La cantautora Halley Neal regresa con un proyecto que revela un costado más íntimo de su trabajo. Su próximo disco, titulado Letter For a Friend, se perfila como una colección de canciones escritas en forma de cartas, cada una dedicada a personas que han dejado huella en su vida. Con esta propuesta, Neal apuesta por una narrativa personal que se despliega en un terreno folk, acompañada por su voz expresiva y un arreglo musical que conecta con la tradición del bluegrass.
El álbum, grabado en Nashville y con lanzamiento previsto para septiembre de 2025, busca capturar la esencia de los vínculos humanos a través de melodías sencillas pero cargadas de significado. En este marco aparece “Emily”, un adelanto que refleja cómo la amistad puede marcar profundamente nuestra identidad. Más que un relato nostálgico, la canción funciona como recordatorio de la importancia de expresar lo que a menudo se guarda en silencio.
Con una trayectoria que la ha llevado a escenarios de festivales como Kerrville o Telluride, Neal se ha consolidado como una voz reconocida en la escena folk y americana. Sin embargo, este nuevo trabajo parece desmarcarse de la búsqueda de grandes públicos para concentrarse en lo esencial: la relación entre experiencias personales y la manera en que estas se convierten en música compartida. Es un ejercicio de cercanía, pensado más como conversación que como espectáculo.
Letter For a Friend no es solo un título, sino un concepto que envuelve el espíritu del disco. Escucharlo supone entrar en la intimidad de una artista que transforma la gratitud, la memoria y las conexiones humanas en melodías que invitan a reflexionar. Más allá de los géneros o etiquetas, la propuesta de Neal plantea una pregunta sencilla: ¿qué diríamos si tuviéramos la oportunidad de escribirle una carta a quienes marcaron nuestra vida?
Con un título tan audaz como sugerente, The Album Everyone Wants marca el regreso de Chris Portka en su proyecto más ambicioso y colectivo hasta la fecha. El músico de Berkeley, conocido por su estilo que oscila entre el “calm-steady-beautiful-noise” y la exploración de lo íntimo, entrega aquí un trabajo que combina cuatro composiciones propias con siete reinterpretaciones de clásicos ocultos del cancionero americano y británico.
Grabado en dos escenarios míticos, Sear Sound de Nueva York y el Brothers (Chinese) Recording de Oakland, el disco expande el universo de Portka hacia terrenos donde conviven la psicodelia lo-fi, la delicadeza del pedal steel y la crudeza del indie rock. A su lado aparece el productor y multiinstrumentista Jasper Leach, figura quien aporta tanto en la producción como en la interpretación.
El resultado es un álbum que respira atemporalidad y rareza a la vez: desde la ensoñadora “She Looks So Good Tonight” hasta la reinvención krautrock de “Tennessee Whiskey”, pasando por la visceral lectura de “Broken Heart” de Skip Spence. Portka convierte cada canción en un espejo distorsionado que refleja su sensibilidad y su búsqueda constante de significado.
La lista de colaboradores refuerza esa riqueza sonora: miembros de la Al Harper Band, Alison Niedbalski en voces, Kyle Carlson en pedal steel, Mike “Bonecrusher” Vattuone en batería, y Tom Meagher con su guitarra “Beardwail” aportan matices que llevan el proyecto mucho más allá de lo personal. La masterización de JJ Golden (Calexico, Thee Oh Sees, Vetiver) termina de sellar el carácter analógico y orgánico del disco.
El track x track de “the album everyone wants”
Side A
1. She Looks So Good Tonight El disco abre con un tema que combina sutileza acustica y grandeza. Las guitarras crean un colchón etéreo, mientras la voz se mueve entre lo íntimo y lo expansivo. Entre un ritmo pulsante Chris nos presenta desde guitarras acusticas hasta sonidos distorsionados que crean una grandilocuencia interesante con una voz melodica tranquila. Este trabajo contrasta mucho con su anterior albúm principalmente por estas melodias mas pegajosas y menos experimentales.
