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“Cintas Perdidas: México” el cruce entre rock alternativo y música latinoamericana de Love Ghost

By Neto Cuc / septiembre 6, 2026

Love Ghost es un proyecto estadounidense de rock alternativo que ha desarrollado una identidad musical marcada por el emo, el grunge, el metal alternativo, el hip-hop y, en años recientes, distintas influencias latinoamericanas. Su propuesta combina canciones de tono confesional con una estética oscura y una narrativa visual inspirada en la poesía, la melancolía y el imaginario gótico.

Uno de los elementos más constantes en su música es la exploración de temas como el aislamiento, las relaciones, la pérdida, la vulnerabilidad y las dificultades relacionadas con la salud mental. Las letras suelen situarse en un territorio emocional intenso, algo que conecta al proyecto con una tradición del rock alternativo y el emo en la que la experiencia personal funciona como materia prima para la composición. Su música incorpora elementos de diferentes escenas, las guitarras y la atmósfera remiten en ocasiones al grunge y al rock alternativo, mientras que determinadas producciones incorporan estructuras, voces o recursos asociados al hip-hop. También existe una búsqueda deliberada de conexión con la música latinoamericana, especialmente a través de sus colaboraciones con artistas de México y otros países.

Esta apertura de géneros se refleja particularmente en Cintas Perdidas: México, un proyecto concebido durante el periodo en que Love Ghost se trasladó de Estados Unidos a México.

Cintas Perdidas: México es un álbum de Love Ghost construido alrededor de una idea sencilla pero amplia: documentar musicalmente la experiencia de vivir entre dos culturas. El proyecto nació durante el periodo en que el grupo dejó Estados Unidos para establecerse en México y comenzó, según la descripción del propio proyecto, como una colección de demos grabados de manera casera. Posteriormente, esas grabaciones fueron llevadas al estudio, conservando parte de la emoción de las interpretaciones originales mientras se ampliaba su producción.

El resultado es un disco de carácter bilingüe, con canciones en inglés y español, que se mueve entre distintos territorios del rock alternativo contemporáneo. Emo, grunge, rock alternativo, hip-hop y elementos asociados a la música latinoamericana aparecen en diferentes momentos del proyecto. Más que intentar permanecer dentro de un género específico, Cintas Perdidas: México funciona como una colección de cruces estilísticos.

El Track x Track de Cintas Perdidas: México

1. Fragrance — Love Ghost y Sofia Thompson

“Fragrance” puede entenderse como una canción sobre la memoria emocional y la manera en que ciertas personas permanecen presentes incluso después de haberse ido. El título evoca algo invisible pero persistente: un aroma que permanece en un espacio después de que su origen desaparece. La colaboración con Sofia Thompson introduce una segunda perspectiva dentro de esta idea, con un sonido que nos da remembranza al pop punk de los dos mil, los dos artistas llevan esta esencia a un refresh lleno de cajas de ritmo y una sensación pop que te hace conectar fácilmente, la voz de Sofia nos da esa dulzura que la propia instrumental tiene y nos hace ponernos mas sentimentales.

2. Float Away

“Float Away” mantiene este tono melancólico y pop de la canción anterior, hasta ahora el inicio del disco nos lleva principalmente por estos sonidos que puede venir de géneros como el trap o hip hop, con una esencia super pop, las guitarras de fondo nos dan este tono super pop punk pero sin robar protagonismo, principalmente la parte vocal en esta y la canción anterior son el eje principal de las canciones.

3. TIME TRAVEL — Love Ghost y Yung Dupe

“TIME TRAVEL” nos lleva a una sorpresiva colaboración con Yung Dupe amplía el alcance de la canción hacia una conversación entre distintas generaciones y lenguajes, con un tono oscuro la canción crea un amiente perfecto mas orientado al hip hop en cuanto a su base dándole un panorama donde se siente muy orgánico la colaboración de ambos artistas. Conceptualmente, el tema encaja con uno de los ejes del álbum: mirar hacia atrás mientras se intenta comprender quién se es en el presente.

4. Replace — Love Ghost y Jozue

“Replace” tiene un sonido melancólico combinando sintetizadores pop, una base hip hop y la presencia de Jozue permite que la canción se sitúe dentro del carácter colaborativo y multicultural que define buena parte del proyecto, la voz de Jozue la da unas texturas muy interesantes transportándonos quizás al estilo vocal de Bad Bunny pero en un contexto super diferente, que es este pop punk emocional de Love Ghost.

5. Ignore

“Ignore” el título puede leerse tanto como una acusación dirigida a otra persona como una descripción de la propia incapacidad para enfrentarse a determinados sentimientos. Dentro del álbum, representa una faceta de la vulnerabilidad que no necesariamente se expresa mediante confrontación, sino mediante evasión y silencio. Para esta parte del disco el uso de la caja de ritmos y estas atmosferas pop son parte esencial del sonido del disco, canciones ligeras y emocionales que te hacen conectar con este sentimiento de sentirte perdido.

6. UNDERWATER — Love Ghost y Ardis

“UNDERWATER” se presenta con una guitarra cristalina y nostálgica, ajo la superficie, el mundo exterior se vuelve distante, el sonido cambia y la comunicación se dificulta. Esa metáfora conecta directamente con algunos de los temas centrales de Cintas Perdidas: México: sentirse separado de los demás, intentar salir de un estado emocional y encontrar una forma de respirar nuevamente. La colaboración con Ardis añade otra voz a ese espacio de aislamiento, una voz dulce pero melancólica nos hace conectar con esa sensación de sentirse sumergido en esta capa de emociones, musicalmente el tema se siente mas del lado del hip hop y hace match con el sonido fusión que presenta el disco.

7. Insane Asylum

De manera natural la canción “Insane Asylum” nos presenta un sonido mas agresivo del lado del hi hop, escuchando nuevos elementos clásicos del genero como las cuerdas sintetizadas y figuras vocales agresivas, permitiendo evolucionar el sonido del álbum a algo mas urbano sin perder el tono que venia manejando, es uno de los títulos más explícitos del álbum en relación con la percepción de la salud mental. Más que interpretarlo literalmente, el concepto puede funcionar como una representación de una mente convertida en un lugar del que resulta difícil escapar. El título también plantea una tensión entre la percepción externa y la experiencia interna: quién decide qué es normal, quién es considerado diferente y qué ocurre cuando una persona siente que no encaja en su entorno. Con elementos religioso en español la canción funsiona muy bien para generar una tensión que el disco arropa bien para seguir creciendo.

8. Dear Boy — Love Ghost y Rayben

“Dear Boy” con la participación de Rayben nos lleva a un mundo visual con un video donde vemos a un astronauta explorando un mundo desolado pero lleno de recuerdo, con cajas 808 y voces emocionales la canción contribuye al carácter interpersonal del tema, la voz de Rayben contrasta muy bien con la de Love Ghost, contándonos una historia de extrañar y estar esperando esa presencia de algo o alguien que extrañamos.

