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“Going Going Gone”: El Desafío de Ser Artista Independiente Según ATHENA WRONG

“Going Going Gone”: El Desafío de Ser Artista Independiente Según ATHENA WRONG

La cantante y compositora mexicana ATHENA WRONG llega con su estilo y capacidad para fusionar géneros de manera audaz. Nacida en San Diego y ahora radicada en la ciudad angelina, ATHENA WRONG comenzó a grabar en el armario de su cuarto a los 13 años, hasta convertirse en una de las voces emergentes más prometedoras de la música alternativa, su sonido abarca desde el pop-rap, pasando por el R&B alternativo, hasta el blues de los 70 con un toque moderno y atrevido.

Uno de sus lanzamientos más recientes es “Going Going Gone,” donde captura la montaña rusa emocional que implica perseguir los sueños, enfrentando desafíos como el rechazo, la soledad y la incertidumbre, pero sin perder la determinación de seguir adelante.



“Going Going Gone” es una pieza catártica, que lleva al oyente a través de los altibajos de la vida de una artista independiente. ATHENA comparte las dificultades de navegar en solitario en la industria musical, su inquebrantable deseo de triunfar, y su disposición a afrontar las tormentas que vienen con el éxito. Todo esto se transmite a través de su voz, que se entrelaza con una producción energética donde los bajos marcados, las guitarras envolventes y las melodías emocionales crean una atmósfera única, llena de confianza y vulnerabilidad.

Si aún no has escuchado “Going Going Gone,” te invitamos a darle play a este tema que, sin duda, te inspirará a seguir tus propios sueños con más pasión que nunca.


young friend: La Voz Fresca y Jangly del Indie-Rock

young friend: La Voz Fresca y Jangly del Indie-Rock

Desde Vancouver, young friend está emergiendo como uno de los artistas más emocionantes de la escena musical, fusionando influencias del jangle pop con un enfoque moderno y minimalista. Este joven talento, cuyo nombre real es Drew Tarves, ha logrado capturar la esencia de la nostalgia mientras añade su propio sello distintivo a la música contemporánea. Su estilo único, que combina influencias del hip-hop, la estética vintage y una entrega vocal precisa y matizada.

Con su debut en 2022 con el EP HOW DID WE GET HERE?, seguido de scaredy cat en 2023, Tarves comenzó a definir su estilo como una mezcla de sonidos clásicos y modernos. Influenciado por artistas como Frank Ocean y la estética visual de los años 90, su sonido evoca una sensación de familiaridad y frescura a la vez. Con guitarras brillantes, sintetizadores elegantes y una estructura melódica que recuerda al jangle pop, young friend crea un ambiente sonoro que se siente tanto nostálgico como innovador.



Uno de los lanzamientos más destacados de young friend es su sencillo “golden rule”, con un ritmo pegajoso, guitarras jangly y una producción impecable, la canción captura la esencia de las relaciones casuales y las conexiones ligeras. La letra, que habla sobre disfrutar de la compañía de alguien sin necesidad de profundizar en compromisos emocionales, refleja una actitud relajada y moderna hacia el amor y las relaciones. Con un estribillo que se queda en la cabeza y una entrega vocal casi conversacional, “golden rule” es una mezcla de intimidad y sofisticación.

La canción se siente como un himno de juventud, una celebración de la libertad y la ligereza emocional. Como explica Tarves, “Esta canción trata sobre relaciones casuales y cómo la conexión no siempre tiene que ser tan profunda. A veces está bien disfrutar de la compañía del otro y seguir adelante…” Este enfoque sin pretensiones ha resonado con una audiencia que busca autenticidad en la música contemporánea.

Con su próximo álbum debut en el horizonte, young friend está listo para dar el siguiente gran paso en su carrera. Este álbum, que promete ser un “sueño febril” de géneros, tomará inspiración de una amplia variedad de artistas y bandas que Tarves admira, creando una propuesta sonora aún más compleja y variada. Su enfoque en la autoexploración y la mezcla de géneros tiene a sus seguidores emocionados por lo que está por venir.


“The Dreams We Hold”: La Nueva Era de Andy Korg

“The Dreams We Hold”: La Nueva Era de Andy Korg

Después de una pausa creativa de ocho años, Andy Korg ha vuelto al panorama musical, conocido por su trayectoria en el grupo A.G. Trio y como cofundador de Ages, este artista originario de Linz (Austria) llega con una nueva visión y una energía fresca, Andy Korg emprende su camino como solista, y su regreso se ve reflejado en sus dos primeros sencillos: “Tomorrow’s Here to Stay” y “The Dreams We Hold”.

