Dream Pop

Acústico/Altpop/Dream Pop/Etereo/Lo Mejor de la Semana/Nuevas Voces Femeninas

Amelie Lucille: La Promesa del Indie Oscuro

By Oleada Indie / diciembre 30, 2024

Amelie Lucille es una cantante y compositora de 16 años originaria de Nueva York, que ha logrado destacarse por su voz profunda, mucho más allá de su corta edad. Amelie ha sabido conectar con su audiencia de una manera auténtica y conmovedora. Su estilo musical refleja una pasión por las raíces del rock alternativo, el post-punk y la música gótica, y se caracteriza por una atmósfera melancólica y envolvente.

Aunque es joven, la influencia de artistas icónicos como The Cure, Cocteau Twins, Björk y The Sundays es clara en su música. Estas figuras clave en la música alternativa y gótica han marcado profundamente el sonido de Amelie, aportando una estética emocionalmente cargada y sombría a sus composiciones. Su estilo, que muchos definen como de un “alma vieja”, fusiona la introspección de la música alternativa con una atmósfera casi etérea, lo que la convierte en una artista única en su generación.

En “At All”, Amelie captura la sensación de estar en una relación que ya no tiene futuro, pero en la que aún persiste el deseo de aferrarse a lo conocido. La canción está estructurada en cuatro secciones que fluyen de manera natural, sin un patrón tradicional, lo que refuerza la idea de incertidumbre y transición que atraviesa el tema. Amelie ha mencionado que la canción está influenciada por artistas como Adrianne Lenker, Alex G, TV Girl y Mk.Gee, quienes aportaron a la creación de un sonido único y envolvente.

Desde su primer álbum homónimo, lanzado en junio de 2023, Amelie ha demostrado su capacidad para contar historias de una manera única, fusionando lo personal con lo universal. Cada una de sus canciones refleja una visión sincera del mundo, ofreciendo a sus oyentes una ventana a sus pensamientos y emociones más profundos.

Su música, profundamente personal y apasionada, es una invitación a explorar el lado más oscuro y emocional del ser humano, y promete seguir sorprendiendo a su creciente base de seguidores en los próximos años.

Dream Pop/Nuevo Rock/Nuevos Sonidos/Retro/Shoegaze

Same Eyes y su “Don’t Let Go”: Un Viaje Sonoro Entre el Sueño y la Realidad

By Oleada Indie / diciembre 23, 2024

Same Eyes es una banda de synth-pop originaria de Ann Arbor, Michigan, quienes a traves de la música electrónica y el pop de los años 80, fusonan una energía vibrante y contemporánea. Formada en 2019 por Alex Hughes y Chad Pratt, Same Eyes ha logrado crear un sonido único que abarca desde el dream pop y el shoegaze hasta el minimal synth, todo envuelto en una atmósfera envolvente y etérea.

Con influencias diversas, donde el ambiente onírico de las bandas de rock ambiental pioneras se mezcla con la energía de una fiesta a las 3 de la mañana. El resultado es una experiencia sonora que captura la oscuridad asi como la luz, explorando los contrastes emocionales del mundo moderno.

El proceso creativo de la banda es interesante, ya que gran parte de su trabajo se ha producido a distancia, con Pratt en Michigan y Hughes en Ohio. A través del intercambio constante de ideas por correo electrónico, han logrado construir un sonido multifacético y vibrante que evoluciona constantemente. Con una base de ritmos inventivos, cortes de sintetizadores brillantes y capas densas de melodías superpuestas, Same Eyes crea canciones complejas pero accesibles, llenas de matices y texturas que invitan a la reflexión.

Don’t Let Go es una de las composiciones más destacadas del próximo álbum de Same Eyes, Love Comes Crashing. En este tema, la banda sigue explorando su característico estilo: capas densas de sintetizadores, líneas de bajo que flotan con suavidad pero que tienen un impacto profundo, y melodías que se deslizan suavemente en la conciencia del oyente. La canción se nutre de influencias del dream pop y shoegaze, pero también de la síntesis minimalista que caracteriza a muchos de sus temas anteriores. La producción, realizada en su propio estudio, tiene una atmósfera etérea que, junto a la masterización de Warren Defever (His Name Is Alive) en Third Man Records, logra una mezcla perfecta entre la claridad de los sonidos electrónicos y la calidez de las texturas más orgánicas.

