El veterano Seasick Steve ha mantenido una propuesta cimentada en el blues, el boogie, la música americana y el folk, como en su trabajo Can U Cook?. De cara a este otoño, el músico inicia una gira por Europa que culminará en noviembre con su primer recorrido completo por el Reino Unido desde 2015, visitando escenarios nuevos en su trayectoria.
Dentro de su álbum The Last Season of America, el intérprete presenta la canción El Camino, un tema desarrollado en colaboración con Ricardo Arjona. La pieza se sostiene sobre un ritmo lento y una instrumentación simple que permite destacar la parte acústica, dejando que las voces de ambos músicos compartan el protagonismo dentro del arreglo.
El uso combinado del español y del inglés le otorga a la interpretación una personalidad distintiva junto a un aura cargada de nostalgia. Ambos cantantes logran acoplar sus matices vocales de manera fluida sobre una estructura de corte folk, priorizando la sobriedad en todo momento.
Lejos de caer en arreglos sobrecargados, la pista ofrece un espacio donde la sencillez instrumental potencia el mensaje de la composición. El Camino se consolida como una muestra equilibrada de cómo unir dos identidades distintas en un mismo entorno sonoro. Es una entrega sobria de Seasick Steve que verdaderamente vale la pena escuchar.
Desde su estudio de grabación en casa, ubicado en la ciudad de Mississauga, Canadá, Oleyada está construyendo un universo musical propio: íntimo, nostálgico y, al mismo tiempo, sorprendentemente fresco. Su propuesta se mueve entre el indie-pop, las texturas lo-fi y una sensibilidad cercana al rock, creando canciones que combinan melodías pegadizas con atmósferas soñadoras.
Detrás de este proyecto se encuentra también Mathew Fantini, su esposo y compañero creativo, con quien Oleyada trabaja en la producción de su música. Juntos han desarrollado un sonido que deja espacio para la delicadeza de su voz: suave, aérea y envolvente, pero capaz de sostener canciones con una identidad melódica muy marcada. La identidad de Oleyada está profundamente ligada a sus raíces. Como canadiense de segunda generación e hija de padres uruguayos, incorpora tanto el inglés como el español en su trabajo artístico. Esta dualidad no aparece como un simple recurso estilístico, sino como una parte natural de su manera de contar historias y relacionarse con su propia identidad cultural.
Su música ha aparecido en producciones de televisión y streaming, incluyendo las series canadienses Strays y Workin’ Moms, además de Hudson & Rex y The Lake, reflejando su capacidad para crear ambientes y emociones que funcionan más allá de la escucha individual. Sus canciones pueden acompañar una escena, establecer un estado de ánimo o reforzar un momento narrativo sin perder jamás su propia identidad.
El Track x Track de “Oleyada”
“all about you”
En su último lanzamiento doble, la artista presenta “all about you”, una canción que nos transporta de inmediato a este mundo acústico y dreamy. Su estudio de dormitorio se convierte en un laboratorio creativo donde lo retro encuentra nuevas formas de expresarse a través de la producción lo-fi. Con un color de voz delicado y suave, Oleyada apuesta por una atmósfera romántica, casi inocente, colorida, donde la melodía y la narración son protagonistas. Entre voces etéreas, sintetizadores retro dulces y letras que combinan juego y profundidad, su música construye un espacio propio donde lo íntimo se convierte en algo universal.
Específicamente en esta canción, la combinación de texturas orgánicas con una atmósfera de ensueño entre capas de amor recuerda a artistas como Clairo o Sales, llevándonos a un mundo visual que se siente como un sueño emocional.
“the sky”
Por su parte, en “the sky”, el segundo tema de este sencillo doble, la atmósfera mantiene ese mismo mundo con una sensación nostálgica y ligeramente triste. Este track apuesta por una voz más protagonicamente emocional y arreglos que sirven como una cama sonora que hace sumergirnos por completo en la visión de la artista. El resultado es una pieza luminosa y envolvente que transmite libertad, introspección y melancolía.
En definitiva, Oleyada representa a una nueva generación de artistas independientes que transforman lo íntimo en un mundo personal habitable. Visualmente, el proyecto podría recordarnos a The Marías o Magdalena Bay, mientras que en lo musical apuesta por un toque acústico y dreamy que le otorga una voz propia dentro del panorama musical.
Desde su dormitorio Oleyada, combina sus raíces uruguayas, el inglés y el español con un indie-pop soñador, cálido y lleno de personalidad. Su voz etérea, sus melodías envolventes y una sensibilidad que conecta nostalgia y modernidad hacen de su propuesta una presencia singular dentro de la escena musical canadiense e internacional. Con cada canción, Oleyada continúa demostrando que las historias más personales también pueden encontrar un profundo eco mucho más allá de sus propias fronteras.” por que es muy parecido al parrafo del inicio
Love Ghost es un proyecto estadounidense de rock alternativo que ha desarrollado una identidad musical marcada por el emo, el grunge, el metal alternativo, el hip-hop y, en años recientes, distintas influencias latinoamericanas. Su propuesta combina canciones de tono confesional con una estética oscura y una narrativa visual inspirada en la poesía, la melancolía y el imaginario gótico.
Uno de los elementos más constantes en su música es la exploración de temas como el aislamiento, las relaciones, la pérdida, la vulnerabilidad y las dificultades relacionadas con la salud mental. Las letras suelen situarse en un territorio emocional intenso, algo que conecta al proyecto con una tradición del rock alternativo y el emo en la que la experiencia personal funciona como materia prima para la composición. Su música incorpora elementos de diferentes escenas, las guitarras y la atmósfera remiten en ocasiones al grunge y al rock alternativo, mientras que determinadas producciones incorporan estructuras, voces o recursos asociados al hip-hop. También existe una búsqueda deliberada de conexión con la música latinoamericana, especialmente a través de sus colaboraciones con artistas de México y otros países.
Esta apertura de géneros se refleja particularmente en Cintas Perdidas: México, un proyecto concebido durante el periodo en que Love Ghost se trasladó de Estados Unidos a México.
Cintas Perdidas: México es un álbum de Love Ghost construido alrededor de una idea sencilla pero amplia: documentar musicalmente la experiencia de vivir entre dos culturas. El proyecto nació durante el periodo en que el grupo dejó Estados Unidos para establecerse en México y comenzó, según la descripción del propio proyecto, como una colección de demos grabados de manera casera. Posteriormente, esas grabaciones fueron llevadas al estudio, conservando parte de la emoción de las interpretaciones originales mientras se ampliaba su producción.
El resultado es un disco de carácter bilingüe, con canciones en inglés y español, que se mueve entre distintos territorios del rock alternativo contemporáneo. Emo, grunge, rock alternativo, hip-hop y elementos asociados a la música latinoamericana aparecen en diferentes momentos del proyecto. Más que intentar permanecer dentro de un género específico, Cintas Perdidas: México funciona como una colección de cruces estilísticos.
