Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Dead Hands – The Puppeteer | Dinamarca
Desde Silkeborg, Dinamarca, Dead Hands irrumpen con un hard rock potente y melódico marcado por guitarras pesadas, una sección rítmica contundente y una voz cargada de intensidad. Formada en 2020, la banda presenta “The Puppeteer”, un single de carácter oscuro y energía antibélica que aborda la pérdida de autonomía del individuo dentro de la maquinaria de la guerra. A través de riffs contundentes y una narrativa directa, la canción pone el foco en quienes mueven los hilos y en las heridas visibles e invisibles que quedan mucho después de que el conflicto termina. Una declaración cruda y visceral que combina la fuerza del rock con un mensaje de protesta.
Sonic Anonymous – Be Good Tonight | Estados Unidos
Sonic Anonymous presenta “Be Good Tonight”, una propuesta de synthpop alternativo, experimental y profundamente personal que combina grooves electrónicos hipnóticos, guitarras crudas y una atmósfera cinematográfica con una voz relajada y cargada de carácter. Concebida como una plegaria electrónica póstuma dedicada a su hermano, un veterano militar que terminó viviendo en las calles de Las Vegas y falleció trágicamente por una sobredosis, la canción transforma una experiencia íntima de pérdida, ansiedad y agotamiento emocional en un viaje nocturno, oscuro y conmovedor. Entre sonidos envolventes, pensamientos circulares y una estética marcada por la ironía, “Be Good Tonight” convierte el dolor privado en un himno para quienes siguen adelante cuando ya no queda energía.
Greg Rider Farrell – ROAM | Canada
El cantautor canadiense Greg Rider Farrell presenta “ROAM”, el tema principal de su nuevo álbum, una canción que combina Country, Americana y Country Pop con una sonoridad cálida, auténtica y evocadora. Inspirada en su propia historia de transformación y redención, la canción refleja ese impulso de ponerse en camino, dejar atrás el pasado y recuperar la libertad después de años de lucha personal. Con una guitarra acústica envolvente, arreglos modernos y una voz áspera y expresiva, Greg convierte “ROAM” en un himno a los nuevos comienzos, demostrando una vez más cómo utiliza su música para transmitir esperanza, honestidad y la posibilidad de cambiar de rumbo.
Soft Cuff es una banda instrumental originaria de St. Petersburg, Florida, que comenzó a tomar forma a finales de 2023 a partir de las sesiones musicales entre el bajista Brian Schanck y el multiinstrumentista Michael “Mikey” Bostinto. El proyecto surgió de manera relativamente espontánea: lo que inicialmente eran sesiones de trabajo terminó convirtiéndose en un repertorio propio y, posteriormente, en una banda.
A ellos se sumaron el guitarrista Shane Schuch y la tecladista y percusionista Christina Sanchez, configurando la formación que llevó las primeras composiciones al escenario. En sus primeros lanzamientos, Soft Cuff se presentó como un proyecto de psych-groove instrumental, con influencias que abarcan el funk, el soul, el jazz, el hip-hop y el rock psicodélico.
Soft Cuff, banda formada en St. Petersburg, Florida, presenta su primer álbum de larga duración, Thick Heat. El lanzamiento llega poco menos de tres años después de la formación del grupo y representa una ampliación de la propuesta instrumental que la banda había desarrollado en sus primeros trabajos.
A diferencia de una banda centrada en canciones vocales, Soft Cuff construye buena parte de su identidad a través de los arreglos instrumentales, los cambios de textura y el desarrollo de los riffs. En ese sentido, Thick Heat continúa una línea que ya estaba presente en sus primeros lanzamientos, aunque amplía el espectro de influencias y de instrumentos utilizados.
Uno de los elementos más evidentes de Thick Heat es su interés por el ritmo. El funk aparece como uno de los puntos de partida, pero no como una fórmula cerrada. A lo largo del álbum se incorporan recursos asociados al rock psicodélico, el soul, el jazz, el hip-hop y la música cinematográfica.
