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Baydream Despliega su Universo Groovy y Lo-Fi con Tragic Magic

Baydream Despliega su Universo Groovy y Lo-Fi con Tragic Magic

Detrás de Baydream hay un universo creativo en constante expansión, donde la música funciona como un reflejo de emociones, sueños y mundos imaginarios. Originario de Hamburgo, el proyecto nació de la necesidad de explorar lo etéreo y lo introspectivo, fusionando influencias de indie, dream pop, electrónica y post-punk para crear un sonido que trasciende géneros.

El proyecto regresa con su más reciente lanzamiento: el EP Tragic Magic. Con este trabajo, el artista continúa explorando los límites del indie contemporáneo, fusionando géneros y construyendo un sonido que es a la vez introspectivo y envolvente.



Tragic Magic combina melodías etéreas con ritmos experimentales, creando un viaje que alterna entre momentos de introspección y explosiones de energía. Cada pista está cuidadosamente elaborada para sumergir al oyente en un universo sonoro donde coexisten el indie rock, el dream pop y elementos electrónicos, acompañados de letras que reflexionan sobre la complejidad de las emociones humanas.


El Track x Track de Tragic Magic

Insomnia

Insomnia abre el EP con una atmósfera delicada y minimalista, combinando sintetizadores dreamy y atmosfericos con percusiones digitales que simulan la sensación de vigilia constante. La producción juega con capas de texturas electrónicas y guitarras ambientales, mientras la voz principal transmite una sensación de quietud y somnolencia, estableciendo el tono melancólico y reflexivo del EP, con una paleta de sonido muy clasicos de dream pop y bedroom pop el proyecto nos adentra poco a poco en su mundo.


A Rose from the Dead

El segundo track continúa con sintetizadores etéreos que evocan dramatismo y elegancia. La canción equilibra momentos de delicadeza con bajeos que colorean y dan movimiento al track, mientras las letras sugieren nostalgia y tensión entre lo perdido y lo recuperado.El EP tiene un tinte muy digital, perfecto para los amantes del Lo-Fi y los sonidos caseros.


Thunder | So Gone

Thunder | So Gone nos mantiene en la misma linea que canciones anteriores, drums digitales, guitarras atmosfericas y una voz con tesitura grave, que va evolucionando a traves de melodias dulces en los sintetizadores.


Hollywood

¡Con Hollywood tenemos justo algo diferente! y que estabamos esperando, con un enfoque mas atmosférico, los sintetizadores brillantes y ritmos marcados que evocan luna calma muy interesante dentro de la industria del entretenimiento. La producción nos acerca a una voz con un tunning diferente en la voz, que especificamente en este track nos encanta por ser sutil y alejarse de las cacniones anteriores, hasta ahora nuestro track favorito del disco.


Loot All

El siguiente track apuesta por un sonido más rítmico y energetico sin romper la taciturnidad del EP, con un groove marcado y elementos mas guitarreros logran generar tensión y movimiento. Las líneas vocales juegan con cadencias irregulares, mientras los arreglos nos hacen mover la cabeza ligeramente en una atmosfera super eterea.


Luise

Llegando casi al final del EP Luise adopta un tono más íntimo y melódico, con guitarras suaves, sintetizadores envolventes y una atmósfera nostálgica que invita a perdernos en melodias dulces y juguetonas. La canción resalta la vulnerabilidad del relato lírico, con vocalizaciones delicadas que transmiten cercanía y sensibilidad.


Islands

Islands cierra el EP con un enfoque en el groove, combinando paisajes sonoros abiertos. La instrumentación es gradual y texturizada permite que la voz principal emerja con claridad en lo etereo, mientras la estructura musical y los arreglos finales refuerzan el sonido y conclusión para la personalidad sonora de Tragic Magic.


El EP abre con temas que capturan la esencia melancólica de Baydream, con capas de sintetizadores y guitarras que fluyen sobre percusiones digitales y groovies, mientras que los tracks centrales muestran la versatilidad del proyecto, mezclando sintetizadores pegajosos con atmósferas dreamy.