El Track x Track de Cintas Perdidas: México
1. Fragrance — Love Ghost y Sofia Thompson
“Fragrance” puede entenderse como una canción sobre la memoria emocional y la manera en que ciertas personas permanecen presentes incluso después de haberse ido. El título evoca algo invisible pero persistente: un aroma que permanece en un espacio después de que su origen desaparece. La colaboración con Sofia Thompson introduce una segunda perspectiva dentro de esta idea, con un sonido que nos da remembranza al pop punk de los dos mil, los dos artistas llevan esta esencia a un refresh lleno de cajas de ritmo y una sensación pop que te hace conectar fácilmente, la voz de Sofia nos da esa dulzura que la propia instrumental tiene y nos hace ponernos mas sentimentales.
2. Float Away
“Float Away” mantiene este tono melancólico y pop de la canción anterior, hasta ahora el inicio del disco nos lleva principalmente por estos sonidos que puede venir de géneros como el trap o hip hop, con una esencia super pop, las guitarras de fondo nos dan este tono super pop punk pero sin robar protagonismo, principalmente la parte vocal en esta y la canción anterior son el eje principal de las canciones.
3. TIME TRAVEL — Love Ghost y Yung Dupe
“TIME TRAVEL” nos lleva a una sorpresiva colaboración con Yung Dupe amplía el alcance de la canción hacia una conversación entre distintas generaciones y lenguajes, con un tono oscuro la canción crea un amiente perfecto mas orientado al hip hop en cuanto a su base dándole un panorama donde se siente muy orgánico la colaboración de ambos artistas. Conceptualmente, el tema encaja con uno de los ejes del álbum: mirar hacia atrás mientras se intenta comprender quién se es en el presente.
4. Replace — Love Ghost y Jozue
“Replace” tiene un sonido melancólico combinando sintetizadores pop, una base hip hop y la presencia de Jozue permite que la canción se sitúe dentro del carácter colaborativo y multicultural que define buena parte del proyecto, la voz de Jozue la da unas texturas muy interesantes transportándonos quizás al estilo vocal de Bad Bunny pero en un contexto super diferente, que es este pop punk emocional de Love Ghost.
5. Ignore
“Ignore” el título puede leerse tanto como una acusación dirigida a otra persona como una descripción de la propia incapacidad para enfrentarse a determinados sentimientos. Dentro del álbum, representa una faceta de la vulnerabilidad que no necesariamente se expresa mediante confrontación, sino mediante evasión y silencio. Para esta parte del disco el uso de la caja de ritmos y estas atmosferas pop son parte esencial del sonido del disco, canciones ligeras y emocionales que te hacen conectar con este sentimiento de sentirte perdido.
6. UNDERWATER — Love Ghost y Ardis
“UNDERWATER” se presenta con una guitarra cristalina y nostálgica, ajo la superficie, el mundo exterior se vuelve distante, el sonido cambia y la comunicación se dificulta. Esa metáfora conecta directamente con algunos de los temas centrales de Cintas Perdidas: México: sentirse separado de los demás, intentar salir de un estado emocional y encontrar una forma de respirar nuevamente. La colaboración con Ardis añade otra voz a ese espacio de aislamiento, una voz dulce pero melancólica nos hace conectar con esa sensación de sentirse sumergido en esta capa de emociones, musicalmente el tema se siente mas del lado del hip hop y hace match con el sonido fusión que presenta el disco.
7. Insane Asylum
De manera natural la canción “Insane Asylum” nos presenta un sonido mas agresivo del lado del hi hop, escuchando nuevos elementos clásicos del genero como las cuerdas sintetizadas y figuras vocales agresivas, permitiendo evolucionar el sonido del álbum a algo mas urbano sin perder el tono que venia manejando, es uno de los títulos más explícitos del álbum en relación con la percepción de la salud mental. Más que interpretarlo literalmente, el concepto puede funcionar como una representación de una mente convertida en un lugar del que resulta difícil escapar. El título también plantea una tensión entre la percepción externa y la experiencia interna: quién decide qué es normal, quién es considerado diferente y qué ocurre cuando una persona siente que no encaja en su entorno. Con elementos religioso en español la canción funsiona muy bien para generar una tensión que el disco arropa bien para seguir creciendo.
8. Dear Boy — Love Ghost y Rayben
“Dear Boy” con la participación de Rayben nos lleva a un mundo visual con un video donde vemos a un astronauta explorando un mundo desolado pero lleno de recuerdo, con cajas 808 y voces emocionales la canción contribuye al carácter interpersonal del tema, la voz de Rayben contrasta muy bien con la de Love Ghost, contándonos una historia de extrañar y estar esperando esa presencia de algo o alguien que extrañamos.
9. GOD COMPLEX — Love Ghost y Dimelow Pro
“GOD COMPLEX” introduce una dimensión más psicológica y confrontacional. El concepto de un “complejo de Dios” puede referirse a la necesidad de controlar el entorno, sentirse superior o asumir una responsabilidad imposible sobre la propia vida y la de los demás. Dentro de un álbum preocupado por la identidad y las contradicciones humanas, el título permite explorar el límite entre poder y vulnerabilidad. La colaboración con Dimelow Pro suma otra dimensión a una canción que, conceptualmente, cuestiona la necesidad de tener siempre el control. Con un video post apocalíptico la canción nos lleva a escuchar la voz de Love Ghost en español, combinando con texturas de sintetizadores y una rispy voice que hace que se sienta muy natural su participación e el idioma, mientras que Dimelow Pro navega el sonido de la canción con mucha naturalidad, agregándole mucho peso al cambio de sonido del álbum hacia algo mucho mas trap.
10. Runnin’ with the Wolves — Love Ghost y El Burger
“Runnin’ with the Wolves” utiliza una imagen animal para hablar de pertenencia, supervivencia y transformación. Los lobos pueden representar tanto una amenaza como una comunidad: correr con ellos implica abandonar temporalmente las reglas del mundo exterior para encontrar un lugar entre quienes comparten una naturaleza similar. Increíblemente hemos pasado de un sonido melancólico y emocional a un trap agresivo, y esto se siente super natural justo por la selección de temas y colaboraciones yendo de voces dulces a elementos mas agresivos, gritos y un estilo que logra fusionar estas dos caras del disco, dandole a la colaboración con El Burger una conexión mas con el entorno musical mexicano.
11. TELEVISE
Me encanta el momento en que entra “TELEVISE”, después de un pick agresivo en Runnin’ with the Wolves, la atmosfera de TELEVISE se siente nuevamente melancólica y emotiva, pero manteniendo este lado hip hop del disco, las capas de sintetizadores le aportan nuevamente esa dulzura para ir preparando el final del disco. El verbo asociado a la televisión implica observar, transmitir y transformar una experiencia en algo que otros pueden consumir. Esa idea resulta especialmente compatible con un proyecto que trabaja constantemente entre lo personal y lo performático: una emoción puede ser genuina y, al mismo tiempo, convertirse en una representación artística.
12. Should’ve Known
Nuevamente regresan las guitarras en “Should’ve Known” de forma sutil, así como la sensación mas pop punk melancólico, con una interpretación vocal emocional y capas atmosféricas de sintetizadores, la canción nos sumerge en la noche y pensamientos que vienen en ese momento donde las ideas retoman las complicaciones de tu propia mente.
