Blog – Oleada Indie

“Cintas Perdidas: México” el cruce entre rock alternativo y música latinoamericana de Love Ghost

By Neto Cuc / septiembre 6, 2026

Love Ghost es un proyecto estadounidense de rock alternativo que ha desarrollado una identidad musical marcada por el emo, el grunge, el metal alternativo, el hip-hop y, en años recientes, distintas influencias latinoamericanas. Su propuesta combina canciones de tono confesional con una estética oscura y una narrativa visual inspirada en la poesía, la melancolía y el imaginario gótico.

Uno de los elementos más constantes en su música es la exploración de temas como el aislamiento, las relaciones, la pérdida, la vulnerabilidad y las dificultades relacionadas con la salud mental. Las letras suelen situarse en un territorio emocional intenso, algo que conecta al proyecto con una tradición del rock alternativo y el emo en la que la experiencia personal funciona como materia prima para la composición. Su música incorpora elementos de diferentes escenas, las guitarras y la atmósfera remiten en ocasiones al grunge y al rock alternativo, mientras que determinadas producciones incorporan estructuras, voces o recursos asociados al hip-hop. También existe una búsqueda deliberada de conexión con la música latinoamericana, especialmente a través de sus colaboraciones con artistas de México y otros países.

Esta apertura de géneros se refleja particularmente en Cintas Perdidas: México, un proyecto concebido durante el periodo en que Love Ghost se trasladó de Estados Unidos a México.

Cintas Perdidas: México es un álbum de Love Ghost construido alrededor de una idea sencilla pero amplia: documentar musicalmente la experiencia de vivir entre dos culturas. El proyecto nació durante el periodo en que el grupo dejó Estados Unidos para establecerse en México y comenzó, según la descripción del propio proyecto, como una colección de demos grabados de manera casera. Posteriormente, esas grabaciones fueron llevadas al estudio, conservando parte de la emoción de las interpretaciones originales mientras se ampliaba su producción.

El resultado es un disco de carácter bilingüe, con canciones en inglés y español, que se mueve entre distintos territorios del rock alternativo contemporáneo. Emo, grunge, rock alternativo, hip-hop y elementos asociados a la música latinoamericana aparecen en diferentes momentos del proyecto. Más que intentar permanecer dentro de un género específico, Cintas Perdidas: México funciona como una colección de cruces estilísticos.

El Track x Track de Cintas Perdidas: México

1. Fragrance — Love Ghost y Sofia Thompson

“Fragrance” puede entenderse como una canción sobre la memoria emocional y la manera en que ciertas personas permanecen presentes incluso después de haberse ido. El título evoca algo invisible pero persistente: un aroma que permanece en un espacio después de que su origen desaparece. La colaboración con Sofia Thompson introduce una segunda perspectiva dentro de esta idea, con un sonido que nos da remembranza al pop punk de los dos mil, los dos artistas llevan esta esencia a un refresh lleno de cajas de ritmo y una sensación pop que te hace conectar fácilmente, la voz de Sofia nos da esa dulzura que la propia instrumental tiene y nos hace ponernos mas sentimentales.

2. Float Away

“Float Away” mantiene este tono melancólico y pop de la canción anterior, hasta ahora el inicio del disco nos lleva principalmente por estos sonidos que puede venir de géneros como el trap o hip hop, con una esencia super pop, las guitarras de fondo nos dan este tono super pop punk pero sin robar protagonismo, principalmente la parte vocal en esta y la canción anterior son el eje principal de las canciones.

3. TIME TRAVEL — Love Ghost y Yung Dupe

“TIME TRAVEL” nos lleva a una sorpresiva colaboración con Yung Dupe amplía el alcance de la canción hacia una conversación entre distintas generaciones y lenguajes, con un tono oscuro la canción crea un amiente perfecto mas orientado al hip hop en cuanto a su base dándole un panorama donde se siente muy orgánico la colaboración de ambos artistas. Conceptualmente, el tema encaja con uno de los ejes del álbum: mirar hacia atrás mientras se intenta comprender quién se es en el presente.

4. Replace — Love Ghost y Jozue

“Replace” tiene un sonido melancólico combinando sintetizadores pop, una base hip hop y la presencia de Jozue permite que la canción se sitúe dentro del carácter colaborativo y multicultural que define buena parte del proyecto, la voz de Jozue la da unas texturas muy interesantes transportándonos quizás al estilo vocal de Bad Bunny pero en un contexto super diferente, que es este pop punk emocional de Love Ghost.

5. Ignore

“Ignore” el título puede leerse tanto como una acusación dirigida a otra persona como una descripción de la propia incapacidad para enfrentarse a determinados sentimientos. Dentro del álbum, representa una faceta de la vulnerabilidad que no necesariamente se expresa mediante confrontación, sino mediante evasión y silencio. Para esta parte del disco el uso de la caja de ritmos y estas atmosferas pop son parte esencial del sonido del disco, canciones ligeras y emocionales que te hacen conectar con este sentimiento de sentirte perdido.

6. UNDERWATER — Love Ghost y Ardis

“UNDERWATER” se presenta con una guitarra cristalina y nostálgica, ajo la superficie, el mundo exterior se vuelve distante, el sonido cambia y la comunicación se dificulta. Esa metáfora conecta directamente con algunos de los temas centrales de Cintas Perdidas: México: sentirse separado de los demás, intentar salir de un estado emocional y encontrar una forma de respirar nuevamente. La colaboración con Ardis añade otra voz a ese espacio de aislamiento, una voz dulce pero melancólica nos hace conectar con esa sensación de sentirse sumergido en esta capa de emociones, musicalmente el tema se siente mas del lado del hip hop y hace match con el sonido fusión que presenta el disco.

7. Insane Asylum

De manera natural la canción “Insane Asylum” nos presenta un sonido mas agresivo del lado del hi hop, escuchando nuevos elementos clásicos del genero como las cuerdas sintetizadas y figuras vocales agresivas, permitiendo evolucionar el sonido del álbum a algo mas urbano sin perder el tono que venia manejando, es uno de los títulos más explícitos del álbum en relación con la percepción de la salud mental. Más que interpretarlo literalmente, el concepto puede funcionar como una representación de una mente convertida en un lugar del que resulta difícil escapar. El título también plantea una tensión entre la percepción externa y la experiencia interna: quién decide qué es normal, quién es considerado diferente y qué ocurre cuando una persona siente que no encaja en su entorno. Con elementos religioso en español la canción funsiona muy bien para generar una tensión que el disco arropa bien para seguir creciendo.

