencio en una relación, muestra una vez más la habilidad de Kern para explorar temas personales y universales de manera honesta y conmovedora.

La colaboración de Jenny con el productor Ryder Stuart en este tema, conocido por su trabajo con artistas como Hayes Warner, CANNON y Young Rising Sons, ha resultado en una canción que muchos consideran una de sus mejores hasta la fecha. “Say It” no solo resalta la madurez de la cantante, sino que también marca un punto de inflexión en su carrera, mostrando una evolución tanto en su estilo como en su lírica.


Laila Smith: Cuando la música se convierte en ritual digital

Laila Smith: Cuando la música se convierte en ritual digital

Con una voz que parece emerger desde el centro de una herida abierta, Laila Smith habita ese espacio borroso donde lo íntimo se vuelve colectivo, lo nostálgico se vuelve inquietante, y lo vulnerable se vuelve radical. Laila comenzó su trayectoria como cantante de jazz a los seis años, presentándose en festivales locales de su ciudad natal. Desde entonces, ha recorrido escenarios de prestigio como el Kennedy Center, el Blue Note de Tokio y el Festival de Jazz de Monterey. Sin embargo, tras años como intérprete precoz, su voz —literal y artística— ha mutado. Hoy, se aleja del virtuosismo clásico del jazz para adentrarse en terrenos mucho más oscuros, crudos y personales: lo que ella llama haunted Americana.

Su más reciente sencillo, “Diorama”, es una muestra de esa transformación. Con una instrumentación delicada, marcada por guitarras acústicas, violines y una producción cálida en cinta, la canción parece suave a primera escucha. Pero bajo esa superficie melódica se esconden versos demoledores como “Y si no puedo ser tu favorita, aprenderé a ser menos importante”. La pieza es una reflexión sobre relaciones unilaterales, deseo y la autoaniquilación emocional, inspirada por un periodo de crisis personal durante el colapso de su matrimonio.



Para acompañar el lanzamiento de “Diorama”, ha creado un entorno digital interactivo inspirado en el diorama físico que aparece en la portada del álbum. En esta experiencia inmersiva, los fans pueden manipular una versión en miniatura de la artista y explorar habitaciones cargadas de objetos simbólicos de su vida personal. Desde una boca de incendios que desborda recuerdos de la infancia, hasta un archivo con fallos que clasifica traumas imposibles, cada elemento es una pieza del rompecabezas de su psique.

Inspirado en la estética de los videojuegos FMV de los años 90 y el arte de internet anterior a las plataformas, el proyecto no solo expande su universo artístico: lo convierte en un ritual interactivo. Laila explica que su intención es reclamar el espacio digital como algo sagrado y extraño, alejándose de su actual lógica de consumo.

Diorama” es el segundo adelanto de su próximo EP conceptual, Something Dreadful’s Going To Happen, en el que cada canción representa una fase diferente del duelo. Más allá del tema del trauma sexual o las relaciones fallidas, la obra explora cómo el cuerpo recuerda, cómo el deseo se transforma en obsesión, y cómo la nostalgia puede ser tan corrosiva como sanadora.


Bienvenido a la Nueva Ola #568 | Mona Lissa Chanda, Matt Grandbois, Buen Chico

Bienvenido a la Nueva Ola #568 | Mona Lissa Chanda, Matt Grandbois, Buen Chico

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Mona Lissa Chanda – Queen Of Games | Canada

Mona Lissa Chanda es una cantautora radicada en Montreal con raíces alemanas e indias, reconocida por su estilo elegante y nostálgico que fusiona el blues-rock, soul clásico, R&B y toques de Americana. Su voz cálida y envolvente, junto con una narrativa sofisticada, le permite explorar con profundidad temas como la vulnerabilidad, el deseo, la pérdida y la autosuperación. Influenciada por artistas como Amy Winehouse, Tracy Chapman y Melody Gardot, Mona Lissa se distingue por sus composiciones cinematográficas, donde el misterio y la emoción conviven en perfecta armonía. Su álbum debut Queen Of Games (2025), producido junto a Paul Cargnello, ha sido aclamado por su sonido atemporal y su honestidad lírica, consolidándola como una voz única en la escena musical actual.


