Folk

Subterranean Street Society transforma el duelo en música con “Mazda 5”

Subterranean Street Society transforma el duelo en música con “Mazda 5”

El trío danés-neerlandés afincado en Ámsterdam fusiona la energía del grunge con la sensibilidad narrativa del folk en una canción íntima sobre la amistad, la pérdida y el poder de los recuerdos.

Hay canciones que nacen de una idea y otras que surgen de esos momentos inesperados en los que la vida nos enfrenta de nuevo a una ausencia. “Mazda 5”, el tema de Subterranean Street Society, pertenece a esta segunda categoría. Entre guitarras de espíritu grunge, melodías de raíz folk y una historia profundamente personal, la banda convierte el duelo en una experiencia musical que avanza sin perder de vista el pasado.

Originario de Dinamarca y los Países Bajos, el trío tiene su base en Ámsterdam y ha desarrollado una identidad sonora que combina la crudeza del rock alternativo con la capacidad narrativa de la música folk. Su propuesta puede evocar el encuentro entre Nirvana y Mumford & Sons: por un lado, la intensidad eléctrica, las guitarras ásperas y los contrastes dinámicos; por otro, la cercanía de las historias contadas desde la vulnerabilidad y las emociones cotidianas.



En “Mazda 5”, esa combinación adquiere un significado especial. La canción aborda el regreso a casa después de una gira en solitario, un trayecto durante el cual la poesía de un amigo fallecido se convierte en una forma de compañía. La carretera funciona como escenario físico y emocional: mientras el vehículo avanza, los recuerdos emergen y la ausencia se hace presente.

La historia detrás de “Mazda 5” está ligada a The Acoustic Guitar Project, una iniciativa musical que invita a artistas a componer canciones utilizando una guitarra que pasa de un creador a otro. En este contexto, Louis Puggaard-Müller, vocalista y guitarrista de Subterranean Street Society, recibió una guitarra viajera y descubrió algo inesperado: en el instrumento estaba inscrito el nombre de su amigo fallecido, Jacob De Berker. El hallazgo ocurrió exactamente un año después de la muerte de Jacob, convirtiendo aquel momento en una coincidencia cargada de significado emocional.

La guitarra dejó de ser simplemente una herramienta para componer. Se transformó en un vínculo tangible con alguien que ya no estaba, pero cuya presencia seguía viva a través de sus palabras y de los recuerdos compartidos.

De ese encuentro nació “Mazda 5”, una canción que encuentra en la música una manera de procesar la pérdida sin reducirla a una historia de tristeza. La poesía del amigo se convierte en refugio, mientras el viaje de regreso representa ese movimiento inevitable de la vida: seguir adelante incluso cuando el pasado vuelve a llamar a la puerta.


La resonancia barítona de Huston Sonhouse en Monsters

La resonancia barítona de Huston Sonhouse en Monsters

El compositor y multiinstrumentista Huston Sonhouse ha consolidado un estilo ecléctico diseñado para quienes encuentran belleza en los rincones más sobrios. Ganador del certamen de composición del Texclipse Music Festival en 2024, el músico tejano destaca por su capacidad para actuar como un hombre orquesta mediante live looping, interpretando cada instrumento para lograr un sonido completo sin perder la intimidad del formato en vivo.

Su propuesta combina una perspectiva vintage oscura con relatos crudos que se construyen sobre una voz de barítono profunda, riffs memorables y líricas penetrantes. Todo el catálogo del artista destaca por un compromiso autogestivo, encargándose de escribir, grabar y producir cada elemento de sus canciones desde cero. Esta dedicación otorga una coherencia orgánica a su cuerpo de trabajo y a sus presentaciones sobre el escenario.



Esa madurez conceptual se refleja en su disco In the Shadow of the Mountain, lanzado en agosto de 2026, un material atemporal que explora el duelo, la memoria, el amor, las adicciones y la familia. De esta producción sobresale la canción Monsters, una propuesta de rock con sutiles tintes folk que sostiene un pulso medido y paciente. La sobriedad rítmica de la pieza permite que la composición respire y gane fuerza con el paso de los compases.