El tema refleja la habilidad de Same Eyes para navegar entre lo introspectivo y lo expansivo, con la letra de Hughes que oscila entre la fantasía alucinógena y una visión cruda de la emoción humana. La lírica puede ser descarnada y realista, o transportarnos a paisajes irreales donde la realidad se diluye en la experiencia. Este contraste se convierte en el alma de la banda, que no teme desdibujar los límites entre la claridad y la confusión, el éxtasis y la desilusión.

Altpop/Dream Pop/Indie Pop/Nuevas Voces Femeninas/Voces Dulces

Cris Liav: Un Pop Soñado y Profundo en “Nadie Como Tu”

By Oleada Indie / diciembre 17, 2024

Cris Liav nacida en Albacete y actualmente afincada en Madrid, con una formación musical que comenzó a una edad temprana en el conservatorio, Cris ha dedicado los últimos años a perfeccionar su técnica vocal, composición y producción musical, lo que le ha permitido consolidarse como una de las figuras emergentes más interesantes dentro del pop alternativo.

El estilo de Cris Liav se caracteriza por una fusión de indie, dream pop, bedroom pop y pop alternativo, con matices de folk y electropop. La artista aborda en sus canciones temas universales como el amor, la vulnerabilidad, la autocomprensión y la búsqueda de libertad, invitando a sus oyentes a reflexionar sobre sus propias experiencias emocionales. La sensibilidad con la que Cris transmite estos sentimientos la convierte en una voz única en la música contemporánea.

Su habilidad para crear melodías que se sienten tanto frescas como atemporales le ha permitido conectar con una audiencia diversa. Las influencias de grandes artistas internacionales como Taylor Swift, Lana Del Rey, Caroline Polachek o Chappell Roan se entrelazan con las de figuras del panorama musical español como Amaia y Ganges, creando una mezcla de sonidos que resuenan con su identidad única.

En su más reciente lanzamiento, “Nadie como tú”, Cris Liav nos presenta un himno alt-pop que, con su sonido envolvente y casi onírico, combina beats suaves con arreglos que crean una atmósfera hipnótica. La artista habla sobre las complejidades del amor y la incertidumbre del futuro, explorando temas como la fragilidad de los sentimientos y la dificultad de aceptar la felicidad por miedo a que se termine.

Frases como “soy incapaz de asimilar la felicidad, es mi cerebro temiendo que llegue el final” y “me sigo pellizcando, no hay nadie como tú” capturan esa mezcla de temor y emoción intensa que acompaña a las relaciones profundas. Con una voz suave y conmovedora, Cris logra transmitir la ambigüedad emocional que caracteriza los momentos de amor y duda.

Actualmente, Cris Liav se encuentra en pleno proceso de preparación para el lanzamiento de su primer EP, que se espera para finales de 2024. Este nuevo trabajo promete seguir la misma línea emotiva y experimental que sus sencillos anteriores, combinando sonidos vanguardistas con letras cargadas de contenido introspectivo. A medida que se adentra en nuevas fases de su carrera, la artista continúa demostrando su capacidad para crear música que no solo conecta a nivel sonoro, sino que también invita a la reflexión profunda sobre las emociones humanas.

Dream Pop/Indie Rock/Nuevo Rock/Nuevos Sonidos/Shoegaze

Chic Chameleon: Melancolía y Paisajes Sonoros desde las Praderas Canadienses

By Oleada Indie / diciembre 17, 2024

Desde las praderas canadienses hasta las atmósferas etéreas de sus composiciones, Chic Chameleon es un proyecto que invita a la introspección y los sonidos etereos. Detrás de este alias artístico se encuentra Patrick Froese, un multiinstrumentista y productor originario de Edmonton, Alberta, cuya música fusiona géneros como el Dream-Pop y el Shoegaze para crear paisajes sonoros llenos de melancolía y profundidad emocional.