Con Tragic Magic, Baydream ofrece un trabajo que es tanto experimental como accesible, y que promete seguir expandiendo su universo creativo en cada lanzamiento.


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Entre elegancia y libertad: la nueva era sonora de Riva Taylor

Entre elegancia y libertad: la nueva era sonora de Riva Taylor

Con una carrera marcada por la constante exploración y de reinventarse, Riva Taylor presenta Keeping It Together, un EP de cinco canciones que consolida una de las etapas más vibrantes y sofisticadas de su trayectoria. El proyecto se sumerge en territorios donde el pop clásico se entrelaza con ritmos latinos, texturas de jazz cinematográfico y un inconfundible aire cosmopolita.

Tras el éxito de su colaboración Cubano con Los Rumberos, la artista británica se dejó llevar por los colores, la energía y las cadencias de la música de la región. El resultado es un trabajo que, sin perder la teatralidad pop que la caracteriza, abre las puertas a nuevas formas de expresión. En palabras de la propia Taylor, estas canciones son “una manera de soltar y reconectar con un lado más lúdico e intuitivo” de su arte.


Cada pista del EP ofrece un matiz distinto: la calidez bossa de Great Unknown, la melancolía etérea de Valentine Road, la ligereza jazzística y juguetona de Hey Ho!, y el poder emocional del tema central Keeping It Together, que se erige como un himno moderno sobre la resiliencia. Todas comparten un mismo hilo conductor: la búsqueda de autenticidad y la fusión entre lo íntimo y lo expansivo, lo clásico y lo contemporáneo.



La producción, a cargo de Marcus Foster (Ellie Goulding, GIVĒON), así como las colaboraciones pasadas con figuras como Craigie Dodds y el productor mexicano Juan Luis Ayala, han sido clave en la construcción de este sonido global. No es casual que el EP evoque tanto la elegancia de Astrud Gilberto como la sofisticación de Sade, al tiempo que incorpora influencias de Burt Bacharach y Barbra Streisand; referencias que aquí no suenan a homenaje retro, sino a ingredientes de un lenguaje renovado.


El track x track de “the album everyone wants”

1. Keeping It Together

El tema central del EP, el cual abre la producción es es un himno de resiliencia y control emocional. Mezclando arreglos orquestales sutiles con grooves latinos, la canción transmite la fuerza de mantener la calma en medio de la turbulencia. La combinación de ritmo y sensibilidad crea una narrativa de equilibrio personal, explorando cómo la serenidad puede coexistir con la intensidad de los sentimientos, mientras la artista nos deja ver esas influencias dentro de la voz y su interpretación de generos como el jazz.


2. Eyes of a Stranger

“Eyes of Stranger” nos envuelve en una calma deliciosa, mientras la delicada instrumentación y la voz de Riva nos guían a través de un tema profundamente nostálgico, evocando la sensación de pasar inadvertidos. Los arreglos de metales y el groove sutil aportan un aire sofisticado y cinematográfico que realza la experiencia sonora.


3. Hey Ho!

Una celebración del swing y la ligereza, esta canción recuerda la energía de los clubes de jazz antiguos con un toque contemporáneo. La percusión juguetona y los arreglos de cuerdas aportan un aire festivo, mientras que la melodía mantiene un encanto íntimo y cercano. Es un tema que equilibra diversión y sofisticación, logrando que cada escucha sea un momento de alegría contemplativa.


4. Great Unknown

Un viaje sonoro que combina la calidez de la bossa nova con texturas pop modernas. La canción invita a perderse en paisajes musicales amplios y envolventes, donde la melodía suave y la percusión latina crean una sensación de introspección y descubrimiento. Es un arranque que transmite curiosidad y apertura, como mirar hacia lo desconocido con confianza y calma.

