Desde Los Ángeles, Frank Jung entrega una canción que condensa mucho más que acordes y buen ritmo. “Final Hour” se mueve con soltura dentro del indie rock, construyendo un ritmo que engancha desde el inicio. Con tintes retro que no caen en lo obvio, el tema mantiene una estructura firme, equilibrando lo melódico con una base rítmica que respeta la esencia del género.
La banda, formada por los hermanos Hector y Alex Bermudez y acompañada por Luis Rodríguez y Ernesto Franco, canaliza experiencias personales en su música. La pérdida de su padre durante la adolescencia marcó un punto de inflexión que sigue resonando en sus composiciones. “Final Hour” no se presenta como una elegía, pero tampoco ignora el trasfondo emocional que caracteriza su trabajo.
Lo interesante en esta propuesta es cómo logran insertar esa carga emocional sin dejar de lado lo musical. La canción avanza con guitarras que recuerdan a The Cure y ciertas progresiones que podrían situarse en la misma órbita que Interpol. Sin embargo, Frank Jung no parece buscar imitar; más bien, toma prestado el espíritu de esos referentes para moldear su propia identidad.
“Final Hour” no se siente como un cierre, a pesar del título. Más bien, suena a una etapa bien definida dentro de un proyecto que aún tiene muchas historias por contar. Con un enfoque claro y una ejecución medida, el grupo deja claro que lo personal puede convertirse en algo compartido, si se dice con la voz adecuada.
Desde su tránsito entre Detroit y Nashville, Stephie James ha ido trazando una ruta particular dentro del panorama musical estadounidense. Su más reciente entrega, “Five & Dimer”, aparece como una extensión de esa búsqueda: una canción que une el espíritu del rock con elementos pop, sin sacrificar identidad. Con una producción pulida y un ritmo envolvente, la pieza se desliza entre la energía y el detalle, sin necesidad de recurrir al exceso.
La canción forma parte de As Night Fades, su álbum debut, que propone una mirada nostálgica pero no pasiva, cargada de referencias a épocas pasadas sin perder la intención de decir algo nuevo. En “Five & Dimer”, la voz de Stephie James juega un papel clave: hay una expresividad natural, sin artificios, que permite que cada palabra se acomode con soltura sobre la melodía. La buena vibra no es impostada, se siente orgánica, fruto de una artista que conoce bien su estilo.
Resulta evidente que James ha absorbido influencias que van más allá de su entorno geográfico inmediato. Su paso por escenarios junto a figuras como Anita Baker o Nikki Lane, y su trabajo con nombres como Buddy Miller o Dan Auerbach, han afinado una sensibilidad que se refleja en cada arreglo. “Five & Dimer” no suena como un ejercicio de nostalgia, sino como un diálogo entre lo clásico y lo actual.
Lo más interesante es que Stephie James no parece interesada en seguir una fórmula. A pesar de sus referencias al doo-wop, al Americana o al rock de los 60, su música evita quedar atrapada en el homenaje. En cambio, propone una experiencia accesible, con un pie en la tradición y otro en la experimentación sutil. “Five & Dimer” es un buen ejemplo de ello: una canción que fluye sin esfuerzo, pero con intención.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Kemi Amos – Fimile | Reino Unido
Kemi Amos es una artista de Londres que fusiona melodías Afro-Soul con progresiones de acordes rockeros y toques sinfónicos, creando un sonido crudo, emotivo y auténtico. Grabó su primer sencillo, Angelica, en los legendarios estudios Abbey Road, y ha pisado escenarios icónicos como Jazz Cafe, Ronnie Scott’s y The Arch. Sus lanzamientos más recientes, Fimile, Enough is Enough y el EP Yoruba Proverbs, combinan sus raíces yoruba con una energía pop-rock contagiosa. Para Kemi, la música es una forma de conectar, sanar y decir lo que las palabras no siempre pueden expresar.
Ryland – Stuck at Home | Estados Unidos
Buckley’s Angel – WHY | Estados Unidos
Buckley’s Angel es el proyecto en solitario del multiinstrumentista de Los Ángeles Michael Kelly, conocido por su trabajo con Ash Williams y Matt Caskitt & The Breaks. Bajo este nombre, Kelly canaliza una mezcla de energía punk, sensibilidad indie rock y letras profundamente personales, creando un sonido crudo, emotivo y auténtico. Buckley’s Angel es su espacio creativo más íntimo, donde explora temas de vulnerabilidad, resiliencia y autodescubrimiento con una honestidad desarmante y una estética DIY.