El Track x Track de “Thick Heat”
1. “Pico Suave” “Pico Suave” abre Thick Heat con un ambiente hipnótico y relajado que introduce buena parte del lenguaje instrumental de Soft Cuff. La percusión establece un pulso juguetón mientras las guitarras aportan tonos cálidos y envolventes. El bajo avanza con una cadencia pausada y se integra con una batería constante, creando una pieza instrumental como mucho groove y atmósfera. Es una apertura que presenta al oyente un sonido más interesado en construir espacios que en apresurarse hacia un clímax, yendo del groove a lo ligeramente psicodélico.
2. “Me? I’ll Have That” Con una conexión directa del ritmo el segundo track del disco “Me? I’ll Have That” conserva parte del carácter percusivo del primer tema, aunque incorpora una mayor presencia del funk. El bajo adquiere protagonismo y las guitarras se muestran más brillantes y funky, mientras los teclados añaden brillo y profundidad. La canción va incrementando su intensidad hasta alcanzar una sección pausada protagonizada por el bajo, los cambios entre texturas más suaves y pasajes se transforman en un riff ligeramente distorsionado que va dirigiendo la sección final mientras los teclado crean esa tensión “rica” que nos encanta para terminar el track.
3. “Mystery Box” “Mystery Box” en lugar de depender de una estructura vocal tradicional, Soft Cuff utiliza la interacción entre los instrumentos para mantener la sensación de descubrimiento que sugiere el título, llena de riffs y arreglos que van tomando protagonismo durante 3:34 minutos, con un sonido retro y a la vez moderno hasta ahora el álbum nos recuerda a bandas como Chicano Batman, pasando del groove y funk a ritmos mas latinos agregándole texturas de sintetizadores setenteros que te harán perderte en su sonido.
4. “Rudy” “Rudy” se adentra con mayor claridad en la faceta psicodélica de Soft Cuff. Los teclados, particularmente el órgano, aportan una textura colorida que se combina con guitarras que alternan entre riffs impulsados por el ritmo y momentos de mayor intensidad. El tema incorpora cambios de dinámica y pausas que interrumpen temporalmente el flujo antes de recuperar su amplitud instrumental. También aparecen matices de reggae dentro de su estructura, ampliando la combinación de referencias que caracteriza al álbum.
5. “Short Moves” “Short Moves” nos lleva a un momento de calma con su intro, un e piano suave y delicado, mientras el groove va creciendo y la interacción instrumental ocupen el centro. Dentro del disco, el tema tiene una sensación mas reflexiva y lenta pero conservando este groove retro que caracteriza a la banda, especialmente en el coro. El tema forma parte de una secuencia en la que Soft Cuff alterna diferentes grados de intensidad y textura, evitando que el álbum quede limitado a una única aproximación psicodélica o funk. Su presencia contribuye al carácter cambiante del disco y a la sensación de que cada composición funciona como una variación sobre el lenguaje general de la banda.
6. “Neon Sanders” “Neon Sanders” añade otra tonalidad al universo de Thick Heat. El título evoca una estética urbana y cinematográfica , como ocurre en buena parte del álbum, el interés está menos en una narrativa explícita que en la manera en que los instrumentos pueden sugerir escenas, movimientos y ambientes. La canción amplía así el recorrido antes de llegar a la pieza que da nombre al álbum. La canción explota con un outro final lleno de sintetizadores y un ritmo mas agresivo que hacen que la pieza te lleve de una sensación de caminar por la calle al caos explosivo del final de una historia.
7. “Thick Heat” La canción que da título al álbum constituye uno de sus momentos más cinematográficos. Con algo más de cinco minutos, desarrolla una atmósfera que recuerda a determinadas bandas sonoras de los años setenta. Las guitarras presentan sonidos suaves y elegantes, mientras los efectos y sintetizadores espaciales amplían el paisaje sonoro. El resultado se mueve entre el misterio de una película de espionaje y una estética más sensual asociada con ciertas producciones de aquella década, manteniendo siempre el carácter instrumental del grupo.
8. “What’s A Question Mark Sound Like?” “What’s A Question Mark Sound Like?” reúne funk, psicodelia, soul, rock, y algunos toques de world music. La guitarra, los teclados y la sección rítmica se combinan para producir una composición dinámica, juguetona y orientada al groove. La canción toma todos estos elementos crenado un jam con todo los elementos que venia presentando en canciones anteriores, suavidad, sintes retros, bajos con mucho groove y crechendos que pasan de lo latín al rock de manera natural.
