El trío colombiano BALTHVS presenta “Sunday Forecast”, un sencillo instrumental que combina funk psicodélico, guitarras envolventes y texturas ambientales en una composición de espíritu soñador y carácter celestial. Con una propuesta que invita a desconectar del ruido cotidiano, la banda construye un paisaje sonoro cálido e hipnótico que convierte la relajación en una experiencia de exploración musical.
“Sunday Forecast” establece una atmósfera envolvente mediante delicados sonidos de percusión y texturas psicodélicas que aportan un matiz exótico a la composición. Las capas instrumentales se desarrollan progresivamente, mientras las guitarras introducen melodías fluidas que evolucionan hacia acordes más intensos y expresivos. Este crecimiento gradual aporta profundidad emocional sin romper la sensación de serenidad que define al sencillo.
A medida que avanza la pieza, BALTHVS se adentra en una combinación de grooves nebulosos, ritmos suaves y armonías que parecen flotar en el espacio. La instrumentación adquiere un carácter casi cinematográfico, creando imágenes sonoras que evocan paisajes difusos, tardes tranquilas y momentos en los que el tiempo parece transcurrir más despacio. En lugar de apoyarse en cambios abruptos, la canción permite que sus elementos se entrelacen de manera orgánica, favoreciendo una escucha inmersiva.
Uno de los aspectos más atractivos de “Sunday Forecast” es su equilibrio entre la sensibilidad ambiental y la identidad psicodélica de la banda. Aunque el tema apuesta por un enfoque especialmente relajado, conserva el sentido rítmico y la riqueza instrumental característicos de BALTHVS. El resultado es una composición que funciona tanto como acompañamiento para momentos de descanso e introspección como una invitación a descubrir los pequeños detalles que emergen en cada escucha.
Formado en Colombia en diciembre de 2019, BALTHVS ha desarrollado una identidad musical que cruza fronteras entre el funk, la psicodelia, el disco, el house, el dub reggae, el surf rock y la cumbia. Su enfoque ecléctico, sumado a una marcada inclinación por la improvisación y la experimentación, ha permitido al grupo construir un sonido propio y conectar con audiencias internacionales. Dentro de ese universo creativo, “Sunday Forecast” destaca por llevar su exploración instrumental hacia un territorio más contemplativo y atmosférico.
Nacida en Los Ángeles y marcada por sus raíces persas, la artista Asal Hazel transita entre paisajes sonoros de carácter onírico y texturas afiladas. Su propuesta fusiona influencias del shoegaze R&B, el soul alternativo y el indie psicodélico en una amalgama envolvente. Tras colaborar con figuras del sello Stones Throw como Mndsgn y Knxwledge, la creadora ha consolidado una trayectoria fundamentada en la experimentación. Su desarrollo artístico también incluye trabajos junto a nombres como Zacari y Pink Siifu, manteniendo una constante exploración estética.
Este recorrido encuentra continuidad en su más reciente producción discográfica titulada Blushing, donde la compositora profundiza en su identidad sonora. El álbum funciona como un espacio donde la intimidad y la atmósfera se difuminan de manera calculada y coherente. Lejos de buscar estridencias innecesarias, la instrumentación prioriza la contención y el equilibrio en cada uno de sus pasajes. De este modo, la estructura general del disco mantiene una línea sobria y bien articulada.
Dentro de este material destaca la canción You’re out of it, Again!, construida sobre un ritmo lento y pausado. La pieza entrelaza elementos de rock ligero, indie pop y dream pop dentro de un mismo entorno armónico. Su producción destaca por el rigor técnico, logrando que cada instrumento ocupe el lugar preciso sin saturar el resultado. Esta combinación instrumental genera una base sólida que sostiene el desarrollo completo del tema.
El apartado vocal sobresale por un trabajo minucioso que exhibe un timbre sumamente agradable y una técnica depurada. La voz se presenta con un matiz suave y airoso que se integra de manera armónica con la instrumentación del sencillo. Sin recurrir a artificios excesivos, la interpretación fluye con naturalidad a lo largo de toda la composición. Con esta entrega, Asal Hazel consolida una propuesta coherente dentro de la escena contemporánea.
