El lanzamiento de Linn Levine con No One Gets Me Like You Do marca un punto de encuentro entre lo íntimo y lo colectivo. La canción funciona como un tributo a la amistad verdadera, a esa lealtad que se sostiene sin importar las circunstancias. Con una propuesta que se mueve entre el soul clásico y el R&B contemporáneo, Levine logra un espacio donde lo emocional encuentra su cauce sin adornos excesivos
Lo interesante de esta entrega es la manera en que se construye el mensaje. La voz de Linn, profunda y expresiva, no busca encajar en moldes prefabricados, más bien se deja llevar por la honestidad de la letra. El tema habla de quienes nos entienden sin necesidad de explicaciones, ese “ride-or-die” que todos reconocemos en nuestra vida. No se trata de idealizar, sino de poner en palabras y melodías una vivencia compartida
El sencillo también juega con contrastes sonoros que lo mantienen fresco. Se perciben matices de una tradición soul vintage que conviven con un pulso actual de R&B, creando un equilibrio entre lo atemporal y lo moderno. En este terreno, la canción no pretende reinventar géneros, sino darles un matiz personal que refleja tanto influencias clásicas como una sensibilidad contemporánea, con cierto aire que recuerda a Lauryn Hill pero con un sello propio
No One Gets Me Like You Do no es únicamente un estreno más dentro del panorama independiente. Su valor radica en recordarnos la importancia de esas conexiones humanas que trascienden el tiempo y las dificultades. Al escucharla, queda la invitación abierta a reconocer y agradecer a esas personas que caminan junto a nosotros, porque a fin de cuentas, la música también es un puente hacia quienes más nos entienden
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Ruby Jones – I’ll Be Fine | Canadá
Ruby Jones nos comparte su tema I’ll Be Fine, una propuesta de dream pop que se mueve entre lo íntimo y lo visual. Con un trasfondo en la industria del cine, Ruby transforma su experiencia en relatos musicales cargados de nostalgia y atmósferas cinematográficas. Su forma de narrar conecta emociones personales con una estética que recuerda épocas pasadas, logrando transmitir sensibilidad sin recurrir a excesos
Su próximo EP debut, programado para octubre de 2025, reunirá influencias retro con letras que hablan sobre el amor, los cambios y la identidad. Además de su faceta artística, Ruby aprovecha su plataforma para dar voz a artistas con discapacidades invisibles, mostrando que la música no solo es un espacio creativo sino también un canal de visibilidad y apoyo dentro de la industria
In The Pines – Hide The Sky | Estados Unidos
En otro camino se encuentra In The Pines con su canción Hide The Sky, donde el rock se convierte en un terreno amplio y en constante exploración. El grupo juega con elementos de psicodelia, prog rock, shoegaze y blues, construyendo paisajes musicales que invitan tanto a la contemplación como a la búsqueda interior. Su propuesta parece caminar en equilibrio entre la juventud inquieta y una mirada más profunda hacia lo espiritual
La banda apuesta por choques inesperados de estilos que generan texturas ricas y atmósferas expansivas. En cada acorde y en cada línea se percibe la intención de ir más allá de lo convencional, trazando un mapa propio donde la exploración es tan importante como el resultado final. “Hide The Sky” es un ejemplo claro de ese viaje abierto y lleno de contrastes
You and Me and You – Pomegranate | Estados Unidos
Finalmente, You and Me and You presenta Pomegranate, una canción que refleja la esencia colaborativa de esta agrupación indie rock nacida en Washington, D.C. El grupo se distingue por su trabajo con armonías a tres voces y la cercanía que transmiten en cada interpretación. Sus inicios en la sala de estar de una de sus integrantes marcan la autenticidad de un proyecto que creció desde lo íntimo hasta alcanzar escenarios de mayor alcance
Conformada por Dani Zessoules, Emily Mann, Reed Doherty y Pat Gunning, la banda ha compartido escenario con actos reconocidos como Twain, Hand Habits o Sam Evian, lo que refuerza su presencia dentro de la escena independiente. Tras el lanzamiento de su primer EP en 2021, continúan desarrollando su identidad musical, llevando a sus canciones un aire cercano y al mismo tiempo ambicioso
En esta entrega de “Nueva Ola” encontramos proyectos que comparten un mismo impulso creativo pero desde enfoques distintos. Desde la intimidad visual de Ruby Jones, pasando por la exploración expansiva de In The Pines, hasta la energía colaborativa de You and Me and You, cada artista ofrece una manera única de vivir la música. Vale la pena darse el tiempo de escucharlos y dejarse llevar por sus propuestas, quizás en alguna de ellas encuentres justo lo que estabas buscando para tu playlist
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Bella Hite – Individualistic | Estados Unidos
Bella Hite llega con Individualistic, una propuesta donde los sintetizadores marcan la pauta en un ambiente inspirado en la relación actual entre la inteligencia artificial, la tecnología y la mente humana. La canción utiliza 17 diferentes tipos de sintetizadores junto a mezclas vocales variadas que le otorgan una identidad particular. La artista construye un espacio musical que refleja la complejidad del presente digital sin perder su sello creativo.