5. Valentine Road

Una pieza de melancolía luminosa, donde la voz flota sobre acordes de jazz y atmósferas cinematográficas. La canción captura la nostalgia de relaciones pasadas y la belleza efímera de los recuerdos, evocando emociones profundas sin caer en la tristeza. Cada nota parece contener una historia, transportando al oyente a un paisaje emocional lleno de luz tenue y reflexión.


Más allá de lo musical, Keeping It Together es también un manifiesto personal: un recordatorio de que el arte florece cuando se cruza con culturas, experiencias y emociones reales. Para una artista que empezó como la intérprete más joven en firmar con EMI Classics & Jazz, y que ha contado con el apoyo de figuras como Sir Elton John, este EP no es solo una nueva etapa, sino una reafirmación de su madurez creativa.

Con un álbum de larga duración en camino y presentaciones en vivo previstas, Riva Taylor confirma con Keeping It Together que su voz sigue siendo una de las más singulares y sofisticadas del pop contemporáneo: una intérprete que convierte cada canción en un viaje íntimo y, a la vez, universal.


Tunacola transforma la nostalgia en juego con “Día 440 – Tepoztlán”

Tunacola transforma la nostalgia en juego con “Día 440 – Tepoztlán”

Tunacola continúa expandiendo el universo de La Casa Iluminada con el lanzamiento de “Día 440 – Tepoztlán”, el sexto sencillo de su quinto álbum y, al mismo tiempo, una nueva jugada dentro de un ambicioso proyecto que une música y juego de mesa. Bajo este concepto, Ricardo Luna alias Tunacolaconvierte el proceso creativo en una experiencia lúdica: cada canción nace a partir de reglas, restricciones e instrucciones definidas por un tablero, dados y casilleros que marcan el rumbo de la composición y la producción.

El título no es casual. Día 440 señala el momento exacto del recorrido desde el inicio del juego, el día 0, una travesía que se extenderá hasta el día 1835, completando cinco años de creación continua. Cada lanzamiento funciona como una entrada de diario musical, y Tepoztlán se presenta como una postal emocional dentro de ese viaje prolongado y consciente.



En lo sonoro, la canción recupera la faceta más cálida y pop de Tunacola. Entre sintetizadores envolventes, un delicado cuarteto de cuerdas, baterías interpretadas por el propio Richi y guitarras a cargo de Matías Tigre, Día 440 – Tepoztlán construye un paisaje nostálgico que acompaña una reflexión íntima: crecer, dejar atrás etapas y aceptar que el espíritu salvaje de la juventud ya no se manifiesta igual, aunque su aullido siga resonando en algún rincón interno.

La letra y la atmósfera invitan a mirar hacia atrás sin caer en la melancolía paralizante, entendiendo el paso del tiempo como una transformación inevitable. Esa mezcla de añoranza y serenidad convierte a la canción en uno de los momentos más emotivos del proyecto hasta ahora.

Paralelamente, La Casa Iluminada continúa desarrollándose también como objeto físico. El juego de mesa está siendo diseñado por Edu Leblanc para su futura presentación al público, con la intención de que músicos, aficionados y curiosos puedan experimentar de primera mano esta forma alternativa de creación.


Maiah & Gabriel convierten la melancolía en un refugio íntimo con “Palíndromo”

Maiah & Gabriel convierten la melancolía en un refugio íntimo con “Palíndromo”

El dúo venezolano Maiah & Gabriel continúa construyendo, canción a canción, uno de los proyectos independientes más singulares del pop alternativo actual. Con Palíndromo, su nuevo single, presentan el segundo capítulo de un álbum conceptual que avanza sin disquera, sin equipo externo y con una premisa clara: crear desde la honestidad absoluta, documentando cada paso ante una comunidad que ya supera el millón de seguidores en redes.

Después de Blanco & Negro su debut de atmósfera electrónica y estética cuidada, que acumula más de 100 mil reproducciones en YouTube, Palíndromo se repliega hacia lo esencial. Construida únicamente con piano y voz, la canción es un ejercicio de minimalismo emocional que destila fragilidad, silencio y pausa, dialogando con la herencia melancólica de Mecano, Depeche Mode y The Smiths.