Desde su estudio de grabación en casa, ubicado en la ciudad de Mississauga, Canadá, Oleyada está construyendo un universo musical propio: íntimo, nostálgico y, al mismo tiempo, sorprendentemente fresco. Su propuesta se mueve entre el indie-pop, las texturas lo-fi y una sensibilidad cercana al rock, creando canciones que combinan melodías pegadizas con atmósferas soñadoras.
Detrás de este proyecto se encuentra también Mathew Fantini, su esposo y compañero creativo, con quien Oleyada trabaja en la producción de su música. Juntos han desarrollado un sonido que deja espacio para la delicadeza de su voz: suave, aérea y envolvente, pero capaz de sostener canciones con una identidad melódica muy marcada. La identidad de Oleyada está profundamente ligada a sus raíces. Como canadiense de segunda generación e hija de padres uruguayos, incorpora tanto el inglés como el español en su trabajo artístico. Esta dualidad no aparece como un simple recurso estilístico, sino como una parte natural de su manera de contar historias y relacionarse con su propia identidad cultural.
Su música ha aparecido en producciones de televisión y streaming, incluyendo las series canadienses Strays y Workin’ Moms, además de Hudson & Rex y The Lake, reflejando su capacidad para crear ambientes y emociones que funcionan más allá de la escucha individual. Sus canciones pueden acompañar una escena, establecer un estado de ánimo o reforzar un momento narrativo sin perder jamás su propia identidad.
El Track x Track de “Oleyada”
“all about you”
En su último lanzamiento doble, la artista presenta “all about you”, una canción que nos transporta de inmediato a este mundo acústico y dreamy. Su estudio de dormitorio se convierte en un laboratorio creativo donde lo retro encuentra nuevas formas de expresarse a través de la producción lo-fi. Con un color de voz delicado y suave, Oleyada apuesta por una atmósfera romántica, casi inocente, colorida, donde la melodía y la narración son protagonistas. Entre voces etéreas, sintetizadores retro dulces y letras que combinan juego y profundidad, su música construye un espacio propio donde lo íntimo se convierte en algo universal.
Específicamente en esta canción, la combinación de texturas orgánicas con una atmósfera de ensueño entre capas de amor recuerda a artistas como Clairo o Sales, llevándonos a un mundo visual que se siente como un sueño emocional.
“the sky”
Por su parte, en “the sky”, el segundo tema de este sencillo doble, la atmósfera mantiene ese mismo mundo con una sensación nostálgica y ligeramente triste. Este track apuesta por una voz más protagonicamente emocional y arreglos que sirven como una cama sonora que hace sumergirnos por completo en la visión de la artista. El resultado es una pieza luminosa y envolvente que transmite libertad, introspección y melancolía.
En definitiva, Oleyada representa a una nueva generación de artistas independientes que transforman lo íntimo en un mundo personal habitable. Visualmente, el proyecto podría recordarnos a The Marías o Magdalena Bay, mientras que en lo musical apuesta por un toque acústico y dreamy que le otorga una voz propia dentro del panorama musical.
Desde su dormitorio Oleyada, combina sus raíces uruguayas, el inglés y el español con un indie-pop soñador, cálido y lleno de personalidad. Su voz etérea, sus melodías envolventes y una sensibilidad que conecta nostalgia y modernidad hacen de su propuesta una presencia singular dentro de la escena musical canadiense e internacional. Con cada canción, Oleyada continúa demostrando que las historias más personales también pueden encontrar un profundo eco mucho más allá de sus propias fronteras.” por que es muy parecido al parrafo del inicio
Entre lo místico, lo onírico y esa melancolía que puede esconderse detrás de una sonrisa, Grace Smiles ha construido una identidad artística donde las emociones parecen existir en un espacio propio. Originaria del área de Chicago y actualmente radicada en Nashville, la artista se mueve entre el indie alternative pop y el rock, creando canciones de atmósferas etéreas, melodías envolventes y letras que convierten experiencias personales en pequeñas exploraciones emocionales. “Past Life” y “Not My Problem” representan dos momentos especialmente interesantes de ese universo, donde la introspección, la memoria, las relaciones y la búsqueda del propio valor adquieren una dimensión casi mágica.