8. Dear Boy — Love Ghost y Rayben

“Dear Boy” con la participación de Rayben nos lleva a un mundo visual con un video donde vemos a un astronauta explorando un mundo desolado pero lleno de recuerdo, con cajas 808 y voces emocionales la canción contribuye al carácter interpersonal del tema, la voz de Rayben contrasta muy bien con la de Love Ghost, contándonos una historia de extrañar y estar esperando esa presencia de algo o alguien que extrañamos.

9. GOD COMPLEX — Love Ghost y Dimelow Pro

“GOD COMPLEX” introduce una dimensión más psicológica y confrontacional. El concepto de un “complejo de Dios” puede referirse a la necesidad de controlar el entorno, sentirse superior o asumir una responsabilidad imposible sobre la propia vida y la de los demás. Dentro de un álbum preocupado por la identidad y las contradicciones humanas, el título permite explorar el límite entre poder y vulnerabilidad. La colaboración con Dimelow Pro suma otra dimensión a una canción que, conceptualmente, cuestiona la necesidad de tener siempre el control. Con un video post apocalíptico la canción nos lleva a escuchar la voz de Love Ghost en español, combinando con texturas de sintetizadores y una rispy voice que hace que se sienta muy natural su participación e el idioma, mientras que Dimelow Pro navega el sonido de la canción con mucha naturalidad, agregándole mucho peso al cambio de sonido del álbum hacia algo mucho mas trap.

10. Runnin’ with the Wolves — Love Ghost y El Burger

“Runnin’ with the Wolves” utiliza una imagen animal para hablar de pertenencia, supervivencia y transformación. Los lobos pueden representar tanto una amenaza como una comunidad: correr con ellos implica abandonar temporalmente las reglas del mundo exterior para encontrar un lugar entre quienes comparten una naturaleza similar. Increíblemente hemos pasado de un sonido melancólico y emocional a un trap agresivo, y esto se siente super natural justo por la selección de temas y colaboraciones yendo de voces dulces a elementos mas agresivos, gritos y un estilo que logra fusionar estas dos caras del disco, dandole a la colaboración con El Burger una conexión mas con el entorno musical mexicano.

11. TELEVISE

Me encanta el momento en que entra “TELEVISE”, después de un pick agresivo en Runnin’ with the Wolves, la atmosfera de TELEVISE se siente nuevamente melancólica y emotiva, pero manteniendo este lado hip hop del disco, las capas de sintetizadores le aportan nuevamente esa dulzura para ir preparando el final del disco. El verbo asociado a la televisión implica observar, transmitir y transformar una experiencia en algo que otros pueden consumir. Esa idea resulta especialmente compatible con un proyecto que trabaja constantemente entre lo personal y lo performático: una emoción puede ser genuina y, al mismo tiempo, convertirse en una representación artística.

12. Should’ve Known

Nuevamente regresan las guitarras en “Should’ve Known” de forma sutil, así como la sensación mas pop punk melancólico, con una interpretación vocal emocional y capas atmosféricas de sintetizadores, la canción nos sumerge en la noche y pensamientos que vienen en ese momento donde las ideas retoman las complicaciones de tu propia mente.

13. WASSUP — Love Ghost y Dani Torres

Marcando el contraste final entre “Should’ve Known” y “WASSUP”, Love Ghost nos recuerda cual es la fusion principal de su musica, pasar de lo melancólico a este sonido agresivo y un título deliberadamente cotidiano y conversacional que contrasta con algunos de los conceptos más oscuros del álbum. Esa informalidad puede representar otra dimensión de la experiencia humana: incluso dentro de un contexto marcado por el aislamiento, el trauma y la introspección, existe espacio para la conexión, la energía social y la interacción directa. La colaboración con Dani Torres y una letra contundente cierra el recorrido con otra conexión entre Love Ghost y la escena latinoamericana, reforzando el carácter híbrido de Cintas Perdidas: México.

Vistas en conjunto, las 13 canciones pueden entenderse como distintas perspectivas sobre una misma experiencia: intentar comprender quién se es mientras se navega entre relaciones, recuerdos, aislamiento, pérdida y pertenencia. Los títulos recorren desde la memoria y el arrepentimiento hasta la necesidad de escapar, el conflicto con uno mismo y la búsqueda de comunidad.

Las colaboraciones cumplen una función importante dentro de ese recorrido. En lugar de presentar el álbum como una experiencia exclusivamente individual, Cintas Perdidas: México incorpora diferentes voces y perspectivas, especialmente provenientes de la escena latinoamericana. Esa estructura refuerza el concepto central del proyecto: una identidad que se encuentra entre lugares, idiomas y mundos musicales distintos. Al mismo tiempo, esa amplitud estilística puede ser interpretada de distintas maneras. Para algunos oyentes, la capacidad de combinar emo, grunge, metal, hip-hop y sonidos latinoamericanos constituye precisamente uno de los aspectos más interesantes del proyecto. Para otros, la cantidad de influencias puede hacer más difícil ubicar a Love Ghost dentro de una escena musical concreta. Esa tensión entre identidad definida y experimentación es, de hecho, una de las características centrales de su propuesta.

Visualmente, el proyecto utiliza una estética de inspiración gótica y romántica, con imágenes relacionadas con fantasmas, decadencia, máscaras, rosas, sangre y otros símbolos asociados con la vulnerabilidad y la transformación. Esta dimensión visual complementa la música y convierte a Love Ghost en algo más amplio que una propuesta estrictamente musical.

Lo que sí resulta evidente es que Love Ghost ha construido su trayectoria alrededor de la experimentación y de una relación directa entre música, imagen y experiencia emocional. En un panorama donde las fronteras entre géneros son cada vez menos rígidas, su propuesta representa otro ejemplo de cómo el rock alternativo busca nuevos espacios y nuevas audiencias sin abandonar por completo sus raíces.

Etereo/Experimental/Funk/Jazzy/Latin/Lo Mejor de la Semana/Nuevo Rock/Nuevos Sonidos/Psicodelia/R&B/Reggae/Retro/Rock/Soul/Suena a 80´s/Track x Track/Tropical

Soft Cuff presenta Thick Heat, explorando los cruces entre el funk, la psicodelia y el groove

By Neto Cuc / agosto 29, 2026

Soft Cuff es una banda instrumental originaria de St. Petersburg, Florida, que comenzó a tomar forma a finales de 2023 a partir de las sesiones musicales entre el bajista Brian Schanck y el multiinstrumentista Michael “Mikey” Bostinto. El proyecto surgió de manera relativamente espontánea: lo que inicialmente eran sesiones de trabajo terminó convirtiéndose en un repertorio propio y, posteriormente, en una banda.