9. GOD COMPLEX — Love Ghost y Dimelow Pro

“GOD COMPLEX” introduce una dimensión más psicológica y confrontacional. El concepto de un “complejo de Dios” puede referirse a la necesidad de controlar el entorno, sentirse superior o asumir una responsabilidad imposible sobre la propia vida y la de los demás. Dentro de un álbum preocupado por la identidad y las contradicciones humanas, el título permite explorar el límite entre poder y vulnerabilidad. La colaboración con Dimelow Pro suma otra dimensión a una canción que, conceptualmente, cuestiona la necesidad de tener siempre el control. Con un video post apocalíptico la canción nos lleva a escuchar la voz de Love Ghost en español, combinando con texturas de sintetizadores y una rispy voice que hace que se sienta muy natural su participación e el idioma, mientras que Dimelow Pro navega el sonido de la canción con mucha naturalidad, agregándole mucho peso al cambio de sonido del álbum hacia algo mucho mas trap.

10. Runnin’ with the Wolves — Love Ghost y El Burger

“Runnin’ with the Wolves” utiliza una imagen animal para hablar de pertenencia, supervivencia y transformación. Los lobos pueden representar tanto una amenaza como una comunidad: correr con ellos implica abandonar temporalmente las reglas del mundo exterior para encontrar un lugar entre quienes comparten una naturaleza similar. Increíblemente hemos pasado de un sonido melancólico y emocional a un trap agresivo, y esto se siente super natural justo por la selección de temas y colaboraciones yendo de voces dulces a elementos mas agresivos, gritos y un estilo que logra fusionar estas dos caras del disco, dandole a la colaboración con El Burger una conexión mas con el entorno musical mexicano.

11. TELEVISE

Me encanta el momento en que entra “TELEVISE”, después de un pick agresivo en Runnin’ with the Wolves, la atmosfera de TELEVISE se siente nuevamente melancólica y emotiva, pero manteniendo este lado hip hop del disco, las capas de sintetizadores le aportan nuevamente esa dulzura para ir preparando el final del disco. El verbo asociado a la televisión implica observar, transmitir y transformar una experiencia en algo que otros pueden consumir. Esa idea resulta especialmente compatible con un proyecto que trabaja constantemente entre lo personal y lo performático: una emoción puede ser genuina y, al mismo tiempo, convertirse en una representación artística.

12. Should’ve Known

Nuevamente regresan las guitarras en “Should’ve Known” de forma sutil, así como la sensación mas pop punk melancólico, con una interpretación vocal emocional y capas atmosféricas de sintetizadores, la canción nos sumerge en la noche y pensamientos que vienen en ese momento donde las ideas retoman las complicaciones de tu propia mente.

13. WASSUP — Love Ghost y Dani Torres

Marcando el contraste final entre “Should’ve Known” y “WASSUP”, Love Ghost nos recuerda cual es la fusion principal de su musica, pasar de lo melancólico a este sonido agresivo y un título deliberadamente cotidiano y conversacional que contrasta con algunos de los conceptos más oscuros del álbum. Esa informalidad puede representar otra dimensión de la experiencia humana: incluso dentro de un contexto marcado por el aislamiento, el trauma y la introspección, existe espacio para la conexión, la energía social y la interacción directa. La colaboración con Dani Torres y una letra contundente cierra el recorrido con otra conexión entre Love Ghost y la escena latinoamericana, reforzando el carácter híbrido de Cintas Perdidas: México.

Vistas en conjunto, las 13 canciones pueden entenderse como distintas perspectivas sobre una misma experiencia: intentar comprender quién se es mientras se navega entre relaciones, recuerdos, aislamiento, pérdida y pertenencia. Los títulos recorren desde la memoria y el arrepentimiento hasta la necesidad de escapar, el conflicto con uno mismo y la búsqueda de comunidad.

Las colaboraciones cumplen una función importante dentro de ese recorrido. En lugar de presentar el álbum como una experiencia exclusivamente individual, Cintas Perdidas: México incorpora diferentes voces y perspectivas, especialmente provenientes de la escena latinoamericana. Esa estructura refuerza el concepto central del proyecto: una identidad que se encuentra entre lugares, idiomas y mundos musicales distintos. Al mismo tiempo, esa amplitud estilística puede ser interpretada de distintas maneras. Para algunos oyentes, la capacidad de combinar emo, grunge, metal, hip-hop y sonidos latinoamericanos constituye precisamente uno de los aspectos más interesantes del proyecto. Para otros, la cantidad de influencias puede hacer más difícil ubicar a Love Ghost dentro de una escena musical concreta. Esa tensión entre identidad definida y experimentación es, de hecho, una de las características centrales de su propuesta.

Visualmente, el proyecto utiliza una estética de inspiración gótica y romántica, con imágenes relacionadas con fantasmas, decadencia, máscaras, rosas, sangre y otros símbolos asociados con la vulnerabilidad y la transformación. Esta dimensión visual complementa la música y convierte a Love Ghost en algo más amplio que una propuesta estrictamente musical.

Lo que sí resulta evidente es que Love Ghost ha construido su trayectoria alrededor de la experimentación y de una relación directa entre música, imagen y experiencia emocional. En un panorama donde las fronteras entre géneros son cada vez menos rígidas, su propuesta representa otro ejemplo de cómo el rock alternativo busca nuevos espacios y nuevas audiencias sin abandonar por completo sus raíces.

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Soft Cuff presenta Thick Heat, explorando los cruces entre el funk, la psicodelia y el groove

By Neto Cuc / agosto 29, 2026

Soft Cuff es una banda instrumental originaria de St. Petersburg, Florida, que comenzó a tomar forma a finales de 2023 a partir de las sesiones musicales entre el bajista Brian Schanck y el multiinstrumentista Michael “Mikey” Bostinto. El proyecto surgió de manera relativamente espontánea: lo que inicialmente eran sesiones de trabajo terminó convirtiéndose en un repertorio propio y, posteriormente, en una banda.

A ellos se sumaron el guitarrista Shane Schuch y la tecladista y percusionista Christina Sanchez, configurando la formación que llevó las primeras composiciones al escenario. En sus primeros lanzamientos, Soft Cuff se presentó como un proyecto de psych-groove instrumental, con influencias que abarcan el funk, el soul, el jazz, el hip-hop y el rock psicodélico.

Soft Cuff, banda formada en St. Petersburg, Florida, presenta su primer álbum de larga duración, Thick Heat. El lanzamiento llega poco menos de tres años después de la formación del grupo y representa una ampliación de la propuesta instrumental que la banda había desarrollado en sus primeros trabajos.