Ambas canciones forman parte de Fortune Teller, álbum de 11 temas de Grace Smiles que se mueve dentro del territorio del pop/rock alternativo y que incluye también composiciones como “Fortune Teller”, “Angel”, “Bewitched”, “The Inner Void”, “Stay 11:11”, “Afterlife” y “Resurrect”. El propio concepto del álbum parece reforzar la estética que acompaña a Grace: una combinación de misterio, espiritualidad, fantasía y emociones profundamente humanas.
Con un título que apunta directamente hacia el pasado, “Past Life” encaja de manera natural dentro del imaginario de Grace Smiles. La canción forma parte de Fortune Teller como el cierre del álbum, un detalle que permite leerla como una especie de punto final dentro de este recorrido por diferentes estados emocionales.
En el universo de Grace, conceptos como vidas pasadas, sueños, señales y dimensiones emocionales parecen funcionar menos como respuestas concretas y más como puertas hacia la imaginación. “Past Life” puede situarse precisamente en ese territorio: el lugar donde el pasado deja de ser únicamente un recuerdo y se convierte en una pregunta sobre quiénes fuimos, qué dejamos atrás y qué partes de nosotros continúan acompañándonos.
Esta sensibilidad conecta con una de las características esenciales de su propuesta: la capacidad de transformar lo íntimo en algo fantástico. Grace no necesita abandonar la realidad para encontrar misterio; basta con observar las emociones desde otro ángulo. Sus canciones pueden sentirse como pequeñas ventanas hacia recuerdos, pensamientos y sensaciones que normalmente permanecen ocultos.
Si “Past Life” mira hacia atrás, “Not My Problem” encuentra su fuerza en el presente y en la decisión de dejar algo atrás. La canción comienza con una voz soul e intrigante que poco a poco se expande hacia guitarras vibrantes, creando una atmósfera de rock soñador. La producción acompaña una letra profundamente introspectiva, especialmente cuando Grace admite: “I like the way I made you in my head”.
Hay canciones que buscan llamar la atención desde el primer segundo y otras que prefieren entrar lentamente, casi sin avisar, hasta crear un espacio del que resulta difícil salir. When Morning Comes Around, el nuevo sencillo de Soft Siren, pertenece a esta segunda categoría. La canción se desliza entre el dream pop y el indie rock con una delicadeza particular, construyendo una atmósfera nocturna donde la voz, las guitarras y la batería parecen moverse al mismo ritmo de un sueño.
Desde sus primeros compases, Soft Siren apuesta por la suavidad. La instrumentación combina percusiones precisas con riffs eléctricos y pequeños matices acústicos, creando una base que mantiene el movimiento sin romper la sensación de calma. La guitarra adquiere especial protagonismo conforme avanza la canción, mientras la batería marca el pulso con golpes contenidos pero firmes.
Sin embargo, es la voz de Jacqueline Lee uno de los elementos que termina de definir la identidad del tema. Su interpretación es delicada, aterciopelada y emocional, capaz de transmitir una sensación de cercanía incluso dentro de una producción amplia y envolvente. La voz no parece competir con los instrumentos; por el contrario, se integra en ellos y funciona como el hilo que conduce la canción.
La historia detrás de When Morning Comes Around gira alrededor de dos personas que intentan conservar un vínculo mientras las circunstancias comienzan a demostrarles que permanecer juntos puede no ser posible. Esa tensión entre aferrarse y dejar ir se convierte en el corazón emocional de la composición.
El título adquiere así un significado particular. La noche funciona como ese momento suspendido en el que todavía existe la posibilidad de permanecer juntos, mientras que la llegada de la mañana representa inevitablemente el regreso a la realidad. Soft Siren aprovecha esa imagen para construir una canción sobre la fragilidad de los momentos que sabemos que no pueden durar para siempre. La melancolía, por lo tanto, no aparece como un elemento puramente triste. Hay también deseo, intimidad y una especie de fascinación por prolongar el instante. La canción parece decir que, aunque el final sea inevitable, todavía existe valor en aferrarse a ese momento antes de que llegue la mañana.