Matt Grandbois – Moving On | Estados Unidos

Matt Grandbois es un cantautor originario de Boston que encontró en la música una forma de expresión honesta y terapéutica. Tras mudarse a Colorado a los 20 años para perseguir su sueño musical, tuvo que ponerlo en pausa mientras trabajaba varios empleos para sobrevivir. En 2024, se trasladó a Washington D.C., donde la distancia de su entorno familiar le permitió reconectar consigo mismo y redescubrir su pasión por la música. Su estilo íntimo y sincero refleja procesos de autodescubrimiento y emociones profundas, como en su canción “Moving On”, inspirada en una experiencia de amor no correspondido que lo llevó a explorar su identidad y aceptar su orientación sexual.


Buen Chico – Chase Me | Reino Unido

Buen Chico combina letras cargadas de crítica social con melodías pegajosas e inteligentes. Con una sensibilidad aguda hacia los temas políticos y humanitarios, su música no teme abordar asuntos complejos como la inmigración, la injusticia y el discurso de odio, siempre desde una perspectiva honesta y comprometida.


Miguel Guevara y la música como refugio: así suena Temporal, su nuevo EP acústico

Miguel Guevara y la música como refugio: así suena Temporal, su nuevo EP acústico

Miguel Guevara el cantautor, productor y multiinstrumentista bogotano lanza Temporal, un EP acústico que funciona como un acto de resistencia suave: volver a lo esencial, a la canción desnuda, a la emoción pura. Temporal es una pausa, un suspiro entre el ruido, una declaración artística hecha con las manos y el alma. A lo largo de cuatro canciones, Miguel revisita algunos de sus temas anteriores con una nueva sensibilidad: más íntima, más madura, más suya. Lo hace desde una mirada cálida y artesanal, buscando generar una conexión directa con quienes escuchan.

En el centro del EP brilla “Evidente”, la única canción inédita del proyecto. La letra es un desahogo emocional, un momento en que la verdad ya no se puede callar. Su interpretación, vulnerable, se apoya en una producción minimalista donde destacan las texturas acústicas y los matices folclóricos sutiles, esos que remiten a raíz, a tierra, a hogar.

“Las canciones se sienten como refugios, como lugares donde el tiempo se detiene y la emoción encuentra espacio para habitarse.” Así lo describe Miguel, y no hay mejor forma de resumir la experiencia de escuchar Temporal.



La historia musical de Miguel Guevara comenzó desde muy joven. A los seis años ya estudiaba violín con el maestro Miguel Ángel Guevara Díaz. Más adelante, profundizó sus conocimientos en piano y armonía con énfasis en jazz, llevandolo a formar parte de la Orquesta Nueva Filarmonía desde los 13 años, participando en producciones sinfónicas con artistas como Santiago Cruz, Andrés Cepeda, Fonseca, Kraken y Alcolirykoz.

Con Temporal, Miguel Guevara inaugura una nueva etapa en su carrera. Es un proyecto que se aleja de lo grandilocuente para abrazar lo íntimo. Grabado en casa, con un enfoque artesanal tanto en lo sonoro como en lo visual, el EP es también una extensión de lo que viene mostrando en vivo: un formato acústico donde la vulnerabilidad es protagonista y la cercanía con el público se vuelve más tangible que nunca.

Los comentarios no se han hecho esperar. Quienes lo han escuchado destacan la conexión emocional que genera, la sensación de que cada canción es un espacio seguro, un rincón de calma en medio del caos.

“Es música hecha desde el alma de un niño que todavía cree en la honestidad del arte”, dice Miguel. Y eso se siente. Se siente en cada acorde, en cada pausa, en cada palabra cantada sin artificio.


Mokita: La Luz en la Oscuridad de ‘Fortunately’

Mokita: La Luz en la Oscuridad de ‘Fortunately’

Mokita, el proyecto musical de John-Luke Carter, conocido por sus canciones introspectivas y cargadas de emoción a través de letras profundas que exploran la vulnerabilidad, la soledad y, más recientemente, la importancia del apoyo mutuo en tiempos de dificultad.