A diferencia de una banda centrada en canciones vocales, Soft Cuff construye buena parte de su identidad a través de los arreglos instrumentales, los cambios de textura y el desarrollo de los riffs. En ese sentido, Thick Heat continúa una línea que ya estaba presente en sus primeros lanzamientos, aunque amplía el espectro de influencias y de instrumentos utilizados.

Uno de los elementos más evidentes de Thick Heat es su interés por el ritmo. El funk aparece como uno de los puntos de partida, pero no como una fórmula cerrada. A lo largo del álbum se incorporan recursos asociados al rock psicodélico, el soul, el jazz, el hip-hop y la música cinematográfica.

El Track x Track de “Thick Heat”

1. “Pico Suave”
“Pico Suave” abre Thick Heat con un ambiente hipnótico y relajado que introduce buena parte del lenguaje instrumental de Soft Cuff. La percusión establece un pulso juguetón mientras las guitarras aportan tonos cálidos y envolventes. El bajo avanza con una cadencia pausada y se integra con una batería constante, creando una pieza instrumental como mucho groove y atmósfera. Es una apertura que presenta al oyente un sonido más interesado en construir espacios que en apresurarse hacia un clímax, yendo del groove a lo ligeramente psicodélico.

2. “Me? I’ll Have That”
Con una conexión directa del ritmo el segundo track del disco “Me? I’ll Have That” conserva parte del carácter percusivo del primer tema, aunque incorpora una mayor presencia del funk. El bajo adquiere protagonismo y las guitarras se muestran más brillantes y funky, mientras los teclados añaden brillo y profundidad. La canción va incrementando su intensidad hasta alcanzar una sección pausada protagonizada por el bajo, los cambios entre texturas más suaves y pasajes se transforman en un riff ligeramente distorsionado que va dirigiendo la sección final mientras los teclado crean esa tensión “rica” que nos encanta para terminar el track.

3. “Mystery Box”
“Mystery Box” en lugar de depender de una estructura vocal tradicional, Soft Cuff utiliza la interacción entre los instrumentos para mantener la sensación de descubrimiento que sugiere el título, llena de riffs y arreglos que van tomando protagonismo durante 3:34 minutos, con un sonido retro y a la vez moderno hasta ahora el álbum nos recuerda a bandas como Chicano Batman, pasando del groove y funk a ritmos mas latinos agregándole texturas de sintetizadores setenteros que te harán perderte en su sonido.

4. “Rudy”
“Rudy” se adentra con mayor claridad en la faceta psicodélica de Soft Cuff. Los teclados, particularmente el órgano, aportan una textura colorida que se combina con guitarras que alternan entre riffs impulsados por el ritmo y momentos de mayor intensidad. El tema incorpora cambios de dinámica y pausas que interrumpen temporalmente el flujo antes de recuperar su amplitud instrumental. También aparecen matices de reggae dentro de su estructura, ampliando la combinación de referencias que caracteriza al álbum.

5. “Short Moves”
“Short Moves” nos lleva a un momento de calma con su intro, un e piano suave y delicado, mientras el groove va creciendo y la interacción instrumental ocupen el centro. Dentro del disco, el tema tiene una sensación mas reflexiva y lenta pero conservando este groove retro que caracteriza a la banda, especialmente en el coro. El tema forma parte de una secuencia en la que Soft Cuff alterna diferentes grados de intensidad y textura, evitando que el álbum quede limitado a una única aproximación psicodélica o funk. Su presencia contribuye al carácter cambiante del disco y a la sensación de que cada composición funciona como una variación sobre el lenguaje general de la banda.

6. “Neon Sanders”
“Neon Sanders” añade otra tonalidad al universo de Thick Heat. El título evoca una estética urbana y cinematográfica , como ocurre en buena parte del álbum, el interés está menos en una narrativa explícita que en la manera en que los instrumentos pueden sugerir escenas, movimientos y ambientes. La canción amplía así el recorrido antes de llegar a la pieza que da nombre al álbum. La canción explota con un outro final lleno de sintetizadores y un ritmo mas agresivo que hacen que la pieza te lleve de una sensación de caminar por la calle al caos explosivo del final de una historia.

7. “Thick Heat”
La canción que da título al álbum constituye uno de sus momentos más cinematográficos. Con algo más de cinco minutos, desarrolla una atmósfera que recuerda a determinadas bandas sonoras de los años setenta. Las guitarras presentan sonidos suaves y elegantes, mientras los efectos y sintetizadores espaciales amplían el paisaje sonoro. El resultado se mueve entre el misterio de una película de espionaje y una estética más sensual asociada con ciertas producciones de aquella década, manteniendo siempre el carácter instrumental del grupo.

8. “What’s A Question Mark Sound Like?”
“What’s A Question Mark Sound Like?” reúne funk, psicodelia, soul, rock, y algunos toques de world music. La guitarra, los teclados y la sección rítmica se combinan para producir una composición dinámica, juguetona y orientada al groove. La canción toma todos estos elementos crenado un jam con todo los elementos que venia presentando en canciones anteriores, suavidad, sintes retros, bajos con mucho groove y crechendos que pasan de lo latín al rock de manera natural.

9. “S’good Enuff”
“S’good Enuff” se encuentra hacia el cierre del álbum y forma parte de la última etapa del recorrido musical planteado por Soft Cuff. El título, deliberadamente coloquial, también refleja el sentido de humor y la informalidad que aparecen en distintos aspectos de la identidad de la banda, en esta ocasión reflejando este tono super funk como parte de su identidad.

10. “Scorsese’s Dream”
“Scorsese’s Dream” cierra Thick Heat, la canción transmite una sensación cercana al cine de espías y atracos, aunque esa cualidad funciona como una impresión que produce la música y no como el concepto a partir del cual fue compuesta. El bajo aporta un movimiento constante mientras las guitarras pasan de momentos más atmosféricos a líneas ascendentes y secciones de mayor intensidad. Hacia la mitad, el ritmo se ralentiza antes de recuperar fuerza para un cierre más contundente y orientado al rock. Como último tema del disco, resume algunos de los recursos que aparecen a lo largo de Thick Heat, particularmente el groove, las texturas de guitarra y la capacidad de Soft Cuff para generar una atmósfera cinematográfica sin recurrir a una narrativa vocal.

Entre los artistas con los que Soft Cuff ha sido comparado se encuentran Khruangbin, BADBADNOTGOOD, Menahan Street Band, The Budos Band, El Michels Affair, Mildlife y Surprise Chef. Las comparaciones sirven como referencia para entender el terreno musical en el que se mueve el grupo, aunque Thick Heat no se limita a reproducir ninguno de esos estilos.

La incorporación de diferentes instrumentos de percusión es también parte importante de la evolución que plantea el álbum. En lugar de utilizar la guitarra como único elemento protagonista, Soft Cuff distribuye el peso de las composiciones entre el ritmo, el bajo, las guitarras y las diferentes capas percusivas.