El verdadero eje de la pista reside en una voz con enorme presencia y cuerpo que aporta una personalidad única a la entrega. Ese ritmo lento y pausado ofrece el espacio ideal para que la interpretación vocal exprese matices profundos que logran atrapar la atención del oyente de principio a fin. Con esta entrega, Huston Sonhouse ofrece una muestra clara de composición reflexiva dentro del panorama independiente.


La brisa costera y la intimidad acústica de Jack Benjamin en Sea Dreams

La brisa costera y la intimidad acústica de Jack Benjamin en Sea Dreams

Nacido en la escarpada costa del norte de Devon, el cantautor Jack Benjamin guarda en su identidad una conexión inevitable con el mar. Inspirado por la belleza silvestre de su entorno, el músico ha desarrollado un proyecto de indie-folk intimista centrado en la nostalgia, la pertenencia y los lazos personales. Su propuesta combina una narración cálida con pasajes acústicos que remiten a paisajes cotidianos de marcada cercanía.

Esa inquietud por el hogar y la memoria compartida dio origen a su sencillo debut titulado Sea Dreams. La idea germinó una tarde de verano sobre las rocas de South Devon, donde una observación detallada del entorno lo llevó a imaginar una escena culinaria tan cotidiana como singular. Aquella mirada curiosa transformó una pequeña vivencia en una canción de amor reflexiva sobre la distancia y el arraigo.



En lo musical, la pista se apoya en una guitarra acústica ejecutada con técnica de fingerpicking que construye una atmósfera de notable calidez. Sobre este entramado instrumental destaca una voz masculina dulce y suave, la cual se acopla con fluidez al resto de la composición. La sobriedad de la interpretación sostiene un equilibrio sereno que encantará a quienes disfrutan de referentes del folk contemporáneo.

Sin recurrir a artificios ni a producciones recargadas, el tema se posiciona como una muestra clara de folk ligero bien elaborado. La combinación de una instrumentación sencilla con una lírica observacional consigue transmitir su mensaje con honestidad y contención. Con esta carta de presentación, Jack Benjamin entrega una pieza de aire costero que invita a una escucha pausada y reconfortante.


El cauce folk y la serenidad vocal de Dan Tuffy

El cauce folk y la serenidad vocal de Dan Tuffy

Originario de Australia y radicado en Países Bajos desde 1993, Dan Tuffy acumula más de tres décadas en la industria como compositor, productor y fundador del sello Smoked Recordings. Su trayectoria incluye su paso por la agrupación de folk psicodélico Wild Pumpkins at Midnight en los años ochenta, así como su liderazgo en el trío Big Low y su participación en Parne Gadje. Con más de veinticinco álbumes de estudio en su historial, su figura se ha consolidado desde la experiencia y la autogestión.

Tras el inicio de su etapa solista con el disco Songs from Dan en 2017, la crítica especializada destacó la solidez de sus composiciones. Su posterior trabajo, Letters of Gold, lanzado en 2020 antes de la interrupción de su gira internacional de más de cuarenta presentaciones, obtuvo una notable recepción en Europa y Estados Unidos. De cara al lanzamiento de su producción Country Star en junio de 2023, el músico fue presentando una serie de sencillos que anticipaban este nuevo capítulo.



Dentro de este recorrido se sitúa la canción Dan Tuffy, una propuesta tranquila donde el género folk adquiere un protagonismo sumamente claro. El desarrollo de la pieza se sostiene sobre una cuidada sección instrumental que avanza sin prisa, cediendo el espacio necesario para el trabajo vocal. La interpretación destaca por una voz de buen cuerpo y peso constante, la cual aporta serenidad, equilibrio y una personalidad muy bien definida al conjunto.

Esta composición refleja de manera fiel la reputación en directo de Dan Tuffy como narrador de historias y creador de atmósferas. El tema logra construir un trayecto sonoro bien estructurado que invita al oyente a una escucha atenta y pausada. Sin recurrir a artificios ni a sobrecargas sonoras, la pista demuestra la efectividad de una instrumentación sobria guiada por la madurez. Se trata de un trabajo coherente que consolida la vigencia de su propuesta dentro del panorama independiente.