Con una trayectoria que ha cruzado escenarios tan diversos como el Carnegie Hall en Nueva York y festivales en Europa del Este, Whitney Lyman ha construido una carrera marcada por la exploración sonora y una voz que desafía lo convencional. Desde su rincón en el Pacífico Noroeste, ha sabido ser parte esencial de la escena musical de Seattle, moviéndose entre el indie pop, el rock y la experimentación instrumental con soltura y decisión.
Su nuevo lanzamiento, “Supermoon”, continúa ese camino, pero desde una orilla más introspectiva. La canción se desliza sobre un ritmo tranquilo y bien contenido, con una producción que abraza un rock suave pero cargado de una atmósfera ligeramente oscura. En lugar de optar por la efusividad, Lyman se sumerge en una ambientación contenida, que deja espacio para el detalle y la pausa, sin perder conexión emocional.
La voz de Whitney Lyman, siempre presente pero nunca avasallante, funciona como un ancla emocional en medio de esta bruma melódica. Hay una calidez escondida en su interpretación, como si la oscuridad que propone “Supermoon” no fuera del todo fría, sino más bien un refugio momentáneo. Esa ambivalencia entre sombra y abrigo es quizá el mayor acierto de esta entrega, que logra sugerir más de lo que afirma.
Respaldada por marcas como Gibson y Mackie, y con un historial de colaboraciones que incluye a ODESZA y la Seattle Rock Orchestra, Whitney Lyman continúa trazando un camino propio, sin estridencias ni fórmulas repetidas. “Supermoon” no busca impresionar desde lo obvio, sino generar un espacio sonoro donde el oyente pueda habitar con calma, entre lo etéreo y lo íntimo.
Con más de una década de carrera como cantante y compositor, Richard Tyler Epperson desde sus primeros trabajos como Falling Between The Stars (2013) y Hourglass (2014), hasta álbumes más recientes como Another Day (2021) y A Wandering Mind (2023), Epperson ha demostrado un crecimiento constante, manteniéndose fiel a su estilo. Sus canciones, abiertas y sin filtros, revelan una honestidad donde cada palabra y melodía transmite su verdad personal.
En 2025, Richard presenta su nuevo álbum Fragmented Night, una obra que recoge diez canciones cargadas de emociones y de su característico sonido colorido y envolvente. Este proyecto representa su trabajo más profesional y pulido hasta la fecha, fruto de la colaboración con un equipo talentoso que aportó ideas y visión para enriquecer su música.
Fragmented Night es un álbum ecléctico pero cohesivo, que va desde composiciones acústicas íntimas hasta temas eléctricos con invitados especiales. La calidez humana y la integridad artística de Epperson brillan en cada pista, reafirmando su lugar entre los compositores más destacados de su generación.
Además, el lanzamiento del álbum viene acompañado por el sencillo “Let’s Drive”, un himno folk rock que invita a dejar atrás el pasado y abrirse a nuevas aventuras con energía y optimismo. Con un ritmo contagioso y melodías pegajosas, esta canción celebra la libertad y la búsqueda de conexión.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Worldview – Chance Is Gone (Gatsby) – Single Version | Reino Unido
Comenzamos con Worldview y su propuesta “Chance Is Gone (Gatsby) – Single Version”, un tema que apuesta por una energía synthpop vibrante con un ritmo que atrapa desde el inicio. Bajo el alias de Worldview se encuentra Oliver Shaw, compositor y productor originario de Oxford, quien fusiona elementos del rock, pop, dance y folk con una sensibilidad melódica bien definida. La canción se mueve con confianza, equilibrando su dinamismo con una presencia vocal sobria pero efectiva.
La propuesta de Worldview se siente personal y con carácter, logrando ofrecer una experiencia musical que no se queda en la superficie. Shaw ha formado parte de proyectos anteriores, e incluso una de sus canciones fue incluida en un drama de la BBC, lo que habla de una trayectoria discreta pero con momentos significativos. En este nuevo lanzamiento, muestra su capacidad para construir piezas que conectan tanto con la pista de baile como con una escucha más introspectiva.