13. WASSUP — Love Ghost y Dani Torres
Marcando el contraste final entre “Should’ve Known” y “WASSUP”, Love Ghost nos recuerda cual es la fusion principal de su musica, pasar de lo melancólico a este sonido agresivo y un título deliberadamente cotidiano y conversacional que contrasta con algunos de los conceptos más oscuros del álbum. Esa informalidad puede representar otra dimensión de la experiencia humana: incluso dentro de un contexto marcado por el aislamiento, el trauma y la introspección, existe espacio para la conexión, la energía social y la interacción directa. La colaboración con Dani Torres y una letra contundente cierra el recorrido con otra conexión entre Love Ghost y la escena latinoamericana, reforzando el carácter híbrido de Cintas Perdidas: México.
Vistas en conjunto, las 13 canciones pueden entenderse como distintas perspectivas sobre una misma experiencia: intentar comprender quién se es mientras se navega entre relaciones, recuerdos, aislamiento, pérdida y pertenencia. Los títulos recorren desde la memoria y el arrepentimiento hasta la necesidad de escapar, el conflicto con uno mismo y la búsqueda de comunidad.
Las colaboraciones cumplen una función importante dentro de ese recorrido. En lugar de presentar el álbum como una experiencia exclusivamente individual, Cintas Perdidas: México incorpora diferentes voces y perspectivas, especialmente provenientes de la escena latinoamericana. Esa estructura refuerza el concepto central del proyecto: una identidad que se encuentra entre lugares, idiomas y mundos musicales distintos. Al mismo tiempo, esa amplitud estilística puede ser interpretada de distintas maneras. Para algunos oyentes, la capacidad de combinar emo, grunge, metal, hip-hop y sonidos latinoamericanos constituye precisamente uno de los aspectos más interesantes del proyecto. Para otros, la cantidad de influencias puede hacer más difícil ubicar a Love Ghost dentro de una escena musical concreta. Esa tensión entre identidad definida y experimentación es, de hecho, una de las características centrales de su propuesta.
Visualmente, el proyecto utiliza una estética de inspiración gótica y romántica, con imágenes relacionadas con fantasmas, decadencia, máscaras, rosas, sangre y otros símbolos asociados con la vulnerabilidad y la transformación. Esta dimensión visual complementa la música y convierte a Love Ghost en algo más amplio que una propuesta estrictamente musical.
Lo que sí resulta evidente es que Love Ghost ha construido su trayectoria alrededor de la experimentación y de una relación directa entre música, imagen y experiencia emocional. En un panorama donde las fronteras entre géneros son cada vez menos rígidas, su propuesta representa otro ejemplo de cómo el rock alternativo busca nuevos espacios y nuevas audiencias sin abandonar por completo sus raíces.
Soft Cuff es una banda instrumental originaria de St. Petersburg, Florida, que comenzó a tomar forma a finales de 2023 a partir de las sesiones musicales entre el bajista Brian Schanck y el multiinstrumentista Michael “Mikey” Bostinto. El proyecto surgió de manera relativamente espontánea: lo que inicialmente eran sesiones de trabajo terminó convirtiéndose en un repertorio propio y, posteriormente, en una banda.
A ellos se sumaron el guitarrista Shane Schuch y la tecladista y percusionista Christina Sanchez, configurando la formación que llevó las primeras composiciones al escenario. En sus primeros lanzamientos, Soft Cuff se presentó como un proyecto de psych-groove instrumental, con influencias que abarcan el funk, el soul, el jazz, el hip-hop y el rock psicodélico.
Soft Cuff, banda formada en St. Petersburg, Florida, presenta su primer álbum de larga duración, Thick Heat. El lanzamiento llega poco menos de tres años después de la formación del grupo y representa una ampliación de la propuesta instrumental que la banda había desarrollado en sus primeros trabajos.
A diferencia de una banda centrada en canciones vocales, Soft Cuff construye buena parte de su identidad a través de los arreglos instrumentales, los cambios de textura y el desarrollo de los riffs. En ese sentido, Thick Heat continúa una línea que ya estaba presente en sus primeros lanzamientos, aunque amplía el espectro de influencias y de instrumentos utilizados.
Uno de los elementos más evidentes de Thick Heat es su interés por el ritmo. El funk aparece como uno de los puntos de partida, pero no como una fórmula cerrada. A lo largo del álbum se incorporan recursos asociados al rock psicodélico, el soul, el jazz, el hip-hop y la música cinematográfica.
El Track x Track de “Thick Heat”
1. “Pico Suave” “Pico Suave” abre Thick Heat con un ambiente hipnótico y relajado que introduce buena parte del lenguaje instrumental de Soft Cuff. La percusión establece un pulso juguetón mientras las guitarras aportan tonos cálidos y envolventes. El bajo avanza con una cadencia pausada y se integra con una batería constante, creando una pieza instrumental como mucho groove y atmósfera. Es una apertura que presenta al oyente un sonido más interesado en construir espacios que en apresurarse hacia un clímax, yendo del groove a lo ligeramente psicodélico.
2. “Me? I’ll Have That” Con una conexión directa del ritmo el segundo track del disco “Me? I’ll Have That” conserva parte del carácter percusivo del primer tema, aunque incorpora una mayor presencia del funk. El bajo adquiere protagonismo y las guitarras se muestran más brillantes y funky, mientras los teclados añaden brillo y profundidad. La canción va incrementando su intensidad hasta alcanzar una sección pausada protagonizada por el bajo, los cambios entre texturas más suaves y pasajes se transforman en un riff ligeramente distorsionado que va dirigiendo la sección final mientras los teclado crean esa tensión “rica” que nos encanta para terminar el track.
3. “Mystery Box” “Mystery Box” en lugar de depender de una estructura vocal tradicional, Soft Cuff utiliza la interacción entre los instrumentos para mantener la sensación de descubrimiento que sugiere el título, llena de riffs y arreglos que van tomando protagonismo durante 3:34 minutos, con un sonido retro y a la vez moderno hasta ahora el álbum nos recuerda a bandas como Chicano Batman, pasando del groove y funk a ritmos mas latinos agregándole texturas de sintetizadores setenteros que te harán perderte en su sonido.
4. “Rudy” “Rudy” se adentra con mayor claridad en la faceta psicodélica de Soft Cuff. Los teclados, particularmente el órgano, aportan una textura colorida que se combina con guitarras que alternan entre riffs impulsados por el ritmo y momentos de mayor intensidad. El tema incorpora cambios de dinámica y pausas que interrumpen temporalmente el flujo antes de recuperar su amplitud instrumental. También aparecen matices de reggae dentro de su estructura, ampliando la combinación de referencias que caracteriza al álbum.
5. “Short Moves” “Short Moves” nos lleva a un momento de calma con su intro, un e piano suave y delicado, mientras el groove va creciendo y la interacción instrumental ocupen el centro. Dentro del disco, el tema tiene una sensación mas reflexiva y lenta pero conservando este groove retro que caracteriza a la banda, especialmente en el coro. El tema forma parte de una secuencia en la que Soft Cuff alterna diferentes grados de intensidad y textura, evitando que el álbum quede limitado a una única aproximación psicodélica o funk. Su presencia contribuye al carácter cambiante del disco y a la sensación de que cada composición funciona como una variación sobre el lenguaje general de la banda.