Su último sencillo, “Fortunately”, marca un giro significativo en la carrera de Mokita, alejándose de la angustia de la incertidumbre para centrarse en la fortaleza que se puede encontrar en los demás. Es un tema sobre tener a alguien en tu vida que siempre está dispuesto a brindarte apoyo, alguien en quien puedes confiar cuando las dificultades de la vida se vuelven más intensas.

La creación de “Fortunately” fue un proceso espontáneo y emocional. Escribiendo junto a Trent Dabbs y Jeremy Lutito, Mokita y su equipo comenzaron con una melodía de coro que Dabbs había traído, y a partir de ahí construyeron el resto de la canción. La grabación del tema fue realizada en un solo día, y con el paso de las horas, la canción fue tomando forma, con la adición de un toque especial de cuerdas que la hizo aún más emocionalmente rica.



“Fortunately” comienza con un piano suave y se ve acompañada por percusiones y cuerdas que aportan una capa emocional adicional. La armonía y la instrumentalización de la canción crean una atmósfera envolvente que refleja el mensaje central del tema: aunque la vida puede ser incierta y desafiante, siempre hay una luz en la oscuridad, y a menudo esa luz es una persona dispuesta a caminar junto a nosotros.

Con este sencillo, Mokita presenta un cambio en su sonido, asi como también ofrece una mirada más optimista a través de su música. Mientras que sus trabajos anteriores a menudo se centraban en la introspección y la lucha interna, “Fortunately” se erige como un homenaje a las personas que, sin pedir nada a cambio, nos acompañan y nos dan fuerzas cuando más lo necesitamos.

Este sencillo forma parte de lo que será el primer álbum de Mokita, el cual promete seguir explorando temas emocionales y personales, con un enfoque renovado y esperanzador. “Fortunately” es solo el comienzo de lo que parece ser una nueva etapa en la carrera del artista, una etapa que combina su energía creativa con una conexión emocional más profunda con su audiencia.


“Up Next Ash”: Landan Ash Nos Invita A Ser Nosotros Mismos

“Up Next Ash”: Landan Ash Nos Invita A Ser Nosotros Mismos

Landan Ash es un artista originario de una pequeña ciudad en Texas, Landan se mudó a Los Ángeles en busca de un espacio para desarrollar su música y su identidad artística. Su primer sencillo, Quicksand, lanzado en 2020, marcó el inicio de una carrera que continúa explorando su mundo interior, dándole voz a sus emociones más vulnerables y auténticas.

Con un estilo que combina el indie pop con la bedroom pop, sus canciones capturan una mezcla única de fragilidad emocional y exploración sonora. La atmósfera que crea es íntima, como si el oyente estuviera siendo invitado a un espacio seguro donde las emociones más crudas pueden ser expresadas sin temor al juicio.

Una de sus canciones más recientes, Up Next Ash, habla de la búsqueda de la identidad y la validación en un mundo que a menudo puede parecer indiferente. La letra refleja la lucha interna de un artista que siente que no es valorado en su vida cotidiana, pero que encuentra una forma de ser visto y apreciado en el escenario.



“Up Next Ash” no solo hace referencia al nombre artístico del cantante, sino también a la transformación que experimenta al subirse al escenario, donde puede ser quien quiera ser, dejando atrás la inseguridad y abrazando la posibilidad de reinventarse.

Desde el principio de su carrera, ha tenido claro que una de sus misiones es dar visibilidad a las voces queer en la música, algo que logra al compartir su propia experiencia de navegar por los altibajos de las relaciones y la autodefinición en un mundo que a veces no es del todo inclusivo. Influenciado por artistas como Gracie Abrams, Troye Sivan, Beach House y Cigarettes After Sex, Landan combina la melancolía con la experimentación sonora, creando un espacio donde sus emociones pueden ser procesadas y comprendidas.

En Up Next Ash, por ejemplo, la música transmite perfectamente la lucha interna del artista, con cambios de ritmo que reflejan su deseo de encontrarse y salir de la sombra, mientras enfrenta la contradicción de necesitar ser visto, pero al mismo tiempo, ser genuino consigo mismo.