9. “S’good Enuff” “S’good Enuff” se encuentra hacia el cierre del álbum y forma parte de la última etapa del recorrido musical planteado por Soft Cuff. El título, deliberadamente coloquial, también refleja el sentido de humor y la informalidad que aparecen en distintos aspectos de la identidad de la banda, en esta ocasión reflejando este tono super funk como parte de su identidad.
10. “Scorsese’s Dream” “Scorsese’s Dream” cierra Thick Heat y retoma de manera directa la dimensión cinematográfica presente en el concepto del álbum. La canción está construida alrededor de la idea de una película de atracos, con robos, persecuciones y escapes como referencia narrativa. Un bajo de movimiento constante impulsa la composición mientras las guitarras pasan de intervenciones atmosféricas a líneas ascendentes y momentos de mayor intensidad. Hacia la mitad, el tempo se reduce antes de que la canción recupere fuerza y desemboque en un cierre de orientación más rockera. Como final del álbum, reúne varios de los elementos que definen la propuesta de Soft Cuff: groove, psicodelia, instrumentación y una marcada sensibilidad cinematográfica.
Entre los artistas con los que Soft Cuff ha sido comparado se encuentran Khruangbin, BADBADNOTGOOD, Menahan Street Band, The Budos Band, El Michels Affair, Mildlife y Surprise Chef. Las comparaciones sirven como referencia para entender el terreno musical en el que se mueve el grupo, aunque Thick Heat no se limita a reproducir ninguno de esos estilos.
La incorporación de diferentes instrumentos de percusión es también parte importante de la evolución que plantea el álbum. En lugar de utilizar la guitarra como único elemento protagonista, Soft Cuff distribuye el peso de las composiciones entre el ritmo, el bajo, las guitarras y las diferentes capas percusivas.
La ausencia de una voz como elemento principal cambia la manera en que Soft Cuff aborda sus composiciones. En Thick Heat, los instrumentos tienen que asumir funciones que tradicionalmente pueden recaer sobre una melodía vocal: crear tensión, establecer una atmósfera y conducir el desarrollo de las canciones.
El resultado sitúa a Soft Cuff en un espacio entre la recuperación de sonidos vintage y la búsqueda de una estética contemporánea. Su apuesta por la música instrumental también los diferencia dentro de un panorama en el que la voz continúa siendo el principal vehículo narrativo para buena parte de las propuestas de rock y música alternativa.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Chip Pirrs – If Only | Estados Unidos
Chip Pirrs es un artista y compositor conocido por crear música única que desafía las fronteras entre géneros. Nacido en Indianápolis y radicado en Nueva York desde hace más de dos décadas, desarrolla paisajes sonoros envolventes a partir de melodías pegadizas, producción detallada y una propuesta que él mismo define como “hip-hop deconstruido”. Su música destaca por una mezcla atrevida de estilos.
The Mighty Pines – Behind The Times | Estados Unidos
The Mighty Pines es una banda de roots rock con influencias del soul, originaria de St. Louis, Missouri. Inspirada por los ríos y las calles de ladrillo de la ciudad, la agrupación combina voces potentes y composiciones cuidadas que van desde el rock ‘n’ roll contagioso hasta instrumentales de espíritu más orgánico. Su sonido incorpora raíces del bluegrass con una sensibilidad contemporánea hacia las armonías y la producción. Formada en 2012 por Neil Salsich, Gerard Erker, John Hussung y Mike Murano.
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Miguel Lopes & the Skop Band – Buenos Aires No Duerme | Portugal
Hankamer – Little Violets | Estados Unidos
Hankamer presenta “Little Violets”, una canción de atmósfera íntima y envolvente que combina elementos de indie, chamber pop, lo-fi rock y jazz para crear un espacio de introspección y calma. Con una interpretación vocal cálida, guitarras delicadas, un groove downtempo y la aparición de los metales como una voz interior, la canción transforma una historia de identidad, liberación y aceptación en una experiencia sonora profundamente emocional. Es una pieza que invita a detenerse, respirar y dejar que la música alivie, aunque sea por unos minutos, el peso del día.