6. “Neon Sanders” “Neon Sanders” añade otra tonalidad al universo de Thick Heat. El título evoca una estética urbana y cinematográfica , como ocurre en buena parte del álbum, el interés está menos en una narrativa explícita que en la manera en que los instrumentos pueden sugerir escenas, movimientos y ambientes. La canción amplía así el recorrido antes de llegar a la pieza que da nombre al álbum. La canción explota con un outro final lleno de sintetizadores y un ritmo mas agresivo que hacen que la pieza te lleve de una sensación de caminar por la calle al caos explosivo del final de una historia.
7. “Thick Heat” La canción que da título al álbum constituye uno de sus momentos más cinematográficos. Con algo más de cinco minutos, desarrolla una atmósfera que recuerda a determinadas bandas sonoras de los años setenta. Las guitarras presentan sonidos suaves y elegantes, mientras los efectos y sintetizadores espaciales amplían el paisaje sonoro. El resultado se mueve entre el misterio de una película de espionaje y una estética más sensual asociada con ciertas producciones de aquella década, manteniendo siempre el carácter instrumental del grupo.
8. “What’s A Question Mark Sound Like?” “What’s A Question Mark Sound Like?” reúne funk, psicodelia, soul, rock, y algunos toques de world music. La guitarra, los teclados y la sección rítmica se combinan para producir una composición dinámica, juguetona y orientada al groove. La canción toma todos estos elementos crenado un jam con todo los elementos que venia presentando en canciones anteriores, suavidad, sintes retros, bajos con mucho groove y crechendos que pasan de lo latín al rock de manera natural.
9. “S’good Enuff” “S’good Enuff” se encuentra hacia el cierre del álbum y forma parte de la última etapa del recorrido musical planteado por Soft Cuff. El título, deliberadamente coloquial, también refleja el sentido de humor y la informalidad que aparecen en distintos aspectos de la identidad de la banda, en esta ocasión reflejando este tono super funk como parte de su identidad.
10. “Scorsese’s Dream” “Scorsese’s Dream” cierra Thick Heat, la canción transmite una sensación cercana al cine de espías y atracos, aunque esa cualidad funciona como una impresión que produce la música y no como el concepto a partir del cual fue compuesta. El bajo aporta un movimiento constante mientras las guitarras pasan de momentos más atmosféricos a líneas ascendentes y secciones de mayor intensidad. Hacia la mitad, el ritmo se ralentiza antes de recuperar fuerza para un cierre más contundente y orientado al rock. Como último tema del disco, resume algunos de los recursos que aparecen a lo largo de Thick Heat, particularmente el groove, las texturas de guitarra y la capacidad de Soft Cuff para generar una atmósfera cinematográfica sin recurrir a una narrativa vocal.
Entre los artistas con los que Soft Cuff ha sido comparado se encuentran Khruangbin, BADBADNOTGOOD, Menahan Street Band, The Budos Band, El Michels Affair, Mildlife y Surprise Chef. Las comparaciones sirven como referencia para entender el terreno musical en el que se mueve el grupo, aunque Thick Heat no se limita a reproducir ninguno de esos estilos.
La incorporación de diferentes instrumentos de percusión es también parte importante de la evolución que plantea el álbum. En lugar de utilizar la guitarra como único elemento protagonista, Soft Cuff distribuye el peso de las composiciones entre el ritmo, el bajo, las guitarras y las diferentes capas percusivas.
La ausencia de una voz como elemento principal cambia la manera en que Soft Cuff aborda sus composiciones. En Thick Heat, los instrumentos tienen que asumir funciones que tradicionalmente pueden recaer sobre una melodía vocal: crear tensión, establecer una atmósfera y conducir el desarrollo de las canciones.
El resultado sitúa a Soft Cuff en un espacio entre la recuperación de sonidos vintage y la búsqueda de una estética contemporánea. Su apuesta por la música instrumental también los diferencia dentro de un panorama en el que la voz continúa siendo el principal vehículo narrativo para buena parte de las propuestas de rock y música alternativa.
Kaya Q llega como una artista que ha decidido hacer de la honestidad su mayor fortaleza, de raíces colombianas y alemanas, la cantante y compositora ha construido un universo donde el pop alternativo, el indie pop, el dream pop, el R&B y las influencias latinas conviven con naturalidad, dando vida a un estilo íntimo, emocional y sin fronteras.
Kaya ha apostado en su nuevo trabajo sonoro por detenerse, mirar hacia adentro y contar una historia completa. Con CICLOS, su álbum debut, la artista presenta un proyecto conceptual que explora la transformación personal desde la honestidad, convirtiendo cada canción en un capítulo de un mismo viaje emocional.
Durante tres años de creación, Kaya Q construyó un universo sonoro inspirado en la década que más marcó su vida: sus veintes. A través de catorce canciones, el álbum recorre experiencias de amor, pérdida, ansiedad, duelo, identidad y reconciliación, invitando al oyente a reconocer que el crecimiento no ocurre en línea recta, sino a través de procesos que constantemente nos transforman.
EL TRACK X TRACK DE APOLLO COMPLEX
Musicalmente, CICLOS fusiona el pop alternativo con elementos de indie pop, dream pop, folk pop, R&B y sutiles influencias latinas. El resultado es una propuesta íntima y contemporánea donde la voz suave y expresiva de Kaya Q se convierte en el hilo conductor de un relato profundamente humano.
Uno de los conceptos más poderosos del álbum es la presencia de la naturaleza como metáfora constante. Para Kaya Q, observar los ciclos naturales le permitió comprender que todo florece, todo cae y todo vuelve a comenzar. Esa filosofía atraviesa cada composición y termina convirtiéndose en el mensaje central del proyecto: la vida cambia constantemente, y nosotros cambiamos con ella.
1. nieve
Nieve abre el álbum con un suave inicio de piano, agregando texturas vocales, es el momento en el que todo parece detenido bajo una aparente calma, mientras por dentro comienza a gestarse una transformación profunda. La canción nace de la experiencia de amar a una persona con adicción a la cocaína y del desgaste emocional que implica intentar salvar a alguien que no está preparado para salvarse a sí mismo. La “nieve” funciona como una poderosa metáfora de la droga, pero también del frío, la distancia y la soledad que acompañan una relación marcada por la dependencia. Kaya retrata el momento en que el amor comienza a confundirse con el sacrificio y cómo, en el intento de rescatar al otro, uno también puede perderse. Más que una canción sobre la adicción, Nieve es una reflexión sobre los límites del amor y la dolorosa comprensión de que no siempre podemos cargar con las batallas de quienes amamos.
2. fantasma
Fantasma representa aquellos recuerdos, personas y versiones de nosotros mismos que continúan persiguiéndonos aun cuando creemos haberlas dejado atrás. Con una sección hablada en el álbum, el discurso de Kaya toma forma de poema musicalizado para dar paso a Vacía. Habla del peso de lo que no se dijo, de las heridas que permanecen invisibles y de la dificultad de desprenderse de un pasado que sigue apareciendo en cada paso.