La convergencia de Seasick Steve y Ricardo Arjona en El Camino

La convergencia de Seasick Steve y Ricardo Arjona en El Camino

El veterano Seasick Steve ha mantenido una propuesta cimentada en el blues, el boogie, la música americana y el folk, como en su trabajo Can U Cook?. De cara a este otoño, el músico inicia una gira por Europa que culminará en noviembre con su primer recorrido completo por el Reino Unido desde 2015, visitando escenarios nuevos en su trayectoria.

Dentro de su álbum The Last Season of America, el intérprete presenta la canción El Camino, un tema desarrollado en colaboración con Ricardo Arjona. La pieza se sostiene sobre un ritmo lento y una instrumentación simple que permite destacar la parte acústica, dejando que las voces de ambos músicos compartan el protagonismo dentro del arreglo.



El uso combinado del español y del inglés le otorga a la interpretación una personalidad distintiva junto a un aura cargada de nostalgia. Ambos cantantes logran acoplar sus matices vocales de manera fluida sobre una estructura de corte folk, priorizando la sobriedad en todo momento.

Lejos de caer en arreglos sobrecargados, la pista ofrece un espacio donde la sencillez instrumental potencia el mensaje de la composición. El Camino se consolida como una muestra equilibrada de cómo unir dos identidades distintas en un mismo entorno sonoro. Es una entrega sobria de Seasick Steve que verdaderamente vale la pena escuchar.


Oleyada: el indie-pop bilingüe que convierte lo íntimo en un universo sonoro

Oleyada: el indie-pop bilingüe que convierte lo íntimo en un universo sonoro

Desde su estudio de grabación en casa, ubicado en la ciudad de Mississauga, Canadá, Oleyada está construyendo un universo musical propio: íntimo, nostálgico y, al mismo tiempo, sorprendentemente fresco. Su propuesta se mueve entre el indie-pop, las texturas lo-fi y una sensibilidad cercana al rock, creando canciones que combinan melodías pegadizas con atmósferas soñadoras.

Detrás de este proyecto se encuentra también Mathew Fantini, su esposo y compañero creativo, con quien Oleyada trabaja en la producción de su música. Juntos han desarrollado un sonido que deja espacio para la delicadeza de su voz: suave, aérea y envolvente, pero capaz de sostener canciones con una identidad melódica muy marcada. La identidad de Oleyada está profundamente ligada a sus raíces. Como canadiense de segunda generación e hija de padres uruguayos, incorpora tanto el inglés como el español en su trabajo artístico. Esta dualidad no aparece como un simple recurso estilístico, sino como una parte natural de su manera de contar historias y relacionarse con su propia identidad cultural.

Su música ha aparecido en producciones de televisión y streaming, incluyendo las series canadienses Strays y Workin’ Moms, además de Hudson & Rex y The Lake, reflejando su capacidad para crear ambientes y emociones que funcionan más allá de la escucha individual. Sus canciones pueden acompañar una escena, establecer un estado de ánimo o reforzar un momento narrativo sin perder jamás su propia identidad.


El Track x Track de “Oleyada”



“all about you”

En su último lanzamiento doble, la artista presenta “all about you”, una canción que nos transporta de inmediato a este mundo acústico y dreamy. Su estudio de dormitorio se convierte en un laboratorio creativo donde lo retro encuentra nuevas formas de expresarse a través de la producción lo-fi. Con un color de voz delicado y suave, Oleyada apuesta por una atmósfera romántica, casi inocente, colorida, donde la melodía y la narración son protagonistas. Entre voces etéreas, sintetizadores retro dulces y letras que combinan juego y profundidad, su música construye un espacio propio donde lo íntimo se convierte en algo universal.

Específicamente en esta canción, la combinación de texturas orgánicas con una atmósfera de ensueño entre capas de amor recuerda a artistas como Clairo o Sales, llevándonos a un mundo visual que se siente como un sueño emocional.