A ellos se sumaron el guitarrista Shane Schuch y la tecladista y percusionista Christina Sanchez, configurando la formación que llevó las primeras composiciones al escenario. En sus primeros lanzamientos, Soft Cuff se presentó como un proyecto de psych-groove instrumental, con influencias que abarcan el funk, el soul, el jazz, el hip-hop y el rock psicodélico.

Soft Cuff, banda formada en St. Petersburg, Florida, presenta su primer álbum de larga duración, Thick Heat. El lanzamiento llega poco menos de tres años después de la formación del grupo y representa una ampliación de la propuesta instrumental que la banda había desarrollado en sus primeros trabajos.

A diferencia de una banda centrada en canciones vocales, Soft Cuff construye buena parte de su identidad a través de los arreglos instrumentales, los cambios de textura y el desarrollo de los riffs. En ese sentido, Thick Heat continúa una línea que ya estaba presente en sus primeros lanzamientos, aunque amplía el espectro de influencias y de instrumentos utilizados.

Uno de los elementos más evidentes de Thick Heat es su interés por el ritmo. El funk aparece como uno de los puntos de partida, pero no como una fórmula cerrada. A lo largo del álbum se incorporan recursos asociados al rock psicodélico, el soul, el jazz, el hip-hop y la música cinematográfica.

El Track x Track de “Thick Heat”

1. “Pico Suave”
“Pico Suave” abre Thick Heat con un ambiente hipnótico y relajado que introduce buena parte del lenguaje instrumental de Soft Cuff. La percusión establece un pulso juguetón mientras las guitarras aportan tonos cálidos y envolventes. El bajo avanza con una cadencia pausada y se integra con una batería constante, creando una pieza instrumental como mucho groove y atmósfera. Es una apertura que presenta al oyente un sonido más interesado en construir espacios que en apresurarse hacia un clímax, yendo del groove a lo ligeramente psicodélico.

2. “Me? I’ll Have That”
Con una conexión directa del ritmo el segundo track del disco “Me? I’ll Have That” conserva parte del carácter percusivo del primer tema, aunque incorpora una mayor presencia del funk. El bajo adquiere protagonismo y las guitarras se muestran más brillantes y funky, mientras los teclados añaden brillo y profundidad. La canción va incrementando su intensidad hasta alcanzar una sección pausada protagonizada por el bajo, los cambios entre texturas más suaves y pasajes se transforman en un riff ligeramente distorsionado que va dirigiendo la sección final mientras los teclado crean esa tensión “rica” que nos encanta para terminar el track.

3. “Mystery Box”
“Mystery Box” en lugar de depender de una estructura vocal tradicional, Soft Cuff utiliza la interacción entre los instrumentos para mantener la sensación de descubrimiento que sugiere el título, llena de riffs y arreglos que van tomando protagonismo durante 3:34 minutos, con un sonido retro y a la vez moderno hasta ahora el álbum nos recuerda a bandas como Chicano Batman, pasando del groove y funk a ritmos mas latinos agregándole texturas de sintetizadores setenteros que te harán perderte en su sonido.

4. “Rudy”
“Rudy” se adentra con mayor claridad en la faceta psicodélica de Soft Cuff. Los teclados, particularmente el órgano, aportan una textura colorida que se combina con guitarras que alternan entre riffs impulsados por el ritmo y momentos de mayor intensidad. El tema incorpora cambios de dinámica y pausas que interrumpen temporalmente el flujo antes de recuperar su amplitud instrumental. También aparecen matices de reggae dentro de su estructura, ampliando la combinación de referencias que caracteriza al álbum.

5. “Short Moves”
“Short Moves” nos lleva a un momento de calma con su intro, un e piano suave y delicado, mientras el groove va creciendo y la interacción instrumental ocupen el centro. Dentro del disco, el tema tiene una sensación mas reflexiva y lenta pero conservando este groove retro que caracteriza a la banda, especialmente en el coro. El tema forma parte de una secuencia en la que Soft Cuff alterna diferentes grados de intensidad y textura, evitando que el álbum quede limitado a una única aproximación psicodélica o funk. Su presencia contribuye al carácter cambiante del disco y a la sensación de que cada composición funciona como una variación sobre el lenguaje general de la banda.

6. “Neon Sanders”
“Neon Sanders” añade otra tonalidad al universo de Thick Heat. El título evoca una estética urbana y cinematográfica , como ocurre en buena parte del álbum, el interés está menos en una narrativa explícita que en la manera en que los instrumentos pueden sugerir escenas, movimientos y ambientes. La canción amplía así el recorrido antes de llegar a la pieza que da nombre al álbum. La canción explota con un outro final lleno de sintetizadores y un ritmo mas agresivo que hacen que la pieza te lleve de una sensación de caminar por la calle al caos explosivo del final de una historia.

7. “Thick Heat”
La canción que da título al álbum constituye uno de sus momentos más cinematográficos. Con algo más de cinco minutos, desarrolla una atmósfera que recuerda a determinadas bandas sonoras de los años setenta. Las guitarras presentan sonidos suaves y elegantes, mientras los efectos y sintetizadores espaciales amplían el paisaje sonoro. El resultado se mueve entre el misterio de una película de espionaje y una estética más sensual asociada con ciertas producciones de aquella década, manteniendo siempre el carácter instrumental del grupo.

8. “What’s A Question Mark Sound Like?”
“What’s A Question Mark Sound Like?” reúne funk, psicodelia, soul, rock, y algunos toques de world music. La guitarra, los teclados y la sección rítmica se combinan para producir una composición dinámica, juguetona y orientada al groove. La canción toma todos estos elementos crenado un jam con todo los elementos que venia presentando en canciones anteriores, suavidad, sintes retros, bajos con mucho groove y crechendos que pasan de lo latín al rock de manera natural.

9. “S’good Enuff”
“S’good Enuff” se encuentra hacia el cierre del álbum y forma parte de la última etapa del recorrido musical planteado por Soft Cuff. El título, deliberadamente coloquial, también refleja el sentido de humor y la informalidad que aparecen en distintos aspectos de la identidad de la banda, en esta ocasión reflejando este tono super funk como parte de su identidad.

