Emergiendo desde Los Ángeles, California, soft siren es un trío de dream pop que fusiona géneros navegando entre la realidad y el ensueño. La agrupación está conformada por los compositores CASHFORGOLD, Sidewalks and Skeletons y Michael Coe (integrante de Count the Clock), una diversidad creativa unificada por la voz de Jacqueline. Su propuesta entrelaza la nostalgia del shoegaze y trip-hop noventero con la calidez del rock indie y psicodélico, evocando influencias como Cocteau Twins, Mazzy Star y Lana del Rey. Este universo cinematográfico y melancólico anticipa el lanzamiento de su esperado álbum debut titulado 4AM, lanzado este 23 de octubre de 2026.
I’ll Be Fine
Ubicada en el tramo final del álbum, I’ll Be Fine por soft siren se despliega con un ritmo suave y pausado que construye un alt-pop meticuloso. La pista incorpora sutiles matices de dream pop enriquecidos por sintetizadores que aportan una textura envolvente a lo largo de toda la estructura. La instrumentación fluye de manera constante, ofreciendo un refugio auditivo caracterizado por tonos relajados y delicados. Dentro del disco, la composición funciona como un punto de inflexión donde la cadencia lenta toma el protagonismo para guiar al oyente.
Bury Me in Diamonds
En la penúltima posición del disco encontramos Bury Me in Diamonds, un tema de soft siren que adopta un enfoque marcadamente contemplativo. Aunque mantiene la esencia de rock que define al trío, la canción se viste con una capa oscura que transforma su dinamismo y profundidad. La voz airosa y delicada de la cantante sobrevuela la pista, aportando un matiz etéreo sobre la base instrumental. Esta combinación de elementos resulta en una atmósfera envolvente que resalta la capacidad del grupo para equilibrar sombras y sensibilidad.
Feeling Down
El cierre de la producción corre a cargo de Feeling Down, un corte firmado por soft siren que concluye el viaje con un tono sereno y accesible. Navegando dentro del pop-rock alternativo, la pista preserva la tranquilidad que caracteriza al tramo final del disco, pero añade un matiz más pop a su estructura. Esta fusión otorga una sensación de resolución fluida que encaja con el concepto general de la obra. La pieza funciona como una despedida pausada, consolidando un cierre equilibrado para el álbum.
Afincado en Filadelfia, el productor JG lidera el proyecto en solitario Remote Places, una propuesta enfocada en el dance alternativo que entrelaza synth-pop, disco, texturas ambientales y una lírica de mayor trasfondo emocional. Tras distanciarse un par de años de las publicaciones discográficas para trabajar en el diseño sonoro de instalaciones de arte y proyectos experienciales, el músico retorna a la actividad con una serie de sencillos. Este material antecede al lanzamiento de su próximo álbum titulado You & Me, un trabajo temático centrado en el amor y la nostalgia.
En sus producciones recientes sobresale el corte Better Angels, realizado en colaboración con Mini Sants, dentro de una discografía en expansión que combina la energía de la pista de baile con una atmósfera emotiva e intencionadamente cinematográfica. La trayectoria del autor se caracteriza por equilibrar la precisión técnica del estudio con estructuras melódicas directas. Esta integración de recursos le permite construir composiciones orientadas al movimiento rítmico, pero dotadas al mismo tiempo de una marcada pulcritud en el tratamiento de los sintetizadores y los arreglos de ambiente.
Dentro de esta etapa de creación se inscribe su sencillo Just For Now, una entrega de indie pop que incorpora refinadas influencias dreamy y matices disco de perfil moderno. La canción se articula sobre una base rítmica fluida que invita al movimiento constante, mientras las capas sintéticas aportan densidad sin recargar el espacio sonoro. La producción mantiene un equilibrio constante entre los elementos de percusión y los arreglos envolventes, garantizando una escucha limpia que sostiene el interés a lo largo de todo el corte.
La identidad del tema se consolida en el apartado interpretativo, donde las líneas vocales añaden un tono dulce que le otorga carisma y una marcada personalidad a la composición. La voz se acopla con fluidez a los timbres electrónicos, aportando una calidez expresiva que contrasta de forma idónea con el pulso bailable de la pista. Sin recurrir a artificios estridentes, Remote Places demuestra con Just For Now una notable solvencia para hermanar el pop melódico con la pista de baile contemporánea.