La ausencia de una voz como elemento principal cambia la manera en que Soft Cuff aborda sus composiciones. En Thick Heat, los instrumentos tienen que asumir funciones que tradicionalmente pueden recaer sobre una melodía vocal: crear tensión, establecer una atmósfera y conducir el desarrollo de las canciones.

El resultado sitúa a Soft Cuff en un espacio entre la recuperación de sonidos vintage y la búsqueda de una estética contemporánea. Su apuesta por la música instrumental también los diferencia dentro de un panorama en el que la voz continúa siendo el principal vehículo narrativo para buena parte de las propuestas de rock y música alternativa.

Acústico/Altpop/Dreamy/Etereo/Folk/Latin/Lo Mejor de la Semana/Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Pop/Nuevos Sonidos

Kaya Q convierte la vulnerabilidad en arte con CICLOS, un álbum sobre sanar y volver a empezar

By Neto Cuc / julio 16, 2026

Kaya Q llega como una artista que ha decidido hacer de la honestidad su mayor fortaleza, de raíces colombianas y alemanas, la cantante y compositora ha construido un universo donde el pop alternativo, el indie pop, el dream pop, el R&B y las influencias latinas conviven con naturalidad, dando vida a un estilo íntimo, emocional y sin fronteras.

Kaya ha apostado en su nuevo trabajo sonoro por detenerse, mirar hacia adentro y contar una historia completa. Con CICLOS, su álbum debut, la artista presenta un proyecto conceptual que explora la transformación personal desde la honestidad, convirtiendo cada canción en un capítulo de un mismo viaje emocional.

Durante tres años de creación, Kaya Q construyó un universo sonoro inspirado en la década que más marcó su vida: sus veintes. A través de catorce canciones, el álbum recorre experiencias de amor, pérdida, ansiedad, duelo, identidad y reconciliación, invitando al oyente a reconocer que el crecimiento no ocurre en línea recta, sino a través de procesos que constantemente nos transforman.

EL TRACK X TRACK DE APOLLO COMPLEX

Musicalmente, CICLOS fusiona el pop alternativo con elementos de indie pop, dream pop, folk pop, R&B y sutiles influencias latinas. El resultado es una propuesta íntima y contemporánea donde la voz suave y expresiva de Kaya Q se convierte en el hilo conductor de un relato profundamente humano.

Uno de los conceptos más poderosos del álbum es la presencia de la naturaleza como metáfora constante. Para Kaya Q, observar los ciclos naturales le permitió comprender que todo florece, todo cae y todo vuelve a comenzar. Esa filosofía atraviesa cada composición y termina convirtiéndose en el mensaje central del proyecto: la vida cambia constantemente, y nosotros cambiamos con ella.

1. nieve

Nieve abre el álbum con un suave inicio de piano, agregando texturas vocales, es el momento en el que todo parece detenido bajo una aparente calma, mientras por dentro comienza a gestarse una transformación profunda. La canción nace de la experiencia de amar a una persona con adicción a la cocaína y del desgaste emocional que implica intentar salvar a alguien que no está preparado para salvarse a sí mismo. La “nieve” funciona como una poderosa metáfora de la droga, pero también del frío, la distancia y la soledad que acompañan una relación marcada por la dependencia. Kaya retrata el momento en que el amor comienza a confundirse con el sacrificio y cómo, en el intento de rescatar al otro, uno también puede perderse. Más que una canción sobre la adicción, Nieve es una reflexión sobre los límites del amor y la dolorosa comprensión de que no siempre podemos cargar con las batallas de quienes amamos.

2. fantasma

Fantasma representa aquellos recuerdos, personas y versiones de nosotros mismos que continúan persiguiéndonos aun cuando creemos haberlas dejado atrás. Con una sección hablada en el álbum, el discurso de Kaya toma forma de poema musicalizado para dar paso a Vacía. Habla del peso de lo que no se dijo, de las heridas que permanecen invisibles y de la dificultad de desprenderse de un pasado que sigue apareciendo en cada paso.

3. vacía

Vacía retrata uno de los momentos más oscuros del álbum: la sensación de haberse perdido intentando cumplir las expectativas de los demás. La canción habla del vacío que deja vivir desconectado de uno mismo, de la ansiedad silenciosa y de la necesidad de detenerse para reconocer quiénes somos realmente. Más que una historia de dolor, representa el instante en el que comienza el despertar y entendemos que sanar implica volver a elegirnos. Con una instrumentación suave y una interpretación delicada la artista logra poner palabras difíciles de una forma orgánica y delicada.

4. ¿hay alguien ahí?

En ¿Hay alguien ahí? la soledad se convierte en protagonista. La canción refleja ese deseo de ser visto, comprendido y escuchado en medio del ruido del mundo. Es una conversación interna donde aparecen las dudas, el miedo al abandono y la búsqueda de respuestas que muchas veces solo pueden encontrarse dentro de uno mismo. La vulnerabilidad se convierte aquí en el primer paso hacia una conexión más auténtica con la propia esencia. A través de la música Kaya logra crear atmosferas frías y húmedas, que se mueven entre melodías suaves de piano y arreglos sutiles con una producción minimalista.

5. días de lluvia

Días de lluvia abraza la tristeza sin intentar ocultarla, abordando de manera honesta la experiencia de vivir con depresión y los pensamientos suicidas, un tema que aún continúa siendo difícil de nombrar y comprender socialmente. A través de una atmósfera melancólica e introspectiva, Kaya da voz a esos momentos en los que el peso de las emociones parece insoportable y la esperanza se vuelve casi imperceptible. La canción busca abrir una conversación necesaria sobre la salud mental, recordando la importancia de expresar aquello que muchas veces permanece en silencio.

6. hogar

Hogar retrata la pérdida desde una de sus formas más silenciosas: cuando una persona deja de ser el lugar donde nos sentíamos seguros. La letra a través de imágenes cotidianas como construir una casa juntos, llenar sus rincones de recuerdos y convertir pequeños momentos en un refugio compartido. Sin buscar culpables ni refugiarse en el rencor, Kaya Q expresa la confusión y el vacío que quedan cuando ese espacio construido con amor se derrumba inesperadamente. La instrumentación, marcada por la calidez de la guitarra acústica, una producción minimalista y delicados elementos percusivos, acompaña esa sensación de intimidad y fragilidad, convirtiendo Hogar en uno de los momentos más desnudos y emocionales de CICLOS.

7. sin raíces

Sin raíces habla del proceso de reconciliarse con la propia historia para volver a crecer. La canción explora cómo las heridas, las pérdidas y las experiencias que alguna vez nos hicieron sentir perdidos también forman parte de quienes somos, Kaya propone abrazarlo y reconocer que incluso las cicatrices pueden convertirse en el punto de partida para un nuevo comienzo. Es una reflexión sobre el renacer: comprender que echar raíces no significa permanecer inmóvil, sino aceptar todo lo vivido para florecer desde un lugar más consciente. Musicalmente, la canción continúa la transición iniciada en Hogar, acercándose a una instrumentación más acústica e íntima. Aunque incorpora una percusión más expansiva y momentos de mayor intensidad, conserva la delicadeza que caracteriza al álbum.