Patrick creció en una granja familiar en las amplias praderas de Canadá, un entorno que influyó en su sensibilidad musical y en la estética de su sonido. Tras completar sus estudios secundarios, decidió dedicarse por completo a la música, estudiando composición y producción en la Universidad MacEwan en Edmonton. Además de graduarse con distinción, Patrick complementó su formación con clases de ingeniería de audio, habilidades que le permitieron grabar y mezclar sus propios temas.

Desde 2019, Patrick ha dado vida a Chic Chameleon, un proyecto musical que refleja su conciencia introspectiva y melancólica. Inspirado en géneros como el Dream-Pop y el Shoegaze, Patrick crea piezas con reverberaciones exuberantes, delays envolventes y tonos de coro almibarados. Estos elementos, combinados con líneas de guitarra texturizadas, sintetizadores graduales y melodías vocales hipnóticas, construyen un sonido envolvente que transporta al oyente a un estado de contemplación.

“Shade Your Way” surge de una exploración musical que comenzó con una línea arpegiada en el bajo. La combinación de vocales suaves con las cálidas frecuencias del instrumento crea un ambiente envolvente que resulta hipnótico. Esta canción aborda los sentimientos persistentes después de una amistad tóxica que se salió de control, sirviendo como una vía de escape y reflexión para Patrick. La profundidad de la pista se ve acentuada por las atmósferas sutiles y la voz femenina, que añade un matiz emocional y narrativo a la composición.

Por otro lado “Head Against The Floor” surgió durante la Navidad de 2023, un momento de reflexión personal marcado por el peso emocional de la temporada y los recuerdos de una ruptura familiar. La canción explora temas de irreversibilidad y pérdida, usando una instrumentación vehemente que resuena con fuerza en el oyente. Por su parte, “Shade Your Way” destaca por su inicio en el bajo, con suaves vocales que flotan sobre una línea arpegiada y cálida. La pista es una catarsis musical que aborda las emociones residuales tras una amistad tóxica que salió de control, combinando melancolía con una atmósfera envolvente y sutil.

Cada composición de Chic Chameleon funciona como un “lienzo sonoro”, donde Patrick despliega su habilidad para transmitir emociones complejas. Temas como la soledad, las relaciones y la melancolía son recurrentes en su obra, expresados con elegancia a través de letras introspectivas y melodías etéreas.

Bedroom Pop/Dream Pop/Dreamy/Etereo/Indie Pop/Lo Mejor de la Semana/Nuevos Sonidos

Marble Raft: El Dúo Sueco Que Transforma el Indie Pop en una Experiencia Escapista

By Oleada Indie / diciembre 3, 2024

Marble Raft es un dúo sueco de indie pop que ofrece una mezcla de melodías brillantes, atmosferas soñadoras y una producción envolvente. Compuesto por Olle Söderström y Gabrielle Werme Baker, este proyecto musical ha cautivado a los oyentes con su enfoque del pop alternativo, creando paisajes sonoros que invitan a la evasión y a la exploración de lo desconocido.

El dúo comenzó a dar forma a su sonido en 2021 con el lanzamiento de su álbum debut, Geography A. Este primer trabajo mezcla el pop melódico con atmósferas densas y etéreas, lo que les valió un lugar destacado en la escena indie. Con influencias que abarcan desde el dream pop hasta el synthwave, Marble Raft construye un sonido caracterizado por la combinación de guitarras suaves, sintetizadores brillantes y una base rítmica sutil.

Las canciones de este dúo sueco a menudo parecen sacadas de una película en la que se combinan la nostalgia y el misterio, invitando a los oyentes a perderse en mundos sonoros llenos de detalles y texturas complejas. Su capacidad para mezclar sonidos modernos con influencias del pasado crea una sensación de atemporalidad que les ha ganado seguidores tanto entre los amantes del pop experimental como los del indie tradicional.