Procedente de un pequeño pueblo de Pensilvania, el cantautor Chris Alden encontró en la práctica musical un refugio desde su infancia. Siendo hijo único, la inquietud temprana lo llevó a dominar diversos instrumentos y el canto, transformando la soledad en un espacio de constante aprendizaje autoral. A los 16 años, mientras trabajaba como voluntario en una residencia para adultos mayores interpretando el piano, comprendió el poder de la música para conectar con las emociones ajenas, impulso que lo decidió a escribir sus propias canciones a partir de los 17 años.
Actualmente, con 23 años de edad, el compositor reside en Nashville mientras transita la juventud y busca hacerse de un lugar dentro de la escena musical contemporánea. Su propuesta autoral nace de una búsqueda honesta por traducir experiencias personales en composiciones cercanas, priorizando la sencillez en la ejecución por encima de las producciones sobrecargadas. Esta perspectiva le permite construir un sonido fresco y directo que respeta la tradición del cantautor que acompaña sus historias con una instrumentación sobria.
En esta línea de contención expresiva se sitúa su tema South, una propuesta que destaca por un ritmo tranquilo y una estructura sutil que transmite calma. La producción se apoya en una instrumentalización limpia donde los elementos acústicos, con la guitarra al frente y sutiles matices de percusión, articulan un suave pop impregnado de destellos folk. La combinación de estos componentes le otorga al tema una atmósfera tenue con ciertos toques de ensueño (dreamy) que envuelven la escucha con sutileza.
El desarrollo de la pista se consolida gracias a una voz suave y dotada de una técnica sólida que sostiene la melodía con firmeza de principio a fin. El trabajo vocal no busca el alarde ni la estridencia, sino que se acopla con precisión al flujo armónico para guiar la pieza con naturalidad. Sin recurrir a artificios vacíos, Chris Alden firma con South una muestra madura de composición acústica que confirma su sensibilidad para el formato de canción de autor.
El trío colombiano BALTHVS presenta “Sunday Forecast”, un sencillo instrumental que combina funk psicodélico, guitarras envolventes y texturas ambientales en una composición de espíritu soñador y carácter celestial. Con una propuesta que invita a desconectar del ruido cotidiano, la banda construye un paisaje sonoro cálido e hipnótico que convierte la relajación en una experiencia de exploración musical.
“Sunday Forecast” establece una atmósfera envolvente mediante delicados sonidos de percusión y texturas psicodélicas que aportan un matiz exótico a la composición. Las capas instrumentales se desarrollan progresivamente, mientras las guitarras introducen melodías fluidas que evolucionan hacia acordes más intensos y expresivos. Este crecimiento gradual aporta profundidad emocional sin romper la sensación de serenidad que define al sencillo.
A medida que avanza la pieza, BALTHVS se adentra en una combinación de grooves nebulosos, ritmos suaves y armonías que parecen flotar en el espacio. La instrumentación adquiere un carácter casi cinematográfico, creando imágenes sonoras que evocan paisajes difusos, tardes tranquilas y momentos en los que el tiempo parece transcurrir más despacio. En lugar de apoyarse en cambios abruptos, la canción permite que sus elementos se entrelacen de manera orgánica, favoreciendo una escucha inmersiva.
Uno de los aspectos más atractivos de “Sunday Forecast” es su equilibrio entre la sensibilidad ambiental y la identidad psicodélica de la banda. Aunque el tema apuesta por un enfoque especialmente relajado, conserva el sentido rítmico y la riqueza instrumental característicos de BALTHVS. El resultado es una composición que funciona tanto como acompañamiento para momentos de descanso e introspección como una invitación a descubrir los pequeños detalles que emergen en cada escucha.
Formado en Colombia en diciembre de 2019, BALTHVS ha desarrollado una identidad musical que cruza fronteras entre el funk, la psicodelia, el disco, el house, el dub reggae, el surf rock y la cumbia. Su enfoque ecléctico, sumado a una marcada inclinación por la improvisación y la experimentación, ha permitido al grupo construir un sonido propio y conectar con audiencias internacionales. Dentro de ese universo creativo, “Sunday Forecast” destaca por llevar su exploración instrumental hacia un territorio más contemplativo y atmosférico.
Nacida en Los Ángeles y marcada por sus raíces persas, la artista Asal Hazel transita entre paisajes sonoros de carácter onírico y texturas afiladas. Su propuesta fusiona influencias del shoegaze R&B, el soul alternativo y el indie psicodélico en una amalgama envolvente. Tras colaborar con figuras del sello Stones Throw como Mndsgn y Knxwledge, la creadora ha consolidado una trayectoria fundamentada en la experimentación. Su desarrollo artístico también incluye trabajos junto a nombres como Zacari y Pink Siifu, manteniendo una constante exploración estética.
Este recorrido encuentra continuidad en su más reciente producción discográfica titulada Blushing, donde la compositora profundiza en su identidad sonora. El álbum funciona como un espacio donde la intimidad y la atmósfera se difuminan de manera calculada y coherente. Lejos de buscar estridencias innecesarias, la instrumentación prioriza la contención y el equilibrio en cada uno de sus pasajes. De este modo, la estructura general del disco mantiene una línea sobria y bien articulada.
Dentro de este material destaca la canción You’re out of it, Again!, construida sobre un ritmo lento y pausado. La pieza entrelaza elementos de rock ligero, indie pop y dream pop dentro de un mismo entorno armónico. Su producción destaca por el rigor técnico, logrando que cada instrumento ocupe el lugar preciso sin saturar el resultado. Esta combinación instrumental genera una base sólida que sostiene el desarrollo completo del tema.
El apartado vocal sobresale por un trabajo minucioso que exhibe un timbre sumamente agradable y una técnica depurada. La voz se presenta con un matiz suave y airoso que se integra de manera armónica con la instrumentación del sencillo. Sin recurrir a artificios excesivos, la interpretación fluye con naturalidad a lo largo de toda la composición. Con esta entrega, Asal Hazel consolida una propuesta coherente dentro de la escena contemporánea.
Desde su estudio de grabación en casa, ubicado en la ciudad de Mississauga, Canadá, Oleyada está construyendo un universo musical propio: íntimo, nostálgico y, al mismo tiempo, sorprendentemente fresco. Su propuesta se mueve entre el indie-pop, las texturas lo-fi y una sensibilidad cercana al rock, creando canciones que combinan melodías pegadizas con atmósferas soñadoras.
Detrás de este proyecto se encuentra también Mathew Fantini, su esposo y compañero creativo, con quien Oleyada trabaja en la producción de su música. Juntos han desarrollado un sonido que deja espacio para la delicadeza de su voz: suave, aérea y envolvente, pero capaz de sostener canciones con una identidad melódica muy marcada. La identidad de Oleyada está profundamente ligada a sus raíces. Como canadiense de segunda generación e hija de padres uruguayos, incorpora tanto el inglés como el español en su trabajo artístico. Esta dualidad no aparece como un simple recurso estilístico, sino como una parte natural de su manera de contar historias y relacionarse con su propia identidad cultural.
Su música ha aparecido en producciones de televisión y streaming, incluyendo las series canadienses Strays y Workin’ Moms, además de Hudson & Rex y The Lake, reflejando su capacidad para crear ambientes y emociones que funcionan más allá de la escucha individual. Sus canciones pueden acompañar una escena, establecer un estado de ánimo o reforzar un momento narrativo sin perder jamás su propia identidad.
El Track x Track de “Oleyada”
“all about you”
En su último lanzamiento doble, la artista presenta “all about you”, una canción que nos transporta de inmediato a este mundo acústico y dreamy. Su estudio de dormitorio se convierte en un laboratorio creativo donde lo retro encuentra nuevas formas de expresarse a través de la producción lo-fi. Con un color de voz delicado y suave, Oleyada apuesta por una atmósfera romántica, casi inocente, colorida, donde la melodía y la narración son protagonistas. Entre voces etéreas, sintetizadores retro dulces y letras que combinan juego y profundidad, su música construye un espacio propio donde lo íntimo se convierte en algo universal.
Específicamente en esta canción, la combinación de texturas orgánicas con una atmósfera de ensueño entre capas de amor recuerda a artistas como Clairo o Sales, llevándonos a un mundo visual que se siente como un sueño emocional.
“the sky”
Por su parte, en “the sky”, el segundo tema de este sencillo doble, la atmósfera mantiene ese mismo mundo con una sensación nostálgica y ligeramente triste. Este track apuesta por una voz más protagonicamente emocional y arreglos que sirven como una cama sonora que hace sumergirnos por completo en la visión de la artista. El resultado es una pieza luminosa y envolvente que transmite libertad, introspección y melancolía.
En definitiva, Oleyada representa a una nueva generación de artistas independientes que transforman lo íntimo en un mundo personal habitable. Visualmente, el proyecto podría recordarnos a The Marías o Magdalena Bay, mientras que en lo musical apuesta por un toque acústico y dreamy que le otorga una voz propia dentro del panorama musical.
Desde su dormitorio Oleyada, combina sus raíces uruguayas, el inglés y el español con un indie-pop soñador, cálido y lleno de personalidad. Su voz etérea, sus melodías envolventes y una sensibilidad que conecta nostalgia y modernidad hacen de su propuesta una presencia singular dentro de la escena musical canadiense e internacional. Con cada canción, Oleyada continúa demostrando que las historias más personales también pueden encontrar un profundo eco mucho más allá de sus propias fronteras.” por que es muy parecido al parrafo del inicio
Entre lo místico, lo onírico y esa melancolía que puede esconderse detrás de una sonrisa, Grace Smiles ha construido una identidad artística donde las emociones parecen existir en un espacio propio. Originaria del área de Chicago y actualmente radicada en Nashville, la artista se mueve entre el indie alternative pop y el rock, creando canciones de atmósferas etéreas, melodías envolventes y letras que convierten experiencias personales en pequeñas exploraciones emocionales. “Past Life” y “Not My Problem” representan dos momentos especialmente interesantes de ese universo, donde la introspección, la memoria, las relaciones y la búsqueda del propio valor adquieren una dimensión casi mágica.
Ambas canciones forman parte de Fortune Teller, álbum de 11 temas de Grace Smiles que se mueve dentro del territorio del pop/rock alternativo y que incluye también composiciones como “Fortune Teller”, “Angel”, “Bewitched”, “The Inner Void”, “Stay 11:11”, “Afterlife” y “Resurrect”. El propio concepto del álbum parece reforzar la estética que acompaña a Grace: una combinación de misterio, espiritualidad, fantasía y emociones profundamente humanas.
Con un título que apunta directamente hacia el pasado, “Past Life” encaja de manera natural dentro del imaginario de Grace Smiles. La canción forma parte de Fortune Teller como el cierre del álbum, un detalle que permite leerla como una especie de punto final dentro de este recorrido por diferentes estados emocionales.
En el universo de Grace, conceptos como vidas pasadas, sueños, señales y dimensiones emocionales parecen funcionar menos como respuestas concretas y más como puertas hacia la imaginación. “Past Life” puede situarse precisamente en ese territorio: el lugar donde el pasado deja de ser únicamente un recuerdo y se convierte en una pregunta sobre quiénes fuimos, qué dejamos atrás y qué partes de nosotros continúan acompañándonos.
Esta sensibilidad conecta con una de las características esenciales de su propuesta: la capacidad de transformar lo íntimo en algo fantástico. Grace no necesita abandonar la realidad para encontrar misterio; basta con observar las emociones desde otro ángulo. Sus canciones pueden sentirse como pequeñas ventanas hacia recuerdos, pensamientos y sensaciones que normalmente permanecen ocultos.
Si “Past Life” mira hacia atrás, “Not My Problem” encuentra su fuerza en el presente y en la decisión de dejar algo atrás. La canción comienza con una voz soul e intrigante que poco a poco se expande hacia guitarras vibrantes, creando una atmósfera de rock soñador. La producción acompaña una letra profundamente introspectiva, especialmente cuando Grace admite: “I like the way I made you in my head”.
Antes de asumir la música como proyecto central, Carlee Chappell se perfilaba hacia un doctorado en psicología tras titularse en Lengua Inglesa y Psicología. La lógica guió sus decisiones durante años hasta que decidió atender la vocación de compositora que guardaba desde la infancia, influenciada por referentes del pop. Aquel cambio de rumbo marcó el inicio formal de su camino en la industria.
Su trayectoria se afianzó primero en la coescritura de canciones para intérpretes como Maddie Zahm, Francis Karel y Abigail Barlow. Con esa experiencia acumulada, dio vida al proyecto sorrycarlee, donde combina ganchos pop con letras crudas e introspectivas construidas a manera de diario abierto. Su propuesta explora momentos de desamor y autodescubrimiento con un enfoque confesional.
En este marco de composición personal se presenta la difusión de su sencillo titulado Intimacy. La pista se despliega como una propuesta de pop moderno con tintes dreamly que incorpora una capa de melancolía dada por la ambientación. La producción organiza las texturas sintéticas con cuidado, creando un espacio envolvente que sostiene la estructura rítmica sin sobrecargar la mezcla.
El apartado interpretativo destaca por la gran ejecución vocal de la artista, pues logra transmitir muy bien las intenciones con ese tono dulce, airoso y cadente. Su entrega estilística matiza cada línea lírica, ofreciendo una lectura cercana que equilibra el tono confesional con la fluidez de su sonido. Con el lanzamiento de Intimacy, sorrycarlee ratifica la solidez de su búsqueda sonora.
El cantautor neoyorquino Loren Berí ha construido una trayectoria sustentada en la narrativa compleja y texturas de cámara. Graduado en dramaturgia y con experiencia dirigiendo episodios para BRIC TV, su catálogo incluye colaboraciones con Glassio, Kishi Bashi e intervenciones de Mauro Refosco en su álbum Alby’s Ghost. Su labor le ha valido reconocimientos en publicaciones como FLOOD, Earmilk y 1883 Magazine.
Su nuevo trabajo discográfico se acompaña por un libro de poemas y profundiza en reflexiones conceptuales sobre la identidad. El tema central nació durante una escritura nocturna al imaginar a un tramoya que cree ser actor, ignorando que solo mueve utilería en la oscuridad. A diferencia del ego expuesto en su obra anterior, este concepto busca explorar la disolución de la vanidad y la paz de perderse entre bastidores.
Dentro de este marco de introspección se presenta su sencillo Stagehand. La canción propone una estética hermosa marcada por influencias de indie pop y un toque dream pop de ritmo pausado. Su arquitectura sonora teje arreglos de cámara que construyen una atmósfera que te atrapa por completo, permitiendo que la cadencia tranquila sostenga el peso dramático de la pieza sin prisas.
El apartado interpretativo destaca por una interpretación vocal que conmueve el corazón desde sus primeros versos. La voz se sitúa sobre el entramado instrumental con serenidad, logrando transmitir la pequeñez de un personaje que encuentra alivio fuera del reflector. Con la entrega de Stagehand, el compositor Loren Berí firma una entrega honesta cuya claridad narrativa afianza su estilo.
Desde la periferia industrial de Waterloo, Ontario, Awake & Dreaming llega con una propuesta de alt-rock canadiense. Integrada por Sasha Kristoff (voz y teclados), Stefan Schneider (guitarra), Phil Lee (bajo) y Ryan Dugal (batería), la agrupación ha construido una identidad sonora definida por la dualidad: un viaje constante entre la intimidad del piano, atmósferas electrónicas y explosiones de guitarras de escala monumental. El estilo de la banda suele incorporar capas sintéticas, ritmos y arreglos vocales dramáticos, citando frecuentemente influencias estilísticas y dinámicas vinculadas al alt-rock de las últimas dos décadas.
El álbum debut de la banda, titulado Inevitable, está programado para su lanzamiento el 16 de octubre de 2026, acompañado de una edición en vinilo y una gira por 10 ciudades en Ontario y Quebec. Con una duración total de 48 minutos y 36 segundos distribuida en 10 canciones, el álbum explora conceptualmente la experiencia de mantener la sensibilidad humana dentro de un entorno dominado por la sobreestimulación tecnológica y la apatía social.
El Track x Track de Inevitable
1. “I U Me” El disco abre con una declaración de energía cruda y directa, con bajo distorsionado la canción establece de inmediato la tensión del álbum mediante una instrumentación delicada con el uso del piano y una voz aterciopelada, mientras el coro explota en un estribillo emocional y agresivo. A nivel de producción, la mezcla limpia y robusta de Jay Dufour resalta la fuerza física de los instrumentos, logrando un sonido de gran alcance que marca el punto de partida del álbum: el momento en que el individuo, atrapado en la inercia de la máquina cotidiana, despierta a través de la tensión y el conflicto para reclamar su propia presencia.
2. “Rewire”
Segunda pista del álbum que profundiza en la necesidad de reprogramar los hábitos y esquemas mentales frente al adormecimiento cotidiano. Con un ritmo impulsivo y sintético, la canción construye un puente hacia la transformación, alternando versos melódicos con pasajes de marcada carga rítmica. Lo curioso es que las guitarras tienen un estilo particular de géneros como el Krautrock, pero llevándolo a otro lugar propio al tener una voz tan melódica y dulce, la canción tiene esa agresividad que propone la banda a la vez que las melodías nos remontan a bandas como king gizzard and the lizard wizard
3. “Old Ghosts” Sumergiéndose en una atmósfera de minimalismo evocador, esta pista reduce la instrumentación a sus elementos más íntimos. La combinación de e piano y sombras electrónicas genera una sensación de espacio y nostalgia, explorando el peso del pasado y las memorias no resueltas. La canción nos lleva completamente a un ambiente completamente diferente de los tracks anteriores, dándole un espacio mayor a la parte vocal y su interpretación,
4. “Antidote”
Corte cargado de suspenso y sensualidad oscura. La pista comienza con una estructura delicada de sintetizadores y una sensación de ciencia ficción, a través de arreglos de piano y un bajo que sostiene el movimiento de la canción, mientras el track va evolucionando para culminar en un clímax dramático sostenido por la afirmación de supervivencia “I’m still breathing”.