8. primer Amor

En Primer Amor, Kaya captura la nostalgia y la intensidad de una de las experiencias que más nos marcan: ese primer vínculo que nos enseña y deja huella, explorando la inocencia, la ilusión y las primeras heridas emocionales que terminan moldeando nuestra forma de relacionarnos. Musicalmente, la canción introduce un cambio dentro de CICLOS. Abre con un piano detuning que le aporta una identidad diferente al track y, poco a poco, evoluciona hacia una producción con una sensibilidad más pop.

9. mi Niña

Mi Niña es una carta de amor dirigida a la niña interior. Con una atmósfera íntima y reconfortante, Kaya Q abraza las heridas de la infancia desde la compasión y el entendimiento. La canción habla de proteger a esa versión más vulnerable de nosotros mismos, de reconocer el dolor que ha permanecido en silencio y de descubrir que sanar también significa volver a mirarnos con el amor que alguna vez nos hizo falta.

10. te Creí

Te Creí explora la decepción que nace cuando depositamos nuestra confianza en alguien que termina rompiéndola. Sin embargo, más allá de señalar al otro, la canción reflexiona sobre las ilusiones que dejan las relaciones humanas. Es un capítulo donde el desengaño abre el camino hacia una comprensión más profunda del amor propio y de los límites personales. Con una instrumentación que mezcla este sonido ambient de las primeras canción un groove mas pop y pegajoso.

11. Yo Primero

Después de haber transitado el dolor y la pérdida, Yo Primero representa un punto de inflexión. La canción reivindica la importancia de priorizar el bienestar emocional sin culpa, entendiendo que cuidarse no es egoísmo sino un acto de respeto hacia uno mismo. Es un himno a la autoestima, a recuperar la propia voz y a elegir conscientemente aquello que aporta paz y crecimiento. El track presenta elementos de producción muy interesantes, texturas de voces y cada vez un groove mas rápido que transmite esta sensación de libertad que fue construyendo el álbum hasta este punto.

12. Abuela

Abuela es uno de los capítulos más interesante y que marca el titulo a CICLOS. La canción comienza con una grabación de voz que evoca la presencia de la abuela de Kaya, creando una atmósfera íntima y profundamente nostálgica. Sin embargo, lejos de quedarse en el recuerdo, el tema transforma esa memoria en una reflexión sobre las heridas que atraviesan generaciones. A través de una producción que fusiona ritmos inspirados en el reguetón con paisajes sonoros ambient y una interpretación cargada de sensibilidad, la artista aborda la historia de una mujer que vivió el amor desde el sacrificio y el encierro, marcada por las creencias y estructuras de su época. En lugar de perpetuar ese dolor, Kaya Q convierte la canción en un acto de conciencia y liberación, reconociendo el legado de su abuela mientras decide romper con aquellos patrones que ya no desea heredar. Abuela no solo honra el pasado, sino que representa el momento en que un ciclo termina para que otro, más libre y consciente, pueda comenzar.

13. Ciclo Natural

Ciclo Natural representa la aceptación de una de las mayores enseñanzas de la naturaleza: todo cambia constantemente. La canción entiende que el crecimiento implica aprender a despedirse de personas, etapas y versiones de nosotros mismos para permitir que algo nuevo florezca. Con una mirada serena, invita a abrazar el cambio como una parte inevitable y profundamente hermosa de la vida.

14. Suelto

El álbum concluye con Suelto, una canción que simboliza la liberación definitiva. Después de recorrer el duelo, enfrentar las heridas y reencontrarse con la propia esencia, llega el momento de dejar ir aquello que ya cumplió su propósito. Es un cierre esperanzador que no habla de un final, sino de un nuevo comienzo. Kaya Q termina el viaje recordándonos que la vida nunca permanece estática: todo nace, todo se transforma y todo vuelve a empezar. Porque, al final, la vida son CICLOS.

Lejos de construir un álbum basado únicamente en la tristeza, CICLOS propone una reflexión sobre la capacidad de renacer. Canciones como “Vacía” retratan el momento de tocar fondo y reconocer la desconexión con uno mismo. “Mi Niña” se convierte en una carta de amor dirigida a la infancia, abrazando las heridas del pasado desde la compasión. Más adelante, “Abuela” explora el peso de las heridas heredadas entre generaciones, mientras “Ciclo Natural” y “Suelto” cierran la historia aceptando que dejar ir también forma parte de vivir.

CICLOS representa una declaración artística que no busca ofrecer respuestas fáciles, sino abrir conversaciones sobre la salud mental, el duelo, el amor propio y la importancia de reconectar con nuestra esencia en un mundo que con frecuencia nos empuja a ignorar lo que sentimos.

La Nueva Ola!

LA NUEVA OLA 2026 #585 | The Stone Souls, Animal Scream y KIMIKO

By Rafael Méndez / septiembre 22, 2026

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.

The Stone Souls – Stillness | Países Bajos

Iniciamos este recorrido con The Stone Souls, quienes nos presentan Stillness, una propuesta que combina lo mejor del folk con una buena dosis de rock y ciertos tintes country de aire estadounidense; la pieza plantea un viaje melódico que entrelaza la esencia del desert rock con influencias americana y pop clásico, añadiendo guitarras slide, trompetas mariachi y pasajes cinematográficos que relatan historias sobre soñadores y personajes fuera de lo común.

Fundado en dos mil veinte por el compositor Theodor Versteegen, el proyecto dio sus primeros pasos como un dúo que lanzó los álbumes titulados The Stone Souls y Misfits, permitiéndoles llegar a escenarios como Luxor Live y Zwarte Cross; integrada actualmente por Theodor Versteegen, Dayenne Wielheesen, Bas Janssen y Niek Witjes, la agrupación amplió su discografía en dos mil veintitrés con los lanzamientos de sus dos producciones cortas tituladas Splinter (OST) y Riptide.

Animal Scream – Don’t Tell Me You Want Me | Estados Unidos

Continuamos la travesía con Animal Scream, proyecto que nos entrega Don’t Tell Me You Want Me, una propuesta de rock entrelazada con música industrial de ritmo dinámico; la interpretación vocal resulta totalmente envolvente al sostener un estilo definido como doom pop, impulsado por el compositor y productor Chad Monticue desde Pittsburgh a través de matices psicodélicos oscuros, toques de cine negro y secuencias rítmicas de marcada cadencia.