3. vacía
Vacía retrata uno de los momentos más oscuros del álbum: la sensación de haberse perdido intentando cumplir las expectativas de los demás. La canción habla del vacío que deja vivir desconectado de uno mismo, de la ansiedad silenciosa y de la necesidad de detenerse para reconocer quiénes somos realmente. Más que una historia de dolor, representa el instante en el que comienza el despertar y entendemos que sanar implica volver a elegirnos. Con una instrumentación suave y una interpretación delicada la artista logra poner palabras difíciles de una forma orgánica y delicada.
4. ¿hay alguien ahí?
En ¿Hay alguien ahí? la soledad se convierte en protagonista. La canción refleja ese deseo de ser visto, comprendido y escuchado en medio del ruido del mundo. Es una conversación interna donde aparecen las dudas, el miedo al abandono y la búsqueda de respuestas que muchas veces solo pueden encontrarse dentro de uno mismo. La vulnerabilidad se convierte aquí en el primer paso hacia una conexión más auténtica con la propia esencia. A través de la música Kaya logra crear atmosferas frías y húmedas, que se mueven entre melodías suaves de piano y arreglos sutiles con una producción minimalista.
5. días de lluvia
Días de lluvia abraza la tristeza sin intentar ocultarla, abordando de manera honesta la experiencia de vivir con depresión y los pensamientos suicidas, un tema que aún continúa siendo difícil de nombrar y comprender socialmente. A través de una atmósfera melancólica e introspectiva, Kaya da voz a esos momentos en los que el peso de las emociones parece insoportable y la esperanza se vuelve casi imperceptible. La canción busca abrir una conversación necesaria sobre la salud mental, recordando la importancia de expresar aquello que muchas veces permanece en silencio.
6. hogar
Hogar retrata la pérdida desde una de sus formas más silenciosas: cuando una persona deja de ser el lugar donde nos sentíamos seguros. La letra a través de imágenes cotidianas como construir una casa juntos, llenar sus rincones de recuerdos y convertir pequeños momentos en un refugio compartido. Sin buscar culpables ni refugiarse en el rencor, Kaya Q expresa la confusión y el vacío que quedan cuando ese espacio construido con amor se derrumba inesperadamente. La instrumentación, marcada por la calidez de la guitarra acústica, una producción minimalista y delicados elementos percusivos, acompaña esa sensación de intimidad y fragilidad, convirtiendo Hogar en uno de los momentos más desnudos y emocionales de CICLOS.
7. sin raíces
Sin raíces habla del proceso de reconciliarse con la propia historia para volver a crecer. La canción explora cómo las heridas, las pérdidas y las experiencias que alguna vez nos hicieron sentir perdidos también forman parte de quienes somos, Kaya propone abrazarlo y reconocer que incluso las cicatrices pueden convertirse en el punto de partida para un nuevo comienzo. Es una reflexión sobre el renacer: comprender que echar raíces no significa permanecer inmóvil, sino aceptar todo lo vivido para florecer desde un lugar más consciente. Musicalmente, la canción continúa la transición iniciada en Hogar, acercándose a una instrumentación más acústica e íntima. Aunque incorpora una percusión más expansiva y momentos de mayor intensidad, conserva la delicadeza que caracteriza al álbum.
8. primer Amor
En Primer Amor, Kaya captura la nostalgia y la intensidad de una de las experiencias que más nos marcan: ese primer vínculo que nos enseña y deja huella, explorando la inocencia, la ilusión y las primeras heridas emocionales que terminan moldeando nuestra forma de relacionarnos. Musicalmente, la canción introduce un cambio dentro de CICLOS. Abre con un piano detuning que le aporta una identidad diferente al track y, poco a poco, evoluciona hacia una producción con una sensibilidad más pop.
9. mi Niña
Mi Niña es una carta de amor dirigida a la niña interior. Con una atmósfera íntima y reconfortante, Kaya Q abraza las heridas de la infancia desde la compasión y el entendimiento. La canción habla de proteger a esa versión más vulnerable de nosotros mismos, de reconocer el dolor que ha permanecido en silencio y de descubrir que sanar también significa volver a mirarnos con el amor que alguna vez nos hizo falta.
10. te Creí
Te Creí explora la decepción que nace cuando depositamos nuestra confianza en alguien que termina rompiéndola. Sin embargo, más allá de señalar al otro, la canción reflexiona sobre las ilusiones que dejan las relaciones humanas. Es un capítulo donde el desengaño abre el camino hacia una comprensión más profunda del amor propio y de los límites personales. Con una instrumentación que mezcla este sonido ambient de las primeras canción un groove mas pop y pegajoso.
11. Yo Primero
Después de haber transitado el dolor y la pérdida, Yo Primero representa un punto de inflexión. La canción reivindica la importancia de priorizar el bienestar emocional sin culpa, entendiendo que cuidarse no es egoísmo sino un acto de respeto hacia uno mismo. Es un himno a la autoestima, a recuperar la propia voz y a elegir conscientemente aquello que aporta paz y crecimiento. El track presenta elementos de producción muy interesantes, texturas de voces y cada vez un groove mas rápido que transmite esta sensación de libertad que fue construyendo el álbum hasta este punto.
12. Abuela
Abuela es uno de los capítulos más interesante y que marca el titulo a CICLOS. La canción comienza con una grabación de voz que evoca la presencia de la abuela de Kaya, creando una atmósfera íntima y profundamente nostálgica. Sin embargo, lejos de quedarse en el recuerdo, el tema transforma esa memoria en una reflexión sobre las heridas que atraviesan generaciones. A través de una producción que fusiona ritmos inspirados en el reguetón con paisajes sonoros ambient y una interpretación cargada de sensibilidad, la artista aborda la historia de una mujer que vivió el amor desde el sacrificio y el encierro, marcada por las creencias y estructuras de su época. En lugar de perpetuar ese dolor, Kaya Q convierte la canción en un acto de conciencia y liberación, reconociendo el legado de su abuela mientras decide romper con aquellos patrones que ya no desea heredar. Abuela no solo honra el pasado, sino que representa el momento en que un ciclo termina para que otro, más libre y consciente, pueda comenzar.
13. Ciclo Natural
Ciclo Natural representa la aceptación de una de las mayores enseñanzas de la naturaleza: todo cambia constantemente. La canción entiende que el crecimiento implica aprender a despedirse de personas, etapas y versiones de nosotros mismos para permitir que algo nuevo florezca. Con una mirada serena, invita a abrazar el cambio como una parte inevitable y profundamente hermosa de la vida.
14. Suelto
El álbum concluye con Suelto, una canción que simboliza la liberación definitiva. Después de recorrer el duelo, enfrentar las heridas y reencontrarse con la propia esencia, llega el momento de dejar ir aquello que ya cumplió su propósito. Es un cierre esperanzador que no habla de un final, sino de un nuevo comienzo. Kaya Q termina el viaje recordándonos que la vida nunca permanece estática: todo nace, todo se transforma y todo vuelve a empezar. Porque, al final, la vida son CICLOS.
Lejos de construir un álbum basado únicamente en la tristeza, CICLOS propone una reflexión sobre la capacidad de renacer. Canciones como “Vacía” retratan el momento de tocar fondo y reconocer la desconexión con uno mismo. “Mi Niña” se convierte en una carta de amor dirigida a la infancia, abrazando las heridas del pasado desde la compasión. Más adelante, “Abuela” explora el peso de las heridas heredadas entre generaciones, mientras “Ciclo Natural” y “Suelto” cierran la historia aceptando que dejar ir también forma parte de vivir.