5. “Cold Shoulder”
“Cold Shoulder” nos presenta un sonido que juega con las texturas de la guitarra para crear disonancias que generan esta tensión incomoda y misteriosa, este es el punto de inflexión del disco donde la frustración se convierte en resistencia colectiva. A través de versos contenidos el tema explota en un estribillo de escala bailable diseñado para el canto grupal, coronado por la consigna rebelde “I’m gonna dance in the street while it’s burning”.
6. “Underwater”
Con una respiración inicial, el sencillo principal del álbum funciona como una sesión de introspección nocturna sobre el desapego y la carga emocional. Con una sonoridad melancólica, la canción utiliza la metáfora de la profundidad marina para abordar la urgencia de soltar lo que nos arrastra hacia el fondo antes de quedar completamente aislados. Con una interpretación tremendamente emocional el track toma elementos del Dream Pop combinándolo con un piano protagonista y unas líneas melódicas que te hacen conectar con la letra y melodias vocales que podrian hacer remembranza a Cocteau Twins.
7. “Lights Down Low”
Una composición que desacelera el ritmo para explorar el lado más acústico y cinemático de la banda. Apoyada en dinámicas vocales sutiles, la canción recrea la sensación de intimidad y refugio cuando el mundo exterior se apaga, mientras todo el track va creciendo para terminar con una explosión de toda la banda dándole paso a unas palabras finales con el ritmo acústico de la guitarra.
8. “Can’t Sleep”
Pista centrada en el insomnio, el sobre pensamiento y la sobreestimulación de la vida moderna. La canción nos recibe con un sonido de gran piano, el cual ha sido un elemento recurrente en el alum y creo que es de lo que mas le aporta para tener su propio sonido a la banda, ya que combina Dream Pop, Rock y texturas atmosféricas, pero hasta ahora el piano y la voz han sido una gran base para marcar un estilo propio de la banda, la instrumentación rítmica y los arreglos marcados transmiten la inquietud de una mente en vela que busca claridad en medio de la noche, con una gran melodía vocal en los versos que poco a poco va siendo acompañada de elementos como guitarras acústicas y coros suaves el disco nos entrega una balada piano que para nuestro gusto es uno de los mejores tracks del disco.
9. “Faceless”
Con guitarras cortantes y una sección rítmica acelerada, “Faceless” crea un ambiente orquestal , la canción refleja la lucha contra el anonimato y la presión por encajar en moldes preestablecidos, mientras nos lleva por un track que siente epico pasando por un solo explosivo y un final que pudiese sentirse como el cierre de una batalla al combinar elementos como coros, piano y un ritmo acelerado.
10. “Event Horizon” El cierre conceptual del disco representa el punto de no retorno y la catarsis final. La pista evoluciona desde capas atmosféricas progresivas hasta un clímax monumental, concluyendo el viaje del álbum con un sentimiento de asombro, resolución y reencuentro con la humanidad. Lo que nos llama la atención es el uso de estas capas de sintetizadores, que dan un tono contemplativo y a la vez misterioso.
El arco narrativo del álbum explora la necesidad de mantenerse humano en un mundo diseñado para adormecer las emociones. La historia evoluciona desde la alienación de sentirse “parte de la máquina” en la pista de apertura, hasta alcanzar la catarsis y el asombro por lo posible en el tema de cierre. A lo largo de sus sencillos, la banda ha mostrado las distintas facetas que componen esta travesía: El camino hacia el lanzamiento continuará con el estreno del sencillo principal, “Underwater” (18 de septiembre), un diálogo nocturno sobre soltar lo que nos arrastra a las profundidades, seguido por “Rewire” (2 de octubre).
Acompañado por una gira de 10 fechas entre septiembre y octubre por Ontario y Quebec, Awake & Dreaming demuestra que la autenticidad, la precisión técnica y la visión estética pueden abrirse paso sin el respaldo de una gran discográfica. Inevitable no solo representa el debut de una banda en pleno dominio de su arte, sino la afirmación de que el rock alternativo aún puede ser un refugio de esperanza y rebelión.