Con entregas previas en su catálogo como Nightwalk, Otherworldly Pictures (Special Edition) y Heartbroke Motel, la propuesta encamina hacia septiembre de dos mil veintiséis el estreno de Midnight Summer; este trabajo reúne ritmos veraniegos sombríos, guitarras envueltas en efectos trémolo, pasajes bailables de tono oscuro y composiciones lo-fi concebidas para acompañar trayectos nocturnos hacia entornos misteriosos.

KIMIKO – Modern Dance | Estados Unidos

Terminamos las recomendaciones de hoy con KIMIKO, artista que nos regala Modern Dance, una propuesta pop provista de una atmósfera pulcra y bien construida; la pista se apoya en un ritmo dinámico que se siente fresco desde los compases iniciales, desplegando ganchos melódicos que atrapan al oyente mientras la producción resalta por la claridad y precisión de cada uno de sus arreglos vocales.

Este tema da título al EP debut de la actriz, cantante y compositora radicada en Los Ángeles, conocida por sus papeles como Brook Soso en Orange is the New Black, la obra Waitress y sus trabajos de voz en Hazbin Hotel; para esta producción, la creadora colaboró con el productor James Colla y contó con la participación en composición de Morgan Karr, artista indie pop reconocido por su sencillo “Home”.

En conclusión, esta entrega nos brinda un recorrido diverso que conecta el paisaje americano de The Stone Souls, la atmósfera oscura e industrial de Animal Scream y la frescura pop de KIMIKO. Por esta razón, les invitamos cordialmente a darse una valiosa oportunidad para escuchar sus producciones, agregando sus canciones a sus listas preferidas para seguir descubriendo increíbles talentos emergentes de la escena global.

Folk/Rock

La cadencia introspectiva de Lane Hartley florece en Mother

By Rafael Méndez / septiembre 22, 2026

Originario de Charleston y radicado en Los Ángeles tras un paso por Nueva York, el cantautor Lane Hartley dio forma a su debut durante dos mil veinte en Asheville. Durante ese período de aislamiento concluyó sus estudios de forma remota, aprendió piano de manera autodidacta en su habitación y desarrolló una voz narrativa propia. Aquella etapa introspectiva derivó en la grabación de su disco Naming Horses junto al productor Adam Gunther.

El álbum, publicado originalmente de forma independiente en dos mil veinticuatro, es reeditado por Royal Oakie Records en una versión expandida que suma dos temas adicionales. A lo largo de trece cortes de indie folk, el trabajo aborda el amor queer, las adicciones y las relaciones destructivas, contando con colaboraciones de Lukas Frank de Storefront Church, Gregory Uhlmann y Olivia Kaplan. La producción logra un marco equilibrado para la lírica del compositor.

En este catálogo cargado de reflexión personal destaca la inclusión de su sencillo titulado Mother. La composición se despliega sobre un ritmo tranquilo que junto con la parte vocal crean una atmósfera melancólica de notable sobriedad. La instrumentación avanza de manera pausada, construyendo un espacio sonoro donde las texturas acústicas sostienen el peso emotivo de la pieza con soltura.

Esta combinación convierte al tema en una propuesta folk con tintes rock muy buenos que aporta variedad al repertorio general del artista. La interpretación vocal guía la melodía con firmeza, logrando que la producción mantenga una nitidez constante de principio a fin. Con la difusión de Mother, el músico Lane Hartley entrega sin duda una canción con alma que te llega al alma dentro de la escena actual.

Nuevo Rock/Rock

El pulso rock de The Next Movement se afirma en Love

By Rafael Méndez / septiembre 22, 2026

El trío europeo The Next Movement, integrado por J.J. Flueck en la batería y voz principal, Pascal Kaeser en el bajo y sintetizadores, y Sam Siegenthaler en la guitarra, ha consolidado un sonido afianzado en el funk, el neo-soul y el groove. Con solo tres integrantes, la formación logra la densidad sonora de conjuntos más numerosos en recintos europeos como el Blue Note de Milán o el Porgy & Bess de Viena. Su propuesta combina la destreza técnica con una dinámica de directo marcada por la precisión rítmica.

De cara al lanzamiento de su próximo álbum y una gira internacional, la agrupación mantiene un firme recorrido por festivales. Su estilo integra pasajes de R&B con un uso medido de secuencias y coros que refuerzan la estructura de sus composiciones. Lejos de depender de artificios de producción, el grupo basa su trabajo en la cohesión entre la sección rítmica y los matices armónicos, ofreciendo una perspectiva fresca que respeta la tradición de los géneros afroamericanos.

En este marco creativo se sitúa la presentación de su sencillo titulado Love. La canción cuenta con un gran ritmo que te atrapa desde los primeros segundos, manteniendo un pulso constante que guarda y respeta sus raíces rock. La parte instrumental se muestra muy bien estructurada sobre un ritmo explosivo, donde los trazos de guitarra y las líneas de bajo interactúan con soltura sin saturar el espacio sonoro.

El apartado interpretativo resalta por una parte vocal rica, bien controlada y expresiva que se funde muy bien con la canción en todo su recorrido. La voz principal guía el desarrollo armónico con seguridad, respaldada por coros que afirman el carácter orgánico de la pieza. Con el lanzamiento de Love, la alineación de The Next Movement demuestra la firmeza de su ensamble y la claridad de su propuesta musical.

Pop Rock/Rock

La solidez del rock en DEAD STAR TALK trasciende con No More Losing

By Rafael Méndez / septiembre 22, 2026

Radicada entre Berlín y Copenhague, la agrupación europea DEAD STAR TALK entrelaza raíces turcas, danesas, alemanas y belgas. Integrada por cuatro músicos unidos por una amistad de más de veinte años, la banda ha desarrollado un entendimiento cimentado en la confianza. En su instrumentación convergen guitarras en capas, voces polifónicas y sutiles texturas del saz turco, dando forma a su tercer álbum grabado junto al galardonado productor Flemming Rasmussen en Copenhague.

La labor del grupo se enfoca en explorar vivencias reales sobre la transformación, el amor, la pérdida y la amistad. Evitando modas pasajeras, la formación registró su nuevo material en los Sweet Silence Studios tras dos meses de intenso trabajo. El resultado muestra una evolución sostenida hacia un sonido cinemático e intuitivo que afianza la trayectoria del conjunto en el panorama alternativo.

Dentro de esta etapa creativa se sitúa la difusión de su sencillo titulado No More Losing. La pista se configura como una propuesta de rock ligero con una sólida estructura que organiza cada instrumento con claridad. Toda la arquitectura de guitarras avanza de forma fluida, sosteniendo la marcha de la composición sobre un pulso rítmico equilibrado y constante de principio a fin.

El apartado expresivo resalta por una parte vocal bien trabajada que encaja con soltura en el marco armónico. La conjunción entre la firmeza instrumental y las líneas melódicas hace de la canción una gran experiencia para el oyente. Con el lanzamiento de No More Losing, los integrantes de DEAD STAR TALK ratifican el valor de una química musical forjada durante décadas.