10. “Scorsese’s Dream”
“Scorsese’s Dream” cierra Thick Heat, la canción transmite una sensación cercana al cine de espías y atracos, aunque esa cualidad funciona como una impresión que produce la música y no como el concepto a partir del cual fue compuesta. El bajo aporta un movimiento constante mientras las guitarras pasan de momentos más atmosféricos a líneas ascendentes y secciones de mayor intensidad. Hacia la mitad, el ritmo se ralentiza antes de recuperar fuerza para un cierre más contundente y orientado al rock. Como último tema del disco, resume algunos de los recursos que aparecen a lo largo de Thick Heat, particularmente el groove, las texturas de guitarra y la capacidad de Soft Cuff para generar una atmósfera cinematográfica sin recurrir a una narrativa vocal.

Entre los artistas con los que Soft Cuff ha sido comparado se encuentran Khruangbin, BADBADNOTGOOD, Menahan Street Band, The Budos Band, El Michels Affair, Mildlife y Surprise Chef. Las comparaciones sirven como referencia para entender el terreno musical en el que se mueve el grupo, aunque Thick Heat no se limita a reproducir ninguno de esos estilos.

La incorporación de diferentes instrumentos de percusión es también parte importante de la evolución que plantea el álbum. En lugar de utilizar la guitarra como único elemento protagonista, Soft Cuff distribuye el peso de las composiciones entre el ritmo, el bajo, las guitarras y las diferentes capas percusivas.

La ausencia de una voz como elemento principal cambia la manera en que Soft Cuff aborda sus composiciones. En Thick Heat, los instrumentos tienen que asumir funciones que tradicionalmente pueden recaer sobre una melodía vocal: crear tensión, establecer una atmósfera y conducir el desarrollo de las canciones.

El resultado sitúa a Soft Cuff en un espacio entre la recuperación de sonidos vintage y la búsqueda de una estética contemporánea. Su apuesta por la música instrumental también los diferencia dentro de un panorama en el que la voz continúa siendo el principal vehículo narrativo para buena parte de las propuestas de rock y música alternativa.

Acústico/Altpop/Dreamy/Etereo/Folk/Latin/Lo Mejor de la Semana/Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Pop/Nuevos Sonidos

Kaya Q convierte la vulnerabilidad en arte con CICLOS, un álbum sobre sanar y volver a empezar

By Neto Cuc / julio 16, 2026

Kaya Q llega como una artista que ha decidido hacer de la honestidad su mayor fortaleza, de raíces colombianas y alemanas, la cantante y compositora ha construido un universo donde el pop alternativo, el indie pop, el dream pop, el R&B y las influencias latinas conviven con naturalidad, dando vida a un estilo íntimo, emocional y sin fronteras.

Kaya ha apostado en su nuevo trabajo sonoro por detenerse, mirar hacia adentro y contar una historia completa. Con CICLOS, su álbum debut, la artista presenta un proyecto conceptual que explora la transformación personal desde la honestidad, convirtiendo cada canción en un capítulo de un mismo viaje emocional.

Durante tres años de creación, Kaya Q construyó un universo sonoro inspirado en la década que más marcó su vida: sus veintes. A través de catorce canciones, el álbum recorre experiencias de amor, pérdida, ansiedad, duelo, identidad y reconciliación, invitando al oyente a reconocer que el crecimiento no ocurre en línea recta, sino a través de procesos que constantemente nos transforman.

EL TRACK X TRACK DE APOLLO COMPLEX

Musicalmente, CICLOS fusiona el pop alternativo con elementos de indie pop, dream pop, folk pop, R&B y sutiles influencias latinas. El resultado es una propuesta íntima y contemporánea donde la voz suave y expresiva de Kaya Q se convierte en el hilo conductor de un relato profundamente humano.

Uno de los conceptos más poderosos del álbum es la presencia de la naturaleza como metáfora constante. Para Kaya Q, observar los ciclos naturales le permitió comprender que todo florece, todo cae y todo vuelve a comenzar. Esa filosofía atraviesa cada composición y termina convirtiéndose en el mensaje central del proyecto: la vida cambia constantemente, y nosotros cambiamos con ella.

1. nieve

Nieve abre el álbum con un suave inicio de piano, agregando texturas vocales, es el momento en el que todo parece detenido bajo una aparente calma, mientras por dentro comienza a gestarse una transformación profunda. La canción nace de la experiencia de amar a una persona con adicción a la cocaína y del desgaste emocional que implica intentar salvar a alguien que no está preparado para salvarse a sí mismo. La “nieve” funciona como una poderosa metáfora de la droga, pero también del frío, la distancia y la soledad que acompañan una relación marcada por la dependencia. Kaya retrata el momento en que el amor comienza a confundirse con el sacrificio y cómo, en el intento de rescatar al otro, uno también puede perderse. Más que una canción sobre la adicción, Nieve es una reflexión sobre los límites del amor y la dolorosa comprensión de que no siempre podemos cargar con las batallas de quienes amamos.

2. fantasma

Fantasma representa aquellos recuerdos, personas y versiones de nosotros mismos que continúan persiguiéndonos aun cuando creemos haberlas dejado atrás. Con una sección hablada en el álbum, el discurso de Kaya toma forma de poema musicalizado para dar paso a Vacía. Habla del peso de lo que no se dijo, de las heridas que permanecen invisibles y de la dificultad de desprenderse de un pasado que sigue apareciendo en cada paso.

3. vacía

Vacía retrata uno de los momentos más oscuros del álbum: la sensación de haberse perdido intentando cumplir las expectativas de los demás. La canción habla del vacío que deja vivir desconectado de uno mismo, de la ansiedad silenciosa y de la necesidad de detenerse para reconocer quiénes somos realmente. Más que una historia de dolor, representa el instante en el que comienza el despertar y entendemos que sanar implica volver a elegirnos. Con una instrumentación suave y una interpretación delicada la artista logra poner palabras difíciles de una forma orgánica y delicada.

4. ¿hay alguien ahí?