Vaticanjail – BUBU | Chile
Vaticanjail presenta “BUBU”, una experiencia sonora inmersiva que explora el momento en que la realidad se hunde bajo el peso de una revelación emocional y el desamor se vuelve imposible de ignorar. La artista combina dream pop, producción electrónica, realismo mágico y una imaginativa experimentación con samples para construir un paisaje extraño, etéreo y profundamente vulnerable. “BUBU” transforma la confusión y el absurdo del heartbreak en una experiencia musical íntima, donde la sensibilidad de sus raíces latinoamericanas se encuentra con la escena alternativa de Dublín.
Amakiya es una artista electrónica y de trip-hop cuya música nace de la exploración de su paisaje emocional interior. Su propuesta combina sonido, imaginación y energía para construir espacios donde lo íntimo puede transformarse en una experiencia colectiva. En su universo artístico, la música no es únicamente una forma de expresión: es también una herramienta de transformación.
En Running in My Dreams, esa búsqueda adquiere una dimensión especialmente evocadora. El propio título sugiere movimiento, deseo y escape, pero también un territorio que existe más allá de las limitaciones de la vigilia. Correr en los sueños puede representar la posibilidad de avanzar sin las restricciones del mundo cotidiano: atravesar el miedo, dejar atrás el dolor y descubrir una versión más libre de una misma.
La sensibilidad de Amakiya está profundamente vinculada con elementos del Afrofuturismo y el trabajo energético. Desde esa perspectiva, imaginar otros mundos también puede convertirse en una forma de sanar y de recuperar poder. Sus composiciones exploran la tensión entre vulnerabilidad y fuerza, entre introspección y movimiento, creando una atmósfera en la que el cuerpo puede convertirse en parte del proceso de transformación.
A través de los beats mágicos de Croom, Amakiya construye paisajes sonoros que parecen existir entre distintos estados de conciencia. El trip-hop aporta una cualidad hipnótica y envolvente, mientras que la electrónica abre espacio para la experimentación y la expansión. El resultado es una música que invita tanto a escuchar hacia dentro como a dejarse llevar por el ritmo.
Running in My Dreams puede entenderse, entonces, como una experiencia de movimiento interior. No se trata solamente de correr hacia algún lugar, sino de descubrir qué ocurre cuando finalmente nos permitimos avanzar. En el mundo de Amakiya, el movimiento puede ser una forma de liberar aquello que permanecía atrapado, y el baile, una manera de reclamar el propio cuerpo y la propia historia.
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DemoDiva – YOLO! | Estados Unidos
DemoDiva es una compositora, productora y editora musical independiente que transforma experiencias, emociones y letras honestas en canciones que exploran distintos territorios del pop, rock, synth, country y música electrónica. Con “YOLO!”, su más reciente sencillo, abraza la energía del Dance-Pop y Eurodance en una producción vibrante, contagiosa y de espíritu festivo que invita a bailar, explorar el mundo y atreverse a vivir nuevas experiencias. Inspirada en el concepto “You Only Live Once”, la canción celebra la libertad, la felicidad y el valor de tomar oportunidades, combinando sonidos modernos con una dosis de nostalgia por la música dance y house clásica.
Bachelor Party – PANTS | Estados Unidos
Bachelor Party es un dúo emergente de Alternative-Pop de San Antonio, Texas, formado por Cooper Smart (voz y guitarra) y Ruben Rapalo (batería), dos músicos con amplia experiencia en composición e interpretación que combinan distintas influencias para crear un sonido ecléctico y original. Con “PANTS”, el dúo transforma una experiencia cotidiana y frustrante entrar a una tienda buscando simplemente unos pantalones y terminar enfrentándose a una interminable oferta de tarjetas y aplicaciones en un banger energético que fusiona Bass House, Electro House y Dance Pop. Irreverente, divertido y cargado de actitud, el tema demuestra la capacidad de Bachelor Party para convertir situaciones reales en canciones pegadizas, espontáneas y listas para la pista de baile.