En When Morning Comes Around, esa identidad aparece de manera especialmente clara. Las guitarras aportan textura, las percusiones mantienen un pulso casi hipnótico y las armonías vocales amplían el espacio de la canción. Todo está diseñado para crear una experiencia envolvente sin sacrificar la melodía.
El músico canadiense James Tonic presenta su nueva propuesta solista, Us Two, una balada de dream pop melancólica disponible en plataformas digitales. La pieza se construye a partir de armonías vocales dispuestas en capas, cálidas texturas de sintetizadores y sutiles arreglos de cuerdas. Estos elementos convergen en una producción de carácter atmosférico que busca equilibrar la dimensión romántica de la composición con una sensibilidad marcadamente melancólica.
El sencillo da continuidad al trabajo previo del artista originario de Montreal, quien anteriormente publicó los temas Who’s Going Down y How It Goes, además de los álbumes Safety y Safety II. A lo largo de siete producciones discográficas, Tonic ha desarrollado una propuesta caracterizada por composiciones atmosféricas, arreglos envolventes y matices introspectivos.
En términos de producción, el sencillo combina recursos de instrumentación orgánica con síntesis electrónica. Las capas vocales funcionan como uno de los principales elementos estructurales de la pieza, mientras las cuerdas aportan profundidad y dimensión sin sobrecargar el conjunto instrumental.
Con Us Two, James Tonic vincula el pop y el dream pop, conservando algunos de los rasgos que han definido sus trabajos anteriores mientras explora una aproximación más íntima y contemplativa.
Kid Tigrrr aborda el final de una relación desde una perspectiva personal en “Crusher”, canción que cierra su segundo álbum, Pantalaimon. El tema combina una escritura directa y explícita con elementos sonoros asociados a la propuesta de la artista, especialmente las guitarras ejecutadas mediante fingerpicking y las voces etéreas que se desarrollan sobre una atmósfera cercana al Shoegaze y el Dream Pop. Frente al carácter más experimental de otros trabajos de Kid Tigrrr, “Crusher” apuesta por una narración más literal, construida a partir de recuerdos y situaciones vinculadas a una relación que no terminó como esperaba.
La letra no se limita a señalar las acciones de la otra persona, sino que incorpora una mirada autocrítica sobre el propio comportamiento de la artista. El sentido del humor aparece como una forma de observar sus actitudes con cierta distancia, introduciendo un contraste entre la melancolía de la historia y una perspectiva consciente de sus propias contradicciones. Esta combinación permite que la canción se mueva entre la decepción, la vulnerabilidad y una cierta ligereza.
Dentro de Pantalaimon, “Crusher” funciona como un cierre que reúne varios elementos de la identidad musical de Kid Tigrrr, pero los sitúa al servicio de una composición más concreta y narrativa. La delicadeza de las guitarras y las voces contrasta con una letra menos abstracta, mientras que la mezcla de tristeza, ironía y autoconciencia ofrece una conclusión marcada por la reflexión sobre una experiencia sentimental que llegó a su fin.
Desde la periferia industrial de Waterloo, Ontario, Awake & Dreaming llega con una propuesta de alt-rock canadiense. Integrada por Sasha Kristoff (voz y teclados), Stefan Schneider (guitarra), Phil Lee (bajo) y Ryan Dugal (batería), la agrupación ha construido una identidad sonora definida por la dualidad: un viaje constante entre la intimidad del piano, atmósferas electrónicas y explosiones de guitarras de escala monumental. El estilo de la banda suele incorporar capas sintéticas, ritmos y arreglos vocales dramáticos, citando frecuentemente influencias estilísticas y dinámicas vinculadas al alt-rock de las últimas dos décadas.