Electrónica/Pop/Synth Pop

La arquitectura sintética de BUTCHIE se despliega en Gaslight

By Rafael Méndez / septiembre 22, 2026

Detrás del proyecto BUTCHIE se encuentra Matthew Waldman, artista, poeta, diseñador y docente que enseña innovación en Tokio. Su nombre surge del apodo que le dio su madre en la infancia, una etapa en la que debió construir identidades alternas ante un entorno complejo. Tras desarrollar su carrera en Nueva York y radicarse nuevamente en Japón desde dos mil dieciocho, su trabajo integra una perspectiva queer centrada en la metamorfosis y la reflexión.

El concepto musical del autor fusiona elementos de la música electrónica, el disco y la psicodelia, acompañados por letras que exploran la interacción entre el mundo físico y el metafísico. Sus composiciones abordan el viaje en el tiempo y el análisis personal sin recurrir a recursos predecibles. A través de esta perspectiva multidisciplinaria, la producción ofrece un espacio donde los sintetizadores funcionan como el eje central de su narrativa sonora.

En este marco de creación digital se presenta la difusión de su sencillo titulado Gaslight. La pista se configura como una propuesta electro con tintes dance pop que destaca por un manejo realmente bueno de los sintetizadores en cada uno de sus pasajes. Toda la arquitectura instrumental construye un ambiente inmersivo, manteniendo un pulso constante que articula los diferentes matices sonoros con gran soltura y equilibrio.

El apartado interpretativo resalta por el uso de una voz con efectos robóticos que le va super bien a la canción y encaja con su marco conceptual. La producción organiza las secuencias de manera limpia, permitiendo que la base rítmica y los matices electrónicos convivan sin generar saturación en la mezcla. Con la entrega de Gaslight, el proyecto BUTCHIE afirma una propuesta coherente que enriquece el panorama alternativo actual.

La Nueva Ola!

LA NUEVA OLA 2026 #584 | Jay Activist x Kaliyah Lyric, Simon Joan, ON2ONE

By Neto Cuc / septiembre 22, 2026

Jay Activist x Kaliyah Lyric – Lose You Again

Jay Activist y Kaliyah Lyric unen hip hop y R&B en “Lose You Again”, un dúo vulnerable que explora la complejidad de una ruptura en la que el deseo de seguir adelante convive con la posibilidad de una segunda oportunidad. Sobre una producción de atmósfera melancólica pero con suficiente fuerza rítmica, las voces de ambos artistas se alternan como una conversación pendiente entre dos personas que todavía intentan entender qué salió mal. Kaliyah aporta una interpretación soulful y armonías envolventes, mientras Jay profundiza en los errores, la distancia, los rencores y los juegos que terminaron deteriorando la relación. Lejos de plantear una historia basada en la culpa, el rapero reconoce también su propia responsabilidad, aportando una dimensión de honestidad y autocrítica al relato. “Lose You Again” se mueve así entre el desamor, la responsabilidad emocional y la esperanza de reconstruir el vínculo, aunque solo después de que ambos hayan tenido el espacio necesario para replantearse las cosas.

Simon Joan – Up All Night | Países Bajos

Simon Joan presenta “Up All Night”, una canción que retrata el estado de ánimo posterior a una noche de fiesta cuando, al regresar a casa en soledad, resulta imposible conciliar el sueño y aparecen las dudas sobre las decisiones tomadas. El tema se mueve alrededor de ese momento de introspección en el que la energía de la noche deja paso al silencio, los pensamientos se intensifican y el arrepentimiento comienza a hacerse presente. A través de una narrativa sencilla y cercana, Joan convierte una experiencia cotidiana en el punto de partida para explorar la soledad, la inquietud y las consecuencias emocionales de una noche que quizá no salió como se esperaba.

ON2ONE – Highway

ON2ONE presenta “Highway”, un single de electro-pop que se construye sobre un ritmo de percusiones sincopadas y una línea de bajo que sostiene el pulso, mientras los sintetizadores aportan acordes arpegiados, melodías brillantes y capas atmosféricas. La producción incorpora además voces procesadas y sutiles sonidos ambientales que evocan el desplazamiento por un paisaje urbano iluminado por neón, reforzando el carácter cinematográfico de la pieza. Con una estructura }contenida, ON2ONE evita la saturación y permite que cada elemento cumpla una función dentro del conjunto, introduciendo pequeñas variaciones rítmicas y texturales que mantienen el dinamismo.

La Nueva Ola!

LA NUEVA OLA 2026 #583 | Carbon City Lights, Demetrius, Midnight Distance Club

By Neto Cuc / septiembre 22, 2026

Carbon City Lights – Leaving The Light On | Estados Unidos

Carbon City Lights presenta “Leaving the Light On”, un tema de folk-rock de atmósfera soñadora y energía luminosa que combina una línea de bajo dinámica, baterías marcadas y melodías superpuestas. La canción reflexiona sobre el deseo de reencontrarse con una versión más despreocupada de uno mismo, utilizando la imagen de una luz encendida como guía simbólica de regreso a casa. Su desarrollo cálido y cinematográfico acompaña una letra esperanzadora, equilibrando el carácter introspectivo de la temática con una sensación de optimismo. Con su mezcla de folk e indie rock, “Leaving the Light On” se integra naturalmente en una propuesta orientada a la emoción y la conexión personal.

Demetrius – NO CASA | Estados Unidos

Demetrius es un artista de hip hop originario del corredor de la Ruta 40 en Frederick, Maryland. Desde sus primeros lanzamientos, el rapero mostró una identidad definida y una notable seguridad en su propuesta, cualidades que ha continuado desarrollando mientras busca diferenciarse dentro de la escena a través de una evolución constante en áreas como la escritura, la instrumentación y la producción. Su más reciente EP, Before We Lose The Summer, refleja ese crecimiento y apunta al potencial que aún continúa explorando como compositor y artista. Con la honestidad y la autenticidad como pilares de sus letras, Demetrius construye una propuesta personal en la que sus experiencias y perspectiva encuentran su principal forma de expresión a través de la música.

Midnight Distance Club – Midnight in Paris

“Midnight in Paris” sitúa su narrativa en un escenario nocturno fácilmente reconocible y asociado a una de las ciudades más evocadoras del imaginario cultural. La combinación de hora y lugar construye una escena que sugiere encuentros, recorridos nocturnos y recuerdos que adquieren una dimensión distinta durante la madrugada. A través de esta ambientación, Midnight Distance Club desarrolla una canción marcada por el carácter íntimo y sugerente de una noche en París, utilizando la ciudad como telón de fondo para una experiencia que transcurre entre la nostalgia, el misterio y la posibilidad.

La Nueva Ola!