La historia detrás del tema atraviesa la canción de principio a fin. Palíndromo fue escrita por Gabriel en un momento de pérdida personal profunda, cuando dos de sus amigos más cercanos fallecieron con pocos meses de diferencia. Desde ese dolor nace una reflexión universal: la búsqueda de refugio en el amor cuando el mundo se derrumba. Lejos del dramatismo explícito, la canción encuentra su fuerza en la contención y en la vulnerabilidad, dejando espacio para que el oyente se reconozca en ella.

Como es habitual en el proyecto, el universo visual es inseparable de la música. El videoclip de Palíndromo fue filmado, dirigido y producido íntegramente por Maiah & Gabriel, sin crew, y concebido como un monólogo en plano secuencia, desnudo de artificios. La estética bebe del cine de autores como Wim Wenders, Wong Kar-wai, Ingmar Bergman y David Lynch, reafirmando su rechazo a lo inmediato y lo prefabricado en favor de una nostalgia consciente, casi militante.

Palíndromo forma parte de una obra mayor: un álbum que dialoga con la deconstrucción del romance contemporáneo, una película narrada a través de cada videoclip y una serie documental que muestra, sin filtros, el desafío de crear arte independiente en un contexto dominado por la inmediatez y los algoritmos. Todo el proceso se comparte de forma constante con su comunidad en Patreon, reforzando un vínculo directo entre obra y público.

Con más de veinte años de vida y creación compartida, Maiah & Gabriel atraviesan una de sus etapas más honestas y expuestas. Palíndromo no es solo una canción: es una confesión, una carta de amor y un refugio emocional en tiempos de ruido y colapso. Una prueba más de que, incluso en la fragilidad, el amor y la creación pueden seguir siendo un acto de resistencia.


LA NUEVA OLA 2025 #164 | FMLH, RAUKA, Sis and the Lower Wisdom

LA NUEVA OLA 2025 #164 | FMLH, RAUKA, Sis and the Lower Wisdom

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


FMLH (Full Moon Little House) – Kings In The Haze | Francia

Full Moon Little House (FMLH), el proyecto de Kévin Navizet, presenta “Kings In The Haze”, una pieza que condensa su enfoque artístico entre pop espectral, nu-prog y texturas electrónicas. Construida como un paisaje sonoro en constante transformación, la canción juega con contrastes, capas y profundidades, evocando una atmósfera cinematográfica donde la belleza aparente convive con una sensación latente de pérdida. Fiel al espíritu DIY del proyecto, Kings In The Haze reafirma a FMLH como una propuesta que escapa a los formatos tradicionales y apuesta por una experiencia emocional, inmersiva y profundamente habitada.


RAUKA – Valientes | España

RAUKA es una banda de indie rock formada en Orihuela en 2024 que canaliza energía, honestidad y emoción en canciones de espíritu directo y reflexivo. Su sencillo “Valientes” es una declaración de fuerza interior: un tema que habla de los límites personales y del coraje necesario para superarlos, avanzar y seguir creyendo en uno mismo. Con guitarras intensas y un mensaje universal, la canción conecta con quienes han tenido que enfrentarse al miedo para seguir adelante, marcando un paso firme en el camino de la banda hacia su primer EP.


Sis and the Lower Wisdom – Wolf Child | Estados Unidos

Sis and the Lower Wisdom presenta “Wolf Child” como un adelanto clave de su próximo álbum Saints and Aliens, una obra que fusiona pop alternativo hipnótico y jazz espiritual desde una mirada profundamente introspectiva. Liderado por la cantautora y multiinstrumentista Jenny Gillespie Mason, el proyecto se mueve en un espacio luminoso y libre entre la experimentación y la canción íntima, y en “Wolf Child” despliega arreglos envolventes y una interpretación sensible que remite a la delicadeza de Dido, la cercanía emocional de Rhye y la profundidad poética de Joni Mitchell. El tema reafirma la esencia exploratoria del colectivo, donde la música funciona como un canal para lo espiritual, lo humano y lo vivido.





