Richard Tyler Epperson es un cantante y compositor independiente de Salt Lake City, Utah, que, a lo largo de casi una década, ha demostrado una dedicación inquebrantable a su música desde sus inicios con su primer álbum Falling Between The Stars en 2013, Epperson ha recorrido un largo camino.
En 2021, con el lanzamiento de su EP Another Day, Epperson alcanzó un nuevo nivel de madurez musical, consolidando su lugar como un artista que no teme experimentar y arriesgarse en busca de la autenticidad sonora. Canciones como “When I Build My World” ofrecieron una narrativa emocionante, con letras que resonaban profundamente en la audiencia, mientras su estilo Indie Pop y Folk continuaba evolucionando de manera orgánica.
Con su cuarto proyecto A Wandering Mind, lanzado el 1 de enero de 2023, Epperson ha dado un paso más en su carrera, entregando una obra vibrante que combina la sutileza emocional con la experimentación sonora.
“I Love It When It’s Cold” es una canción que mezcla influencias del Indie Pop y el Dream Pop, la naturaleza soñadora y etérea de “I Love It When It’s Cold” nos envuelve como una suave brisa invernal, ofreciéndonos un refugio emocional y una experiencia auditiva que se siente personal y profundamente auténtica. Su voz, suave y envolvente, transmite una sinceridad que es la marca distintiva de todo su trabajo.
Cici Arthur es un nombre que comienza a resonar dentro del mundo indie, y su nueva canción “Cartwheels for Coins” es una clara razón de por qué. Este proyecto colaborativo entre los músicos de Toronto Chris A. Cummings, Joseph Shabason y Thom Gill ha dado vida a una propuesta que, aunque sencilla en apariencia, desborda elegancia. Con un ritmo pausado y una instrumentalización delicada, la canción crea una atmósfera íntima que te transporta a un lugar donde la nostalgia y la serenidad coexisten en perfecta armonía.
La voz ligera y bien controlada de Cici Arthur es sin duda uno de los puntos más destacados de “Cartwheels for Coins”. Acompañada por toques dulces en la producción, su interpretación es una clase de sutileza, logrando capturar la atención sin necesidad de grandes artificios.
El proyecto Cici Arthur surge de una curiosa combinación de talentos y experiencias, todos ellos profundamente enraizados en la escena musical de Toronto. Aunque llevan años compartiendo la misma ciudad, la colaboración entre Chris A. Cummings, Joseph Shabason y Thom Gill refleja esa sensación de descubrimiento y familiaridad que a menudo se experimenta al explorar rincones ocultos de un vecindario conocido. Así es como “Cartwheels for Coins” se presenta: como un paseo por territorios musicales ya transitados, pero siempre capaces de sorprender con nuevas texturas y detalles.
La música de Cici Arthur tiene ese raro don de hacerte sentir en casa, aunque estés explorando nuevos sonidos. “Cartwheels for Coins” logra evocar esa mezcla de sorpresa y reconocimiento, como si el oyente se adentrara en un paisaje sonoro familiar pero lleno de recovecos inexplorados. Esto se debe en gran parte a la habilidad de los tres músicos para tejer una narrativa musical que, sin ser abrumadora, deja una huella profunda.
Conocida por su destacada carrera como la voz líder en el aclamado trío danés Nelson Can, Selina Gin ha demostrado ser una gran fuerza en la escena musical. Desde su paso por la banda, que lanzó dos álbumes y tres EPs entre 2012 y 2020, Selina ha dejado una huella imborrable en el panorama alternativo. Sin embargo, el final de Nelson Can marcó solo el comienzo de una nueva etapa artística. Ahora, con su carrera en solitario, nos muestra una faceta más íntima y versátil, donde su talento vocal y compositivo brillan con un enfoque fresco y cautivador.