2. Fun in the Summer Este corte captura la sensación de manejar con las ventanas abajo en un día soleado, dejando que el viento y el ruido del camino se mezclen con la música. El ritmo transmite movimiento, como si la canción avanzara sobre ruedas. Es un himno a la carretera y al verano eterno, pero con un trasfondo de melancolía que hace que la diversión se sienta fugaz, como un recuerdo al que se regresa una y otra vez. Con una instrumentación presentada desde la canción anterior, escuchamos guiatrras acusticas, un silvido interesante y un ritmo suave y conciso.
3. It Is Obvious La canción se mueve en un equilibrio entre lo absurdo y lo lírico, con frases que parecen jugar con el sentido y el sinsentido, con riffs de guitarra mas marcados y una sensación country moderna el tercer track del disco nos lleva en un viaje que termina de explotar en un final mas noisy y energertico sin perder esta sensación de canción de road trip.
4. Dear Betty Baby La canción avanza como un ritual eléctrico marcado por el bajo, cargado de ironía y energía desbordante. Hay un aire teatral, que invita tanto a la incomodidad como a la fascinación. Con un sonido de sintetizador que nos recuerda a lo retro de los 70´s fusionando sonidos glitch y guitarras distorsionadas hacia el final del track que crean una atmosfera que nos atrapa en la sensación de ¿como ira a terminar todo esto?, el final es increible con un aire futuristico sutil y con mucha propuesta.
5. Song for Carol El cierre del primer lado baja las revoluciones con un tema íntimo y melódico. Es una especie de carta hecha música, donde la voz se desnuda y la instrumentación se mantiene delicada. El resultado es una balada cargada de sinceridad, con un tono confesional que transmite tanto fragilidad como belleza. Cada acorde parece contener una mezcla de nostalgia y gratitud.
Side B
1. Poor Moon La segunda mitad comienza con algo muy diferente a nivel ritmico, un groove rapido y divertido. La canción habla de un mundo en crisis, usando imágenes naturales para reflejar preocupaciones universales, mientras que toda la sección vocal juega con sonidos divertidos y algo nasales para sorpresivamente pasar en la segunda parte de la cancióncon algo mas grandilocuente, mientras mastiene elementos sonoros que nos presenta chris desde el primer track del disco.
2. Trucker Speed La crudeza de la carretera se traduce aquí en un ritmo áspero y directo. Es un relato de cansancio, adicción y soledad, donde la música golpea con fuerza, casi como si imitara el rugido de un motor en marcha. El tema transmite la sensación de recorrer largas distancias en la noche, acompañado únicamente por pensamientos que se vuelven cada vez más pesados. La mezcla de vacio y minimalismo hace de esta pieza sea algo muy facil de disfrutar, con estos tintes de americana y country le da una nueva dimensión al disco manteniendo los elementos caracteristicos del albúm.
3. Broken Heart Una de las piezas más conmovedoras del álbum. Desde el primer acorde se percibe un interpretación honesta y cruda. La instrumentación es sobria y envolvente, principalmente tomando un lugar muy intimo las guitarras que crean un ambiente minalista, casi como estar en una fogata, mientras que las ligeras cuerdas con efectos le dan ese toque mas moderno sutilmente. La voz suena frágil, lo que amplifica la carga emocional. Es una canción que no solo habla de una ruptura, sino también de la complejidad de sostenerse a uno mismo cuando todo parece derrumbarse.
4. Tennessee Whiskey Lo que comienza como una referencia a un clásico de bar se transforma en una experiencia completamente inesperada. Aquí, la tradición se viste de experimentación: el ritmo se alarga, las guitarras adquieren un aire hipnótico y el pedal steel flota como un eco lejano. El resultado es una especie de trance sonoro que desarma cualquier expectativa. Mezclando lo popular con lo vanguardista, este lado del albúm hasta ahora recae mas notablemente en generos como el Americana y el COuntry, lo cual le da una dimensión interesante al trabajo de chris, y este es uno de los temas con mas inlfuencia de ello desde la instrumentación, la letra, y el estilo Tennesse.