El álbum debut de la banda, titulado Inevitable, está programado para su lanzamiento el 16 de octubre de 2026, acompañado de una edición en vinilo y una gira por 10 ciudades en Ontario y Quebec. Con una duración total de 48 minutos y 36 segundos distribuida en 10 canciones, el álbum explora conceptualmente la experiencia de mantener la sensibilidad humana dentro de un entorno dominado por la sobreestimulación tecnológica y la apatía social.
El Track x Track de Inevitable
1. “I U Me” El disco abre con una declaración de energía cruda y directa, con bajo distorsionado la canción establece de inmediato la tensión del álbum mediante una instrumentación delicada con el uso del piano y una voz aterciopelada, mientras el coro explota en un estribillo emocional y agresivo. A nivel de producción, la mezcla limpia y robusta de Jay Dufour resalta la fuerza física de los instrumentos, logrando un sonido de gran alcance que marca el punto de partida del álbum: el momento en que el individuo, atrapado en la inercia de la máquina cotidiana, despierta a través de la tensión y el conflicto para reclamar su propia presencia.
2. “Rewire”
Segunda pista del álbum que profundiza en la necesidad de reprogramar los hábitos y esquemas mentales frente al adormecimiento cotidiano. Con un ritmo impulsivo y sintético, la canción construye un puente hacia la transformación, alternando versos melódicos con pasajes de marcada carga rítmica. Lo curioso es que las guitarras tienen un estilo particular de géneros como el Krautrock, pero llevándolo a otro lugar propio al tener una voz tan melódica y dulce, la canción tiene esa agresividad que propone la banda a la vez que las melodías nos remontan a bandas como king gizzard and the lizard wizard
3. “Old Ghosts” Sumergiéndose en una atmósfera de minimalismo evocador, esta pista reduce la instrumentación a sus elementos más íntimos. La combinación de e piano y sombras electrónicas genera una sensación de espacio y nostalgia, explorando el peso del pasado y las memorias no resueltas. La canción nos lleva completamente a un ambiente completamente diferente de los tracks anteriores, dándole un espacio mayor a la parte vocal y su interpretación,
4. “Antidote”
Corte cargado de suspenso y sensualidad oscura. La pista comienza con una estructura delicada de sintetizadores y una sensación de ciencia ficción, a través de arreglos de piano y un bajo que sostiene el movimiento de la canción, mientras el track va evolucionando para culminar en un clímax dramático sostenido por la afirmación de supervivencia “I’m still breathing”.
5. “Cold Shoulder”
“Cold Shoulder” nos presenta un sonido que juega con las texturas de la guitarra para crear disonancias que generan esta tensión incomoda y misteriosa, este es el punto de inflexión del disco donde la frustración se convierte en resistencia colectiva. A través de versos contenidos el tema explota en un estribillo de escala bailable diseñado para el canto grupal, coronado por la consigna rebelde “I’m gonna dance in the street while it’s burning”.
6. “Underwater”
Con una respiración inicial, el sencillo principal del álbum funciona como una sesión de introspección nocturna sobre el desapego y la carga emocional. Con una sonoridad melancólica, la canción utiliza la metáfora de la profundidad marina para abordar la urgencia de soltar lo que nos arrastra hacia el fondo antes de quedar completamente aislados. Con una interpretación tremendamente emocional el track toma elementos del Dream Pop combinándolo con un piano protagonista y unas líneas melódicas que te hacen conectar con la letra y melodias vocales que podrian hacer remembranza a Cocteau Twins.
7. “Lights Down Low”
Una composición que desacelera el ritmo para explorar el lado más acústico y cinemático de la banda. Apoyada en dinámicas vocales sutiles, la canción recrea la sensación de intimidad y refugio cuando el mundo exterior se apaga, mientras todo el track va creciendo para terminar con una explosión de toda la banda dándole paso a unas palabras finales con el ritmo acústico de la guitarra.