Su último sencillo, “Hey, Gatekeeper <3”, es una prueba clara de esta evolución. Con un ritmo suave influenciado por un rock ligero y toques de indie pop, la canción está llena de ganchos que atrapan al oyente desde el primer segundo. La voz de Selina, siempre ligera y envolvente, complementa a la perfección esta producción minimalista, creando una atmósfera que, aunque sencilla, resulta muy efectiva y profundamente emocional. Es un tema que destaca por su delicadeza y por la habilidad de Selina para mantener al oyente enganchado de principio a fin.
La transición de Selina Gin a su carrera en solitario comenzó a tomar forma con el lanzamiento de su primer sencillo, “Deep Blue”, en 2021. Desde entonces, ha sido aclamada por su capacidad para navegar con soltura entre diferentes estilos y atmósferas, algo que quedó patente en su concierto debut, con entradas agotadas, en el legendario Loppen de Copenhague. La crítica especializada ha elogiado su capacidad para explorar una amplia gama de expresiones musicales, demostrando que su talento va mucho más allá de los límites de su banda anterior. “Hey, Gatekeeper <3” es solo la continuación de este emocionante viaje.
Lo que más destaca en esta nueva etapa de Selina Gin es la madurez con la que aborda sus composiciones. “Hey, Gatekeeper <3” no solo es una canción bien construida musicalmente, sino que también muestra una artista que sabe cuándo dejar espacio para que la emoción respire. Los tintes de rock y las texturas indie pop, que parecen flotar sobre la producción minimalista, se mezclan a la perfección con los ganchos vocales, creando una experiencia auditiva que resulta tanto relajante como estimulante.
En el vasto paisaje del indie pop, siempre hay joyas que destacan por su capacidad para crear atmósferas que transportan al oyente. Marble Raft, el dúo sueco compuesto por Olle Söderström y Gabrielle Werme Baker, ha logrado precisamente eso con su nuevo sencillo “Marble Halls”, un tema que combina el indie pop y el dream pop con toques experimentales que le dan un aire fresco y profundamente original. Desde las primeras notas, la canción envuelve en una atmósfera envolvente, llena de capas instrumentales que parecen fluir como olas, creando un espacio sonoro único.
La clave de “Marble Halls” está en la interacción de las voces de Olle y Gabrielle, cuyas armonías aportan un contraste interesante, logrando que la canción se sienta tanto íntima como expansiva. Este juego de voces, junto con la rica textura musical compuesta por sintetizadores analógicos, guitarras de 12 cuerdas y el característico sonido del mellotron, nos invita a sumergirnos en un universo sonoro donde cada detalle parece cuidadosamente colocado. La canción logra mantenerte enganchado, no por la grandiosidad de su ritmo, sino por la sutileza y la profundidad de sus arreglos.
Marble Raft no es ajeno a la creación de atmósferas cargadas de emoción. Desde su debut en 2021 con el álbum Geography A, han demostrado su maestría para combinar elementos etéreos con exuberancia pop, y “Marble Halls” es una evolución natural de ese sonido. Inspirados por bandas como Wild Nothing, M83 y Cocteau Twins, el dúo ha logrado fusionar sus influencias con un estilo propio, donde los sintetizadores de cuerdas y el auto arpa se entrelazan para crear algo que, aunque nostálgico, se siente totalmente contemporáneo.
El próximo álbum de Marble Raft, del cual “Marble Halls” es el tercer adelanto, promete seguir explorando estos paisajes sonoros llenos de capas y matices. Aunque aún falta para su lanzamiento oficial en la primavera de 2025, cada nuevo sencillo deja claro que el dúo sigue empujando los límites de su sonido, buscando siempre nuevas formas de desafiar las expectativas dentro del indie pop.
En resumen, “Marble Halls” es más que una simple canción, es una experiencia que te invita a dejarte llevar por su atmósfera con toques dream pop. Marble Raft ha logrado una vez más crear una pieza que, aunque arraigada en lo familiar, se siente fresca y renovada. Si eres un amante de los sonidos etéreos y las producciones cuidadas, este tema es un viaje que no querrás perderte.