5. The Observer Una mirada hacia adentro, con un tono contemplativo. La canción plantea preguntas sobre el paso del tiempo, el amor y la fugacidad de las experiencias. Musicalmente, se sostiene en un folk-rock clásico, con arreglos que remiten a una tradición americana, pero lo hace con una profundidad lírica que lo eleva más allá de la nostalgia. Es un tema que invita a detenerse y escuchar con atención, como si fuese una conversación íntima en medio del ruido del mundo.
6. Molly El álbum cierra con una atmósfera intimay enigmática. La música avanza lentamente atraves de rasgeos de guitarra, casi como un susurro nocturno cargado de misterio. Las letras evocan imágenes inquietantes, dejando más preguntas que respuestas. Hay algo de ritual y de despedida en su desarrollo, como si el disco se desvaneciera en un sueño extraño.
Fiel a su espíritu contracorriente, Portka lanza este álbum exclusivamente en vinilo a través de Seek Collective, reservando la experiencia digital solo a Bandcamp. Una decisión que subraya la esencia tangible de un proyecto pensado para escucharse de principio a fin, como una obra completa.
Con The Album Everyone Wants, Chris Portka entrega un trabajo que no solo celebra la tradición del folk-rock y la psicodelia, sino que también ilumina sus rincones más extraños y entrañables. Es un disco que mira hacia atrás con reverencia, pero que se atreve a imaginar un futuro diferente para la canción popular.
Johnny Romantic, artista radicado en Los Ángeles, está conquistando la escena country con un estilo que combina Country Boogie, country soul moderno y toques retro, todo acompañado de una sensibilidad única. Conocido por su narrativa capaz de transmitir tanto desamor como esperanza, Johnny crea canciones que exploran el amor, la pérdida y la valentía de dejar ir.
Su sencillo más reciente, “Don’t Blame My Heart”, refleja su enfoque desenfadado y honesto del amor. La canción invita al oyente a disfrutar de un romance sin culpas: aunque todo lo demás pueda ser criticado, el corazón merece ser celebrado por amar con sinceridad. Desde el primer acorde, la canción envuelve con un ambiente cálido y nostálgico, ideal para bailar en pareja y dejarse llevar por la música. La melodía, alegre y festiva, combina guitarras ágiles con la interpretación apasionada de Johnny, transmitiendo la intensidad de un amor desmedido y la magia de volver a enamorarse.
Ashtyn Barbaree es una cantautora estadounidense de Fayetteville, Arkansas, que ha cautivado a públicos internacionales con su estilo enraizado en folk, alt-country y Americana. Barbaree se distingue por su voz etérea y su capacidad de transmitir emociones profundas en cada interpretación, convirtiéndose en una de las artistas más auténticas y sensibles de la escena contemporánea.
Su más reciente sencillo, You Had Your Dance, refleja la combinación de vulnerabilidad y fuerza que caracteriza su música. Inspirada en un amor intenso que se desintegra con rapidez, la canción narra la experiencia de alguien que se aleja y luego intenta regresar justo cuando se había alcanzado la paz interior. Con arreglos minimalistas y emotivos, la voz de Barbaree se convierte en el eje central de la composición, transmitiendo intimidad, desgarro y aceptación. La artista describe el proceso de escribir y grabar el tema como un ejercicio de sanación y cierre emocional, un momento en el que aprendió cuándo no queda nada más que decir.
Barbaree explora temas de autodescubrimiento, resiliencia y los altibajos de la vida a través de historias de amor y pérdida. Su música se inspira tanto en los paisajes de los Ozarks como en experiencias personales, creando un sonido profundamente arraigado en la tradición americana pero con sensibilidad contemporánea.
Ashtyn Barbaree continúa expandiendo los límites de la música americana, combinando honestidad y emoción, convirtiendo su arte en un refugio para quienes buscan autenticidad y profundidad en la música.
Evan Honer es un joven cantautor estadounidense que ha conquistado a oyentes de todo el mundo gracias a su capacidad de mezclar folk acústico, indie-Americana y pop alternativo, creando un sonido que desafía los límites de los géneros. Su carrera despegó mientras todavía estudiaba en California, cuando su versión del tema Jersey Giant de Tyler Childers se volvió viral, acumulando más de 100 millones de reproducciones. Desde entonces, Honer ha continuado consolidándose como un artista independiente con más de 500 millones de streams en todas sus canciones.