To Have and to Hold and to Break, lanzado recientemente en 2024, captura la esencia de una noche mágica llena de anticipación y euforia. En sus propias palabras, Marble Raft describe la canción como una representación de “una noche saturada de anticipación, donde uno se deja llevar y cae en un estado mental aturdido y eufórico en el que todo parece posible”. La narrativa de la canción sigue a dos adolescentes que se sienten atraídos por una fuerza superior en el corazón palpitante de la ciudad, lo que los lleva a un viaje lleno de emoción, caos y libertad.

Musicalmente, To Have and to Hold and to Break es un viaje sonoro que explora una combinación de máquinas de cuerdas, guitarras chisporroteantes y el uso delicado de instrumentos como el autoarpa y el mellotron. La canción fluye como una ola de sonidos que se entrelazan y se elevan, creando una atmósfera envolvente que hace eco de la energía de la ciudad y el abandono juvenil.

Las influencias de Marble Raft son claras, pero también muy personales. El dúo se inspira en artistas y bandas como M83, Alvvays, Cocteau Twins, New Order y Chairlift, pero su habilidad para fusionar esas influencias con su propio estilo les ha permitido desarrollar un sonido que se siente fresco y contemporáneo. Si bien las influencias del synth-pop y el dream pop son evidentes, el enfoque de Marble Raft nunca se limita a un solo género, y su música continúa evolucionando, siempre en busca de nuevas formas de expresar sus emociones a través del sonido.

Con el lanzamiento de su nuevo material y el anuncio de su próximo álbum, Dear Infrastructure, previsto para la primavera de 2025, Marble Raft sigue consolidándose como uno de los dúos más emocionantes de la escena indie pop actual.

Altpop/Dream Pop/Dreamy/Etereo/Lo Mejor de la Semana/Nuevas Voces Femeninas

Emmrose y su “New Era”: Una Reflexión Sonora sobre el Cambio y la Resiliencia

By Oleada Indie / noviembre 29, 2024

La cantante y compositora Emmrose, una de las artistas más prometedoras del panorama indie, lanza su nuevo sencillo “New Era”. A sus 20 años, Emmrose ha logrado destacar por su enfoque profundo en sus composiciones, fusionando géneros como el Indie Pop y el Dream Pop con una sensibilidad emocional palpable. “New Era” se presenta como una canción que sumergiendo al oyente en un paisaje sonoro oscuro y minimalista que, sin embargo, mantiene una extraña belleza en su esencia.

En esta ocasión, Emmrose se unió nuevamente al productor y músico Richard Orofino (Sex Week), quien ya había colaborado con ella en el éxito “Electric Nights”. La colaboración entre ambos fue clave para la creación de un sonido crudo y envolvente, en el que la guitarra barítono de Orofino juega un papel crucial, aportando una base sólida y firme que se ve complementada por sintetizadores distorsionados y glitchy que crean una atmósfera inquietante.

Emmrose explica que su intención era que la canción tuviera una estructura corta, tensa y desconcertante. La artista menciona:

“Quería que la canción fuera corta y tensa. Soñadora y desconcertante. Richard hizo este sintetizador súper salvaje, sonaba como una máquina oxidada y rota. Tuve que girar una perilla de distorsión mientras escribía la parte, y eso fue tan muy divertido.”

Este proceso de experimentar con los efectos de distorsión y la manipulación directa del sonido, le dio a la canción una calidad única que captura la sensación de desmoronamiento y caos, pero también de resiliencia.

“New Era” es una reflexión sobre el momento histórico y personal que atraviesa Emmrose. La canción captura el sentimiento de que las cosas se están desmoronando, no solo en el ámbito personal de la cantante, sino también en un contexto más amplio, especialmente en la comunidad artística. Esta sensación de crisis se manifiesta de forma cinematográfica a lo largo de la canción, que lleva al oyente a un estado de incertidumbre, como si estuviera atrapado en una pesadilla surrealista. A pesar de ello, la canción también propone una solución: la esperanza. Como afirma Emmrose,

“Lo único que podemos hacer es aferrarnos a la esperanza al final. No hay otra opción.” La canción, entonces, no se deja vencer por el caos, sino que propone una forma de atravesarlo con la intención de seguir adelante.