Trippy Fawx – Drowning | Reino Unido
Jon22, el proyecto artístico del cantautor y músico de Dallas Jon Berman, se distingue por una propuesta ecléctica y profundamente personal que combina influencias del indie rock, el rock clásico y el pop, creando paisajes sonoros tan introspectivos como accesibles. En “It’s Alright”, Jon22 continúa explorando ese equilibrio entre vulnerabilidad y melodía, con una interpretación íntima que refleja su capacidad para convertir experiencias personales y momentos de incertidumbre en canciones cercanas y emotivas.
Alas de Liona presenta “The Vespertine”, el primer sencillo de Noble Rot, su próximo álbum de estudio y una nueva etapa dentro de la trayectoria de la artista estadounidense radicada en Escocia. El tema, descrito como una balada de alt-pop oscura, aborda el amor y la pérdida desde una perspectiva marcada por una estética gótica y una atmósfera introspectiva.
La canción introduce el universo conceptual de Noble Rot, un álbum inspirado en la temática de los vampiros. En “The Vespertine”, esta referencia funciona como parte de una propuesta que combina elementos oscuros con una sensibilidad melódica y emocional. La producción se apoya en el carácter atmosférico de la composición, mientras que la interpretación vocal de Alas de Liona aporta diferentes matices a una canción centrada en sentimientos de apego, ausencia y transformación.
La identidad musical de Alas de Liona se ha desarrollado en Edimburgo, ciudad a la que llegó después de pasar un año estudiando en el extranjero. Su propuesta combina alt-pop con elementos oníricos y una escritura introspectiva, dando especial importancia a la creación de ambientes. A lo largo de su trayectoria ha trabajado con músicos y productores vinculados a la escena escocesa, entre ellos Rod Jones, de Idlewild, y Gus Harrower.
“The Vespertine” llega después de Gravity Of Gold, el segundo álbum de la artista, publicado en septiembre de 2024. El disco recibió atención de distintos medios especializados, entre ellos Clash, The Line Of Best Fit, The Scotsman, BBC Radio Scotland, The Skinny, RTE y The Arts Desk. Estas publicaciones destacaron diferentes aspectos de su composición, interpretación vocal y orientación atmosférica.
Noble Rot fue completado en febrero de 2026 en Post Electric, en Leith, y continúa ampliando la dimensión conceptual de su música. El nuevo material representa una evolución respecto a su trabajo anterior, incorporando una narrativa vinculada a lo vampírico y una estética más oscura, sin abandonar la sensibilidad melódica que caracteriza a la artista.
Corey Hunter presenta “Tides”, un nuevo sencillo creado junto a la cantante Alia como parte de Ocean Eyes, el proyecto de dúo que ambos desarrollan. La canción ocupa el sexto lugar dentro del álbum debut de nueve temas de Ocean Eyes y continúa la exploración de Hunter de un sonido atmosférico, influenciado por el Vapor Soul, el Indie Folk, el Electropop y el Alternative R&B.
En “Tides”, Hunter mantiene uno de los elementos más reconocibles de su propuesta: un paisaje vocal construido mediante diferentes capas que genera una sensación etérea y envolvente. La participación de Alia incorpora una interpretación de carácter más sutil y emocional, estableciendo un contraste que se convierte en uno de los principales recursos de la canción. La combinación de ambas voces sitúa al tema en un espacio sonoro cercano al indie folk y al soul alternativo de orientación ambiental.
Ocean Eyes surge después del recorrido de Corey Hunter como solista. Originario de una isla frente a la costa de Alaska, Hunter desarrolló desde joven una relación estrecha con el canto a través del coro de una iglesia. Su propuesta musical se ha caracterizado por una aproximación introspectiva a temas relacionados con la vida, el amor y las emociones humanas. Como solista, ha publicado canciones como “I Am My High”, “Ocean of Love”, “Fantasy” y “You Are My Everything”, esta última con presencia en las listas de iTunes en Ucrania.