En ¿Hay alguien ahí? la soledad se convierte en protagonista. La canción refleja ese deseo de ser visto, comprendido y escuchado en medio del ruido del mundo. Es una conversación interna donde aparecen las dudas, el miedo al abandono y la búsqueda de respuestas que muchas veces solo pueden encontrarse dentro de uno mismo. La vulnerabilidad se convierte aquí en el primer paso hacia una conexión más auténtica con la propia esencia. A través de la música Kaya logra crear atmosferas frías y húmedas, que se mueven entre melodías suaves de piano y arreglos sutiles con una producción minimalista.

5. días de lluvia

Días de lluvia abraza la tristeza sin intentar ocultarla, abordando de manera honesta la experiencia de vivir con depresión y los pensamientos suicidas, un tema que aún continúa siendo difícil de nombrar y comprender socialmente. A través de una atmósfera melancólica e introspectiva, Kaya da voz a esos momentos en los que el peso de las emociones parece insoportable y la esperanza se vuelve casi imperceptible. La canción busca abrir una conversación necesaria sobre la salud mental, recordando la importancia de expresar aquello que muchas veces permanece en silencio.

6. hogar

Hogar retrata la pérdida desde una de sus formas más silenciosas: cuando una persona deja de ser el lugar donde nos sentíamos seguros. La letra a través de imágenes cotidianas como construir una casa juntos, llenar sus rincones de recuerdos y convertir pequeños momentos en un refugio compartido. Sin buscar culpables ni refugiarse en el rencor, Kaya Q expresa la confusión y el vacío que quedan cuando ese espacio construido con amor se derrumba inesperadamente. La instrumentación, marcada por la calidez de la guitarra acústica, una producción minimalista y delicados elementos percusivos, acompaña esa sensación de intimidad y fragilidad, convirtiendo Hogar en uno de los momentos más desnudos y emocionales de CICLOS.

7. sin raíces

Sin raíces habla del proceso de reconciliarse con la propia historia para volver a crecer. La canción explora cómo las heridas, las pérdidas y las experiencias que alguna vez nos hicieron sentir perdidos también forman parte de quienes somos, Kaya propone abrazarlo y reconocer que incluso las cicatrices pueden convertirse en el punto de partida para un nuevo comienzo. Es una reflexión sobre el renacer: comprender que echar raíces no significa permanecer inmóvil, sino aceptar todo lo vivido para florecer desde un lugar más consciente. Musicalmente, la canción continúa la transición iniciada en Hogar, acercándose a una instrumentación más acústica e íntima. Aunque incorpora una percusión más expansiva y momentos de mayor intensidad, conserva la delicadeza que caracteriza al álbum.

8. primer Amor

En Primer Amor, Kaya captura la nostalgia y la intensidad de una de las experiencias que más nos marcan: ese primer vínculo que nos enseña y deja huella, explorando la inocencia, la ilusión y las primeras heridas emocionales que terminan moldeando nuestra forma de relacionarnos. Musicalmente, la canción introduce un cambio dentro de CICLOS. Abre con un piano detuning que le aporta una identidad diferente al track y, poco a poco, evoluciona hacia una producción con una sensibilidad más pop.

9. mi Niña

Mi Niña es una carta de amor dirigida a la niña interior. Con una atmósfera íntima y reconfortante, Kaya Q abraza las heridas de la infancia desde la compasión y el entendimiento. La canción habla de proteger a esa versión más vulnerable de nosotros mismos, de reconocer el dolor que ha permanecido en silencio y de descubrir que sanar también significa volver a mirarnos con el amor que alguna vez nos hizo falta.

10. te Creí

Te Creí explora la decepción que nace cuando depositamos nuestra confianza en alguien que termina rompiéndola. Sin embargo, más allá de señalar al otro, la canción reflexiona sobre las ilusiones que dejan las relaciones humanas. Es un capítulo donde el desengaño abre el camino hacia una comprensión más profunda del amor propio y de los límites personales. Con una instrumentación que mezcla este sonido ambient de las primeras canción un groove mas pop y pegajoso.

11. Yo Primero

Después de haber transitado el dolor y la pérdida, Yo Primero representa un punto de inflexión. La canción reivindica la importancia de priorizar el bienestar emocional sin culpa, entendiendo que cuidarse no es egoísmo sino un acto de respeto hacia uno mismo. Es un himno a la autoestima, a recuperar la propia voz y a elegir conscientemente aquello que aporta paz y crecimiento. El track presenta elementos de producción muy interesantes, texturas de voces y cada vez un groove mas rápido que transmite esta sensación de libertad que fue construyendo el álbum hasta este punto.

12. Abuela

Abuela es uno de los capítulos más interesante y que marca el titulo a CICLOS. La canción comienza con una grabación de voz que evoca la presencia de la abuela de Kaya, creando una atmósfera íntima y profundamente nostálgica. Sin embargo, lejos de quedarse en el recuerdo, el tema transforma esa memoria en una reflexión sobre las heridas que atraviesan generaciones. A través de una producción que fusiona ritmos inspirados en el reguetón con paisajes sonoros ambient y una interpretación cargada de sensibilidad, la artista aborda la historia de una mujer que vivió el amor desde el sacrificio y el encierro, marcada por las creencias y estructuras de su época. En lugar de perpetuar ese dolor, Kaya Q convierte la canción en un acto de conciencia y liberación, reconociendo el legado de su abuela mientras decide romper con aquellos patrones que ya no desea heredar. Abuela no solo honra el pasado, sino que representa el momento en que un ciclo termina para que otro, más libre y consciente, pueda comenzar.

13. Ciclo Natural

Ciclo Natural representa la aceptación de una de las mayores enseñanzas de la naturaleza: todo cambia constantemente. La canción entiende que el crecimiento implica aprender a despedirse de personas, etapas y versiones de nosotros mismos para permitir que algo nuevo florezca. Con una mirada serena, invita a abrazar el cambio como una parte inevitable y profundamente hermosa de la vida.

14. Suelto

El álbum concluye con Suelto, una canción que simboliza la liberación definitiva. Después de recorrer el duelo, enfrentar las heridas y reencontrarse con la propia esencia, llega el momento de dejar ir aquello que ya cumplió su propósito. Es un cierre esperanzador que no habla de un final, sino de un nuevo comienzo. Kaya Q termina el viaje recordándonos que la vida nunca permanece estática: todo nace, todo se transforma y todo vuelve a empezar. Porque, al final, la vida son CICLOS.