“the sky”

Por su parte, en “the sky”, el segundo tema de este sencillo doble, la atmósfera mantiene ese mismo mundo con una sensación nostálgica y ligeramente triste. Este track apuesta por una voz más protagonicamente emocional y arreglos que sirven como una cama sonora que hace sumergirnos por completo en la visión de la artista. El resultado es una pieza luminosa y envolvente que transmite libertad, introspección y melancolía.

En definitiva, Oleyada representa a una nueva generación de artistas independientes que transforman lo íntimo en un mundo personal habitable. Visualmente, el proyecto podría recordarnos a The Marías o Magdalena Bay, mientras que en lo musical apuesta por un toque acústico y dreamy que le otorga una voz propia dentro del panorama musical.


Desde su dormitorio Oleyada, combina sus raíces uruguayas, el inglés y el español con un indie-pop soñador, cálido y lleno de personalidad. Su voz etérea, sus melodías envolventes y una sensibilidad que conecta nostalgia y modernidad hacen de su propuesta una presencia singular dentro de la escena musical canadiense e internacional. Con cada canción, Oleyada continúa demostrando que las historias más personales también pueden encontrar un profundo eco mucho más allá de sus propias fronteras.” por que es muy parecido al parrafo del inicio 



El paisaje acústico de Marshall Thomas trasluce en Waterfall Song y Daisy

El paisaje acústico de Marshall Thomas trasluce en Waterfall Song y Daisy

Radicado en Steamboat Springs, Colorado, el cantautor Marshall Thomas comenzó a tocar la guitarra y cantar mientras vivía en las montañas del Valle Sagrado en Perú. Tras descubrir su pasión por la composición, el músico decidió dedicarse por completo a la creación sonora. Inspirado por su tiempo en la naturaleza y el trabajo con plantas maestras, su propuesta busca expresar su propio sentir y el del mundo para conectar con el oyente.

En su discografía destaca la pieza titulada Waterfall Song, lanzada el año pasado como parte de su álbum titulado Slow Bliss. La composición se presenta como una canción con alma que sostiene un ritmo tranquilo en el que se siente la esencia del folk con un enfoque acústico. Las voces suaves realizan un gran contraste con una atmósfera llena de detalles, dando lugar a una propuesta fácil de disfrutar dentro de su repertorio.



Por otra parte, el artista presenta Daisy, un sencillo lanzado recientemente que continúa la línea trazada en sus entregas anteriores. La canción mantiene los elementos acústicos que enriquecen la experiencia auditiva general, pero en esta ocasión juega un poco más con los tiempos y el dinamismo. Esta variación rítmica la vuelve por momentos un poco más dinámica que la primera pieza, mostrando un matiz diferente en su producción.

La búsqueda de Marshall Thomas apunta a transmitir una sensación de libertad a través de estructuras orgánicas y honestas. Tanto en la pausa de Waterfall Song como en el movimiento de Daisy, la guitarra acústica sirve de vehículo para una lírica conectada con el entorno natural. Con ambas publicaciones, el compositor norteamericano afianza un estilo folk con identidad clara y una proyección constante en la escena independiente.


La cadencia introspectiva de Lane Hartley florece en Mother

La cadencia introspectiva de Lane Hartley florece en Mother

Originario de Charleston y radicado en Los Ángeles tras un paso por Nueva York, el cantautor Lane Hartley dio forma a su debut durante dos mil veinte en Asheville. Durante ese período de aislamiento concluyó sus estudios de forma remota, aprendió piano de manera autodidacta en su habitación y desarrolló una voz narrativa propia. Aquella etapa introspectiva derivó en la grabación de su disco Naming Horses junto al productor Adam Gunther.

El álbum, publicado originalmente de forma independiente en dos mil veinticuatro, es reeditado por Royal Oakie Records en una versión expandida que suma dos temas adicionales. A lo largo de trece cortes de indie folk, el trabajo aborda el amor queer, las adicciones y las relaciones destructivas, contando con colaboraciones de Lukas Frank de Storefront Church, Gregory Uhlmann y Olivia Kaplan. La producción logra un marco equilibrado para la lírica del compositor.