Entre Universos Musicales: Descubre Another World (Reset Everything) de The Last Nation

Entre Universos Musicales: Descubre Another World (Reset Everything) de The Last Nation

Another World (Reset Everything) surge como una propuesta que fusiona lo mejor del pop contemporáneo con matices electrónicos, creando un paisaje sonoro lleno de carácter. La canción se destaca por unos sintetizadores bien trabajados que envuelven la pista en una atmósfera evocadora. La voz, con la que se le confiere personalidad, se funde en un ambiente que reta a los límites de la innovación musical. Se siente como una invitación a reinventar el mundo a través del sonido.

El proyecto The Last Nation, liderado por Fernando Torres Barradas en Veracruz, México, es fruto de la unión de creativos y productores que comparten sus instintos musicales. Con influencias que oscilan entre el lo-fi, chillhop y synthwave, la banda plasma en cada tema una historia de sentimientos y conexión. Su música se inspira en bandas sonoras de videojuegos y en artistas tan diversos como Björk o Billie Eilish, generando un enfoque único. La colaboración de estos talentos crea un relato musical que trasciende géneros.



En Another World (Reset Everything) se nota esa mezcla de influencias, donde los toques electrónicos se conjugan con una base pop que resulta atractiva para un público amplio. La calidad de la producción y los detalles en cada capa instrumental hacen que el tema se sienta pulido sin sacrificar la emoción inherente a la experiencia. Cada acorde y cada pausa parecen diseñados para conectar de forma sincera con el oyente, abriendo paso a nuevas formas de expresión.

En resumen, Another World (Reset Everything) de The Last Nation abre una ventana a un mundo musical en constante evolución, donde la fusión de pop y electrónica cobra vida de manera original. El proyecto se reafirma como un espacio de encuentro entre la innovación y la tradición musical, impulsado por un grupo de mentes creativas que buscan trascender fronteras.


Cierres Perfectos: ‘Nice Knowing You’ y la Nueva Era de Sadie Jean

La joven estrella del alt-pop, Sadie Jean, ha cautivado a sus seguidores con su música, que explora los matices de las relaciones amorosas, especialmente aquellas que no llegaron a su final feliz. Su más reciente sencillo, “Nice Knowing You”, es un ejemplo de los momentos de despedida.

El 3 de diciembre de 2024, Sadie Jean lanzó este tema que ha sido descrito como una carta de despedida a una relación. En esta canción, la cantante y compositora rinde homenaje a lo que fue esa relación, a pesar de que terminó, y se despide con una sensación de aceptación y agradecimiento. Con una guitarra suave y unas voces que invitan a la reflexión, la canción transmite la tristeza y la calma de saber que algo realmente ha terminado, pero sin resentimientos.

En la letra de “Nice Knowing You”, Sadie canta: “Let’s not pretend it’s not the end / I’m never seeing you again / But really there’s no bad blood / We’ll always be almost in love”, una frase que captura la esencia de la canción: la aceptación del fin sin amargura, solo una apreciación por lo vivido. Sadie describe este tema como un proceso de sanación personal, que la ayudó a liberarse del dolor de la despedida y dejar atrás lo que ya no era.



El video musical de “Nice Knowing You”, dirigido por Lauren Tepfer, fue rodado en Greenwich Village, un lugar significativo para Sadie ya que fue allí donde estudió música en la Universidad de Nueva York, el video evoca la sensación de una película romántica, inspirada en Before Sunrise, una de las películas favoritas de la artista.

En el video, Sadie se muestra caminando por la ciudad, recreando los momentos felices de una relación que ya no está. “Es una especie de montaje emocional, como los créditos finales de una película”, explica Sadie. A través de estas imágenes, busca capturar no solo la tristeza de la despedida, sino también la belleza de lo que fue esa historia de amor que, aunque terminó, siempre permanecerá en su memoria.

La canción fue escrita poco después de que ella se enterara de que la persona con la que había estado saliendo había comenzado una nueva relación. Fue en ese momento de vulnerabilidad cuando Sadie se sentó a escribir y procesó todo lo que sentía. “Estaba lidiando con tantas emociones al mismo tiempo, pero también quería hacer algo bueno, algo que realmente reflejara lo que estaba viviendo”, cuenta la cantante.

A pesar de los retos emocionales que supuso la creación de esta canción, Sadie se siente satisfecha con el resultado, ya que la música y las letras le permitieron sanar y avanzar.