CICLOS representa una declaración artística que no busca ofrecer respuestas fáciles, sino abrir conversaciones sobre la salud mental, el duelo, el amor propio y la importancia de reconectar con nuestra esencia en un mundo que con frecuencia nos empuja a ignorar lo que sentimos.
Desde un pequeño espacio abuhardillado en Koningshooikt, el proyecto King Hay se dedica a explorar la herencia de épocas pasadas para integrarla en una propuesta contemporánea. Integrados por Vincent Lembregts en bajo y voz, Stijn Konings en teclados, Emiel Van Den Abbeele en guitarra y Marijn Geerts en la batería, la formación busca construir un sonido atemporal a partir de líneas de bajo con groove, órganos inspirados en la década de los sesenta y guiños al rock psicodélico. Tomando referencias de artistas como Beck, Blur y The Black Keys, la banda proyecta esa energía en directo mediante presentaciones de alto pulso.
El ensamble ha llamado la atención de la crítica especializada y cadenas como Radio Willy, donde se ha destacado la precisión de su sonido y el cuidado de sus arreglos de estudio. Tras llamar la atención con sus primeras composiciones y ratificar su rumbo con entregas posteriores como Soccer, el grupo belga sostiene una línea de trabajo caracterizada por la ejecución técnica ajustada y la búsqueda de un formato accesible que actualiza el lenguaje del rock clásico dentro del panorama de 2026.
En ese terreno de confluencia entre la tradición y lo moderno se ubica All Along, un corte enmarcado en el indie pop con matices rock que destaca por un estilo fresco y refrescante. La canción se estructura sobre un ritmo atrapante que engancha de inmediato al oyente, manteniendo una cadencia dinámica donde la batería y el bajo marcan el paso de forma constante. La producción distribuye con acierto las capas instrumentales, logrando un ambiente de clara presencia rítmica que sostiene la atención durante toda la pieza.
El ensamble vocal y los arreglos de guitarra acompañan la progresión melódica con desenvoltura, añadiendo textura sin recargar la arquitectura general de la pista. El resultado es un tema ágil cuya inercia sonora atrapa y no suelta, mostrando la capacidad de la banda para convertir sus influencias de época en una canción directa y contemporánea. Con All Along, el cuarteto King Hay firma una carta de presentación sólida que ratifica la vigencia de su propuesta de autor dentro de la música independiente.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Jane’s Party – Nothing Compares | Canada
Jane’s Party es una banda canadiense de indie rock originaria de Toronto, cuya historia comenzó en el garaje compartido de una casa en el barrio de North York, donde cuatro amigos universitarios empezaron a grabar canciones originales con recursos caseros. Desde entonces, el grupo ha evolucionado hacia un sonido que combina indie rock, folk rock y pop, destacándose por sus melodías pegadizas, armonías vocales elaboradas y una energía contagiosa.
MUNI x Diversify – LUCKY STRIKE | Estados Unidos
MUNI y Diversify unen fuerzas en “Lucky Strike”, un sencillo que combina synthwave y pop con una marcada estética de los años ochenta, inspirado en el sonido de artistas como The Weeknd y Tory Lanez. La canción gira en torno a la posibilidad de ganar a lo grande en un casino y alcanzar esa vida de ensueño llena de éxito, lujo y oportunidades con la que muchos fantasean. Con una producción nítida y sofisticada, una interpretación vocal destacada y un estribillo pegadizo, el tema construye una atmósfera envolvente que equilibra la nostalgia retro con una sensibilidad pop contemporánea. “Lucky Strike” refleja la versatilidad de ambos proyectos independientes y apuesta por un sonido accesible, adictivo y cuidadosamente producido.
Joseph DeVita – Reflections | Estados Unidos
Joseph DeVita presenta “Reflections”, un sencillo de indie pop con una esencia atemporal que evoca la sensibilidad musical de los años ochenta. La canción combina con una interpretación vocal soñadora y llena de matices soul, aportando profundidad emocional y una sensación de nostalgia que conecta con el oyente.
El rock and roll de los años setenta vuelve a cobrar vida con “Rain, Rain”, el nuevo sencillo de Taylor Scott Band, una agrupación originaria de Denver, Colorado, que apuesta por la fuerza de las guitarras, la improvisación instrumental y la autenticidad del blues rock. Lanzado el 2 de octubre de 2026, el tema combina una energía vibrante con un mensaje optimista que invita a vivir el presente y encontrar belleza en los pequeños momentos cotidianos.
Liderada por el guitarrista y compositor Taylor Scott, la banda desarrolla una identidad musical en la que convergen el rock and roll, el blues, el funk y el soul. Su sonido se distingue por las interpretaciones enérgicas y los arreglos instrumentales que evocan a referentes como The Allman Brothers Band, especialmente a través de sus guitarras armonizadas y sus extensos pasajes de improvisación.
En “Rain, Rain”, estas influencias adquieren una dimensión especialmente dinámica. La canción fue evolucionando a lo largo de las presentaciones en directo, donde encontró un groove envolvente y una marcada estética setentera. Los solos encendidos, las guitarras entrelazadas y la calidez de su sonido retro construyen una propuesta que reivindica el carácter espontáneo y visceral de la música interpretada en vivo. Más allá de su potencia instrumental, el sencillo transmite un mensaje luminoso: aprender a permanecer en el presente y disfrutar de esos pequeños instantes de belleza que suelen pasar desapercibidos. Esta combinación entre una temática positiva y un sonido cargado de energía le da a “Rain, Rain” un equilibrio particular, demostrando que el rock clásico también puede convertirse en una invitación a celebrar la vida.
Con “Rain, Rain”, Taylor Scott Band demuestra que su apuesta no depende de las tendencias pasajeras, sino de la convicción de seguir explorando los sonidos que definen su identidad. El sencillo anticipa el próximo EP del grupo, previsto para 2027, y reafirma su compromiso con un rock de raíces, guitarras protagonistas y una energía que encuentra en el escenario su expresión más natural.
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Thandi Marie x DXMI OLAN – Sweetness
Thandi Marie, artista de R&B originaria de Malaui, se une al músico nigeriano de Afrobeats DXMI OLAN en “Sweetness”, una colaboración que fusiona melodías soul con ritmos afro-pop contagiosos. Tras llamar la atención con lanzamientos como “Brand New”, Thandi Marie aporta su voz suave y envolvente, mientras DXMI OLAN añade texturas sonoras dinámicas que enriquecen la propuesta. La química entre ambos artistas da vida a una canción cálida y seductora, en la que la sensibilidad emocional del R&B se combina con la energía bailable del Afrobeats.