En este catálogo cargado de reflexión personal destaca la inclusión de su sencillo titulado Mother. La composición se despliega sobre un ritmo tranquilo que junto con la parte vocal crean una atmósfera melancólica de notable sobriedad. La instrumentación avanza de manera pausada, construyendo un espacio sonoro donde las texturas acústicas sostienen el peso emotivo de la pieza con soltura.

Esta combinación convierte al tema en una propuesta folk con tintes rock muy buenos que aporta variedad al repertorio general del artista. La interpretación vocal guía la melodía con firmeza, logrando que la producción mantenga una nitidez constante de principio a fin. Con la difusión de Mother, el músico Lane Hartley entrega sin duda una canción con alma que te llega al alma dentro de la escena actual.


La raíz americana de Socially Acceptable resuena en Smudge

La raíz americana de Socially Acceptable resuena en Smudge

Originaria de Chicago, Illinois, la agrupación Socially Acceptable se compone por Luke Luhrsen, Dominic DeAngelis, Michael Leszczynski, Ernie Santeralli y Alex Panayiotou. La formación comenzó en el otoño de dos mil trece interpretando versiones en el sótano de una fraternidad de la Universidad de Illinois. Tras graduarse y trasladarse al norte de Chicago, el quinteto amplió su repertorio hacia eventos privados, bodas y recintos locales de la ciudad.

Durante el verano de dos mil veinte, con los eventos en vivo suspendidos indefinidamente, la banda inició una nueva etapa enfocada en la composición original. Esa transición dio lugar al lanzamiento de su EP titulado Don’t Know Yet, una producción de seis canciones compuestas por cada uno de sus integrantes. Este proceso les permitió afianzar una identidad propia más allá de su faceta inicial, consolidando un catálogo respaldado por sus distintas influencias.



Dentro de esta evolución sonora se sitúa la presentación de su canción Smudge. La pista se despliega sobre un ritmo delicioso que reúne lo mejor del folk con un rock ligero, marcando un pulso instrumental equilibrado. La composición construye una atmósfera donde se siente la esencia de la música estadounidense, entrelazando la sección rítmica con el trabajo de guitarras de manera limpia y sin pretensiones.

En el aspecto interpretativo, el tema destaca por una voz con buen cuerpo muy acorde con las voces que encajan muy bien con el folk y country. La producción ubica la interpretación vocal en el centro de la mezcla, permitiendo que las líneas melódicas se acoplen con nitidez al marco instrumental. Con la difusión de Smudge, la agrupación Socially Acceptable entrega una propuesta consistente que demuestra el oficio acumulado en su recorrido.


La raíz rural de Roger Harvey resuena en Blue Mountain

La raíz rural de Roger Harvey resuena en Blue Mountain

Criado en la pequeña localidad de Girard en Pensilvania, el cantautor Roger Harvey descubrió la música desde niño a través del punk rock. Tras años de recorrido por ciudades como Brooklyn, Portland y Filadelfia, el músico terminó por asentarse en Nashville, Tennessee. Su trayectoria independiente por escenarios de Estados Unidos y Europa le ha permitido consolidar una audiencia fiel mediante un trabajo constante.

A lo largo de doce años de carrera, el intérprete ha presentado dos álbumes y una serie de sencillos que marcan su perfil introspectivo. Su labor le ha llevado a compartir giras con agrupaciones como The Menzingers o Against Me!, además de participar en actos comunitarios y colaborar con músicos de diversa índole. Recientemente, trabajó junto al productor galardonado Justin Francis y el músico John R. Miller.



Dentro de este recorrido se enmarca el lanzamiento de su canción Blue Mountain. La composición se estructura como una pieza folk con matices country que evoca el regreso a sus raíces en Pensilvania rural. El tema avanza sobre un ritmo relativamente sencillo, pero sostiene una atmósfera llena de detalles acústicos que le dan mucha vida a toda la instrumentación.

El elemento distintivo de la grabación reside en la parte vocal que la llena de personalidad desde los primeros compases. La combinación entre los matices tradicionales y la ejecución acústica sostiene la marcha de la pista con soltura de principio a fin. Con la difusión de Blue Mountain, la propuesta del artista Roger Harvey confirma la evolución natural de un oficio perfeccionado en la carretera.