Cuando el calendario marca un nuevo año, solemos reflexionar sobre lo vivido y lo que está por venir. Esa misma nostalgia y optimismo se refleja en “New Year’s Day”, el más reciente lanzamiento de Clementine Moss. La canción, con un ritmo sencillo pero ingenioso, te atrapa desde el primer compás, recordando lo mejor del pop retro con su uso de sintetizadores y ecos que le añaden un toque nostálgico. Es una pieza que, aunque no tiene una producción abrumadora, logra cautivar con su sutil estilo y una voz que se desliza perfectamente entre los acordes.
Clementine Moss ha demostrado ser una fuerza creativa versátil, desde su trabajo como baterista hasta su faceta como compositora y cantante. Su álbum más reciente, Nothing Will Keep Us Apart, es un ejemplo claro de su habilidad para mezclar lo pop y lo folk en un sonido propio. Las canciones exploran temas de amor, tanto terrenal como divino, y Moss nos recuerda que en medio de la oscuridad siempre hay luz si nos aferramos al amor. Esa misma exploración de lo difícil y lo liberador se hace presente en “New Year’s Day”, una canción que, aunque más ligera en comparación, sigue resonando con esa búsqueda de libertad a través de la sencillez.
A lo largo de su carrera, Clementine Moss ha colaborado con músicos talentosos como Robert Preston y William Cameron, quienes ayudaron a dar forma a las melodías de su último álbum. Su influencia también se siente en “New Year’s Day”, donde el uso de los sintetizadores no abruma sino que complementa perfectamente los ecos y matices vocales de Moss. La mezcla de elementos retro y modernos le da un aire único que, aunque evoca a artistas como Tom Waits o Norah Jones, nunca pierde su propia identidad.
Mirando al futuro, Clementine Moss no tiene planes de frenar su creatividad. En 2025, lanzará un proyecto que fusiona el jazz con influencias contemporáneas, creado en colaboración con el guitarrista Daniele Gottardo. Este nuevo trabajo promete expandir aún más su ya diverso repertorio, mostrando la habilidad de Moss para moverse entre géneros sin perder la esencia de su sonido.
Fred Leán, un cantautor mexicano nacido en la costa de Veracruz, está listo para abrirse camino en la escena musical con su nuevo sencillo “Frío”, una canción que promete envolvernos en una atmósfera de introspección y calidez emocional. Este tema es la primera probada de su próximo EP titulado “Boreal”, un proyecto inspirado en los paisajes nevados y los momentos íntimos que marcan su vida actual en Alberta, Canadá.
Con una combinación de sonidos acústicos, folk e indie pop, Fred el artista nos lleva a través de un viaje sonoro por carreteras montañosas y momentos de conexión que capturan la esencia de “no querer irse” cuando estás con alguien especial. Desde el primer acorde hasta el cierre, la canción crece en energía, reflejando cómo el calor de las emociones se intensifica en un día frío.
“Escribí esta canción cuando estaba en la prepa, pensando en esa magia única de gustar y ser correspondido por alguien. Ahora, muchos años después, la letra sigue resonando en mí, sobre todo porque conecta con ese deseo de compartir momentos simples pero llenos de significado”, comparte Fred.
La vida de Fred Leán ha dado un giro interesante en los últimos años. Actualmente reside en Alberta, Canadá, una experiencia que, aunque enriquecedora, no ha estado exenta de desafíos. La lejanía de su familia y amigos ha sido un tema recurrente en su proceso creativo, transformando la nostalgia en arte.
“Vivir aquí ha sido difícil, pero también muy inspirador. Las montañas, los bosques nevados y hasta las auroras boreales han dejado huella en mí. Estas canciones reflejan ese contraste entre la belleza del lugar y los retos emocionales de ser inmigrante”, explica.
El EP “Boreal”, que verá la luz este año, promete ser un proyecto íntimo y personal. Producido en colaboración a distancia con el equipo de Edén Music en Ciudad de México, cada canción parece estar impregnada de la esencia del invierno canadiense y las emociones humanas que lo acompañan.
Maria De Val es una cantautora italiana quien ha cautivado al público con su capacidad para mezclar indie, folk, schlager italiano y psicodelia en un estilo único e inconfundible. Desde su primer sencillo como solista, “As We Both Knew Before,” ha demostrado ser una artista capaz de crear atmósferas envolventes y conmovedoras que exploran las complejidades emocionales del ser humano.