Favour – Preset | Países Bajos
Continuamos con Favour y la canción “Preset”, una pieza envolvente que se apoya en un dream pop minimalista con tintes indie que se desarrollan de forma pausada pero llena de matices. Tom Meijer, desde Ámsterdam, combina lo digital con lo acústico, permitiendo que cada elemento respire dentro de una atmósfera que se siente cuidada pero sin buscar la perfección. La voz, discreta y directa, acompaña sin imponerse, dejando espacio al ambiente para crecer.
En “Preset” se percibe una intención por explorar texturas más que fórmulas, como si se tratara de un descubrimiento más que de una invención. Favour construye sus canciones desde una búsqueda constante de pequeños momentos que transmitan algo genuino. Hay una sensibilidad que conecta con lo íntimo y que permite que la canción evolucione de manera orgánica, invitando a dejarse llevar sin tener que entenderlo todo.
Malta Mina – Supernostalgia | Alemania
Concluimos con Malta Mina y su canción “Supernostalgia”, una mezcla interesante de rock retro, dream pop y una producción lo-fi que crea una estética cargada de añoranza. El proyecto de Sebastian Witte recoge influencias de los 80 y de géneros como el New Wave o el Neue Deutsche Welle, combinando melodías melancólicas con una voz que parece venir de otra época. El resultado es una canción con identidad, que evoca paisajes pasados sin dejar de sentirse actual.
“Supernostalgia” no se limita a una estética visual o musical, también trae consigo temas que tocan lo social, lo auténtico y lo humano. Malta Mina no busca simplemente entretener, sino también provocar una reflexión suave, casi subliminal, sobre lo que se siente y lo que se extraña. Su música tiene algo de teatral, pero se presenta con naturalidad, sin exagerar, como un recuerdo que vuelve en forma de canción.
La artista londinense Scarlett Ash-Ingley, conocida como TUUDI, presenta su nuevo sencillo “Fallen Angel”, un tema que combina la delicadeza del alt-pop con una producción electrónica atmosférica y envolvente. Con una narrativa íntima y una atmósfera etérea, la canción explora la dualidad entre la fragilidad y la fuerza interior.
“Fallen Angel” nace de una experiencia personal de TUUDI: tras caerse de su bicicleta durante un viaje, grabó el sonido del neumático roto golpeando el cuadro, un loop sonoro que se convirtió en el corazón rítmico y emocional de la canción. Esa sensación de deslizarse a través de una tormenta se convierte en una metáfora potente para enfrentar momentos difíciles y recuperar el poder propio.
Musicalmente, la canción se sostiene sobre un arreglo que mezcla cuerdas dramáticas con una producción minimalista, dejando espacio para que la voz de TUUDI despliegue sus pasajes vocales intensos y llenos de emotividad. La letra es poética y cargada de imágenes que invitan al oyente a sumergirse en una historia de lucha y superación personal.
Originaria de Bedfordshire, TUUDI comenzó su camino musical escribiendo canciones en un piano desafinado desde los 12 años, y con el tiempo ha evolucionado hacia un estilo que combina elementos retros y futuristas en la electrónica pop. “Fallen Angel” representa un paso más en su trayectoria, consolidándola como una voz única dentro del panorama alternativo actual.
Desde las profundidades nubladas del noroeste de Estados Unidos emerge Coral Grief, este trío de Seattle, compuesto por Lena Farr Morrissey, Sam Fason y Cam Hancock, ha comenzado a marcar un camino distintivo dentro del dream pop contemporáneo, combinando texturas oníricas con un enfoque experimental.
Tras debutar en 2020 con un EP homónimo grabado en casa durante los primeros meses de la pandemia y publicado por el sello Den Tapes, Coral Grief regresa en 2025 con su primer álbum de larga duración: Air Between Us, que verá la luz el 18 de julio. El disco será lanzado a través de tres sellos independientes que representan distintos formatos: Suicide Squeeze Records (digital), Anxiety Blanket Records (vinilo) y Den Tapes (casete).
El primer adelanto del álbum es “Rockhounds”, una canción que encarna la esencia de Coral Grief: una base rítmica motórica de inspiración krautrock, guitarras reverberantes, sintetizadores brumosos y una voz etérea que flota con honestidad y delicadeza. La letra, escrita por Morrissey, utiliza metáforas marinas para hablar sobre la incertidumbre y la búsqueda de propósito en los años veinte. “No me rendiré aunque no haya nada que encontrar, seguimos buscando”, canta en el estribillo, con una mezcla de vulnerabilidad y determinación.