LA NUEVA OLA 2026 #582 | Sylva Faye, Rude Tins, Shyfrin Alliance

By Neto Cuc / septiembre 22, 2026

Sylva Faye – WRAITHSONG | Reino Unido

Sylva Faye presenta “WRAITHSONG”, una canción que aborda la lucha constante por hacer lo correcto y las tensiones que surgen alrededor de esa búsqueda. El tema fue interpretado y construido íntegramente por la artista con instrumentos reales en Clarence Street Studios, reforzando el carácter artesanal de su proceso de creación. Entre sus elementos destacados se encuentran las capas de armonías vocales del segundo coro, un recurso que Faye identifica como una de sus partes favoritas de grabar y que aporta profundidad a la composición.

Rude Tins – House of Cards | Suiza

Rude Tins anticipa su próximo EP Resilience con “House of Cards”, un single que combina pop punk y ska punk a través de guitarras rápidas, voces melódicas, metales marcados y un estribillo contagioso. La canción surge de una ruptura que puso fin abruptamente a una relación construida durante años, trasladando a la letra el impacto de ver cómo algo aparentemente sólido puede desmoronarse de un momento a otro. Frente a esta temática, la banda mantiene una propuesta instrumental enérgica y dinámica, donde velocidad, melodía y la presencia de los metales se equilibran para reforzar el carácter del tema. Formados en Zúrich en 2004, Rude Tins continúan explorando la evolución de su sonido mientras preparan la llegada de Resilience.

Shyfrin Alliance – On The Edge Of Rain | Ucrania

Shyfrin Alliance, proyecto creativo del empresario, filósofo y músico Eduard Shyfrin, presenta “On the Edge of Rain”, segundo adelanto de su próximo miniálbum In the Dimension of Blues. La canción explora la interacción entre las almas humanas y la tensión entre dos estados opuestos, representados por lo lluvioso y lo soleado, como una metáfora de dos realidades que parecen incapaces de coexistir. Para Shyfrin, el punto de encuentro entre ambas dimensiones se encuentra en el blues, entendido como un espacio común donde incluso los contrastes pueden compartir una misma forma de expresión. El tema continúa la propuesta de Shyfrin Alliance de combinar reflexión filosófica, narrativa musical y una aproximación auténtica y emocional al blues, dentro de un proyecto que conecta la trayectoria artística de Shyfrin con sus intereses en la filosofía, la ciencia y la exploración de la conciencia humana.

La Nueva Ola!

LA NUEVA OLA 2026 #581 | Mat3o, Dr. Rayo x Barzo, SJ Mortimer

By Neto Cuc / septiembre 22, 2026

Mat3o – Sale el sol (pero) | Colombia

Dr. Rayo x Barzo – Delfín del Mundo

Dr. Rayo y el productor costarricense Barzo se unen en “Delfín del Mundo”, una cumbia psicodélica que mezcla raíces latinoamericanas, instrumentos orgánicos y electrónica tropical. Tercer y último adelanto de Desertropical, el próximo EP de Dr. Rayo, el tema construye una atmósfera hipnótica y ritual a partir de percusiones, bajo y texturas naturales, mientras una vocalización cercana al mantra invita al movimiento y reivindica el vínculo con las raíces latinoamericanas. Grabada en Madrid con instrumentos reales durante una sesión entre ambos artistas, la canción encuentra un punto de encuentro entre el universo tropical y psicodélico de Dr. Rayo y la electrónica de Barzo, dando forma a una pieza de cumbia digital que conserva la esencia orgánica de sus ritmos mientras los lleva hacia un paisaje contemporáneo.

SJ Mortimer – Numb | Reino Unido

SJ Mortimer presenta “Numb”, un single de Pop/Rock de carácter himno que funciona como tema principal de su EP Late Bloomer. La canción nació como una balada minimalista antes de transformarse, durante una sesión de composición en Nashville junto a Justyna Kelley, en una pieza de empoderamiento femenino sobre las expectativas que enfrentan las mujeres en la música y en la vida, y el momento de recuperar la confianza y el control sobre la propia identidad. Grabado en Muscle Shoals, Alabama, junto al productor Sol Philcox-Littlefield, el tema combina Pop y Rock con influencias electrónicas, de Soul y Blues, apoyándose en una producción energética, melodías pegadizas y una interpretación vocal intensa y soul. “Numb” representa así una de las piezas más personales y ambiciosas de Mortimer dentro de esta nueva etapa como solista.

La Nueva Ola!

LA NUEVA OLA 2026 #580 | Eyezic, LAB RAT, Uncle Los Music

By Neto Cuc / septiembre 22, 2026

Eyezic – CARE FOR YOU | Estados Unidos

Eyezic es un proyecto de electrónica de Washington D.C. que explora el cruce entre melodic house, alternative dance, bass y sonidos orientados al club. En “CARE FOR YOU”, publicado por Lost In Dreams Records, combina voces fragmentadas, melodías envolventes y una energía de pista de baile con matices melancólicos y románticos. El resultado es una pieza que equilibra movimiento y emoción, construyendo una atmósfera inmersiva en la que el afecto sugerido por su título permanece abierto a la interpretación.

LAB RAT – Maine Road | Australia

LAB RAT es una banda australiana que explora un rock alternativo cargado de distorsión, actitud y sensibilidad pop, llevando su sonido hacia terrenos más oscuros y pesados en su próximo álbum, The Internet Makes Me Sad. El proyecto nació de un periodo de aislamiento creativo de Dyl en el outback australiano, donde convirtió alrededor de 50 demos en un álbum de diez canciones que aborda temas personales como la adicción, la depresión, las relaciones y las rupturas. Entre sus adelantos se encuentra “Maine Road”, una canción escrita originalmente durante un viaje en Uber de Londres a Brighton después de tocar en un festival y posteriormente desarrollada junto al guitarrista Kai. El tema refleja la sensación de entregarse por completo a algo sin saber si funcionará, pero seguir adelante por la convicción de que es aquello para lo que se nació. Musicalmente, forma parte de una etapa más profunda e intensa de LAB RAT, en la que las melodías pop conviven con guitarras distorsionadas y una energía visceral.

Uncle Los Music – ULM3 | Estados Unidos

Uncle Los Music continúa desarrollando su propuesta de jazz, funk y soul con “ULM3”, un instrumental construido alrededor de un bajo firme y contagioso, golpes de metales y un groove profundo que combina la musicalidad del jazz con la energía del funk y el soul clásicos. Como continuación del universo presentado en Mama’d Say, el tema profundiza en su faceta más funk, apostando por la fuerza de los instrumentos en vivo, texturas soulful y un ritmo diseñado para el movimiento, sin perder el espacio necesario para que los músicos exploren y respiren. “ULM3” se presenta así como una nueva pieza dentro del proyecto, especialmente cercana a los terrenos del contemporary jazz, jazz-funk, soul-jazz y groove instrumental.