8. “Can’t Sleep”
Pista centrada en el insomnio, el sobre pensamiento y la sobreestimulación de la vida moderna. La canción nos recibe con un sonido de gran piano, el cual ha sido un elemento recurrente en el alum y creo que es de lo que mas le aporta para tener su propio sonido a la banda, ya que combina Dream Pop, Rock y texturas atmosféricas, pero hasta ahora el piano y la voz han sido una gran base para marcar un estilo propio de la banda, la instrumentación rítmica y los arreglos marcados transmiten la inquietud de una mente en vela que busca claridad en medio de la noche, con una gran melodía vocal en los versos que poco a poco va siendo acompañada de elementos como guitarras acústicas y coros suaves el disco nos entrega una balada piano que para nuestro gusto es uno de los mejores tracks del disco.
9. “Faceless”
Con guitarras cortantes y una sección rítmica acelerada, “Faceless” crea un ambiente orquestal , la canción refleja la lucha contra el anonimato y la presión por encajar en moldes preestablecidos, mientras nos lleva por un track que siente epico pasando por un solo explosivo y un final que pudiese sentirse como el cierre de una batalla al combinar elementos como coros, piano y un ritmo acelerado.
10. “Event Horizon” El cierre conceptual del disco representa el punto de no retorno y la catarsis final. La pista evoluciona desde capas atmosféricas progresivas hasta un clímax monumental, concluyendo el viaje del álbum con un sentimiento de asombro, resolución y reencuentro con la humanidad. Lo que nos llama la atención es el uso de estas capas de sintetizadores, que dan un tono contemplativo y a la vez misterioso.
El arco narrativo del álbum explora la necesidad de mantenerse humano en un mundo diseñado para adormecer las emociones. La historia evoluciona desde la alienación de sentirse “parte de la máquina” en la pista de apertura, hasta alcanzar la catarsis y el asombro por lo posible en el tema de cierre. A lo largo de sus sencillos, la banda ha mostrado las distintas facetas que componen esta travesía: El camino hacia el lanzamiento continuará con el estreno del sencillo principal, “Underwater” (18 de septiembre), un diálogo nocturno sobre soltar lo que nos arrastra a las profundidades, seguido por “Rewire” (2 de octubre).
Acompañado por una gira de 10 fechas entre septiembre y octubre por Ontario y Quebec, Awake & Dreaming demuestra que la autenticidad, la precisión técnica y la visión estética pueden abrirse paso sin el respaldo de una gran discográfica. Inevitable no solo representa el debut de una banda en pleno dominio de su arte, sino la afirmación de que el rock alternativo aún puede ser un refugio de esperanza y rebelión.
El dúo londinense atmos bloom, formado por Tilda Gratton y Curtis Paterson, continúa desarrollando su propuesta musical con dos sencillos que adelantan la dirección de su próximo álbum Everythingness: “It’s Enough” y “Closer”. Ambos temas muestran una etapa más reflexiva del proyecto, donde el dream pop, el shoegaze y el indie alternativo sirven como vehículo para explorar emociones relacionadas con el crecimiento personal, las expectativas y la transformación.
La historia de atmos bloom comenzó en Manchester, cuando Tilda y Curtis se conocieron a través de la música durante sus años universitarios. Después de compartir proyectos y desarrollar una conexión creativa, el dúo evolucionó hacia una propuesta propia marcada por influencias del psych-rock, el shoegaze y el pop de guitarras. Con referencias que incluyen a bandas como DIIV, Alvvays, Deerhunter, Broadcast y Ulrika Spacek, su sonido combina atmósferas expansivas con melodías accesibles y una sensibilidad íntima.
En “Closer”, atmos bloom aborda la idea de encontrar paz interior mientras se reconoce que algunas versiones anteriores de uno mismo ya no forman parte del presente. La canción se sitúa en ese punto de transición donde crecer implica aceptar cambios inevitables, dejar atrás ciertas identidades y aprender a convivir con la evolución personal.
El tema construye una atmósfera difusa y envolvente, característica del universo del dúo. Las guitarras crean un paisaje sonoro cercano al shoegaze y al dream pop, generando una sensación entre lo real y lo onírico. La producción apuesta por texturas suaves y una energía contenida que acompaña la idea central de la canción: avanzar sin perder la conexión con aquello que alguna vez fuimos.