Nacida y criada en las montañas del Tirol del Sur, en el norte de Italia, Maria De Val tiene una trayectoria musical rica en experiencias que la han moldeado como artista. Desde pequeña, estuvo inmersa en la música, cantando en el coro de la iglesia local, lo que la conectó con las raíces de la tradición musical. Con el tiempo, se alejó de esa formación para explorar diferentes géneros y sonidos, y en su juventud formó parte de bandas de punk y jazz. Esta diversidad de influencias ha marcado su estilo único, que hoy combina con maestría elementos del indie, folk y la música italiana.
Con su nuevo sencillo, “Stone In The Rubble,” y el EP del mismo nombre, Maria De Val demuestra una vez más su capacidad para evolucionar y sorprender a su audiencia. La canción se adentra en el indie pop, pero mantiene la esencia de la artista, fusionando elementos minimalistas con un enfoque vanguardista que recuerda a artistas como girl in red, Phoebe Bridgers y Feist. La voz de Maria De Val es el centro de la pieza, acompañada de arreglos instrumentales sutiles pero profundos que aportan una textura rica y envolvente.
La letra de “Stone In The Rubble” es introspectiva y poética, abordando temas como el amor, la pérdida y la resiliencia. La canción transmite la lucha interna y la búsqueda de redención, lo que la convierte en una pieza emocionalmente poderosa y profundamente conectada con el oyente. Con este lanzamiento, Maria reafirma su posición como una de las voces más interesantes del indie europeo, mostrando su capacidad para tocar temas universales con una sensibilidad única.
Art d’Ecco, el músico canadiense originario de Victoria, ha emergido como una de las voces más intrigantes de la escena musical contemporánea, mezclando géneros como el glam rock, el post-punk y el synth-pop, su sonido es una amalgama audaz de influencias clásicas y una estética profundamente personal. Sin embargo, lo que realmente distingue a Art d’Ecco es su enfoque único sobre la existencia humana y las emociones complejas, temas que explora con gran profundidad en su nuevo álbum Serene Demon.
Para la realización de este cuarto álbum, Art d’Ecco se sumergió en un proceso de reflexión profunda, que incluyó un retiro en la ciudad de Nueva York. En el otoño de 2022, alquiló un apartamento en la Gran Manzana y se adentró en la ciudad, tomando largas caminatas solitarias y visitando bares, galerías de arte y espectáculos por su cuenta. Durante este tiempo, se inspiró en las bandas sonoras cinematográficas de compositores como Henry Mancini, Ennio Morricone, John Barry y François de Roubaix, lo que aportó una atmósfera nostálgica y cinematográfica a su música.
Como adelanto de este esperado trabajo, el cantante y compositor ha lanzado el single “True Believer”, una canción que se adentra en las complejidades del alma humana, explorando la lucha interna entre el bien y el mal.
“True Believer” es un reflejo de la dualidad que se encuentra en el núcleo del álbum Serene Demon, una obra que, según el propio Art d’Ecco, funciona como una metáfora de esa lucha interna que todos enfrentamos. En sus propias palabras: “Serene Demon es una metáfora. Piensa en ello como la dualidad entre el bien y el mal. Todos somos capaces de habitar ambos mundos, pero la mayoría de nosotros, de forma intrínseca, trata de habitar el mundo del bien”. La canción, sin embargo, se enfoca en el lado oscuro de esta dualidad, explorando la seducción del mal que habita dentro de nosotros mismos. Art d’Ecco describe el proceso creativo de “True Believer” como un reflejo de pensamientos invasivos que pueden conducir a la autodestrucción, o tal vez, como una metáfora de la depresión. En su propia imaginación, visualiza “un pequeño demonio bailando sobre su hombro, seduciéndolo para que se incline hacia el lado oscuro”.
