Altpop

Vitesse X – Memori: Un viaje electrónico entre vida y trascendencia

Vitesse X – Memori: Un viaje electrónico entre vida y trascendencia

La artista neoyorquina Vitesse X regresa con su nuevo sencillo “Memori”, tras el álbum This Infinite (2024), la canción se despliega como un viaje sonoro que flota entre lo tangible y lo etéreo, explorando los límites entre la vida y el más allá, y la búsqueda de trascendencia personal.

Musicalmente, “Memori” combina breakbeats suaves, sintetizadores atmosféricos y vocales etéreos que parecen deslizarse sobre la producción con ligereza. La pista logra un equilibrio perfecto entre lo introspectivo y lo vibrante, evocando la nostalgia de las raves y la electrónica de los años 90, pero con un enfoque moderno y cinematográfico. La repetición de sus motivos musicales no es monótona: se convierte en un ritual hipnótico que invita al oyente a soltar el ego, dejar atrás el miedo y experimentar la música como un espacio de introspección y transformación.



El videoclip, dirigido por Jordan Stern y Chris Burden, amplía el universo visual de Vitesse X, reforzando la sensación de flotar en un espacio suspendido entre mundos, donde cada sonido y cada imagen evocan introspección y misterio. “Memori” no solo es un sencillo; es una experiencia sensorial que refleja la capacidad de Vitesse X de fusionar emoción, innovación y narrativa musical en un mismo plano.

Con este lanzamiento, Vitesse X explora emociones profundas mientras se deja envolver por atmósferas envolventes, delicadas y poderosamente hipnóticas. “Memori” es, en definitiva, un recordatorio de su talento para transformar la música electrónica en un viaje introspectivo y trascendental.


“Natural High”: El Electroshock Pop de THYRA que Despierta Todos los Sentidos

“Natural High”: El Electroshock Pop de THYRA que Despierta Todos los Sentidos

Después de conquistar la atención internacional con su trabajo visual, la artista danesa Thyra Hilden, conocida simplemente como THYRA en su faceta musical, vuelve a expandir los límites entre arte contemporáneo y pop alternativo con el lanzamiento de su nuevo single “Natural High”.

La canción, una inyección de energía alt-pop comparable a propuestas como Lola Young, captura la esencia que ha convertido a THYRA en una creadora inclasificable: humor, vitalidad y una visión provocadora del placer y la sincronía emocional. “En un contexto erótico, mi hombre nunca me ‘dejaría atrás’. Llegar sincronizados es un win-win”, comenta la artista, explicando que la canción honra esa compenetración desde una perspectiva juguetona y honesta. Para ella, la sincronía no solo es un concepto íntimo, sino una metáfora de cómo el humor, el arte y la vida funcionan mejor cuando ocurren “en el mismo ritmo”.



Musicalmente, “Natural High” despliega un pulso vibrante, una producción radio-ready y un enfoque melódico que se pega a la primera escucha. El lanzamiento llega acompañado de un videoclip creado por la joven artista Lenora Weng, así como una sesión en vivo grabada en 2025 que muestra a THYRA y su banda interpretando siete canciones, incluyendo “Natural High”. Esta estrategia audiovisual refuerza su capacidad de unir mundos: la precisión conceptual de una artista visual formada en la Royal Danish Academy of Fine Arts y la espontaneidad emocional de una música que no teme ser divertida, sensual y libre.

Con un historial que combina intervenciones visuales monumentales y un catálogo musical que suma miles de oyentes, THYRA se posiciona como una figura transversal capaz de moverse con soltura entre museos, playlists y titulares internacionales. “Natural High” es una declaración de energía, sincronía y descaro, un recordatorio de que el arte también puede ser una celebración sin complejos.


Fitasha celebra la química emocional en su nuevo single “Colocón”

Fitasha celebra la química emocional en su nuevo single “Colocón”

La artista independiente madrileña Fitasha continúa con su propuesta musical con el lanzamiento de Colocón, un single que combina hip-hop psicodélico con toques de neo-soul y atmosféricas texturas etéreas. Más que una celebración de un año sin fumar marihuana, la canción habla de un “high” emocional y natural, esa energía que solo ciertas personas pueden provocar, transformando la química y la conexión en música.



Producido por Fitasha, Colocón destaca por su minimalismo y profundidad sonora, con beats flotantes, delays expansivos y una lírica envolvente que invita a vivir una experiencia honesta e inmersiva. El tema explora la sensualidad, la intimidad y la introspección, consolidando la identidad artística de Fitasha como compositora, productora y directora creativa de su propio proyecto.

Este single funciona además como la introducción a su próximo álbum, que promete expandir aún más su exploración de géneros y sonidos, ofreciendo a su comunidad FUNGI GANG una propuesta musical que conecta cuerpo y mente a través de emociones genuinas y paisajes sonoros envolventes. Con Colocón, Fitasha demuestra nuevamente por qué es una de las voces más originales y versátiles de la escena independiente española.


Monochrome y No Love For The Middle Child vulnerabilidad moderna

Monochrome y No Love For The Middle Child vulnerabilidad moderna

No Love For The Middle Child se ha convertido en uno de los nombres destacados de la ola alternativa, nacido en Filadelfia y actualmente radicado en Los Ángeles, este productor, compositor y multiinstrumentista se formó desde muy joven en distintos instrumentos desarrollando una sensibilidad que hoy impulsa su estilo. Su propuesta combina pop, punk/rock y electrónica con una naturalidad que lo ha llevado a consolidarse tanto detrás de escena como en el centro del escenario.



El nuevo sencillo se presenta como un puente entre el indie pop y un pop alternativo más abstracto, con ecos de Mk.gee y Bon Iver sin abandonar la inmediatez radio–friendly. “Monochrome” inicia con sintetizadores sutiles que envuelven al oyente y van tomando cuerpo poco a poco, mientras la batería dibuja un pulso tranquilo y la guitarra añade textura melódica. Sobre esta atmósfera pulsante, la voz introduce un contraste cálido que termina elevándose hacia un estribillo luminoso.

La temática del track es igual de significativa: la llegada de una persona capaz de devolver color a la vida, iluminando la rutina gris y reencuadrando el dolor desde un lugar más suave. Es una canción que habla de ser vistos, de encontrar refugio en otro, y de cómo pequeñas presencias pueden transformar por completo el mundo interior. No Love For The Middle Child convierte esta simple idea en un relato emocional que equilibra vulnerabilidad, esperanza y una producción moderna llena de capas.

“Monochrome” confirma que No Love no solo es uno de los productores más versátiles de su generación, sino también un narrador sonoro con una voz propia.


Ruti: una voz que abraza la vulnerabilidad y redefine el alt-pop

Ruti: una voz que abraza la vulnerabilidad y redefine el alt-pop

Con una sensibilidad poco común y un enfoque artístico en plena evolución, Ruti (they/them) se va consolidado como una de las voces prometedoras dentro de la escena alternativa del Reino Unido. Desde sus primeros lanzamientos, su música ha destacado por un equilibrio casi mágico entre intimidad, experimentación y una honestidad emocional que atraviesa al oyente sin esfuerzo. Ahora, con su segundo EP Maybe I Got It Wrong, Ruti entra en una nueva etapa creativa que no solo expande su sonido, sino que reafirma su identidad artística con más claridad que nunca.

Descrito por ellxs mismxs como “lo más yo que he sido”, este EP funciona como una radiografía emocional: siete temas que exploran el sentido de pertenencia, la familia, las raíces y los miedos que moldean la identidad. Ruti combina elementos de lo-fi, folk, alt-pop y delicadas pinceladas electrónicas, creando un universo sonoro cálido y envolvente donde cada canción opera como una página de un diario personal.



Entre estos temas, “Monster” emerge como una de las piezas más poderosas del proyecto. La canción es un retrato honesto del conflicto interno que surge cuando el amor se vuelve irreconocible y se tiñe de sombras. Con una producción que mezcla guitarras suaves, texturas misteriosas y un ritmo sutilmente flamenco, “Monster” construye una atmósfera frágil pero intensa, donde la voz de Ruti—atemporal y profundamente emotiva—se convierte en el centro absoluto de la narrativa. Es un canto a mirarse de frente, aceptar la propia oscuridad y transformarla en algo luminoso.

El enfoque artístico de Ruti combina la calidez melódica de influencias como Laura Mvula y Labi Siffre, con la estética minimalista del bedroom pop y la experimentación del alt-pop moderno. Este mestizaje crea un lenguaje musical propio, íntimo pero expansivo, donde cada detalle tiene intención: desde las armonías vocales hasta el peso casi cinematográfico del silencio.

Con Maybe I Got It Wrong, Ruti ofrece una obra profundamente humana, perfecta para las temporadas frías en las que buscamos música que cobije, conecte y acompañe. Su evolución artística demuestra que están construyendo una carrera sólida, guiada por la introspección, la vulnerabilidad y una visión sonora que no teme abrir nuevos caminos.


Diana Vickers: el regreso feroz de una estrella que nunca dejó de reinventarse

Diana Vickers: el regreso feroz de una estrella que nunca dejó de reinventarse

Diana Vickers sabe lo que es nacer, caer, mutar y renacer en la escena pop. Desde que apareció con solo 16 años en The X Factor UK en 2008, su voz dividió al público: para algunos era excéntrica, para otros absolutamente magnética. Con el tiempo, quedó claro que Vickers no era una artista más salida de un concurso televisivo, sino una intérprete camaleónica capaz de moldear su propio camino. Su ascenso confirmó esa intuición: un debut número uno en listas, una carrera teatral premiada en el West End, incursiones en cine, moda y, siempre, un retorno inevitable a la música.

Su nuevo sencillo, “Pretty Boys” es un himno de electropop candente, descarado y lleno de personalidad, donde la artista abraza sin tapujos su faceta más segura, divertida y provocadora. El track mezcla producción inspirada en los 2000s con un sonido fresco que brilla por su sensualidad y su energía luminosa. La voz de Diana suena más fuerte y más libre que nunca, cargada de actitud y de un magnetismo que conquista desde el primer verso.



“Pretty Boys” desarrolla un relato que es a la vez confesional y empoderado: experiencias fallidas con chicos lindos, encuentros tóxicos, romance superficial… pero también la liberación de reconocer los patrones, reírse de ellos y convertirlos en arte bailable. Diana no busca maquillar la historia; la narra con ironía, deseo y una honestidad que termina siendo profundamente liberadora. Su electropop se vuelve una invitación a moverse, a cantar a coro, a exorcizar viejos fantasmas en una pista de baile iluminada por luces neón.

Desde el pop teatral de Songs from the Tainted Cherry Tree hasta el brillo sintético de Music to Make Boys Cry, ha demostrado que su creatividad no conoce límites. Con “Pretty Boys”, inaugura una nueva etapa más osada, más madura y más explosiva.


Curley y el Corazón Sincero del Alt-Pop

Curley y el Corazón Sincero del Alt-Pop

La escena de Perth, Australia, ve emerger a Curley, una banda cuya identidad parece definirse en el escenario. Sus presentaciones en vivo se describen como excéntricas y coloridas, un vehículo para un amplio rango de emociones. Liderados por la voz melódica de George Gare, el grupo aborda temas tan dispares como rupturas y fantasmas, siempre con un enfoque melodramático pero sincero.

Su tema, Get Places, es una clara muestra de su sonido central. La canción se mueve con soltura en las coordenadas del indie pop y el alt-pop, presentando un ritmo fluido y atractivo. Lo que distingue a la pieza son sus cambios rítmicos, que añaden un toque dinámico a la estructura. Sobre esta base, la voz de Gare se integra con notable presencia.



Esta energía se alinea con su reciente EP, Twirly, un trabajo que explora un sonido más humorístico y alegre. El espíritu de estas nuevas canciones proviene de su método de grabación “hazlo tú mismo”, en habitaciones y cuartos traseros. Este proceso resulta en una propuesta que se siente a la vez íntima y enérgica, capturando su esencia sin filtros.

Aunque los miembros de Curley se mantienen ocupados girando con otros actos de Perth, su proyecto principal mantiene una identidad única. Su música busca encapsular la “magia de la experiencia humana”. Get Places funciona como una buena puerta de entrada a ese universo, uno que equilibra lo teatral de sus directos con la honestidad de sus grabaciones caseras.


“Dancing In The Dark”: La Libertad Artística de Kaiak

“Dancing In The Dark”: La Libertad Artística de Kaiak

Desde los bosques de Suecia, el dúo Kaiak fusiona mundos que rara vez colisionan. El proyecto, formado por el productor Marcos Ureda y el vocalista Emil Gullhamn, se define por su mezcla de pop, rock y una sensibilidad de jazz. Su sonido, como ellos mismos lo describen, es una mezcla ecléctica que solo puede surgir de sus variados historiales.

Su nueva propuesta, Dancing In The Dark, cuenta con la colaboración de Dami Im. El tema se aleja del rock o el jazz puro para adentrarse en un territorio decididamente moderno. Es una pieza con claras influencias pop, matizada con texturas de dream pop y electrónica, donde destaca el contraste que se genera entre las voces.



Este aparente salto estilístico es, en realidad, el núcleo de la filosofía de Kaiak. El objetivo principal del dúo es mantener la libertad artística, sin la influencia de grandes sellos. Para ellos, la música es un vehículo para revelar sentimientos honestos, sin importar el género que sirva de conducto en ese momento.

La experiencia de sus miembros respalda esta libertad. Ubeda es un compositor ganador del Grammy con raíces en el jazz, habiendo girado con Billy Cobham. Gullhamn, por su parte, es el ex vocalista de la banda de rock State Of Drama. Dancing In The Dark es simplemente el resultado más reciente de esta unión de talentos que se niega a ser encasillada.


The Accidentals y Kaboom Studio Orchestra transforman “White Winter Hymnal” en un paisaje sonoro invernal

The Accidentals y Kaboom Studio Orchestra transforman “White Winter Hymnal” en un paisaje sonoro invernal

Desde un aula de secundaria en Traverse City, Michigan, The Accidentals han recorrido un camino extraordinario. Fundadas por la violinista Savannah Buist y la violonchelista Katie Larson, con la incorporación del percusionista Michael Dause, la banda combina folk, pop y texturas orquestales para crear un sonido distintivo, lleno de armonías etéreas y virtuosismo instrumental.

Su música refleja la vulnerabilidad humana y la narrativa compartida, buscando siempre generar conexión con el oyente. Con álbumes como Bittersweet, Vessel, TIME OUT y Reimagined, The Accidentals han demostrado su capacidad de evolucionar constantemente, integrando arreglos orquestales, colaboraciones con productores de renombre y exploraciones sonoras innovadoras.



Junto con la Kaboom Studio Orchestra, presentan una reinterpretación de “White Winter Hymnal”, el clásico de Fleet Foxes. Esta versión logra un equilibrio entre la calidez del alt-pop de cámara y la grandeza de un sonido orquestal completo. Las cuerdas, los metales y la percusión se entrelazan delicadamente con las voces íntimas del trío y las texturas acústicas, generando una experiencia musical que se siente tanto etérea como emocionalmente cercana.

Con un enfoque creativo The Accidentals continúan redefiniendo los límites del folk-pop moderno, creando canciones que inspiran, conectan y resuenan profundamente con quienes las escuchan.


“Conversations” y más: el universo íntimo de Estella Dawn

“Conversations” y más: el universo íntimo de Estella Dawn

Estella Dawn, nacida en Nueva Zelanda y radicada en San Diego, es una cantante, compositora, productora y multiinstrumentista que fusiona pop, soul, hip-hop y rock. Cada tema de Estella es una ventana a sus emociones más auténticas, desde el desamor y la pérdida hasta la resiliencia y la búsqueda de identidad, plasmando sus vivencias en canciones que combinan poesía y confesión.



Su más reciente sencillo, “Conversations”, es una balada pop introspectiva, construida más como un poema sonoro que como una canción tradicional, donde el piano y las armonías etéreas acompañan letras que exploran el amor desigual, la autoafirmación y la necesidad de soltar lo que no corresponde a un afecto genuino. La canción es un reflejo de su capacidad para transformar la vulnerabilidad en arte, conectando profundamente con quienes han experimentado emociones complejas y universales.

Independiente y versátil, Estella Dawn combina producción, composición y voz con un estilo que se siente personal, honesto y original. Más allá de la música, su autenticidad y cercanía con los oyentes la convierten en una artista que no solo crea canciones, sino experiencias emocionales que invitan a sentir, reflexionar y empoderarse.