Lejos de construir un álbum basado únicamente en la tristeza, CICLOS propone una reflexión sobre la capacidad de renacer. Canciones como “Vacía” retratan el momento de tocar fondo y reconocer la desconexión con uno mismo. “Mi Niña” se convierte en una carta de amor dirigida a la infancia, abrazando las heridas del pasado desde la compasión. Más adelante, “Abuela” explora el peso de las heridas heredadas entre generaciones, mientras “Ciclo Natural” y “Suelto” cierran la historia aceptando que dejar ir también forma parte de vivir.

CICLOS representa una declaración artística que no busca ofrecer respuestas fáciles, sino abrir conversaciones sobre la salud mental, el duelo, el amor propio y la importancia de reconectar con nuestra esencia en un mundo que con frecuencia nos empuja a ignorar lo que sentimos.

Pop/Pop Rock

El ritmo orgánico de Lucio Zerimar resuena en Buscar la Libertad

By Rafael Méndez / septiembre 25, 2026

El músico y sesionista Lucio Zerimar ha construido un bagaje técnico sólido sustentado en seis años de guitarra clásica, tres de guitarra jazz y estudios en música popular latinoamericana. Durante más de seis años ha recorrido hoteles, bares y festivales en Panamá, Colombia, México y Costa Rica, sosteniendo un ritmo constante de presentaciones en vivo. Esa extensa práctica territorial le ha permitido moldear una ejecución versátil y cercana al oyente.

La filosofía del autor concibe la creación sonora como una vía para reconectar con el entorno frente al avance digital. Para el artista, cada composición funciona como un paisaje con reglas propias donde convive la voz del monte y una pluralidad de elementos en un mismo ambiente. Esta búsqueda intenta recordar la pertenencia a algo más amplio, dotando a su propuesta de una intención reflexiva bien articulada.

En esta vertiente de exploración se presenta la difusión de su sencillo titulado Buscar la Libertad. La pista se configura como una propuesta pop-rock con influencias tropicales que establece un equilibrio armónico entre sus componentes. La canción avanza sobre un ritmo que acompaña lento pero con suficiente sabor para hacerte bailar, permitiendo que la percusión y los matices instrumentales mantengan una fluidez constante en el arreglo.

El aspecto sobresaliente de la producción radica en su enfoque en la parte vocal, donde la interpretación guía la línea melódica con claridad y aplomo. La combinación entre la base paulatina y los acentos tropicales sostiene la atmósfera sin sobrecargar el espacio sonoro. Con la presentación de Buscar la Libertad, el intérprete Lucio Zerimar firma una entrega coherente que reafirma la madurez conseguida a lo largo de su trayectoria.

Dreamy/Indie Pop/Pop

La sensibilidad confesional de sorrycarlee en Intimacy

By Rafael Méndez / septiembre 25, 2026

Antes de asumir la música como proyecto central, Carlee Chappell se perfilaba hacia un doctorado en psicología tras titularse en Lengua Inglesa y Psicología. La lógica guió sus decisiones durante años hasta que decidió atender la vocación de compositora que guardaba desde la infancia, influenciada por referentes del pop. Aquel cambio de rumbo marcó el inicio formal de su camino en la industria.

Su trayectoria se afianzó primero en la coescritura de canciones para intérpretes como Maddie Zahm, Francis Karel y Abigail Barlow. Con esa experiencia acumulada, dio vida al proyecto sorrycarlee, donde combina ganchos pop con letras crudas e introspectivas construidas a manera de diario abierto. Su propuesta explora momentos de desamor y autodescubrimiento con un enfoque confesional.

En este marco de composición personal se presenta la difusión de su sencillo titulado Intimacy. La pista se despliega como una propuesta de pop moderno con tintes dreamly que incorpora una capa de melancolía dada por la ambientación. La producción organiza las texturas sintéticas con cuidado, creando un espacio envolvente que sostiene la estructura rítmica sin sobrecargar la mezcla.

El apartado interpretativo destaca por la gran ejecución vocal de la artista, pues logra transmitir muy bien las intenciones con ese tono dulce, airoso y cadente. Su entrega estilística matiza cada línea lírica, ofreciendo una lectura cercana que equilibra el tono confesional con la fluidez de su sonido. Con el lanzamiento de Intimacy, sorrycarlee ratifica la solidez de su búsqueda sonora.

Pop Rock/Rock

El desarrollo minucioso de The Wirelight se afianza en Hitchcock

By Rafael Méndez / septiembre 25, 2026

Bajo el seudónimo de The Wirelight, el músico Lewis Beard ha desarrollado desde Atlanta un proyecto de estudio que combina la profundidad del cantautor con una minuciosa elaboración técnica. Su álbum debut, titulado Megaturquoise, es el resultado de un prolongado proceso de gestación iniciado a mediados de dos mil dieciocho. Durante ese tiempo, el artista perfeccionó gradualmente sus habilidades de producción, reestructurando las primeras composiciones en una búsqueda constante por afinar su identidad sonora dentro del rock independiente.

Aunque Beard ejecuta cerca del noventa por ciento de los instrumentos en sus grabaciones, recurrió a especialistas para incorporar arreglos específicos como trompeta o banjo. La mayoría de sus temas parten de un formato acústico en la guitarra antes de expandirse hacia texturas más complejas y capas eléctricas. Este enfoque artesanal le permite transformar ideas simples en arquitecturas dinámicas, logrando que las piezas evolucionen de forma orgánica sin perder el hilo conductor que sostiene todo el concepto del álbum.

Dentro de este variado catálogo destaca la difusión de su sencillo titulado Hitchcock. La pieza se caracteriza por ser una canción rock con un ritmo constante pero que es lo suficientemente interesante como para enganchar al oyente desde el inicio. Toda la instrumentación avanza de manera fluida, entrelazando las bases rítmicas con arreglos de guitarra que sostienen la tensión compositiva con notable precisión a lo largo de su desarrollo.

La producción de la pista refleja un balance cuidadoso en la mezcla, permitiendo que la voz y la base instrumental convivan con nitidez de principio a fin. Sin recurrir a artificios ni a excesos innecesarios, la propuesta muestra un trabajo paciente de carpintería musical que confirma la solidez de este proyecto de Atlanta. Con la presentación de Hitchcock, la iniciativa de The Wirelight se consolida como un rock bien planeado que destaca dentro del panorama alternativo actual.