Nacida y criada en la zona de DMV y actualmente radicada en Nueva York, Bella Hite combina su carrera musical con otras facetas. Además de cantante pop, es compositora, productora y cofundadora de The Conversation Pit Magazine. Su trayectoria también incluye el deporte, pues llegó a jugar hockey de campo en la división 1 universitaria. Todo ello converge en una artista que explora distintas disciplinas sin dejar de lado la música como eje central.
SISSIE – pretty pussy | Ecuador
Desde Ecuador aparece SISSIE con pretty pussy, un sencillo indie pop que dialoga con el estilo latino y propone un contraste entre lo delicado y lo callejero. La producción estuvo a cargo de Reidy Rose, con quien ha forjado una identidad musical que explora ritmos como el trap, el r&b, el dancehall y el pop. En este tema la artista construye un equilibrio entre lo íntimo y lo contundente, mostrando la versatilidad de su propuesta.
El recorrido de SISSIE se ha consolidado con proyectos junto a Método, productor de referentes como Guanaco, Guardarraya y La Máquina Camaleón. Además, en 2022 fue reconocida en los Premios de Incentivo de la Música por la Sociedad de Autores y Compositores del Ecuador (SAYCE). Actualmente, experimenta con mezclas de dancehall y estilos alternativos, como lo refleja en su reciente sencillo CM SI NADA. Su música abre nuevas puertas dentro de la escena ecuatoriana emergente.
joannna – sadder days | Bulgaria
Por último, joannna comparte sadder days, un tema indie pop que se mueve entre el trap y un estilo dreamy cargado de sensibilidad. La canción transmite una atmósfera íntima que invita al oyente a adentrarse en emociones profundas, propias de una narrativa personal. Con esta pieza, la artista busca generar cercanía con quienes encuentran en la música un refugio emocional y honesto.
La propuesta de joannna se caracteriza por un enfoque sencillo pero directo. Ella misma se describe como alguien que escribe canciones desde lo que siente, con la intención de conectar con quienes descubren su trabajo. Su mensaje deja entrever que este es solo el inicio de un camino musical con más lanzamientos en el horizonte, pensado para quienes disfrutan del indie pop en su versión más vulnerable y experimental.
En esta edición de Nueva Ola, tres proyectos nos muestran distintas formas de entender la música actual. Desde los sintetizadores de Bella Hite, pasando por la mezcla de estilos de SISSIE, hasta la intimidad de joannna, cada propuesta ofrece un matiz diferente. Te invitamos a darles una escucha y dejarte sorprender por lo que estos artistas tienen preparado para quienes buscan ampliar sus horizontes musicales.
Con una trayectoria marcada por la mezcla de géneros y culturas, Angel Bleu presenta su nueva canción titulada DUELO. La artista colombiana, cuyo nombre real es María Carolina Bernardi, recurre en este tema a un sonido que refleja la intensidad emocional que suele caracterizar su propuesta. La fusión de elementos caribeños, pop urbano y toques de vallenato acompaña la letra, generando un espacio sonoro donde la vulnerabilidad y la fuerza conviven.
Criada entre Valledupar, Minnesota y Miami, Angel Bleu ha construido una identidad musical atravesada por distintas influencias. Esa diversidad cultural le ha permitido moverse con naturalidad entre estilos y encontrar un lenguaje propio. En DUELO, esa mezcla se percibe con claridad, pues los ritmos latinos se enlazan con una producción más contemporánea que conecta con públicos de diferentes contextos.
La carrera de Angel Bleu comenzó a los 16 años, motivada por el impulso familiar hacia la música, y desde entonces ha explorado temáticas de amor, resiliencia y autoaceptación. Con canciones como “Baila Baila”, “Amándote” y “La Botella”, logró hacerse un espacio en la escena latina y sumar colaboraciones con artistas de renombre como Silvestre Dangond y Mr. Black. DUELO continúa esa línea, pero desde una perspectiva más introspectiva.
Más que un sencillo aislado, DUELO se plantea como una declaración artística de lo que significa transformar la experiencia personal en música. La canción muestra cómo Angel Bleu mantiene el equilibrio entre lo tradicional y lo moderno, ofreciendo un tema que dialoga con sus raíces al mismo tiempo que mira hacia un público global. En un momento donde la identidad musical latina se redefine constantemente, su propuesta se abre camino con autenticidad y firmeza.
El dúo de Atlanta conocido como Sleepers Club encontró en la incertidumbre de 2020 un refugio inesperado. Con los estudios cerrados y la vida en pausa, Sydney Ward y Damon Moon decidieron encerrarse a crear canciones sin un plan definido. De esas sesiones surgió un catálogo que había permanecido guardado hasta ahora, y entre ellas aparece Island, un tema de indie rock que se distingue por el uso de una steel guitar con distorsión particular.
La canción refleja aquel clima de aislamiento en el que fue concebida: un espacio entre el desconcierto y la necesidad de encontrar equilibrio. Island no busca dar respuestas, sino dejar que la atmósfera sonora hable por sí sola, con guitarras que expanden el paisaje y una base rítmica contenida. La propuesta mantiene un pie en lo onírico y otro en la crudeza del rock alternativo, mostrando la dualidad que caracteriza al proyecto.
El origen de Sleepers Club está marcado por la espontaneidad. Ward había reservado el estudio de Moon con la intención de trabajar en su música, pero la pandemia alteró los planes y transformó la sesión en una colaboración inesperada. Lo que empezó como un escape momentáneo terminó convirtiéndose en un cuerpo de canciones que, aunque quedaron en silencio durante un tiempo, regresan hoy con un sentido renovado.
En ese regreso, Island funciona como una carta de presentación. Más que nostalgia por los días de encierro, ofrece una lectura actual sobre cómo la música puede convertirse en refugio frente al caos. Para Sleepers Club, liberar estas canciones ahora parece ser la manera de cerrar un ciclo, dejándolas correr libres hacia un público que encuentra en sus sonidos un espejo del desconcierto y la calma que coexisten en la vida cotidiana.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Victory Kicks – Distant States | Reino Unido
El proyecto Victory Kicks llega con “Distant States”, una canción de rock ligero que se sostiene en un ritmo sencillo pero con la capacidad de atrapar de inmediato. La voz se integra de manera natural con el resto de los elementos, logrando un equilibrio que convierte al tema en una propuesta accesible y cercana para quienes disfrutan de melodías que invitan a escucharse más de una vez.
Detrás del proyecto está John Sibley, músico londinense que desde 2013 ha mantenido una trayectoria constante dentro de la escena indie del Reino Unido. Lo que comenzó como una forma de mantenerse creativo en tiempos libres se transformó en un catálogo amplio donde el indie rock casero, melódico y melancólico, encuentra su lugar. Con influencias que van desde The National hasta Wilco, Victory Kicks logra un estilo propio que se mantiene fiel a su esencia.
Spiny Norman – Desierto de Tabernas | Países bajos
Desde los Países Bajos nos encontramos con Spiny Norman y su propuesta “Desierto de Tabernas”, una pieza instrumental breve pero con carácter, que recuerda al viejo oeste a través de un ritmo solemne e intrigante. A pesar de su corta duración, consigue generar una sensación de viaje que se queda resonando al final, como si dejara abierta la invitación a seguir explorando su mundo musical.
Este trío se mueve en un territorio experimental donde confluyen el funk psicodélico, el surf rock y hasta el trip-hop, todo creado desde su propio estudio. Sus composiciones evocan paisajes oníricos que remiten tanto a la atmósfera de Pink Floyd como a la crudeza del hip hop clásico, una mezcla que les da identidad y los posiciona como una propuesta difícil de encasillar pero muy atractiva de seguir.
Taylor Ridge – Sorry Baby | Estados Unidos
Cerramos con Taylor Ridge, quien presenta “Sorry Baby”, un tema que mezcla influencias de rock con detalles de indie pop. Su ritmo ligero y divertido, acompañado de una voz fresca, crea una canción que transmite energía positiva, de esas que se disfrutan en movimiento o con la mente puesta en días soleados. Es un corte sencillo en apariencia, pero con la capacidad de contagiar buenas vibras.
Con base en Isla Vista, California, Taylor desarrolla una propuesta que se asocia a la libertad y la ligereza, música pensada para acompañar momentos cotidianos pero también para disfrutar con intensidad. Su estilo mantiene un aire despreocupado y auténtico, algo que lo convierte en una propuesta cercana para quienes buscan melodías sin complicaciones pero con carácter.
En conjunto, Victory Kicks, Spiny Norman y Taylor Ridge ofrecen una muestra de lo diverso que puede ser el panorama indie actual. Cada uno aporta matices distintos que van desde lo íntimo hasta lo experimental y lo ligero, ampliando el espectro de lo que podemos escuchar. Vale la pena darles una oportunidad y dejar que sus canciones se integren a tu playlist.
El dúo Møme x Ricky Ducati vuelve a poner sobre la mesa su interés por explorar la memoria sonora con Do You Know Me, un tema que envuelve al oyente en una atmósfera de ecos y reverberaciones. La canción se distingue por el trabajo vocal de tenores, que conduce a una experiencia inmersiva y le da un carácter distinto dentro de su catálogo. Con este lanzamiento, los artistas retoman la idea de mirar hacia atrás para dar forma a algo nuevo en el presente.
La colaboración entre el productor francés Jérémy Souillart, conocido como Møme, y el canadiense Ricky Ducati se consolidó con Flashback FM, un álbum que recorría las décadas de los 70, 80 y 90 con un lenguaje contemporáneo. Ese interés por el pasado no desaparece en Do You Know Me, pero aquí aparece en un tono más íntimo, casi introspectivo, donde los recursos electrónicos dialogan con un planteamiento más vocal y humano.
Para Møme, la música es un motor que lo ha llevado de su éxito masivo con “Aloha” hasta escenarios internacionales, festivales franceses de gran escala y producciones de corte experimental. La asociación con Ricky Ducati le permitió dar un giro más personal, con un enfoque menos frío que en sus trabajos iniciales. En ese marco, Do You Know Me se sitúa como una pieza que da continuidad a ese cambio, apuntando hacia una electrónica cálida y emocional.
El tema encaja dentro de una propuesta más amplia, donde la nostalgia y la innovación no se excluyen, sino que se complementan. Do You Know Me muestra cómo Møme x Ricky Ducati construyen un puente entre lo retro y lo actual, evitando caer en la mera imitación. Más que una canción de ocasión, se presenta como una invitación a escuchar con atención, dejándose llevar por un viaje de texturas que revelan una faceta más contemplativa del dúo.
La historia de Fields of Jake tiene un punto de quiebre inesperado: setenta dólares y una guitarra de segunda mano. Lo que comenzó como un pasatiempo pronto lo llevó de los diamantes de béisbol a los escenarios de lugares emblemáticos en Los Ángeles, como el Whisky a Go Go o el Troubadour. Esa transición marcó el inicio de una carrera musical que hoy encuentra un nuevo capítulo en Sprinter Van, una canción de soft rock con tintes pop, guiada por la suavidad de la batería y el pulso constante de la guitarra eléctrica.
Detrás de su estilo actual hay una trayectoria que combina disciplina y espontaneidad. Primero bajo su propio nombre, Jake Fields lanzó un EP titulado Someday You’ll Be Mine, donde se acercó a las emociones humanas desde la composición íntima. Más tarde, con el proyecto Fields of Jake, dio forma a No One Wants To See The Grand Canyon Alone, explorando temas como el amor, la pérdida y la familia. Esa narrativa personal sigue viva en Sprinter Van, aunque con un tono más ligero y accesible.