Drea regresa con “Creeps”, un retrato honesto de la fragilidad y la resistencia

Drea regresa con “Creeps”, un retrato honesto de la fragilidad y la resistencia

Drea vuelve con “Creeps”, marcando el primer adelanto de su próximo EP Sucker for Love and Heartaches, previsto para 2026, e inaugura una nueva etapa artística más oscura, directa y sin concesiones. Construida como una pieza de alt-pop de combustión lenta, Creeps se mueve entre la penumbra y la claridad emocional. La canción habla de perder el equilibrio, de atravesar el cansancio mental y aun así elegir seguir adelante. Escrita durante un periodo de insomnio y agotamiento emocional, la canción captura ese espacio frágil donde conviven la vulnerabilidad y la resiliencia, sin intentar suavizar ninguna de las dos.



La producción, a cargo de Hans Olav Settem (Beharie, Ea Othilde, Simen Mitlid), revela una faceta más cruda y decidida de Drea. Lejos de la intimidad del bedroom pop, el tema se expande hacia un paisaje sonoro más sombrío, donde las capas instrumentales sostienen una interpretación vocal honesta y expuesta. La frase “I keep acting like I’m totally fine when I’m not”, repetida a lo largo de la canción, funciona como un mantra incómodo pero profundamente identificable.

Detrás del proyecto se encuentra Andrea Ådland, reconocida por la radio nacional noruega como “un talento excepcional para la composición”. A lo largo de su trayectoria, Drea ha sabido construir un lenguaje propio que equilibra sensibilidad y fuerza, una dualidad que se intensifica en Creeps y anticipa el tono emocional del EP que está por venir.

Con presentaciones previas en festivales como Trondheim Calling y Vill Vill Vest, además de giras por Europa, Drea continúa consolidando su presencia en la escena indie. Este año regresa a Vill Vill Vest, donde se presentará apenas días después del estreno de Creeps, subrayando el momento de crecimiento y exposición que atraviesa el proyecto.


Stolen Nova inaugura una nueva era con “Dancing With A Ghost”

Stolen Nova inaugura una nueva era con “Dancing With A Ghost”

Stolen Nova regresa con fuerza con “Dancing With A Ghost”, un himno indie sleaze que marca el inicio de una etapa en su trayectoria. Tras un debut en una fiesta de Paris Fashion Week, el proyecto liderado por Josh Landau confirma su lore como uno de los nombres más magnéticos del cruce entre música, moda y cultura contemporánea.

La canción combina un espíritu rock ’n’ roll visceral con guitarras de inspiración Prince, groove hipnótico y una energía diseñada para mover cualquier habitación. Dancing With A Ghost habla del deseo de que la noche no termine, no por euforia sino por miedo a lo que viene después: la soledad cuando se encienden las luces, la negación ante relaciones tóxicas y la necesidad de seguir bailando para no enfrentar el vacío. Una tensión emocional que se traduce en un tema tan hedonista como melancólico.



El propio Stolen Nova recuerda su estreno en París como un momento revelador: un último coro cantado a gritos por desconocidos, sin micrófono, en una comunión espontánea que encapsula el espíritu del track. Ese instante resume la esencia del proyecto: conexión inmediata, catarsis colectiva y una estética donde el exceso y la vulnerabilidad conviven.

Con raíces en Los Ángeles y una fuerte presencia en Londres, Stolen Nova es el punto de encuentro entre la crudeza de la cultura skate californiana alimentada por la mitología de Dogtown, el olor a cera de surf y el feedback de los amplificadores y el glamour art-school británico. Una identidad híbrida que le ha permitido captar la atención de tastemakers a ambos lados del Atlántico sin perder autenticidad.

Con “Dancing With A Ghost”, Stolen Nova entrega un himno para la pista de baile, asi como un retrato honesto de la contradicción emocional contemporánea: bailar con los fantasmas para no quedarse a solas con ellos.