Dream Pop/Indie Pop/Lo Mejor de la Semana

Mirrorball: El Duo de Dream Pop que Trae la Magia de California al Mundo

By Oleada Indie / noviembre 29, 2024

Mirrorball es un dúo de dream pop proveniente del soleado sur de California, formado por la cantante y compositora Alexandra Johnstone y el compositor Scott Watson. Desde su formación en 2019, este dúo ha capturado la esencia de la costa oeste con su sonido único, envolvente y lleno de nostalgia.

La música de Mirrorball es como una brisa suave en una tarde californiana: relajada, nostálgica, pero siempre fresca. Con influencias claras del synth-pop de los años 80, su estilo ha sido descrito como una mezcla de los ecos de Fleetwood Mac en su época de Rumors y la psicodelia melódica de Broadcast. Sin embargo, Mirrorball no se limita a una simple imitación de esos sonidos; lo transforma en algo propio, con una atmósfera moderna y luminosa que te envuelve desde el primer acorde.

Uno de los lanzamientos más recientes de Mirrorball es el sencillo “Condo Pond”, perfecta para aquellos momentos de reflexión o simplemente para acompañar una caminata tranquila por las calles vacías. Con una melodía sintética que recuerda a las producciones de Blondie en su faceta más experimental y la ligereza de bandas contemporáneas como Architecture in Helsinki, “Condo Pond” crea una atmósfera onírica y melancólica que invita a sumergirse en los recuerdos de la juventud, esos momentos despreocupados cuando todo parecía más sencillo.

La letra de la canción hace una exploración de esos “espacios intermedios”, como el título sugiere, un homenaje a los lugares olvidados de nuestras ciudades, como los condominios vacíos y los centros comerciales desiertos, donde el paso del tiempo se siente más marcado. Con un estilo vaporoso y lleno de nostalgia, el tema refleja la sensación de perderse en esos momentos a medio recordar, esos que nunca se olvidan del todo.

Uno de los elementos que define el sonido de Mirrorball es la voz de Alexandra Johnstone. Su canto, etéreo y cargado de reverberación, tiene la capacidad de sumergir al oyente en un estado de ensoñación. Las capas vocales que utiliza añaden una dimensión extra a cada tema, reforzando la sensación de estar flotando en un mar de recuerdos. Esta cualidad vocal convierte a Mirrorball en una banda clave dentro del dream pop, un género que se caracteriza precisamente por esa capacidad de crear un paisaje sonoro donde la melodía y la emoción se fusionan en una experiencia única.

Si eres fan de artistas como Weyes Blood, TOPS, Men I Trust o incluso el sonido suave y melódico de Fleetwood Mac, no puedes perderte lo que Mirrorball tiene preparado para el futuro. Con su capacidad para fusionar lo mejor de la música retro con una vibra fresca y moderna, Mirrorball es una propuesta irresistible para los amantes del indie y el dream pop.

Altpop/Dream Pop/Nuevo Pop/Orquestal

St. Lucia: El Renacer del Pop Orquestal en “Pie In The Sky”

By Oleada Indie / noviembre 29, 2024

St. Lucia es el proyecto musical del dúo de esposos Jean-Philip Grobler y Patti Beranek, que ha sabido ganarse un lugar en la escena del pop alternativo. Originarios de Sudáfrica y Alemania, respectivamente, la pareja ha creado un sonido único que fusiona sintetizadores brillantes, melodías envolventes y una energía vibrante. A lo largo de los años, St. Lucia ha mantenido su esencia, mientras expande sus horizontes sonoros y explora nuevos territorios creativos.

El primer álbum de St. Lucia, When The Night, los catapultó a la fama internacional. Con una propuesta fresca que evocaba a la música pop de los años 80, el disco presentó éxitos como “Elevate”, “All Eyes On You” y “Closer Than This”. La capacidad del dúo para combinar sonidos nostálgicos con una producción moderna los convirtió en una de las propuestas más emocionantes del momento, logrando entrar en el Billboard Top 200.