Guri Pescador – YA NO ME QUERES | Uruguay
Gurí Pescador abre una nueva etapa con “Ya No Me Querés”, una canción que pone en palabras la frustración y la tristeza de enfrentarse al final de una relación que parecía destinada a durar para siempre. Con una escritura sencilla y sin rodeos, el grupo retrata ese instante en el que los vínculos comienzan a desmoronarse y toca aceptar una realidad difícil. El tema tiene un lugar especial dentro de Ventana Blanca, el segundo álbum de la banda, ya que fue el primero en comenzar a grabarse y el último en completarse, con la incorporación final de los vientos. La canción también destaca por la participación de los hermanos Lucas Piedra Cueva, en batería, y Matías Piedra Cueva, en voz y guitarra rítmica, junto a Andrés Coniberti en bajo y guitarra principal.
The Spooky Bear – Under My Skin | Puerto Rico
The Spooky Bear, artista puertorriqueño que construye su identidad musical a partir de una propuesta creativa y experimental, presenta “Under My Skin”, un sencillo de downtempo oscuro e hipnótico que explora la intensidad de una atracción casi obsesiva. La canción retrata esa sensación de no poder dejar de pensar en alguien que invade cada pensamiento y momento de tranquilidad, generando una lucha interna entre conservar el control de las propias emociones y entregarse por completo al deseo. Su atmósfera envolvente se construye a partir de voces suaves y etéreas, líneas de bajo profundas, teclados delicados, sintetizadores atmosféricos y ritmos sutiles que refuerzan el carácter hipnótico de la producción.
La cantante, compositora y productora estadounidense Jasmine Crowe regresa con “Broken Record”, un sencillo que combina pop, R&B y neo-soul para explorar las contradicciones de una relación que parece repetirse una y otra vez. Con una interpretación vocal intensa y llena de matices, la artista transforma los recuerdos, el deseo y la dificultad de dejar ir a alguien en una canción envolvente que conecta con las emociones más complejas del amor.
Escrita y producida por Crowe junto a Brittni Paiva, “Broken Record” toma como punto de partida la metáfora de un disco rayado para describir esos vínculos de los que resulta difícil escapar, incluso cuando se sabe que la historia parece destinada a terminar de la misma manera. La canción retrata el impulso de regresar a lo conocido, revivir momentos compartidos y permanecer atrapado entre la nostalgia y la esperanza. En ese espacio emocional, el desamor convive con la atracción, creando una tensión que atraviesa toda la composición.
La repetición hipnótica de sus melodías y letras refuerza la sensación de estar atrapado en un ciclo sentimental. Crowe explora esa mezcla agridulce de reconocer que una relación puede no tener futuro y, aun así, no estar preparado para dejarla atrás. El resultado es una pieza íntima y honesta que encuentra belleza en las contradicciones emocionales, sin renunciar a una sonoridad contemporánea y accesible.
En el apartado musical, “Broken Record” destaca por la fusión de texturas de R&B y neo-soul con una base pop que permite lucir la voz sensual y poderosa de Crowe. La instrumentación aporta personalidad al tema: Mark Pelli, integrante de MAGIC!, participa con guitarra y bajo, mientras que Imua Garza suma teclados que enriquecen la atmósfera. Paiva incorpora un solo de guitarra y Crowe demuestra su versatilidad como multiinstrumentista con un solo de violín que añade un matiz distintivo al arreglo. El sencillo forma parte del segundo álbum de Jasmine Crowe, un proyecto de 13 canciones que ha tomado años en desarrollarse y que está siendo completado en colaboración con Paiva.
Con “Broken Record”, Jasmine Crowe reafirma su capacidad para convertir experiencias sentimentales complejas en canciones cargadas de sensibilidad, personalidad y riqueza instrumental. Mientras se prepara para cerrar esta etapa con su segundo álbum, la artista ya contempla una nueva dirección musical para 2027, con un tercer proyecto inspirado en el country y la música Americana. Por ahora, este sencillo invita a escuchar de nuevo esas historias que creíamos superadas y reconocer que, a veces, dejar de repetirlas es mucho más difícil de lo que parece.
El artista británico Master Peace llega con “New Boyfriend”, un sencillo que transforma los celos, las contradicciones sentimentales y las dificultades de superar una relación en una propuesta musical fresca, enérgica y cargada de ironía. Con una combinación de pop-rock, melodías contagiosas y una actitud desenfadada, el músico londinense demuestra su habilidad para convertir situaciones emocionales complejas en canciones directas, divertidas y fáciles de recordar.
En “New Boyfriend”, Master Peace aborda una experiencia reconocible: observar cómo una expareja sigue adelante con alguien más mientras todavía quedan sentimientos, preguntas y cierta curiosidad por lo que pudo haber sido. Lejos de caer en el dramatismo, el artista utiliza el humor y la ironía para explorar esa mezcla de incomodidad, celos y aceptación que acompaña al proceso de dejar atrás una relación. El resultado es una canción que combina tensión emocional con una energía optimista, invitando a afrontar los altibajos del amor sin perder la actitud.
El tema se apoya en una producción de inspiración pop-rock, acompañada por la voz característica de Master Peace, suave, profunda y con matices soul. Su interpretación fluida aporta personalidad a cada verso, mientras que las melodías pegadizas refuerzan el carácter inmediato de la canción y su capacidad para conectar con el oyente desde la primera escucha. La combinación entre una temática sentimental y un sonido vibrante convierte a “New Boyfriend” en una propuesta ideal para cantar a todo volumen y dejar atrás las preocupaciones.
El lanzamiento también se enmarca en una etapa importante para el artista, que continúa desarrollando la identidad musical presentada en su álbum debut, How To Make A Master Peace. Reconocido por su acercamiento a la estética indie sleaze, Master Peace amplía su universo sonoro incorporando elementos de pop alternativo y una producción versátil que acompaña su personalidad carismática y su escritura incisiva.
Su segundo álbum, If I Don’t Love You, Who Will?, reúne colaboraciones con artistas como Muni Long, Thomas Day y Diamond Cafe, y refleja su voluntad de explorar nuevas posibilidades sin abandonar la energía que caracteriza su propuesta. Además, sus recientes actuaciones y giras, con apariciones junto a nombres como Franz Ferdinand, AJ Tracey y The Streets, han contribuido a consolidar su presencia dentro de la escena musical británica.
Con “New Boyfriend”, Master Peace demuestra que las historias de desamor no siempre necesitan sonar melancólicas. A través de una mezcla de ironía, melodías irresistibles y una interpretación llena de personalidad, convierte las complicaciones de seguir adelante en una celebración de la libertad emocional y el buen humor. Una canción que invita a subir el volumen, dejar atrás el drama y recordar que, incluso después de una ruptura, siempre hay espacio para recuperar la confianza y disfrutar del momento.
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Tennyson King – The Great Unknown | Canada
Tennyson King, cantautor nacido en Hong Kong y radicado en Toronto, presenta “The Great Unknown”, un enérgico sencillo de folk-rock que combina la fuerza de la música occidental con instrumentos tradicionales chinos. Inspirada en una experiencia cercana a la muerte mientras practicaba apnea en la costa australiana, la canción reflexiona sobre la mortalidad, la incertidumbre y la importancia de aceptar aquello que no podemos controlar. Con un sonido potente y distintivo, enriquecido por el zhongruan procesado con distorsión y las melodías del guzheng, el artista transforma una vivencia aterradora en un mensaje de libertad, resiliencia y apertura ante lo desconocido. El tema forma parte de su próximo álbum, 100 Cities 百城, un proyecto profundamente personal que explora sus raíces chinas, la identidad cultural, los viajes y el sentido de pertenencia.