Altpop/Electrónica/Pop

La pulsación sintética de Smidjal se afirma en Pop The Bottle

By Rafael Méndez / septiembre 25, 2026

El artista emergente Smidjal ha desarrollado una propuesta dentro del pop electrónico caracterizada por combinar letras introspectivas con ritmos atmosféricos. Su trayectoria despegó en dos mil veinticinco con el sencillo debut titulado I Wanna Fa, alcanzando cientos de miles de reproducciones. A través de entregas como Not Coming Home y su primer EP titulado ICONIC, el productor explora la soledad urbana desde la estética del lo-fi pop.

Reconocido por una voz profunda y resonante sostenida sobre ritmos irregulares, el proyecto captura la energía nocturna y la melancolía. Su trabajo entrelaza el indie electrónico con un sonido íntimo, posicionándose gradualmente en diversas listas de reproducción. Sin depender de modas efímeras, la propuesta anticipa futuras aproximaciones hacia la experimentación ambiental, afianzando la identidad de un autor que compone desde la serenidad de su propio espacio.

En este marco creativo se ubica la difusión de su sencillo titulado Pop The Bottle. La composición se despliega como una pieza de electro pop y dance pop que destaca por un excelente manejo de los sintetizadores, en específico los bajos. La estructura instrumental avanza sobre un pulso rítmico bien definido, construyendo un marco sonoro que mantiene la fluidez y la cohesión sonora a lo largo de todo el recorrido.

El punto central de la producción reside en la integración perfecta con la voz, haciendo una atmósfera sumamente adictiva para poner al menos a mover la cabeza a cualquiera que la escuche. La mezcla cuida el equilibrio entre las frecuencias graves y la interpretación vocal, entregando un tema directo y accesible. Con la llegada de Pop The Bottle, el músico Smidjal ratifica la evolución constante de su catálogo en el terreno electrónico.

Country

El sabor del country de Adrian and Meredith se despliega en They Can’t Make Wine in Tennessee

By Rafael Méndez / septiembre 25, 2026

El dúo Adrian and Meredith ha construido un camino propio en la escena folclórica desde su formación en dos mil quince. La propuesta reúne a dos intérpretes con orígenes musicales opuestos: Adrian, criado entre el rock, el punk y el Motown, ejecuta la guitarra acústica con técnica de banjo clawhammer, mientras que Meredith se formó en la música tradicional, tocando el violín y practicando el zapateo flatfoot clogging.

Ambos músicos mantienen una profunda conexión con las raíces inmigrantes de sus familias, un vínculo cultural que nutre la narrativa de sus composiciones. Con un promedio de casi ciento cincuenta presentaciones al año, el proyecto ha recorrido Estados Unidos, Canadá y diversos países europeos. Su trabajo celebra la diversidad de las tradiciones americanas, combinando la honestidad del folk con la vitalidad de sus presentaciones en directo.

Dentro de este amplio recorrido sonoro destaca la difusión de su canción titulada They Can’t Make Wine in Tennessee. Se trata de una propuesta meramente country, construida sobre un tono alegre y un aspecto algo rústico muy común dentro del buen country. La instrumentación avanza sobre un ritmo dinámico que sostiene la estructura de la composición con fluidez y soltura de principio a fin.

El aspecto central de la pista reside en una gran fusión de voces que se unen para hacer aún más rica su atmósfera sonora. La interacción entre ambos cantantes aporta textura y dinamismo a la mezcla, respetando la tradición del género sin descuidar la frescura de su ejecución. Con el lanzamiento de They Can’t Make Wine in Tennessee, el dúo Adrian and Meredith entrega un corte afianzado que enriquece su catálogo.

Nuevo Rock/Rock

La frescura de the dt’s resuena en el ritmo de Bummer

By Rafael Méndez / septiembre 25, 2026

Nacidos de la firme necesidad de comenzar desde cero, el dúo the dt’s comenzó a colaborar, escribir y registrar sus canciones desde sus estudios caseros. En sus presentaciones en vivo, la formación transita de manera armónica entre el rock, el blues y el power pop con soltura. Su propuesta entrelaza influencias clásicas con un enfoque pop moderno, donde el amor por las armonías vocales define la arquitectura de su trabajo.

Tras su EP debut titulado You With Me en dos mil veintidós y sencillos como Refresh o All In My Head, la banda capturó su potencia en directo con el disco Live at Lakehouse Studios. Su trayectoria sumó hitos importantes como presentarse en el legendario Bowery Ballroom y en el WAWY Showcase. Recientemente han abierto shows para proyectos como Supersonic, Jake Thistle y Penelope Road en el marco del North2Shore Festival.

En medio de este recorrido en constante expansión se sitúa la presentación de su sencillo Bummer. La canción cuenta con un ritmo rico y enganchante que muestra lo mejor del rock con una vibra relajada de principio a fin. Su arquitectura instrumental avanza con soltura, sosteniendo una atmósfera dinámica y hasta cierto punto alegre que atrapa la atención del oyente sin recurrir a arreglos sobrecargados en la mezcla.

El apartado interpretativo destaca por unas voces que transmiten esa misma sensación de tranquilidad y frescura en cada compás. La combinación de las líneas melódicas con la base rítmica consolida sin duda un gran rock con matices garaje que reafirma la capacidad del grupo para renovar sus referencias. Con el lanzamiento de Bummer, la agrupación the dt’s ratifica la solidez de su propuesta dentro de la escena.

La Nueva Ola!

LA NUEVA OLA 2026 #594 | Freedom Fry, RXW, JACQUELINE

By Neto Cuc / septiembre 25, 2026

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.

Freedom Fry – She Fell in Love on the Dance Floor | Estados Unidos

“She Fell in Love on the Dance Floor” es el nuevo sencillo de Freedom Fry, un dúo que combina el indie pop con una sensibilidad soñadora y cinematográfica. Inspirada en los viajes nocturnos, las pistas de baile y esas conexiones instantáneas que pueden surgir en una noche cualquiera, la canción captura una sensación de libertad, romance y descubrimiento.

RXW – Bad Habits

“Bad Habits” de RXW explora la atracción hacia aquello que sabemos que no deberíamos hacer o hacia personas que sabemos que no nos hacen bien. La canción se adentra en esa contradicción entre reconocer todas las señales de advertencia y, aun así, elegir acercarse al peligro en lugar de alejarse. A través de una atmósfera oscura y emocional, RXW aborda el lado más complejo del deseo, la tentación y los patrones difíciles de romper, mostrando cómo la conciencia no siempre es suficiente para ejercer autocontrol. El tema captura así la incómoda verdad de sentirse atraído precisamente por aquello que sabemos que puede hacernos daño.