“Closer” refleja una mirada contemplativa sobre el paso del tiempo y la búsqueda de equilibrio. Más que presentar el cambio como una pérdida, la canción lo plantea como una parte natural del crecimiento y de la construcción de una nueva identidad.
Por su parte, “It’s Enough” explora una preocupación diferente pero relacionada: la dificultad de sentirse suficiente frente a las expectativas de otras personas. La canción gira alrededor de la tensión entre intentar responder a las imágenes que los demás tienen de nosotros y la necesidad de aceptar nuestra propia realidad.
Musicalmente, el tema combina guitarras cristalinas, una base rítmica dinámica y la voz serena de Tilda Gratton, creando un equilibrio entre energía y vulnerabilidad. La instrumentación mantiene influencias del indie pop atmosférico y el shoegaze, con capas sonoras que aportan profundidad sin perder claridad.
La composición no busca ofrecer una solución definitiva a esa sensación de insuficiencia, sino abrir un espacio para reflexionar sobre ella. atmos bloom transforma una experiencia personal en una emoción compartida: la búsqueda de aprobación, el cansancio de intentar encajar y el proceso de aprender a valorarse desde una perspectiva más propia.
Tanto “Closer” como “It’s Enough” presentan dos caras complementarias del universo de Everythingness. Mientras “Closer” se centra en aceptar las transformaciones internas y las etapas que dejamos atrás, “It’s Enough” aborda la presión externa y la necesidad de liberarse de expectativas imposibles.
A través de una combinación de guitarras atmosféricas, melodías delicadas y letras introspectivas, atmos bloom continúa construyendo una identidad basada en la exploración emocional y la experimentación sonora.
El proyecto mexicano SoulMara presenta “Luz Primavera”, un sencillo que marca una nueva etapa en su camino artístico y que encuentra en el folk pop un espacio para explorar las emociones, la vulnerabilidad y los procesos de transformación personal. La canción se convierte en una reflexión sobre aprender a soltar, sanar heridas y permitir que nuevas etapas comiencen.
Formado a partir de una amistad y una conexión profunda con la música, SoulMara nació en 2020 como un punto de encuentro creativo entre sus integrantes. Con el paso del tiempo, el proyecto evolucionó hasta convertirse en una propuesta enfocada en la creación de canciones originales, donde las experiencias personales y los sentimientos son el centro de su narrativa. Después de presentar sencillos como “Dime”, “Bonito”, “Espuma” y “Dices”, la banda continúa construyendo una identidad basada en la honestidad emocional.
“Luz Primavera” surge como una composición nacida de manera espontánea durante un ensayo, cuando una melodía creada por Ángel encontró conexión con la sensibilidad lírica de Almara. A partir de ese encuentro, la canción tomó forma como un retrato del momento en que una persona decide dejar atrás aquello que duele y comenzar un proceso de reconstrucción interna.
La canción transita entre la fragilidad y la fuerza. La interpretación vocal de Almara guía al oyente por un recorrido emocional que inicia desde la introspección y la vulnerabilidad, para después abrirse hacia una sensación de renovación y esperanza. Con una instrumentación cálida y una atmósfera cercana al folk pop, “Luz Primavera” encuentra belleza en los momentos difíciles y recuerda que los cambios también pueden convertirse en nuevos comienzos.
El tema fue construido colectivamente por todos los integrantes de SoulMara: Almara en voz y letra, Daniel en bajo, Omar en batería, Ángel en guitarra y Alejandro (Pali) en teclados. La producción estuvo a cargo de Eli Ponce Gastélum, baterista de Ramona, mientras que la mezcla fue realizada por Juan Carlos Morales Padilla, logrando una producción que acompaña la intención emocional de la canción.
Con influencias que conectan a artistas como Aurora, The Last Dinner Party, Silvana Estrada, Mon Laferte, Zoé y Juan Gabriel, SoulMara desarrolla un sonido donde conviven la sensibilidad del pop, la riqueza de la música mexicana y una profunda necesidad de contar historias reales.