Su debut, West On I-10, y su segundo álbum, Fighting For, reflejan una autenticidad inquebrantable: ambos proyectos fueron grabados de manera independiente, rechazando ofertas millonarias de discográficas y trabajando en estudios pequeños, iglesias, Airbnb y salas de estar.
Entre sus últimos lanzamientos se encuentra Not There Yet, una balada folk pop cargada de emotividad que explora la vulnerabilidad y las dudas que surgen en una relación que avanza demasiado rápido. Con una guitarra acústica delicada y una interpretación vocal intensa, Evan logra transmitir emociones universales, permitiendo que los oyentes se identifiquen con la canción y sientan cada línea de manera personal. Este tema forma parte del esperado tercer álbum de Honer, Everything I Wanted, que promete seguir mostrando su honestidad, sensibilidad y talento compositivo.
Evan Honer no solo ha alcanzado el éxito viral, sino que ha creado un camino propio como artista independiente, dejando una huella duradera en la escena musical y consolidándose como una voz auténtica que combina vulnerabilidad, emotividad y un estilo distintivo.
La música latinoamericana siempre ha sido un crisol de géneros, ritmos y emociones. Con Fusiones, su álbum debut, Maximiliano confirma que ese espíritu de diversidad sigue vivo. Originario de Guadalajara, Jalisco, Maximilianoes un compositor, productor e intérprete, su formación académica le permitió absorber múltiples influencias, y en este primer trabajo decide reunirlas en un proyecto ambicioso donde conviven la bossa nova, la cumbia, el jazz y el pop latino, en un mismo aliento.
Lejos de ser un simple mosaico de estilos, Fusiones se construye como un viaje narrativo de ocho canciones que reflejan etapas clave de la vida del artista: desde la nostalgia juvenil hasta los aprendizajes emocionales de la adultez temprana. Canciones como “Cinco Mil Besos” y “Es Por Ti” exploran la intensidad del enamoramiento, mientras que “Lo Quiero Todo” y “Luz del Mar” se adentran en la vulnerabilidad de la pérdida y la distancia. En piezas como “Flor de Piel” o “Fan Pier Blvd”, la poesía se viste de metáforas íntimas y paisajes sonoros que invitan a viajar con la imaginación.
El Track x Track de “Fusiones”
Musicalmente, en el alúm las orquestaciones conviven con arreglos minimalistas; las guitarras dialogan con percusiones latinas; los teclados sostienen climas de intimidad que luego se abren en explosiones rítmicas. El cierre con “Árbol de Tilo”, de carácter sinfónico, muestra la ambición y madurez de Maximiliano como compositor
Cinco Mil Besos
El álbum abre con una pieza que mezcla sensualidad y complicidad en clave de bossa nova con tintes pop. Cinco Mil Besos captura la energía magnética del enamoramiento, con guitarras suaves, percusiones discretas y una atmósfera nocturna que evoca intimidad y deseo compartido. Entre dos voces protagonista la canción se vuelve una pieza que se disfruta de poco a poco, mientras los arreglos van evolucionando para crear un climax super interesante.
Es Por Ti
Con un tono confesional, esta canción se adentra en la certeza del amor destinado. El protagonista declara que su vida solo tiene sentido gracias a la presencia de la otra persona, y lo hace sobre una base de teclados cálidos, guitarras expresivas y un aire jazzístico que aporta sofisticación. La canción nos lleva por una historia romantica que se disfruta por su suavidad y emocionalidad.
Flor de Piel
El rhodes se vuelve un elemento constante en el disco, dandole sueavidad y una elegancia muy interesante al disco, en esta tercera canción Maximiliano juega con la vulnerabilidad emocional, utilizando la metáfora de los sentimientos “a flor de piel”, que nos lleva desde notas suaves, pasando por falsetes que nos enchinan la piel, hasta un solo de guitarra que le una sensualidad muy interesante.
Fan Pier Blvd
Un tema impregnado de melancolía y libertad veraniega, donde un ritmo y sensación mas clasica del pop nos lleva a una historia de amor marcada por la luz y aroma de la persona amada, quizas este es el track que rompe un poco con el estilo propuesto en tracks anteriores, sintiendose mas alejado de esta sensación jazz y sonido sofisticado para aventurarse en un sonido pop rock mas clasico.