LA NUEVA OLA 2025 #163 | Nicola Carrara, Gabriella Olivo, Hollow Veins

LA NUEVA OLA 2025 #163 | Nicola Carrara, Gabriella Olivo, Hollow Veins

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Nicola Carrara – Harto de las despedidas | Argentina

Nicola Carrara cierra el año con “Harto de las despedidas”, un single que marca su regreso a la canción tras una etapa dedicada a la exploración electrónica. Con influencias de la melancolía britpop y una producción que combina texturas acústicas y electrónicas, el tema aborda la dificultad de soltar y decir adiós desde una mirada íntima y sensible. Reconocido también por su trabajo como productor, Carrara reafirma en este lanzamiento su versatilidad artística y su capacidad para transformar la emoción en una propuesta sonora honesta y contemporánea.


Gabriella Olivo – Ya sé Ya sé | Canada

Gabriella Olivo, una de las revelaciones del año para Radio-Canada (CBC francófono), presenta “Ya sé ya sé”, una canción que consolida su identidad como cantautora mexicano-canadiense al fusionar pop delicado con raíces latinas. Construido a partir del contraste, el tema inicia como una balada íntima y evoluciona hacia un final electro poderoso y contemporáneo. Cantada en español, la canción explora el miedo, el caos y la repetición de los errores humanos, pero también la paz y la esperanza que emergen del amor, integrando influencias del bolero latinoamericano con ritmos orgánicos cercanos al dancehall y al reggaetón, envueltos en una producción moderna y soñadora.


Hollow Veins – Closer to you (Ft. Nitrah Neon) | Estados Unidos

Hollow Veins presenta “Closer to You” , un single de synthpop y dreampop oscuro que narra una historia de amor marcada por la vulnerabilidad y el autosabotaje emocional. La canción contrapone la entrega absoluta hacia el otro con la dificultad de amarse a uno mismo, explorando la sensación de no ser merecedor del afecto recibido. Entre sintetizadores envolventes y atmósferas cargadas de melancolía, Closer to You transforma el dolor íntimo en una experiencia sonora honesta, íntima y profundamente emotiva.






som som transforma la ansiedad del presente en baile con su nuevo sencillo “Rapture”

som som transforma la ansiedad del presente en baile con su nuevo sencillo “Rapture”

El productor y compositor radicado en Rotterdam som som regresa con “Rapture”, un single que convierte la angustia existencial en una experiencia catártica y bailable. Entre el indie disco, el alt-dance y el pop hipnagógico, la canción funciona como un escape luminoso en medio de un mundo que parece debatirse constantemente entre el colapso y la rutina.



“Rapture” explora la idea de nuestra supuesta inmortalidad, la negación del fin y esa elección casi inconsciente de vivir el presente incluso cuando el futuro se siente incierto. Con una base rítmica envolvente y texturas soñadoras, el tema captura una sensación muy propia de estos tiempos: no saber si estamos ante el fin del mundo o simplemente frente a otro viernes por la noche. En cualquier caso, som som propone una respuesta clara: bailar a través del caos.

El single entre euforia y melancolía, sintetizadores difusos, grooves hipnóticos y una producción cuidada construyen un paisaje que invita tanto a la pista de baile como a la introspección nocturna.

Como artista, som som se ha caracterizado por crear música indie introspectiva y pegajosa, donde las atmósferas etéreas se combinan con una narrativa emocional honesta. Su proyecto avanza constantemente empujando los límites del indie pop, incorporando elementos del rock alternativo y la electrónica sin perder una identidad personal muy marcada.


Sara Diamond y “Mother”: una canción nacida desde la honestidad que está conmoviendo al mundo

Sara Diamond y “Mother”: una canción nacida desde la honestidad que está conmoviendo al mundo

La cantante y compositora canadiense Sara Diamond, cuatro veces nominada al GRAMMY, atraviesa uno de los momentos más significativos de su carrera con el lanzamiento de “Mother”, una canción íntima y profundamente humana que ha conectado con audiencias del mundo.