El nuevo álbum que prepara, con ocho canciones grabadas en Lucy’s Meat Market de Los Ángeles, mantiene la colaboración con el productor Jim McGorman, conocido por su trabajo con Goo Goo Dolls y Marc Broussard. Allí se aprecia una búsqueda de equilibrio entre la tradición de compositores como Jackson Browne y Paul Simon, y la necesidad de resonar con un público actual. En Sprinter Van este diálogo se percibe en la mezcla de melodía nostálgica con una instrumentación cálida y directa.
Más que una reinvención, lo que Fields of Jake plantea con este lanzamiento es un camino coherente dentro de su propia evolución. Sprinter Van funciona como carta de presentación hacia un disco que apuesta por el relato honesto y la cercanía, sin adornos innecesarios. Desde aquel impulso juvenil en una tienda de segunda mano hasta la consolidación de un proyecto musical sólido, su trayectoria muestra que las rutas menos planeadas suelen ser las que llevan más lejos.
En la escena emergente del pop-rock alternativo, Sarina presenta Fools Gold, un tema que combina la energía del punk-pop con un aire gótico marcado por los violines y la estética oscura de la vocalista. Lejos de ser un simple ejercicio de estilo, la canción refleja el carácter camaleónico de una artista que ha sabido absorber influencias culturales y musicales desde sus orígenes, para transformarlas en un lenguaje propio.
La trayectoria de Sarina no es ajena al eclecticismo. Nacida en Hawái de madre libanesa y padre japonés, su crianza en Tokio moldeó una identidad musical atravesada por lo internacional. Desde los dos años comenzó en el piano clásico, y con el tiempo sumó la guitarra y el ukelele, instrumentos que se convirtieron en pilares de su propuesta. Esa mezcla de formación temprana y apertura cultural se siente en la manera en que explora tanto lo luminoso como lo sombrío en sus composiciones.
Antes de llegar a este nuevo EP, “The Fool”, la cantante ya había marcado terreno con sencillos como “Identity”, donde demostró su faceta multiinstrumentista, y con una serie de videos que ella misma conceptualizó y dirigió. Esa búsqueda visual y simbólica se mantiene en Fools Gold, donde lo sonoro y lo estético se entrelazan para poner en cuestión los brillos falsos del glamour. La producción, a cargo de Kevin Thrasher, le otorga un pulido que conecta tanto con la tradición del pop-punk de principios de los 2000 como con las sensibilidades actuales.
El lanzamiento de Fools Gold es también un paso estratégico hacia la expansión de Sarina en la escena occidental. Con colaboraciones previas en la industria de los videojuegos y nuevos proyectos junto a productores de renombre, la artista se perfila como una voz que dialoga con referentes como Avril Lavigne, Olivia Rodrigo y Paramore, pero sin perder la impronta personal que nace de su historia multicultural y de su visión crítica del presente.
Hablar de Brent Amaker and the Rodeo es hablar de un artista que se mueve entre polos opuestos sin intentar reconciliarlos. Un cantante de country marcado por la crudeza del whiskey que, de día, ejerce como agente de seguros con licencia en Seattle. Desde 2005, cuando formó la banda, ha preferido caminar por el terreno incierto de lo inclasificable, vestido de vaquero negro junto a su grupo, pero con un imaginario que se alimenta más del art-rock que de las figuras tradicionales del country.
En este cruce de identidades aparece Murdered In the Streets, una canción que rompe moldes con un giro poco común. El tema mezcla la energía del rock con la narrativa del country y la intensidad del mariachi, integrando incluso frases en español dentro de su letra. El resultado no busca suavizar los contrastes, sino presentarlos de frente, casi como un reflejo de las propias contradicciones de Amaker.
El contexto de la canción está ligado al proyecto Vaquero, grabado en Ciudad de México y fruto de la amistad de Amaker con músicos locales. Allí, entre trompetas de mariachi y guitarras que se mezclan con la fuerza del country, se construyó un sonido fronterizo. La intención no es imitar, sino dialogar con tradiciones distintas y, en el proceso, encontrar un espacio nuevo donde convergen caminos musicales que parecían incompatibles.
Escuchar Murdered In the Streets es asomarse a esa búsqueda, en la que se cruzan la crudeza del western y la celebración callejera mexicana. No es un intento de uniformidad, sino un retrato de tensiones, de mundos que colisionan y que, en ese choque, generan un pulso diferente. Tal vez por eso Amaker insiste en recordarnos que la música, como la vida, no siempre necesita definiciones claras para cobrar sentido.