Los arreglos instrumentales y la atmósfera densa complementan la temática introspectiva de la letra, creando una experiencia auditiva envolvente. Además, el videoclip dirigido por Brendan Fletcher, conocido por su trabajo en The Revenant y The Last of Us, añade una capa visual a este mundo emocionalmente cargado, acentuando el tema de la lucha interna con una estética cinematográfica que captura la esencia de la canción.
Musicalmente, Serene Demon lleva a Art d’Ecco a nuevas alturas. Canciones como “Tree of Life” evocan el sonido psicodélico de los años 80, mientras que la pegajosa “Shell Shock” trae a la mente los sintetizadores retro de los 70s, recordando a artistas como Steve Miller. Incluso la pieza instrumental “Meursault’s Walk”, una referencia a la obra El Extranjero de Albert Camus, se convierte en una pieza introspectiva antes de desembocar en la eufórica “Honeycomb”, un tema pop enriquecido con el toque exótico de los tambores de acero.
El dúo sueco Club 8, conformado por Karolina Komstedt y Johan Angergård, es uno de los nombres más emblemáticos de la escena indie pop. Desde su formación en los años 90, el grupo ha sabido reinventarse con cada álbum, explorando desde el pop melódico y minimalista hasta sonidos electrónicos, influencias africanas y ritmos bailables. Tras un largo silencio, Club 8 volvió en 2024 con su undécimo álbum, A Year with Club 8, marcando un regreso triunfal que reafirma su lugar como pilares del indie pop.
En enero de 2025, Club 8 sorprendió nuevamente con el lanzamiento de “ooo”, un sencillo que encapsula su capacidad única para evocar emociones profundas a través de una producción exquisita. El tema fusiona elementos de dream pop, lo-fi rock e indie pop, destacando la voz etérea de Karolina Komstedt, que flota sobre arreglos de guitarra envolventes y una atmósfera nostálgica. Desde los primeros acordes, “ooo” invita al oyente a un viaje introspectivo, alternando entre luminosidad y melancolía con una facilidad desarmante.
“ooo” sigue la estela de A Year with Club 8, un álbum que, a través de su enfoque conceptual, exploró las emociones de un año completo. Este trabajo marcó un giro hacia un sonido más ruidoso y melódico, recuperando la esencia creativa del grupo y demostrando que su pausa no hizo más que enriquecer su visión artística.
Desde el sonido delicado de su debut Nouvelle (1996) hasta los ritmos africanos de The People’s Record (2010) y el pop sintético de Pleasure (2015), su discografía es un testimonio de constante evolución. Sin embargo, siempre mantienen un núcleo cálido y acogedor que conecta emocionalmente con sus seguidores.
Gabby Martin, es una artista indie pop británica, quien mezcla vulnerabilidad, honestidad y una profunda carga emocional en su música. Con su sonido, que fusiona el indie pop, alt pop y elementos experimentales, Martin está marcando su huella y su último sencillo, “Summer Rain”, es una prueba irrefutable de su talento y capacidad para conectar con su audiencia.
“Summer Rain” es el segundo sencillo de su próximo EP titulado “Time To Heal”, y como su nombre lo indica, la canción aborda los procesos de sanación emocional después de una ruptura amorosa. A través de una melodía envolvente y una letra profundamente honesta, Gabby nos invita a recorrer un viaje emocional cargado de ira, confusión y, finalmente, liberación. La artista describe el proceso creativo de la canción como una experiencia catártica, donde la intensidad de los sentimientos la llevó a un momento de liberación durante la grabación de las voces, especialmente en la sección final del tema.
En “Summer Rain”, la artista nos ofrece una representación cruda de lo que significa sentirse perdido después de una decisión que se escapa de nuestro control. La letra refleja esa sensación de estar completamente desbordado, cuestionando todo lo que nos ha llevado hasta ese momento. Sin embargo, a medida que la canción avanza, el oyente también experimenta una sensación de empoderamiento, de recuperar el control sobre uno mismo a través de la música.
Para los fanáticos del pop alternativo “Summer Rain” es una pieza que no se deben perder. Gabby Martin sigue consolidándose como una voz fresca e interesante de la música británica.