El origen del tema es tan honesto como su resultado final. A finales del mes pasado, Sara comenzó a escribir “Mother” con una intención clara: crear algo completamente verdadero. Sin filtros ni artificios. Durante el proceso, compartió fragmentos en bruto en TikTok e Instagram, sin imaginar el impacto que tendrían. En cuestión de días, los clips superaron más de 1.2 millones de reproducciones en Instagram y 500 mil en TikTok, confirmando que la canción estaba tocando una fibra profunda.



Impulsada por esa respuesta, Sara terminó la canción ese mismo fin de semana. El resultado es una pieza despojada y emocionalmente arrolladora, construida sobre un piano contundente y una producción sutil que deja espacio absoluto a su voz. En “Mother”, Sara canta sobre la fuerza heredada entre generaciones de mujeres, los sacrificios silenciosos, la memoria y la libertad. Es una especie de promesa: vivir de una manera que honre la lucha y la fe de quienes vinieron antes.

A nivel interpretativo, su voz suena firme, contenida y, al mismo tiempo, profundamente vulnerable. No hay excesos ni dramatismos forzados: cada nota parece nacer desde la necesidad real de decir algo importante.

Tras el lanzamiento, Sara compartió un mensaje que resume el espíritu de “Mother”:
“Estoy increíblemente conmovida por la reacción a ‘Mother’… sus comentarios y videos me han hecho llorar lágrimas de dolor y de alegría al mismo tiempo. La música tiene el poder de sanar, y es un honor que algo que pude canalizar haya tenido este impacto en ustedes.”

“Mother” es una declaración artística, un acto de memoria y una muestra clara del poder que tiene la música cuando nace desde la verdad. Una pieza que no se escucha únicamente con los oídos, sino con la historia personal de cada quien.


LA NUEVA OLA 2025 #162 | Asenath Garden Occult, Gary Reynolds y Dan Olsen

LA NUEVA OLA 2025 #162 | Asenath Garden Occult, Gary Reynolds y Dan Olsen

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Asenath Garden Occult – goodbye horses | Estados Unidos

El primero en aparecer es Asenath Garden Occult con su tema goodbye horses, una propuesta que se mueve entre el shoegaze y el rock con un ritmo tranquilo que atrapa con facilidad. La atmósfera oscura y envolvente se sostiene en guitarras y voces que transmiten un aire hipnótico, logrando que la canción se convierta en una experiencia inmersiva. Es un tema que invita a dejarse llevar por su cadencia y por la intensidad de sus matices

El dúo formado por Jane Pampillonia y Drew Sarver comenzó a trabajar juntos en 2023 y desde entonces han encontrado inspiración en la música electrónica y en sonidos que evocan lo inquietante. Con colaboraciones previas junto a artistas como Midwxst, Grace VanderWaal, Post Malone y Salem, han construido un proyecto que busca explorar lo emocional desde lo experimental. Su propuesta refleja un interés por lo atmosférico y lo profundo, consolidando un estilo propio

Gary Reynolds – Hello | Estados Unidos

La segunda propuesta llega con Gary Reynolds y su tema Hello, una canción que fluye con un ritmo relajado y continuo, sostenida por una voz cálida que aporta personalidad. La pieza transmite cercanía y logra conectar con el oyente gracias a su sencillez y a la naturalidad de su interpretación. Es un tema que se disfruta con calma, dejando que cada acorde se convierta en un espacio de contemplación

Originario de Seattle, Gary Reynolds ha recorrido un largo camino desde sus inicios en Texas en los años 80. Tras pasar por Nueva York y sumergirse en el mundo del hip hop y la producción, fundó su propio estudio Electrokitty en 1999, donde ha trabajado con artistas como Kendrick Lamar y Sleater-Kinney. Su próximo álbum You Are What You See, grabado en cinta analógica, muestra su interés por mantener un sonido auténtico y artesanal, reafirmando su lugar dentro del rock independiente


