Indie Pop

“Mine”: la nueva apuesta de CXC

“Mine”: la nueva apuesta de CXC

El dúo canadiense CXC, conformado por las hermanas gemelas Carmen y Camille, presenta su tema Mine, una canción que combina voz femenina con arreglos musicales diseñados para envolver al oyente en una atmósfera emocional y casi cinematográfica. Con influencias que recuerdan a Lana Del Rey, Haim y St Lucia, el proyecto se sitúa en el terreno del indie-pop con un estilo que busca abrir espacio propio dentro de un género cada vez más poblado.

La historia de CXC está marcada por un inicio familiar en la música, aprendiendo a tocar instrumentos y armonizar desde pequeñas en Vancouver, Canadá. Mientras Camille se formó en canto de jazz contemporáneo y Carmen exploró la comunicación en periodismo, ambas encontraron un punto en común: el escenario y el estudio. La experiencia de trabajar con productores en Los Ángeles consolidó un camino que las llevó a ser nominadas a un premio Juno, un reconocimiento que, aunque no obtuvieron, impulsó su determinación artística.



En su trayectoria, el dúo también ha incursionado en proyectos audiovisuales, componiendo y produciendo música para documentales como The Highway of Tears y películas familiares como Pop Star Puppy. Estos trabajos reflejan una versatilidad que no se queda solo en el indie-pop, sino que se extiende hacia la creación de paisajes sonoros adaptables a distintos contextos narrativos. Así, su propuesta no se limita a los escenarios musicales, sino que se integra en un panorama creativo más amplio.

Con Mine, CXC plantea un viaje íntimo en el que la voz principal se convierte en guía para atravesar melodías cargadas de guitarras orgánicas y sintetizadores retro. La canción no busca ser un despliegue grandilocuente, sino un espacio sonoro en el que emoción y producción se equilibran. En esta apuesta, las hermanas apuntan a un objetivo claro: crear música que genere conexión y despierte sensaciones en quienes se acercan a escucharla.


SODAPOP y la fantasía “Starbeam Machine”

SODAPOP y la fantasía “Starbeam Machine”

Desde Denver, SODAPOP propone un recorrido distinto en su álbum debut Melodia, un proyecto que mezcla indie pop de dormitorio con tintes de disco y una clara intención de construir un universo paralelo. El sencillo Starbeam Machine, presentado como el primer track del disco, se sitúa en esa intersección entre lo sonoro y lo imaginado. La canción se abre paso con un aire dreamy, acompañando el concepto de un mundo ficticio que el artista lleva elaborando durante cinco años.

La inspiración detrás del álbum nace de un espacio mental que se transformó en la tierra fantástica de Melodia, un bosque acuático donde la música es la base cultural. En este contexto, Starbeam Machine funciona como introducción a esa narrativa, con letras que toman experiencias personales y las transforman en metáforas. El resultado se mueve entre lo íntimo y lo lúdico, mostrando cómo la nostalgia y el deseo pueden coexistir en un mismo plano sonoro.



El proceso creativo de SODAPOP ha sido igual de particular. Armado con un teclado portátil y una guitarra, compuso gran parte de las canciones junto a unas vías de tren, usando la improvisación como método. Esa mezcla de acordes mayores y menores refleja un sentimiento agridulce que permea todo el disco. En Starbeam Machine este recurso se convierte en la base para transmitir la dualidad de lo feliz y lo melancólico, una constante en su propuesta artística.

Formado en Santa Bárbara y con experiencia de vida en Tailandia y Serbia, el músico ha consolidado un estilo propio desde su regreso a Estados Unidos en 2020. Con más de un millón de reproducciones acumuladas y presencia en listas de Spotify, SODAPOP se posiciona como una voz dentro del indie pop contemporáneo. Con Starbeam Machine, abre la puerta a un álbum que no sólo quiere sonar, sino también habitar un espacio imaginario donde música y fantasía se confunden.


American Authors acelera emociones con ‘Race Car’

American Authors acelera emociones con ‘Race Car’

American Authors se ha consolidado como una de las bandas de pop-rock más queridas de Nueva York. Formada por Zac Barnett (voz/guitarra), Dave Rublin (bajo) y Matt Sanchez (batería), la banda rápidamente encontró su identidad musical gracias a una combinación de melodías pegajosas y letras optimistas. Tras mudarse a Brooklyn, comenzaron a perfeccionar su estilo y firmaron con Island Records, lanzando su primer álbum Oh, What a Life en 2014.

El gran salto llegó con “Best Day of My Life”, un himno que se convirtió en un éxito global, desde entonces, American Authors ha vendido millones de discos y recorrido el mundo compartiendo escenario con bandas como OneRepublic, The Fray y Andy Grammer, además de presentarse en festivales icónicos como Lollapalooza, Reading y Leeds.



Su más reciente álbum, Call Your Mother (2025), incluye canciones como “Daisies”, “My Last Dime” y “Can’t Stand the Mourning”, mostrando su versatilidad y su capacidad para explorar distintos géneros sin perder su esencia. El nuevo single “Race Car” refleja esta energía renovada: una historia de amor fugaz y apasionado, un romance de verano que, aunque breve, deja una huella imborrable.

“Race Car” está disponible en todas las plataformas de streaming y promete convertirse en un nuevo favorito de los fanáticos, ideal para viajes, momentos de diversión y esas historias de amor que, aunque breves, se quedan en la memoria.


Too Hard: La Nueva Etapa Musical de Logan Lynn

Too Hard: La Nueva Etapa Musical de Logan Lynn

Logan Lynn es un artista de Portland, Oregon, conocido por fusionar pop alternativo, electrónica indie y narrativas personales en canciones que conectan con el público de manera auténtica. Músico, compositor, productor, cineasta, personalidad televisiva y activista LGBTQ+, Lynn ha construido una carrera de más de 25 años, destacándose por su honestidad, su creatividad y su compromiso con causas sociales.

A lo largo de su trayectoria, ha trabajado con sellos como Kill Rock Stars, Caroline Records y EMI Records, y ha aparecido en campañas internacionales de marcas como CoverGirl y Volkswagen. También ha desempeñado un papel activo en el activismo LGBTQ+, colaborando con organizaciones como GLAAD, CenterLink y la plataforma .gay, además de participar en iniciativas como Pass The Mic, de Portugal. The Man, promoviendo la salud mental y la inclusión a través de la música.



Su más reciente sencillo, Too Hard, lanzado el 15 de agosto, es el primer adelanto de su próximo álbum The Pain And The Power. Co-producido y co-compuesto con Kyle Andrews, el tema explora la dificultad de despedirse de alguien a quien aún se ama, transmitiendo vulnerabilidad y fortaleza al mismo tiempo. Con un sonido emotivo y liberador, la canción es un ejemplo del talento de Lynn para transformar experiencias personales en historias universales que resuenan con su audiencia. El lanzamiento de Too Hard en Bandcamp tiene un propósito solidario: los ingresos serán destinados a la reconstrucción de Burn Money Studios, un estudio local que sufrió un incendio recientemente.

Capaz de combinar sensibilidad emocional, virtuosismo pop y compromiso social en cada proyecto, Lynn no solo entretiene, sino que también inspira, visibiliza y conecta, consolidándose como un referente del pop alternativo y la cultura queer en Estados Unidos y más allá.


Amor, travesuras y pop contagioso: conoce a Lerocque

Amor, travesuras y pop contagioso: conoce a Lerocque

El cantante suizo-portugués Lerocque lanzó su nuevo sencillo “Like You”, un tema que combina la frescura del pop con una historia personal tan inusual como entrañable. Entre risas, Lerocque confiesa: “Sí, le robé la bicicleta… sí, ahora estamos casados y tenemos hijos”. Este detalle marca el tono de la canción, que celebra cómo a veces los caminos menos convencionales pueden conducir a los mejores finales.

“Like You” se mueve entre el alt-pop y el dance-pop, con una producción vibrante y ritmos contagiosos que transmiten la energía y el optimismo del artista. Más allá de su pegajosa melodía, el sencillo es una narrativa sobre la serendipia del amor y la magia de los encuentros inesperados, mostrando que incluso los actos traviesos pueden transformarse en historias memorables.



Nacido como Pedro Rodrigues en Portugal y criado en Suiza, Lerocque es un artista sin miedo a cruzar fronteras de género musical. Hijo de inmigrantes, encontró en la música de películas y videojuegos su refugio y su primer contacto con la creatividad: mundos como The Lion King, Star Wars, Zelda y Final Fantasy despertaron en él la pasión por crear, explorar y contar historias a través del sonido.

Años después, y tras su paso como cantante principal de la banda One Day Remains, Pedro decidió dar vida a un proyecto propio. Con la guía de su productor y mentor creativo Matthias Hillebrand-Gonzalez, Lerocque desarrolla un estilo que combina autenticidad, humor, sensibilidad y un toque inesperado. Su música está cargada de relatos que todos podemos reconocer, mezclando momentos cotidianos con una narrativa que roza lo épico y lo íntimo al mismo tiempo.

Con “Like You”, Lerocque demuestra que la vida puede ser tan impredecible como divertida y que las mejores historias a menudo surgen de lo inesperado. Entre hooks pegajosos, producción cuidada y un relato personal que conecta, el artista nos recuerda que el amor y la creatividad no siempre siguen las reglas, y que precisamente ahí radica su magia.


De la pista de baile a la calma con “Give It A Try”

De la pista de baile a la calma con “Give It A Try”

En la vasta geografía musical europea surgen bandas que no obedecen a moldes preestablecidos, y un ejemplo claro es Roast Apple. Cuatro amigos de la infancia que comenzaron tocando en pequeños espacios de Frisia del Norte, cuando aún dependían de sus padres para transportarlos a los conciertos, hoy llevan su música desde Hamburgo hasta escenarios de ciudades como Milán, Dubái u Osaka. Su historia no es de artificios, sino de constancia: más de 350 presentaciones consolidan la relación entre ellos y con su público.

Después del éxito de su tema Take Me Higher, que superó las 450 mil reproducciones en Spotify, la banda apuesta por un giro hacia un sonido más relajado. Con el lanzamiento de Give It A Try, se alejan del ritmo bailable que caracterizaba a su anterior sencillo para explorar un ambiente indie-pop más cálido y contemplativo. La canción se presenta como un reflejo del final del verano, con un tono pausado que contrasta con la energía de sus conciertos.



La propuesta de Roast Apple se define por un indie-pop casero y cercano, con un estilo que recuerda a nombres como Parcels o Two Door Cinema Club. Sin embargo, lo que distingue al grupo es su autenticidad: lejos de ser un producto de laboratorio musical, se han mantenido fieles a su dinámica de amigos que decidieron perseguir un sueño. Esto les ha permitido construir una base de seguidores que no sólo escucha, sino que acompaña cada una de sus etapas.

Con más de 3 millones de streams acumulados, la banda llega a este lanzamiento en un punto de madurez creativa. Give It A Try, disponible junto con su video desde el 19 de agosto, invita a escuchar a Roast Apple en otra faceta: menos nocturna, más introspectiva, pero igual de sincera. No se trata de un cambio drástico, sino de una prueba de que la amistad que los une también sabe transformarse en nuevas formas de sonido.


Starwolf: Funk Cósmico y Groove que Trasciende el Tiempo

Starwolf: Funk Cósmico y Groove que Trasciende el Tiempo

Desde 2016, Starwolf ha estado creando un sonido que mezcla funk, pop y soul retro con un toque casi cósmico. Originarios de una zona rural de Illinois, cerca de St. Louis, el trío —formado por Tim Moore (batería, sintetizador, percusión), Max Sauer (guitarra, bajo, sintetizador) y Chris Rhein (voz, bajo, guitarra)— ha lanzado varios sencillos y dos EPs, Ti Amo, Stargazer (2018) y Astro Lobo (2020), consolidándose como una propuesta innovadora en la escena indie.



Su más reciente sencillo, Good Together, adelanta un EP aún no anunciado y destaca por su groove impecable, líneas de bajo de la leyenda Tim Lefebvre (David Bowie, Tedeschi Trucks Band) y mezcla a cargo de Jason Kingsland (Deerhunter, Band of Horses, Washed Out). La canción combina ritmos disco-pop, sintetizadores satinados y un estribillo que se queda en la memoria, ofreciendo un viaje musical tanto sofisticado como divertido.

Su persistencia y creatividad, inspiradas incluso por un consejo de Huey Lewis, han llevado a que cada lanzamiento sea esperado con entusiasmo. Con Good Together, Starwolf reafirma su capacidad de fusionar nostalgia, innovación y talento, creando canciones que invitan a bailar y soñar al mismo tiempo.


Himnos de vida y libertad: Gungor celebra la existencia en su nuevo álbum

Himnos de vida y libertad: Gungor celebra la existencia en su nuevo álbum

Gungor, proyecto liderado por Michael Gungor, fusionando indie pop, blues, gospel, música alternativa y elementos místicos para ofrecer experiencias musicales que resuenan en lo espiritual y lo humano. Desde sus inicios en la escena cristiana con canciones como Beautiful Things, hasta su evolución como pionero en la deconstrucción de lo religioso y espiritual, Michael conecta con buscadores espirituales, exevangélicos y amantes del arte emotivamente poderoso.



Su más reciente trabajo, el álbum Magnificat, lanzado de manera sorpresiva, es una mezcla audaz de energía blues-rock, coros góspel y letras cargadas de profundidad. Singles como Like Hallelujah celebran la sexualidad como algo sagrado, transformando la vergüenza impuesta por la cultura de la pureza en un auténtico himno de liberación y celebración. Otro destacado, All In, con su frase central “Everybody’s going to die. Don’t forget to be alive”, combina un ritmo envolvente con un mensaje de urgencia y presencia, recordándonos disfrutar y vivir plenamente cada instante.

Independiente y radicado en Nevada City, California, Gungor genera una guía hacia la introspección, la celebración de la vida y la exploración de lo sagrado en lo cotidiano. Con Magnificat, Gungor reafirma su capacidad de transformar experiencias personales y espirituales en arte universal y profundamente conmovedor.


“It’s Alright”: LOVA y el himno para dejar de conformarse

“It’s Alright”: LOVA y el himno para dejar de conformarse

La artista sueca LOVA ha irrumpido desde el 2018 con el EP Scripted Reality, LOVA combinando letras sinceras con melodías memorables. En 2021, su álbum debut Grown-ish confirmó su talento como cantautora, con canciones que destacan por su introspección emocional y su capacidad de conectar con el oyente. Con éxitos como “Dance For The Hell of It” y “Jealous of My Friends”, LOVA ha demostrado que puede crear himnos pop cargados de actitud sin perder autenticidad ni sensibilidad.



Su más reciente sencillo, “It’s Alright”, producido por Oskar Wildén, LOVA aborda la tendencia a conformarse con “estar bien” y nos anima a soñar en grande y buscar una vida más plena. Con punteos de guitarra delicados, ritmos electrónicos envolventes y su voz expresiva y conmovedora, LOVA crea un tema que es a la vez íntimo y universal, recordándonos que está bien reconocer nuestras emociones y buscar lo mejor para nosotros.

Su capacidad para combinar introspección, honestidad y melodías pegajosas la convierte en una de las voces más prometedoras de la música sueca y global.


Indie, R&B y electrónica: la firma sonora de Carpetman

Indie, R&B y electrónica: la firma sonora de Carpetman

Carpetman es un artista estadounidense que ha destacado por escribir, producir y dar voz a sus propias canciones, construyendo un estilo que combina electrónica, alternativas y toques de R&B con una sensibilidad única. Su música no persigue tendencias; más bien crea un universo sonoro introspectivo donde la emoción y el control conviven en perfecta armonía.

Su más reciente sencillo, “You Will Never Know It” despliega una narrativa íntima y confesional, explorando la autonomía emocional, los deseos y las complejidades del amor. Con una base minimalista de guitarra, ritmos electrónicos y una voz profunda y envolvente, Carpetman logra transmitir vulnerabilidad y sofisticación a la vez, construyendo una experiencia musical que atrapa al oyente desde el primer instante.



Lo que distingue a Carpetman es su capacidad para fusionar distintas influencias musicales sin perder identidad. Sus canciones muestran una madurez que combina la frescura de la música alternativa con la calidez y la profundidad del soul y el R&B. Cada tema se siente personal, casi como una conversación directa con el oyente, en la que las emociones se presentan sin artificios, pero con una producción meticulosa que resalta su estilo moderno.

Su universo musical es íntimo, emocionante y cautivador, y “You Will Never Know It” es una muestra del talento y la visión que lo convierten en una de las voces interesantes de la escena contemporánea.