SENT – Hear me out | Suiza
SENT es una banda sueca formada por Tor Adolfsson y Magnus Eugenson, que debuta con “Hear Me Out”, un sencillo que combina soft rock y retro soul con un sonido cálido, orgánico y lleno de autenticidad. Grabada en directo en los estudios Durango de Estocolmo junto a músicos experimentados, la canción destaca por su groove envolvente, sus teclados atmosféricos, sus armonías vocales y una interpretación que celebra la espontaneidad y la conexión humana. Alejándose de las producciones excesivamente pulidas y los artificios digitales, SENT apuesta por la energía de tocar juntos y preservar la esencia de cada instrumento.
Zivi – Somewhere You’re Not In | Estados Unidos
Zivi, compositor y productor originario de Maine y radicado en Los Ángeles, presenta “Somewhere You’re Not In”, una canción que combina indie rock y folk rock para reflexionar sobre la comparación constante con los demás y la sensación de que otras personas parecen tener la vida bajo control. Con un sonido crudo y una composición directa, el artista aborda temas como la soledad, la depresión, la confianza y el desgaste que provoca intentar cumplir con las expectativas externas. A través de preguntas personales y una invitación a compartir nuestras dudas, el tema recuerda que nunca conocemos por completo las dificultades que atraviesan los demás y que cada persona sigue su propio camino, aunque desde fuera parezca tener todas las respuestas.
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Tommy Maddox – Soaked To The Bone | Reino Unido
Tommy Maddox, cantautor y músico originario de Sheffield, Reino Unido, presenta “Soaked To The Bone”, una canción inspirada en una etapa de su vida marcada por problemas de salud. A través de esta composición, el artista explora ese momento en el que las dificultades personales cambian la manera de ver las preocupaciones cotidianas y hacen que ciertos problemas pierdan importancia. Con un enfoque íntimo y personal, el tema refleja cómo las experiencias difíciles pueden transformar nuestras prioridades y nuestra perspectiva de la vida. “Soaked To The Bone” funciona así como una expresión honesta de vulnerabilidad y reflexión, en la que Maddox convierte una vivencia personal en una canción con la que otros oyentes pueden identificarse.
Miriam Maaravi – You Can’t Have Me | Estados Unidos
Miriam Maaravi es una compositora, multiinstrumentista y productora estadounidense que destaca por sus letras contundentes, cargadas de referencias literarias y una marcada profundidad narrativa. Como vocalista principal de la banda November Country y parte del dúo electrónico Vaudeville, desarrolla su creatividad a través de distintos proyectos y estilos musicales. Su trabajo se caracteriza por la combinación de sensibilidad literaria, experimentación musical y letras que invitan al oyente a descubrir múltiples capas de significado.
Isla Brooks – Don’t Tell Me You Love Me | Estados Unidos
Isla Brooks presenta “Don’t Tell Me You Love Me”, un tema pop que combina elementos electrónicos e influencias glitch para crear una propuesta sonora dinámica y contemporánea. La canción destaca por su estribillo potente y pegadizo, diseñado para quedarse en la memoria, mientras que los detalles electrónicos aportan textura y personalidad a la producción. Uno de sus momentos más llamativos es el solo de guitarra, que añade energía y contraste a la estructura musical, equilibrando la experimentación digital con un elemento instrumental más orgánico.
La cantautora estadounidense Jessie Altman presenta “Stay Away”, una canción de indie pop que explora las contradicciones del amor y esa lucha interna entre querer alejarse de alguien y sentirse incapaz de resistir su presencia. Incluido en su segundo álbum, Lovelight, el tema aborda la tensión entre la razón y el corazón, retratando una conexión emocional que persiste incluso cuando la distancia parece ser la opción más sensata.
Con una melodía envolvente, un estribillo pegadizo y una interpretación vocal suave y expresiva, Altman transmite la vulnerabilidad de una relación marcada por el deseo, el miedo y la incertidumbre. La letra refleja el temor a perder una conexión importante y la dificultad de romper con una atracción que parece tener vida propia. En “Stay Away”, la cantante convierte ese conflicto en una experiencia cercana y reconocible, donde la necesidad de protegerse emocionalmente se enfrenta al impulso de permanecer junto a alguien.
Detrás del nombre artístico Jessie Altman se encuentra Jessica Carter Altman, quien comenzó su carrera musical mientras estudiaba Derecho en la Universidad de Michigan. Su primer EP, No Rules, contribuyó a darle visibilidad nacional y abrió la puerta a apariciones en programas como The Talk y TODAY Show, además de recibir atención de medios como Forbes. También fue incluida entre las artistas “Ones to Watch” de la revista People.
Con “Stay Away”, Jessie Altman continúa desarrollando una propuesta que combina una voz distintiva, melodías accesibles y relatos íntimos sobre las complejidades de las relaciones humanas. A través de una historia de atracción y resistencia, la artista recuerda que, en ocasiones, alejarse de alguien puede resultar mucho más difícil de lo que dicta la razón.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Penny Smitt – Black Tears | Suiza
La cantante y compositora sueca Penny Smitt presenta “Black Tears”, una reinterpretación de una canción escrita originalmente por una adolescente a principios de los años 2000. Producido por Johan Jämtberg, Mikael Gunnerås y Katarina Åslund, el tema explora el desamor, la tristeza y las heridas emocionales que permanecen tras el final de una relación. Con una atmósfera melancólica, una interpretación vocal sensible y una composición atemporal, Penny recupera la esencia de la canción y la acerca a una nueva generación.
Margot Perkinson – Something More | Estados Unidos
Margot Perkinson, presenta “Something More”, una balada que combina la sensibilidad del folk con los matices del country y la Americana. La canción destaca por su calidez melancólica, su aire romántico y una interpretación emotiva que transmite nostalgia y anhelo. Los riffs de guitarra slide aportan una textura envolvente y evocadora, reforzando una atmósfera atemporal que conecta con la tradición del country clásico sin perder frescura. A través de una melodía delicada y una sensibilidad cercana, Margot construye una pieza que invita a reflexionar sobre el amor, los arrepentimientos y las oportunidades perdidas, consolidando una identidad musical marcada por la autenticidad, la intimidad y la fuerza de las emociones.
Brett Miller – Tomorrow’s Ours | Estados Unidos
Brett Miller llega con “Tomorrow’s Ours”, un hipnótico tema de synth-pop que combina una producción electrónica envolvente con una energía épica y un mensaje centrado en la esperanza, la ambición y la posibilidad de construir el propio futuro. Apostando por un sonido moderno y expansivo, el cantante y compositor explora una faceta más vanguardista de su propuesta musical, con una atmósfera diseñada para transmitir impulso, emoción y determinación. La canción gira en torno a una idea poderosa: el mañana nos pertenece y está en nuestras manos reclamarlo. Con su combinación de sintetizadores, intensidad melódica y espíritu inspirador, “Tomorrow’s Ours” conecta con la sensibilidad del pop contemporáneo de artistas como Coldplay, OneRepublic y Jon Bellion.