En 2024, St. Lucia anunció el lanzamiento de su quinto álbum de estudio, Fata Morgana: Dawn, previsto para el 14 de marzo de 2025. Este nuevo capítulo promete llevar al grupo a nuevas alturas, con una propuesta sonora que explora las raíces del pop psicodélico de los años 60 y 70, el dance pre-80s de la escena punk de Nueva York y las composiciones cinematográficas de grandes bandas sonoras.

El primer sencillo de este álbum, “Pie In The Sky”, es una mezcla de pop orquestal, con influencias claras de artistas como ELO, ABBA, David Bowie y Kate Bush. Jean-Philip Grobler explicó que el tema fue inspirado por esa sensación de “abrir las puertas del cielo”, invitando a los oyentes a sumergirse en un mundo lleno de esperanza, posibilidades y aventuras. “Pie In The Sky” es un himno épico, respaldado por cuerdas, coros angelicales de Aly & AJ y la participación de Mark Foster de Foster The People, quien toca las campanas tubulares de manera celestial.

El videoclip de “Pie In The Sky”, dirigido junto al colaborador Xander Ferreira y el artista de IA Pierre Zandrowicz, es una obra de arte visual, inspirada en los surrealistas Alejandro Jodorowski y Salvador Dalí. Filtrado en paisajes oníricos y utilizando la mezcla de mundos reales y digitales, el video refuerza la atmósfera fantástica y trascendental de la canción.

A lo largo de su carrera, St. Lucia ha sido una banda que no teme experimentar y arriesgarse con nuevos sonidos. Su capacidad para fusionar géneros, su amor por la música épica y su búsqueda constante de una mayor profundidad emocional en sus composiciones les ha valido el reconocimiento de críticos y fans por igual. Jean-Philip Grobler ha declarado en diversas entrevistas que su música busca transmitir un mensaje positivo y esperanzador, especialmente en tiempos inciertos. Para él, la música tiene el poder de hacer que la gente se sienta viva, a pesar de las adversidades del mundo.

Dream Pop/Dreamy/Etereo/Indie Pop/Lo Mejor de la Semana/Nuevos Sonidos

Emily’s Dance” y Más: Roller Derby Conquista con su Sonido Místico

By Oleada Indie / noviembre 29, 2024

Roller Derby, el dúo de dream pop originario de Hamburgo, ha logrado conquistar el panorama musical europeo con su estilo que fusiona la nostalgia de los años 80 con un sonido lleno de atmósferas etéreas.

El sonido de Roller Derby es fácilmente reconocible por su mezcla perfecta de guitarras suaves y sintetizadores brillantes, envueltos en las dulces y etéreas voces de Meyer. Sus influencias son variadas y abarcan desde la música de los años 60 y 80 hasta artistas más actuales como Angel Olsen, Alvvays o Beach House. La combinación de estos elementos crea un paisaje sonoro que es tanto nostálgico como fresco, evocando un sentimiento de anhelo y esperanza a través de cada acorde.

Las composiciones del dúo están marcadas por un equilibrio sutil entre la melancolía y la vitalidad. En sus canciones, la nostalgia se encuentra con la modernidad, creando un sonido único que atrae tanto a los amantes del dream pop como a los que buscan algo más experimental dentro de la música indie.

Después de varios sencillos que han demostrado su talento y creatividad, Roller Derby finalmente anunciará su esperado álbum debut, When The Night Comes, que se lanzará el 28 de febrero de 2025. Este álbum ha sido producido por Moses Schneider, conocido por su trabajo con bandas como Pixies y Tocotronic, y promete ser un hito en la carrera del dúo.

El álbum incluirá canciones que exploran temáticas de cambio, aceptación y la constante búsqueda de la belleza en medio del caos. Temas como “Dreams”, “Silver Jet” y “Ready to Forget” ya han mostrado una evolución en su sonido, fusionando más elementos de indie pop con toques de rock alternativo y sintéticos. Cada lanzamiento es un paso más hacia una propuesta musical cada vez más madura y envolvente.