JACQUELINE – MONEY FEVER

“Money Fever” de JACQUELINE es un tema de rock psicodélico con espíritu surfero que reflexiona sobre la obsesión por el dinero en la sociedad actual. La banda apuesta por una producción de sonido old school, diseñada para encajar con su estética vintage y acercarse a la energía de sus presentaciones en directo. El resultado es una canción que combina riffs y atmósferas psicodélicas con una mirada crítica hacia la llamada “fiebre del dinero” y su influencia en la vida contemporánea.

Dance/Electrónica/Indie Pop/Nuevas Voces Femeninas

Róisín McCarney abraza la oscuridad y encuentra esperanza en “The Shadow”

By Neto Cuc / septiembre 25, 2026

Róisín McCarney continúa transformando sus experiencias personales en canciones cargadas de emoción con “The Shadow”, el segundo sencillo de su próximo EP Divas Have Down Days. La cantante y compositora de Glasgow presenta en este nuevo lanzamiento una faceta más vulnerable y oscura de su recorrido, abordando de manera directa las dificultades relacionadas con su salud mental.

El tema forma parte de un proyecto que recorre los últimos dos años de la vida de McCarney, marcados por su lucha contra el cáncer. Si el primer sencillo, “Diva”, funciona como un himno de amor propio, poder y resiliencia, “The Shadow” se adentra en los momentos más complicados de ese proceso, poniendo en palabras las emociones que pueden aparecer incluso después de haber encontrado fuerza para seguir adelante.

Uno de los elementos más interesantes de la canción es el contraste entre su contenido y su producción. La honestidad y vulnerabilidad de la composición se encuentran envueltas en una producción pop y dance, creando un espacio donde la tristeza y la esperanza pueden convivir. En lugar de ocultar los días difíciles, McCarney los convierte en parte de su historia y los transforma en una experiencia musical que invita a sentir y liberar esas emociones.

“The Shadow” también refuerza la identidad artística de Róisín McCarney, quien encuentra en la música una vía para procesar experiencias personales y conectar con quienes atraviesan situaciones similares. Su propuesta combina influencias del pop contemporáneo con letras profundamente personales, buscando que esa vulnerabilidad se convierta en un punto de encuentro con el público. Con Divas Have Down Days, McCarney construye un relato sobre supervivencia, amor propio, salud mental y esperanza. “The Shadow” representa precisamente ese lado menos luminoso del camino, pero también recuerda que los malos días no son permanentes. Como sugiere el espíritu de la canción, incluso cuando todo parece oscuro, siempre existe la posibilidad de encontrar esperanza. Y, en este caso, también un lugar donde llorar, bailar y seguir adelante.

La Nueva Ola!

LA NUEVA OLA 2026 #593 | the gilman project, Matheo Bermúdez, Jensen & Company

By Neto Cuc / septiembre 25, 2026

the gilman project – Gulf of America

The Gilman Project es un colectivo de la Bahía de San Francisco que combina folk, rock y pop para transformar las tensiones de la vida contemporánea en canciones profundamente humanas y reflexivas. En “Gulf of America”, la banda explora la relación entre geografía, identidad y pertenencia a través de un sonido folk-rock orgánico y una escritura contemplativa que invita a cuestionar el significado que damos a los lugares y las historias que construimos alrededor de ellos. El resultado es una canción que une sensibilidad, conciencia y una mirada crítica sobre la manera en que cambiamos nuestra percepción del mundo.

Matheo Bermúdez – Amar, Luchar, Crear | Colombia

Matheo Bermúdez es un cantautor colombiano que combina sonidos acústicos y atmósferas ambient con una sensibilidad íntima y reflexiva, influenciado por artistas como Elliott Smith y Luis Alberto Spinetta. Tras iniciar su camino con composiciones instrumentales y publicar en 2023 su álbum conceptual Lose Ideals, Fit, End, presenta “Amar, Luchar, Crear”, su primer sencillo, una canción que resume su visión de la vida en tres palabras: amar, luchar y crear. El tema propone estos tres conceptos como un sencillo manual para afrontar la existencia, reivindicando el amor, la perseverancia y la creatividad como fuerzas esenciales para avanzar.

Jensen & Company – The Good | Estados Unidos

“The Good” de Jensen & Company es una canción original escrita por Heidi Jensen North que celebra la bondad, la compasión y la capacidad de las personas para unirse y generar un impacto positivo en el mundo. Grabada en RockingHorse Studio, New Hampshire, y en Nashville, la canción está acompañada por un videoclip que presenta una historia de intervención angelical y encuentros humanos, transmitiendo un mensaje cálido sobre el poder de trabajar juntos y compartir más amor con los demás.

La Nueva Ola!

LA NUEVA OLA 2026 #592 | CW2, Club Coma, Rochebonne

By Neto Cuc / septiembre 25, 2026

CW2 – Ashes to Ashes | Estados Unidos

CW2 es un artista de Colorado que se mueve con libertad entre distintos géneros como cantante, rapero, multiinstrumentista, productor y compositor. Desde que comenzó a publicar música original en 2020, ha desarrollado un estilo versátil que combina influencias tan diversas como el country de Hank Williams, el punk de Green Day, el hip hop de bbno$ y $uicideboy$, y las melodías indie de Peach Pit. Esta mezcla de referencias le permite crear una propuesta ecléctica y personal, marcada por la experimentación y la libertad para cruzar fronteras entre géneros.

Club Coma – Those Days Are Over

Club Coma presenta “Those Days Are Over”, un tema que aborda el cierre de ciclos y la necesidad de dejar atrás el pasado para avanzar hacia nuevas etapas. Con una producción envolvente y una interpretación cargada de sinceridad, la canción encuentra un equilibrio entre la nostalgia por lo vivido y la esperanza que acompaña a los nuevos comienzos. El resultado es una pieza emotiva y personal que refleja la capacidad de la banda para combinar sensibilidad y experimentación dentro de su particular universo sonoro.

Rochebonne – Eternal Fame | Francia

Rochebonne es una banda que combina la energía del rock con melodías pop, creando un sonido pensado para hacer bailar al público. Su propuesta se apoya en riffs contundentes, estribillos himnóticos y una interpretación cargada de energía. Con su sencillo debut, “Eternal Fame”, la banda establece desde el primer momento una identidad dinámica y directa, donde la fuerza del rock se encuentra con el carácter pegadizo del pop.