02-06-25
Como quitno track del disco Maximiliano mantiene esta linea clasica de Pop Rock, de carácter rítmico pero sutil, esta canción combina guitarras y percusiones con un pulso constante que invita al movimiento, un bajo con un groove increible y un renacer emocional de la conexión intensa entre dos personas, con un toque moderno que incorpora matices electrónicos en los sintetizadores y un espíritu vibrante, dando como resultado un sonido super nostalgico.
Luz Del Mar
Uno de los momentos más acusticos del álbum, donde la metáfora del mar se convierte en reflejo de amor, miedo y despedida. La voz principal, casi en susurros, dialoga con la guitarra, creando un clima de intimidad que transmite tanto belleza como melancolía.
Lo Quiero Todo
Sencillo central del álbum, esta canción explora la obsesión y el anhelo tras una ruptura amorosa. Con un aire de pop latino y arreglos orquestales, transmite el deseo de recuperar todo lo perdido: besos, sueños y momentos compartidos. Es una pieza intensa y emocional, con un estribillo poderoso que permanece en la memoria, mientras nos hace bailar en ritmos con mucho groove y voces aterciopeladas.
Árbol de Tilo
El cierre del disco llega con una composición de carácter sinfónico y atmosferico. Árbol de Tilo despliega arreglos de cuerdas y pianos que crecen hasta un clímax orquestal, ofreciendo un final grandioso y contemplativo que le da un toque reflexico al albúm, mientra nos sumerge en el sonido de un mar que se va desvaneciendo.
Con Fusiones, Maximiliano no solo entrega un disco técnicamente impecable, sino también un manifiesto artístico: la música como espacio de unión, de exploración y de autenticidad. Este debut marca el inicio de una trayectoria prometedora, en la que el artista mexicano se perfila para conquistar tanto al público latinoamericano como a oyentes internacionales ávidos de nuevas voces con identidad propia.
La música siempre ha sido el terreno donde John Blaylock se mueve con naturalidad. Nacido en Manchester y con guitarra en mano desde los 12 años, pronto encontró en la composición un vehículo para explorar su voz y su identidad. Su trayectoria con bandas juveniles lo llevó a sonar en estaciones como Radio 1 y Radio 2, lo que le abrió un espacio temprano en la escena británica. Aquella etapa culminó con la composición de Inyaniso, escrita por encargo de Desmond Tutu como tributo a Nelson Mandela.
Tras la disolución de su banda, Blaylock eligió otro camino: viajar. Con su guitarra recorrió ciudades de América, Asia y Europa, experiencia que amplió su visión artística. Es en ese trayecto donde se va gestando el sonido que ahora define a su carrera en solitario. La acústica es central en su estilo, pero el matiz que ofrece su voz tenor imprime un sello propio. Esa voz se despliega en I Feel Your Soul, una canción de rock con tintes folk, sostenida por un ritmo suave que apunta más a la intimidad que al estruendo.
El tema se inserta dentro de un proyecto mayor: su primer álbum grabado en Konk Studios, en Londres, con la colaboración de Freddie Sheed en la batería. La producción de Guy Massey y Helen Boulding aporta solidez, pero sin eclipsar la esencia del músico. I Feel Your Soul no es un ejercicio de artificio, sino un corte que se apoya en lo orgánico de la guitarra y en la claridad de un mensaje emocional directo, sin buscar la grandilocuencia.
Influenciado por figuras como Paul Simon, Bob Dylan y Crosby, Stills & Nash, Blaylock se suma a la tradición de artistas que exploran lo humano desde la sencillez lírica y la cercanía. Mientras prepara una gira por el Reino Unido, I Feel Your Soul funciona como una invitación a mirar hacia adentro, acompañada de un pulso cálido que parece sostenerse en el aire. Una canción que no necesita más que lo esencial para decir lo que tiene que decir.