El trabajo visual de Roller Derby complementa perfectamente su música. Sus videoclips, como el de “Emily’s Dance” (2024), creado por el animador Johannes Walenta, son una extensión de su universo sonoro. El video para “Emily’s Dance” ofrece una representación visual de la canción, mostrando el contraste entre la seguridad de un espacio íntimo y la inmensidad del universo.

Con el lanzamiento de When The Night Comes a la vista, Roller Derby continúa ganando atención en todo el mundo. En 2025, la banda se embarcará en su primera gira por el Reino Unido en mayo, lo que les permitirá acercarse aún más a sus seguidores internacionales.

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Fake Dad: El Dúo Indie que Rompe Barreras con Sus Personajes Reinventados

By Oleada Indie / noviembre 29, 2024

Fake Dad es un dúo de rock indie con toques de dream pop originario de Los Ángeles, formado por Andrea de Varona y Josh Ford. Desde su formación en 2020, cuando se conocieron en una fiesta universitaria en el East Village de Nueva York, este par de artistas ha cultivado un sonido único que fusiona el rock alternativo de los 90, con sintetizadores vibrantes y una energía fresca.

Sus composiciones, que nacen en su apartamento, capturan momentos expansivos y vulnerables, explorando emociones a través de letras introspectivas y sonidos envolventes.

En el último año, Fake Dad se ha adentrado en un tema fascinante: los “posers” de la música rock. ¿Qué sucede cuando un artista se presenta al mundo bajo una identidad construida, a veces ficticia? Para Andrea y Josh, la idea de jugar con personajes y alter egos es fundamental en la historia del rock. Artistas como PJ Harvey, Tina Turner, Stevie Nicks, David Bowie y LCD Soundsystem han usado la creación de una imagen poderosa y reinventada para transmitir verdades sobre ellos mismos y cuestionar las expectativas de la sociedad. En ese sentido, Fake Dad ha adoptado esta misma filosofía, sumergiéndose en la libertad de escribir música a través de la lente de un personaje, lo que les ha permitido explorar más profundamente su identidad y sus experiencias.

El EP que próximamente lanzarán, titulado Holly Wholesome and the Slut Machine, se sumerge en este concepto de personajes y mundos inventados. A lo largo de este proyecto, Andrea y Josh crean un universo imaginario poblado por payasos enfadados que friegan hamburguesas, caballeros enamorados y demonios de parálisis del sueño enmascarados. Sin embargo, detrás de estos personajes surrealistas, los miembros de Fake Dad están desentrañando aspectos muy reales de sus vidas, explorando temas como sus identidades y sexualidades dentro de su relación romántica y la vida cotidiana.

Uno de los sencillos más destacados de este EP es “ON/OFF”, una pieza de grunge que destila rabia contenida y frustración sexual. En la canción, de Varona describe la experiencia de sentirse emocionalmente abrumada y sobreestimulada, atravesando un momento de agotamiento, con versos que reflejan esa sensación de estar atrapada en un ciclo de cansancio y desconexión. La canción se sumerge en el estrés moderno de la sobrecarga de información y la ansiedad derivada de las pantallas, el scrolling infinito y las notificaciones constantes, y pide un respiro, un apagón temporal para poder “encender” nuevamente la conexión emocional con uno mismo.

Andrea explica que “ON/OFF” nació en un momento en el que no podía salir de la cama ni dejar su apartamento.

“El tiempo realmente se derrite. Cuando ignoras tus sentimientos por tanto tiempo, te conviertes en alguien abrumado y desconectado de ellos: tanto insensible como sobreactivado”, comenta.

La canción es una súplica por volver a sentir, por recuperar el control y desconectarse de un mundo saturado de estímulos constantes.

El proyecto Holly Wholesome and the Slut Machine es solo el comienzo de una nueva era para Fake Dad, un momento de reinvención artística que promete llevarlos a nuevas alturas.