Con “Tides”, Ocean Eyes amplía este recorrido hacia un formato colaborativo. La canción apuesta por una producción contenida y una interpretación vocal expresiva, utilizando las texturas y el espacio sonoro como parte fundamental de su identidad. El tema representa una nueva muestra de la búsqueda de Corey Hunter por combinar melodías íntimas con ambientes electrónicos y orgánicos, ahora acompañada por la voz de Alia en una propuesta centrada en la interacción entre ambos intérpretes.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Gavin Marengi – 13th Night | Estados Unidos
Gavin Marengi es un joven artista de country de 19 años originario de la frontera entre Massachusetts y New Hampshire, que ha destacado desde su adolescencia por sus presentaciones en vivo y su creciente presencia en la escena musical. Su canción “13th Night” ofrece una mirada íntima y nostálgica al descubrimiento de una persona tan especial que la experiencia parece casi irreal, evocando pequeños momentos compartidos, cambios de estación y noches de verano. La canción combina gratitud y vulnerabilidad al celebrar una conexión significativa mientras reconoce el temor de que aquello que más importa pueda desaparecer.
JTRO – Voces Cruzadas | Perú
JTRO marca su regreso a la escena del rock alternativo con “Voces Cruzadas”, sencillo que inaugura una nueva etapa para la banda peruana tras casi dos años de ausencia de los escenarios. El periodo de pausa sirvió como una etapa de reflexión, cambios y reconstrucción creativa, durante la cual sus integrantes replantearon su identidad y exploraron nuevas influencias musicales. La canción refleja este proceso a través de una narrativa centrada en la resiliencia, utilizando contrastes entre oscuridad, fragilidad, esperanza y renacimiento para hablar de la posibilidad de comenzar nuevamente después de una caída.
Nick Trovert – Sunshine | Paises Bajos
Nick Trovert es un artista neerlandés de indie pop nacido en Rotterdam y actualmente radicado en Hoofddorp. Su relación con la música comenzó desde joven, cuando descubrió el teclado de su abuelo, y posteriormente empezó a crear canciones con un iPad. Su sencillo “Sunshine”, es una balada pop melancólica inspirada en recuerdos de su etapa escolar y en el deseo de haber vivido experiencias más positivas. La canción incorpora un sonido de gong procedente de De Doelen, la reconocida sala de conciertos de Rotterdam, que Trovert grabó originalmente con su teléfono mientras trabajaba allí y que posteriormente fue autorizado para su uso oficial.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
inaekkum – Yips | Corea del Sur
inaekkum es un cuarteto de indie pop de Daegu, Corea del Sur, liderado por Min Wooseok, cuya música combina melodías pop, ritmos dinámicos, sintetizadores y bajos envolventes con letras introspectivas. “Yips”, sencillo de su próximo álbum MY, muestra una faceta más cercana al indie rock de principios de los 2000, con ritmos impulsados, atmósferas brillantes y una interpretación vocal envolvente. La canción utiliza el béisbol como metáfora de la vida y del fracaso, explorando la presión por cumplir expectativas, la humillación y la desconexión entre cuerpo y mente, mientras mantiene el contraste característico de inaekkum entre una propuesta musical accesible y una narrativa profundamente personal.
Ojahara – Shoot Shoot | Estados Unidos
Ojahara es una banda de indie pop originaria de Rhode Island que presenta “Shoot Shoot”, un sencillo que comenzó como una idea grabada en una nota de voz en 2021 y que posteriormente fue desarrollada mediante un proceso de grabación y mezcla DIY en distintos espacios domésticos. La canción combina influencias del pop clásico con una producción de indie rock, incorporando piano melódico, ritmos con inspiración funk, bajo dinámico y voces de carácter crudo y soñador. Tras su producción casera, el tema fue masterizado en Abbey Road Studios, dando forma final a una propuesta que puede resultar atractiva para quienes disfrutan de artistas como Elton John, Emitt Rhodes y R. Stevie Moore.
Louis Torre – two things | Estados Unidos
“Two Things” es una canción de indie pop agridulce de Louis Torre que explora cómo emociones aparentemente opuestas pueden coexistir: el duelo y la gratitud, sentirse perdido mientras se sigue avanzando, o extrañar lo que ya no está mientras se aprende a valorar lo que permanece. El lanzamiento adquiere además un significado personal al coincidir con el cumpleaños de su padre fallecido, convirtiendo la propia fecha en una extensión del mensaje de la canción: incluso un día marcado por la tristeza puede contener momentos de belleza.