Con su nombre real, Jürgen Oman, Andy Korg ha regresado al estudio con un renovado enfoque artístico. En sus nuevas composiciones, el artista ha dejado claro que la clave de su regreso es la libertad creativa. “Lo más importante para mí es disfrutar nuevamente de la producción musical”, asegura Andy. Con esta nueva perspectiva, ha decidido no limitarse a un solo género y su música, aunque con fuertes influencias de la música electrónica pop, también incorpora elementos de synth-pop y nostalgia de los años 80.

El primer sencillo de su regreso, “Tomorrow’s Here to Stay”, ya dejó claro que Andy Korg sigue teniendo un talento innato para crear melodías pegajosas y pegajosas. El tema, con una estructura moderna y accesible, marca el inicio de una serie de lanzamientos que tienen el potencial de convertirse en himnos del pop electrónico contemporáneo.



En su segundo sencillo, “The Dreams We Hold”, Andy Korg continúa explorando su sonido pop electrónico pero con un enfoque aún más profundo. El tema destaca por su pegajosa vocalización y una producción poderosa que mezcla elementos de la música pop moderna con una base sintética sutil. La melodía se graba en la mente del oyente desde la primera escucha, mientras que la producción atmosférica y rica en detalles no eclipsa la voz, sino que la complementa perfectamente.

Líricamente, “The Dreams We Hold” aborda la lucha interna por alcanzar los sueños personales, un tema universal que conecta con la audiencia. La frase del estribillo: “La aurora rompe, anhelamos los sueños que poseemos”, refleja el anhelo y la determinación de seguir adelante, a pesar de las dificultades y los obstáculos que puedan surgir en el camino. Es una metáfora de la búsqueda constante de lo que nos impulsa y de la esperanza que nos guía.

Con la promesa de más lanzamientos en el futuro cercano, los seguidores pueden esperar más temas con la combinación de melodías pegajosas, producción moderna y letras profundas.


Cris Liav: Un Pop Soñado y Profundo en “Nadie Como Tu”

Cris Liav: Un Pop Soñado y Profundo en “Nadie Como Tu”

Cris Liav nacida en Albacete y actualmente afincada en Madrid, con una formación musical que comenzó a una edad temprana en el conservatorio, Cris ha dedicado los últimos años a perfeccionar su técnica vocal, composición y producción musical, lo que le ha permitido consolidarse como una de las figuras emergentes más interesantes dentro del pop alternativo.

El estilo de Cris Liav se caracteriza por una fusión de indie, dream pop, bedroom pop y pop alternativo, con matices de folk y electropop. La artista aborda en sus canciones temas universales como el amor, la vulnerabilidad, la autocomprensión y la búsqueda de libertad, invitando a sus oyentes a reflexionar sobre sus propias experiencias emocionales. La sensibilidad con la que Cris transmite estos sentimientos la convierte en una voz única en la música contemporánea.

Su habilidad para crear melodías que se sienten tanto frescas como atemporales le ha permitido conectar con una audiencia diversa. Las influencias de grandes artistas internacionales como Taylor Swift, Lana Del Rey, Caroline Polachek o Chappell Roan se entrelazan con las de figuras del panorama musical español como Amaia y Ganges, creando una mezcla de sonidos que resuenan con su identidad única.



En su más reciente lanzamiento, “Nadie como tú”, Cris Liav nos presenta un himno alt-pop que, con su sonido envolvente y casi onírico, combina beats suaves con arreglos que crean una atmósfera hipnótica. La artista habla sobre las complejidades del amor y la incertidumbre del futuro, explorando temas como la fragilidad de los sentimientos y la dificultad de aceptar la felicidad por miedo a que se termine.

Frases como “soy incapaz de asimilar la felicidad, es mi cerebro temiendo que llegue el final” y “me sigo pellizcando, no hay nadie como tú” capturan esa mezcla de temor y emoción intensa que acompaña a las relaciones profundas. Con una voz suave y conmovedora, Cris logra transmitir la ambigüedad emocional que caracteriza los momentos de amor y duda.

Actualmente, Cris Liav se encuentra en pleno proceso de preparación para el lanzamiento de su primer EP, que se espera para finales de 2024. Este nuevo trabajo promete seguir la misma línea emotiva y experimental que sus sencillos anteriores, combinando sonidos vanguardistas con letras cargadas de contenido introspectivo. A medida que se adentra en nuevas fases de su carrera, la artista continúa demostrando su capacidad para crear música que no solo conecta a nivel sonoro, sino que también invita a la reflexión profunda sobre las emociones humanas.


The Alright Maybes: Una historia de amor y música en “Mind’s Made Up”

The Alright Maybes: Una historia de amor y música en “Mind’s Made Up”

En un mundo donde la música puede contar historias que trascienden generaciones, The Alright Maybes nos regala “Mind’s Made Up”, una canción que combina lo personal con lo melódico. Este sencillo, se inspira en una historia real: un viaje al aeropuerto O’Hare de Chicago donde el amor fue puesto a prueba.

La canción fusiona las influencias del Manchester de los 80 con el toque melódico de The Cardigans, creando un paisaje sonoro propio. La canción abre con un riff de guitarra hipnótico que marca la urgencia emocional del tema, mientras que una batería sutil pero llena de matices, un bajo juguetón y los toques de piano vertical pintan un fondo vibrante. A medida que avanza, las exuberantes cuerdas al estilo de Gattaca elevan la melodía a un nivel cinematográfico, haciendo que cada nota resuene profundamente en el corazón del oyente.



Angela Reinhart, vocalista de la banda, equilibra lo etéreo con lo contundente en su voz. Sus interpretaciones cuentan una historia, en “Mind’s Made Up”, su voz se convierte en el eje central que guía al oyente por esta travesía emocional. Más allá de su sofisticado ensamble musical, la canción tiene un valor profundamente personal para la banda. “Esta canción significa el mundo para mí,” comparte Reinhart. “Está basada en la historia de mis padres, y contarla a través de esta grabación es algo que me llena de orgullo.”

Desde su formación en 2020, The Alright Maybes nos lleva a influencias que abarcan el pop barroco de los 60 hasta el indie alternativo de los 90, la banda ha encontrado su lugar en la escena musical moderna. Este nuevo sencillo marca el inicio de un capítulo emocionante en su trayectoria, confirmando que The Alright Maybes no solo reverencian el pasado, sino que también tienen un futuro brillante por delante.


Emmrose y su “New Era”: Una Reflexión Sonora sobre el Cambio y la Resiliencia

Emmrose y su “New Era”: Una Reflexión Sonora sobre el Cambio y la Resiliencia

La cantante y compositora Emmrose, una de las artistas más prometedoras del panorama indie, lanza su nuevo sencillo “New Era”. A sus 20 años, Emmrose ha logrado destacar por su enfoque profundo en sus composiciones, fusionando géneros como el Indie Pop y el Dream Pop con una sensibilidad emocional palpable. “New Era” se presenta como una canción que sumergiendo al oyente en un paisaje sonoro oscuro y minimalista que, sin embargo, mantiene una extraña belleza en su esencia.

En esta ocasión, Emmrose se unió nuevamente al productor y músico Richard Orofino (Sex Week), quien ya había colaborado con ella en el éxito “Electric Nights”. La colaboración entre ambos fue clave para la creación de un sonido crudo y envolvente, en el que la guitarra barítono de Orofino juega un papel crucial, aportando una base sólida y firme que se ve complementada por sintetizadores distorsionados y glitchy que crean una atmósfera inquietante.



Emmrose explica que su intención era que la canción tuviera una estructura corta, tensa y desconcertante. La artista menciona:

“Quería que la canción fuera corta y tensa. Soñadora y desconcertante. Richard hizo este sintetizador súper salvaje, sonaba como una máquina oxidada y rota. Tuve que girar una perilla de distorsión mientras escribía la parte, y eso fue tan muy divertido.”

Este proceso de experimentar con los efectos de distorsión y la manipulación directa del sonido, le dio a la canción una calidad única que captura la sensación de desmoronamiento y caos, pero también de resiliencia.

“New Era” es una reflexión sobre el momento histórico y personal que atraviesa Emmrose. La canción captura el sentimiento de que las cosas se están desmoronando, no solo en el ámbito personal de la cantante, sino también en un contexto más amplio, especialmente en la comunidad artística. Esta sensación de crisis se manifiesta de forma cinematográfica a lo largo de la canción, que lleva al oyente a un estado de incertidumbre, como si estuviera atrapado en una pesadilla surrealista. A pesar de ello, la canción también propone una solución: la esperanza. Como afirma Emmrose,

“Lo único que podemos hacer es aferrarnos a la esperanza al final. No hay otra opción.” La canción, entonces, no se deja vencer por el caos, sino que propone una forma de atravesarlo con la intención de seguir adelante.


St. Lucia: El Renacer del Pop Orquestal en “Pie In The Sky”

St. Lucia: El Renacer del Pop Orquestal en “Pie In The Sky”

St. Lucia es el proyecto musical del dúo de esposos Jean-Philip Grobler y Patti Beranek, que ha sabido ganarse un lugar en la escena del pop alternativo. Originarios de Sudáfrica y Alemania, respectivamente, la pareja ha creado un sonido único que fusiona sintetizadores brillantes, melodías envolventes y una energía vibrante. A lo largo de los años, St. Lucia ha mantenido su esencia, mientras expande sus horizontes sonoros y explora nuevos territorios creativos.

El primer álbum de St. Lucia, When The Night, los catapultó a la fama internacional. Con una propuesta fresca que evocaba a la música pop de los años 80, el disco presentó éxitos como “Elevate”, “All Eyes On You” y “Closer Than This”. La capacidad del dúo para combinar sonidos nostálgicos con una producción moderna los convirtió en una de las propuestas más emocionantes del momento, logrando entrar en el Billboard Top 200.



En 2024, St. Lucia anunció el lanzamiento de su quinto álbum de estudio, Fata Morgana: Dawn, previsto para el 14 de marzo de 2025. Este nuevo capítulo promete llevar al grupo a nuevas alturas, con una propuesta sonora que explora las raíces del pop psicodélico de los años 60 y 70, el dance pre-80s de la escena punk de Nueva York y las composiciones cinematográficas de grandes bandas sonoras.

El primer sencillo de este álbum, “Pie In The Sky”, es una mezcla de pop orquestal, con influencias claras de artistas como ELO, ABBA, David Bowie y Kate Bush. Jean-Philip Grobler explicó que el tema fue inspirado por esa sensación de “abrir las puertas del cielo”, invitando a los oyentes a sumergirse en un mundo lleno de esperanza, posibilidades y aventuras. “Pie In The Sky” es un himno épico, respaldado por cuerdas, coros angelicales de Aly & AJ y la participación de Mark Foster de Foster The People, quien toca las campanas tubulares de manera celestial.

El videoclip de “Pie In The Sky”, dirigido junto al colaborador Xander Ferreira y el artista de IA Pierre Zandrowicz, es una obra de arte visual, inspirada en los surrealistas Alejandro Jodorowski y Salvador Dalí. Filtrado en paisajes oníricos y utilizando la mezcla de mundos reales y digitales, el video refuerza la atmósfera fantástica y trascendental de la canción.

A lo largo de su carrera, St. Lucia ha sido una banda que no teme experimentar y arriesgarse con nuevos sonidos. Su capacidad para fusionar géneros, su amor por la música épica y su búsqueda constante de una mayor profundidad emocional en sus composiciones les ha valido el reconocimiento de críticos y fans por igual. Jean-Philip Grobler ha declarado en diversas entrevistas que su música busca transmitir un mensaje positivo y esperanzador, especialmente en tiempos inciertos. Para él, la música tiene el poder de hacer que la gente se sienta viva, a pesar de las adversidades del mundo.


Bestfriend: La Lucha por Ser Uno Mismo en el Reflejo del Pop Alternativo

Bestfriend: La Lucha por Ser Uno Mismo en el Reflejo del Pop Alternativo

Bestfriend es el proyecto musical formado por Stacy Kim (voz e instrumentación) y Kaelan Geoffrey (voz y producción), dos artistas canadienses que, a pesar de estar separados por miles de kilómetros —Stacy en Vancouver y Kaelan en Toronto—, han logrado crear una conexión creativa que se refleja en su música. Desde su formación en 2018, Bestfriend ha conquistado a una base de fans con su estilo, que combina melodías luminosas, paisajes sonoros envolventes y letras que exploran las complejidades de la adultez, la nostalgia y la constante lucha por encontrar el equilibrio personal.

La historia de Bestfriend comenzó a través de una combinación de amistad y conexión digital. Conocidos inicialmente a través de un amigo en común y luego más estrechamente por medio de mensajes directos en Instagram, Stacy y Kaelan comenzaron a compartir ideas musicales y, poco a poco, a construir su sonido. Stacy creaba las canciones y las enviaba a Kaelan, quien las producía, creando una dinámica colaborativa a larga distancia. Con el tiempo, este proceso fue refinándose y evolucionando hasta convertirse en lo que ahora conocemos como Bestfriend: una mezcla de pop alternativo, indie y sintetizadores inspirados en los 80, acompañados de una vulnerabilidad y sinceridad emocional que conecta de inmediato con el oyente.



En noviembre de 2024, Bestfriend estrenó su nuevo sencillo, “WHY DO WE DO THIS?”, un tema que refleja la lucha emocional de la vida cotidiana, la auto-duda y la presión constante por seguir adelante. La canción cuestiona la necesidad de continuar a pesar de los ciclos de inseguridad y las luchas internas. Musicalmente, el tema toma inspiración de los sintetizadores de los 80, combinados con una percusión energética que impulsa la canción, mientras que las voces de Stacy y Kaelan se presentan casi monocordes, como una forma de resistencia emocional.

El dúo describe la canción como una reflexión sobre cómo, a menudo, nos aferramos a las cosas que más amamos por miedo a perderlas, y cómo este miedo nos impide ser nuestro yo más auténtico. En sus propias palabras, explican:

“Cuando pasamos por dificultades, comenzamos a apretar nuestro agarre sobre las cosas que amamos, por miedo a perderlas. Esto afecta nuestras relaciones, nuestro trabajo, nuestro dinero, nuestro arte, y a menudo tiene el efecto contrario al que esperamos: ya no estamos trayendo lo más genuino de nosotros a estas cosas. Cuando esa chispa se enciende, tomamos decisiones basadas en el miedo y la autoconservación. Un amor basado en el miedo ya no es amor.”

Este enfoque filosófico sobre la necesidad de soltar lo que nos retiene y la paradoja de aferrarse a lo que más amamos da a “WHY DO WE DO THIS?” una profundidad emocional que va más allá de lo que podría ser una simple canción de desahogo.

Con su tercer EP programado para la primavera de 2025, Bestfriend sigue evolucionando como artistas y ampliando su visión sonora. A medida que avanzan en su carrera, el dúo continúa ofreciendo una experiencia musical que no solo es atrapante por su producción, sino también por su capacidad para conectar con las experiencias emocionales y personales de sus oyentes.


‘Hard’: Cuando la suavidad francesa de “Vendredi sur Mer” se encuentra con el filo californiano

‘Hard’: Cuando la suavidad francesa de “Vendredi sur Mer” se encuentra con el filo californiano

“Hard” es el nombre de la nueva colaboración entre Vendredi sur Mer, el cautivador proyecto musical de la suiza Charline, y el talentoso Hanni El Khatib, uno de los iconos del rock garage californiano de los años 2010. Este tema marca un hito importante en la carrera de Vendredi sur Mer, ya que es su primer sencillo dirigido específicamente a territorios de habla inglesa, ampliando su alcance internacional con una propuesta cargada de emoción, nostalgia y una potente energía pop.

La canción es una balada de ruptura romántica en la que Charline y Hanni El Khatib se sumergen en un diálogo melódico sobre el dolor y la resiliencia que siguen a una relación fallida. La letra, que explora el sufrimiento de una separación, se ve complementada por las voces contrastantes de ambos artistas, creando una atmósfera de vulnerabilidad e intensidad emocional. Mientras que Charline aporta su característico tono suave y sensual, Hanni El Khatib introduce su estilo áspero y crudo, creando una dinámica interesante y cargada de electricidad.



El tema ha sido producido por Sam Tiba, un productor y exmiembro de Club Cheval, conocido por su trabajo con artistas del rap francés como Zola, Georgio y 13 Block. La producción de “Hard” se aleja un poco del sonido más etéreo y nostálgico que Vendredi sur Mer había mostrado anteriormente, adentrándose en un territorio más audaz y moderno, que mezcla la elegancia de la chanson francesa con la audacia del pop de los 80. La base electrónica y los sintetizadores retro dan paso a una canción más contundente, que mantiene la esencia introspectiva de Vendredi sur Mer pero con un giro más enérgico.

Este lanzamiento llega tras el éxito global de sus proyectos anteriores, como “Premiers Émois” y “Métamorphose” que consolidaron a Vendredi sur Mer como una de las voces más destacadas del pop alternativo contemporáneo.

El videoclip que acompaña a la canción, dirigido por Alice Kong, continúa con la estética visual cinematográfica que caracteriza al proyecto, con imágenes llenas de belleza enigmática y sensualidad, que complementan perfectamente la atmósfera de la canción.