Según la propia Lena, la canción es un homenaje al acto de buscar pequeños tesoros en la playa, incluso cuando no se encuentra nada tangible, valorando el proceso por encima del resultado. Esta filosofía se refleja también en el videoclip dirigido por Nick Shively, que alterna imágenes de un día soleado junto al mar con escenas psicodélicas sobre un escenario caleidoscópico.
Coral Grief se posiciona así como una de las bandas más interesantes de la nueva generación de artistas que están reinterpretando el dream pop con una sensibilidad fresca y sincera. Con Air Between Us, Coral Grief promete consolidarse como una voz imprescindible dentro del indie alternativo de la costa oeste.
Charlotte OC regresa con una fuerza emocional renovada, con una trayectoria que incluye dos álbumes bajo el sello Harvest/Universal, la cantante británica entra en una nueva etapa creativa con su próximo EP Seriously Love, Go Home, bajo el sello Embassy of Music.
Después de su sencillo “God, We Tried”, un himno sobre el dolor, la pérdida y el amor que no fue, Charlotte sorprende con “Romeo”, una canción más cálida y esperanzadora. En ella, narra el encuentro inesperado con alguien que parece haber llegado justo en el momento indicado. Musicalmente, es un tema que mezcla la melancolía de una guitarra atmosférica con una producción sutil y elegante, todo envuelto en su inconfundible voz cargada de emoción. Hay ecos de Patti Smith en su interpretación: cruda, vulnerable, poderosa.
El EP, según la propia artista, representa una etapa de catarsis y redescubrimiento. Las canciones exploran el duelo, el autosabotaje, la búsqueda de sentido y, finalmente, el renacer personal. “Seriously Love, Go Home” es la banda sonora de una mujer enfrentándose a su caos interno y encontrando en él la semilla de su fortaleza.
Con presentaciones íntimas confirmadas en Londres y Mánchester, además de una aparición en el SXSW London, Charlotte OC marca oficialmente su retorno a los escenarios después de tres años. Su música no solo cuenta historias, las vive, las siente y las transforma en himnos de sanación.
Charlotte OC está de vuelta, y su voz – intensa, honesta y sin concesiones – es exactamente lo que este momento necesita.
St. South es el proyecto musical de Olivia Gavranich, cantante, compositora, productora y multiinstrumentista independiente radicada en Fremantle, Australia. Conocida por su estilo que mezcla la electrónica suave y envolvente con letras introspectivas y emotivas, St. South escribe, produce y interpreta toda su música con una honestidad conmovedora.
Desde su debut en 2016 con el EP Nervous Energy, logró colocarse en series populares como The Vampire Diaries y The Fosters, Olivia ha evolucionado musicalmente sin perder ese toque íntimo que caracteriza su sonido. En 2017 lanzó Inure, seguido por su primer álbum de larga duración Get Well Soon en 2020, y en 2024 presentó el EP BIG SADS, un proyecto tierno y catártico escrito durante un periodo de cambios personales profundos.
getting bad again es una balada indie-pop que aborda con franqueza la experiencia de retroceder emocionalmente tras un periodo de sanación. La canción explora la compleja realidad de las recaídas en la salud mental, ese momento delicado en el que viejas dificultades vuelven a aparecer, a pesar de los esfuerzos por mantenerse en pie. St. South describe la canción como una conversación sincera consigo misma, que refleja tanto la autocrítica como la aceptación paciente de sus propios procesos.
Musicalmente, el tema combina texturas lo-fi con capas sutiles de armonías y una producción ambiental que crea una atmósfera envolvente y calmada. La voz suave y cercana de St. South invita al oyente a sumergirse en esa sensación de nostalgia y reflexión. La producción, aunque minimalista, es efectiva para transmitir ese “abrazo sonoro” que uno busca en momentos de fragilidad emocional.
Además, getting bad again llega en un momento importante: durante el Mes de Concientización sobre la Salud Mental, lo que le da un significado especial, sobre todo considerando que St. South es una artista queer y de identidad de género diversa. La canción se convierte así en un mensaje de esperanza y de reconocimiento para quienes luchan diariamente, con la invitación a seguir eligiendo la vida a pesar de las dificultades.