Olivia Reid es una cantautora, productora y compositora radicada en Nueva York que ha ido conquistando el panorama indie-folk con su propuesta musical íntima, poética y cargada de sensibilidad. Su voz calma combinada con letras que exploran las emociones más profundas del ser humano, crean una atmósfera sonora que invita a la reflexión y al encuentro con uno mismo.
Desde su debut con el EP Earth Water en 2021, Olivia ha demostrado una habilidad para fusionar elementos acústicos con paisajes electrónicos sutiles, creando un sonido fresco y a la vez cálido, cercano a artistas como Father John Misty, Maggie Rogers o Mt. Joy. Su música refleja un pulso tranquilo, como el latido constante de un corazón, con melodías que acarician y letras que transmiten honestidad y vulnerabilidad.
Olivia ha dado un paso más con el lanzamiento de sencillos como “Runner’s High”, “Wounds (Healing)” y su sencillo “Quite Simple”. Filmado en un bosque onírico, el video combina la danza contemporánea con una narrativa que invita a abrazar la alegría en las pequeñas cosas, a desacelerar y a encontrar luz en los momentos cotidianos.
Su EP, Space To Roam, es un viaje introspectivo y sonoro inspirado en las semanas de reflexión y composición que Olivia vivió en el campo polaco. Este nuevo trabajo reunirá canciones que hablan de espacio, tiempo y autodescubrimiento, consolidando su identidad artística y su capacidad para conectar emocionalmente con sus oyentes.
Para descubrir más de Olivia Reid, puedes seguirla en redes sociales y escuchar su música en todas las plataformas digitales. Su propuesta es un refugio sonoro en tiempos de ruido, un recordatorio de que en la sencillez también reside la magia.
Carlos Llanes es un cantante y compositor que fusiona las raíces mexicanas con la influencia cultural estadounidense que vivió desde niño en Houston, Texas. Nacido en Monterrey, México, y desde temprana edad vinculado con la música, Llanes comenzó a formarse con clases de guitarra y canto a los 10 años. Su estilo transita con naturalidad entre géneros como el pop, la música urbana, la tropical y la balada, cada canción que lanza es un reflejo de su historia
Su más reciente sencillo, “AQUI CONTIGO”, combina la elegancia del pop latino con influencias de afrobeat, creando un tema sensual y sofisticado que invita a disfrutar de momentos íntimos y memorables. La producción, destaca por sus detalles sonoros y por una instrumentación que equilibra perfectamente percusión, sintetizadores y un groove irresistible.
La voz de Carlos, cálida y segura, aporta la dosis justa de emoción y sinceridad, haciendo de “AQUI CONTIGO” una canción que se siente tanto para dedicar como para bailar.
Altameda es un dúo canadiense formado por el cantautor Troy Snaterse y el artista visual Métis Erik M. Grice. Originarios de Edmonton y actualmente radicados en Toronto, han sabido combinar a la tradición del folk y el rock con matices contemporáneos que los han convertido en una de las propuestas más sólidas y emocionantes de la escena musical canadiense.
Desde su debut con Dirty Rain, Altameda ha ganado reconocimiento por su lirismo íntimo y su sonido cálido, llevándolos a recorrer giras por Norteamérica y Europa, compartiendo escenario con nombres como The Zombies, Nathaniel Rateliff & The Night Sweats, Delta Spirit, y más.
En este contexto nace su nuevo sencillo Life Is A Desert, lanzado en mayo de 2023 bajo el sello Secret Weapon Touring/Kartel Music Group. La canción se presenta como una joya de indie-folk y americana que utiliza la metáfora del desierto para hablar de la sequedad y dificultad de la vida, y cómo el amor puede actuar como el oasis que calma la sed y da significado a la existencia. La calidez de la voz y las armonías expresivas de Altameda se entrelazan con una instrumentación delicada: guitarras brumosas, cuerdas suaves, sintetizadores sutiles y un evocador solo de saxofón a cargo de Joseph Shabason, que aportan una atmósfera mágica y relajante, perfecta para disfrutar con calma.
Life Is A Desert refleja un balance entre lo introspectivo y lo accesible, lo melancólico y lo esperanzador, invitando a quienes la escuchan a encontrar belleza y consuelo en los momentos difíciles.