Dan Olsen – Milestones | Islas Feroe

Finalmente encontramos a Dan Olsen con Milestones, una canción que transmite cercanía y calidez con un ritmo pop pegajoso que conecta de inmediato. La pieza se sostiene en una interpretación emotiva que logra atrapar al oyente, convirtiéndose en un tema que refleja sensibilidad y frescura. Su estilo apuesta por lo accesible y lo directo, logrando un equilibrio entre lo íntimo y lo moderno

Originario de las Islas Feroe y radicado en Londres, Dan Olsen ha construido una carrera internacional con millones de reproducciones en plataformas digitales. Ha recorrido escenarios en China, Nueva York, Rusia y Sudáfrica, además de colaborar con reconocidos productores y compositores como Linda Perry y Sons of Sonix. Con premios y contratos editoriales de alcance global, su propuesta se mantiene versátil y abierta, mostrando que su música busca conectar con públicos diversos


En conclusión, Asenath Garden Occult, Gary Reynolds y Dan Olsen nos presentan tres formas distintas de entender la música emergente. Desde la atmósfera oscura del shoegaze hasta la calidez del rock relajado y la frescura del pop internacional, cada propuesta abre un espacio único. Te invitamos a escucharlos y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical


LA NUEVA OLA 2025 #161 | EXGHOST, Wishing Well Divers y Night Wolf

LA NUEVA OLA 2025 #161 | EXGHOST, Wishing Well Divers y Night Wolf

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


EXGHOST – Beneath the Sky | Estados Unidos

El primero en aparecer es EXGHOST con su tema Beneath the Sky, una canción que se mueve con calma y se apoya en el sintetizador como instrumento principal. La voz se integra de manera natural con la atmósfera creada, logrando un equilibrio que transmite serenidad. La propuesta se siente íntima y envolvente, invitando a escucharla con atención y dejarse llevar por su ritmo tranquilo

Detrás de EXGHOST está Ed Shuttleworth junto a amigos de Ohio, quienes trabajan largas horas en la creación de sus canciones. Su enfoque no busca lo glamuroso, sino la dedicación constante para dar forma a piezas que reflejan esfuerzo y autenticidad. Con esta propuesta, muestran que la música puede ser un espacio de trabajo arduo pero también de conexión emocional


Wishing Well Divers – Dear Sophia | Estados Unidos

La segunda propuesta llega con Wishing Well Divers y su tema Dear Sophia, una canción relajada y dulce que mezcla folk, indie pop y dream pop con un toque experimental. La atmósfera que genera es cálida y cercana, logrando un estilo que se siente acogedor y al mismo tiempo innovador. La pieza transmite un aire de contemplación que atrapa desde el inicio

El proyecto Wishing Well Divers pertenece a Steven Mizener, músico veterano que regresa tras superar momentos difíciles en su vida personal. Su propuesta refleja esa experiencia, explorando nuevas direcciones musicales con eclecticismo y sensibilidad. Con esta canción, reafirma su capacidad de transformar vivencias en música que conecta con quienes buscan honestidad y diversidad en lo que escuchan


Night Wolf x Lois Powell – Lost My Way Home | Reino Unido

Finalmente encontramos a Night Wolf junto a Lois Powell con Lost My Way Home, una canción que se mueve en influencias alt pop con un toque oscuro. El ritmo lento se combina con un tono atrevido que experimenta con distintas texturas, logrando una propuesta sólida y atractiva. La pieza transmite misterio y profundidad, invitando a explorarla con calma

Night Wolf, productor y diseñador de sonido del Reino Unido, ha trabajado en música para cine, televisión y plataformas como Netflix y Channel 4. Su estilo se centra en lo cinematográfico y lo ambiental, con un enfoque en el estado de ánimo y la narrativa. Con esta colaboración, muestra cómo su experiencia se adapta al terreno indie, creando un espacio musical que se siente tanto íntimo como expansivo


En conclusión, EXGHOST, Wishing Well Divers y Night Wolf nos presentan tres propuestas distintas que enriquecen el panorama emergente. Desde la calma de los sintetizadores hasta la dulzura folk y la oscuridad experimental del alt pop, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical