Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
PLÉTHORE – Atlantic | Francia
El colectivo francés Pléthore, fundado por el músico y arquitecto Louis Faloci, presenta Atlantic, una canción incluida en su álbum debut Digital Dream. El tema combina una estructura de pop electrónico con influencias de nu-disco, sintetizadores texturizados y una base rítmica minimalista que sostiene una interpretación vocal contenida. A nivel conceptual, la canción explora la dualidad interior del individuo, representada como un diálogo entre fuerzas opuestas, abordando temas como la disonancia cognitiva y la presión social por proyectar seguridad. Con este enfoque, Pléthore continúa desarrollando una propuesta artística donde la música se concibe como un espacio sensorial que conecta sonido, emoción y experimentación estética.
JUDITH x Tobias Arizio – Mi amorcito | Argentina
La cantautora JUDITH y el artista Tobías Arizio se unieron para crear el sencillo Mi amorcito, una canción coescrita por ambos en la que comparten voces y perspectivas. El sencillo refleja la química creativa entre los artistas y forma parte de la primera etapa de Tobías Arizio hacia su álbum debut, previsto para 2026, mientras JUDITH continúa dando a conocer su música original al público.
Zach Madden – Counting Seconds | Estados Unidos
El productor, ingeniero y multiinstrumentista Zach Madden, presenta su sencillo Counting Seconds, un tema de indie folk que combina elementos sutiles de jazz y música progresiva. La canción refleja la experiencia técnica y artística de Madden, equilibrando innovación sonora con una melodía accesible, y demuestra su capacidad para crear producciones sofisticadas que resultan cercanas y emocionalmente envolventes.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Yari M – Alócate | Puerto Rico
La cantante y compositora puertorriqueña Yari M, nacida como Yaritzell M. Cordero Ayala en Carolina, Puerto Rico, ha desarrollado su propuesta musical dentro de géneros como el pop latino, el R&B y la música urbana. En 2020 presentó su primer EP, Yo Soy, un proyecto de seis canciones que incluyó el remix del tema Freshy junto a los artistas Brray y Randy Nota, ampliando su visibilidad dentro del panorama urbano latino. Desde entonces, la artista ha continuado trabajando en nueva música y colaboraciones para seguir consolidando su carrera.
Conleth Mcgeary – Lily | Irlanda
El cantante y compositor Conleth McGeary presenta Lily, una canción que funciona como un mensaje de apoyo y cercanía emocional dentro de una relación. El tema aborda la idea de convertirse en un punto de estabilidad para otra persona, explorando la sensación de seguridad y tranquilidad que muchas personas buscan en el amor. Con una melodía envolvente y un estribillo diseñado para permanecer en la memoria del oyente, Lily combina un tono íntimo con una energía creciente que transforma su mensaje en una especie de himno emocional sobre la confianza y el acompañamiento mutuo.
Victoria Staff – Love Should Feel | Canada
La cantautora canadiense Victoria Staff presenta su sencillo Love Should Feel, una canción de indie pop que reflexiona sobre la idea de que el amor verdadero puede ser sencillo, natural y reconfortante. A través de melodías vocales claras, letras poéticas y una instrumentación acústica con producción moderna, el tema transmite un mensaje optimista sobre encontrar estabilidad y conexión emocional sin necesidad de conflictos o esfuerzos forzados. Con su tono luminoso y accesible, la canción se integra dentro del indie pop contemporáneo y destaca por su enfoque positivo y cercano.
La joven cantautora neoyorquina Amelie Lucille continúa desarrollando su propuesta dentro del indie folk con el sencillo Polar, una canción con un enfoque íntimo y su interpretación vocal.
Publicada cuando la artista tenía 17 años, Polar se presenta como una pieza minimalista construida alrededor de una instrumentación delicada. La canción combina guitarra acústica con arreglos de cuerdas que aportan profundidad emocional sin dominar la mezcla. Este enfoque sobrio permite que la voz de Lucille permanezca en el centro de la experiencia sonora.
Polar se caracteriza por su atmósfera introspectiva. La interpretación vocal transmite una sensación de calma y melancolía que acompaña la estructura sencilla de la canción. En lugar de apoyarse en grandes cambios dinámicos o producciones complejas, el tema se desarrolla a partir de pequeños matices interpretativos y de una narrativa emocional contenida.
Algunos comentaristas han señalado que el estilo de Lucille se aproxima a la sensibilidad de cantautoras contemporáneas como Phoebe Bridgers o Lizzy McAlpine, artistas conocidas por combinar arreglos minimalistas con letras introspectivas. Sin embargo, también se han mencionado posibles influencias más clásicas del folk y del pop de las décadas de los sesenta y setenta, lo que aporta a la canción un carácter que algunos oyentes perciben como atemporal.
En el plano lírico, Polar aborda emociones relacionadas con las relaciones sentimentales y la idealización romántica. La canción explora la manera en que las percepciones personales pueden moldear la imagen de otra persona dentro de una relación, un tema frecuente en la tradición del folk confesional. A través de imágenes sencillas y una narrativa introspectiva, la letra refleja sentimientos de incertidumbre y vulnerabilidad emocional.
Originaria de New York City, Lucille forma parte de una nueva generación de cantautores que trabajan dentro de circuitos independientes y que priorizan producciones íntimas y composiciones centradas en la expresión emocional. Además de su actividad como compositora, la artista también ha comenzado a presentarse en vivo en espacios reconocidos de la escena musical de la ciudad, como The Bitter End, uno de los clubes históricos del folk y del songwriting en Manhattan.
Con Polar, Amelie Lucille continúa ampliando su catálogo musical y consolidando un estilo basado en la sencillez instrumental y la expresión vocal directa. Aunque se encuentra todavía en una etapa temprana de su trayectoria, el sencillo sugiere una dirección artística centrada en la intimidad sonora y la exploración emocional dentro del indie folk contemporáneo.
El dúo británico de alt-pop CATBEAR ha presentado su nuevo sencillo Who Cares?, un lanzamiento del proyecto formado por Zoe y Sarah. Radicado en Brighton, el proyecto CATBEAR nació de la amistad entre sus dos integrantes, quienes comenzaron a hacer música juntas mientras vivían en el sur de Londres. En sus primeras etapas tocaron en conciertos DIY y fiestas domésticas antes de orientar su propuesta hacia una producción más centrada en sintetizadores y arreglos electrónicos. Desde entonces, el dúo ha desarrollado un estilo que combina influencias del indie pop, el synth-pop y la música electrónica inspirada en las décadas de los ochenta, noventa y dos mil.
Gran parte de su música es escrita, grabada y producida por Zoe desde su estudio doméstico, lo que permite al dúo mantener control directo sobre el proceso creativo. Esa metodología se refleja también en otros aspectos del proyecto, desde el diseño visual hasta la distribución de mercancía.
En términos musicales, Who Cares? se sitúa dentro del espectro del alt-pop con elementos que recuerdan tanto al indie pop contemporáneo como a la estética synth-pop retro. La canción presenta un ritmo enérgico y un tono optimista en la superficie, acompañado por sintetizadores brillantes y una estructura accesible. Sin embargo, el contenido lírico introduce un contraste más introspectivo.
El tema aborda la ansiedad social y la presión interna de participar en actividades sociales incluso cuando la experiencia puede resultar abrumadora. La letra describe esa sensación previa a salir de casa en la que el deseo de participar convive con la inquietud de sentirse fuera de lugar o de no cumplir con las expectativas sociales. Este contraste entre sonoridad animada y temática emocionalmente vulnerable es un recurso frecuente en la música del dúo.
Según ha explicado Zoe en declaraciones sobre la canción, la inspiración surgió de esa experiencia cotidiana de anticipar situaciones sociales con cierta tensión emocional. El objetivo del tema, señala, no era únicamente describir esa ansiedad, sino también introducir una perspectiva más conciliadora, recordando que no siempre es necesario responder a las expectativas externas.
Who Cares? también forma parte del desarrollo del segundo álbum de CATBEAR, que llegará después de su debut discográfico Into the Light y de lanzamientos posteriores como I Choose Love. En esos trabajos anteriores el dúo exploró diferentes influencias, desde el synth-pop melódico hasta sonidos más cercanos al post-punk y al darkwave, además de introducir temáticas relacionadas con la identidad y las experiencias LGBTQ+.
Como parte de la promoción del nuevo sencillo, el dúo ha anunciado presentaciones en mayo en Londres y Brighton, donde el tema debutará en directo antes de su lanzamiento oficial. Los conciertos formarán parte de una serie de actuaciones en las que el grupo compartirá escenario con la banda alemana Roller Derby.
En los ultimos años el R&B ha evolucionado silenciosamente en los márgenes del pop global. Mientras el género continúa dominado por nombres estadounidenses, una nueva generación de artistas empieza a desarrollar su identidad sonora desde ciudades europeas como Londres, Berlín o Milán. Dentro de esa nueva ola aparece Hoopper.
El artista, radicado en Milán, forma parte de una generación de modern R&B artists que están empujando el sonido del género hacia territorios más introspectivos. En lugar de perseguir la escala del pop global, Hoopper parece interesado en algo más contenido. Sus canciones se construyen sobre atmósferas minimalistas, arreglos discretos y letras que a menudo se sienten como fragmentos de pensamiento más que como narrativas tradicionales.
Entre ecos del dramatismo nocturno de The Weeknd, la sensibilidad melancólica que recuerda a Lana Del Rey y una estética dentro del dark R&B la música de Hooper mezcla vulnerabilidad y una producción electrónica contenida. Algunas canciones muestran una identidad sonora muy clara mientras que otras funcionan más como exploraciones de estudio. Esa irregularidad, lejos de ser un problema, suele ser parte natural del proceso creativo de muchos artistas dentro del modern R&B.
Ese proceso puede percibirse en canciones como Lost Without You, donde el minimalismo instrumental deja espacio para una interpretación vocal íntima. En otras como Her Show, la tensión emocional se apoya en una producción más oscura y cinematográfica. Incluso en piezas como I Don’t Miss You, el contraste entre melodías accesibles y letras emocionalmente ambiguas revela una dualidad que atraviesa buena parte del proyecto.
Gran parte de ese universo emocional ya aparecía en su álbum I Let You Hurt Me Soft, un trabajo que explora relaciones intensas, deseo y vulnerabilidad desde una estética cercana al dark R&B contemporáneo. Desde entonces, el proyecto ha comenzado a atraer oyentes en diferentes países, consolidando lentamente una base de seguidores dentro de la escena independiente del R&B alternativo.
Uno de los elementos más interesantes en la producción reciente de Hoopper es el uso de voces filtradas que terminan funcionando como instrumentos. En lugar de utilizar sintetizadores tradicionales para ciertas capas melódicas, el artista ha empezado a reutilizar fragmentos de grabaciones vocales realizadas durante sesiones de prueba en el estudio. Esas melodías, originalmente cantadas como ideas rápidas, se resamplean posteriormente, se filtran y se integran en la mezcla como si fueran pads o líneas instrumentales.
El resultado genera una textura curiosa. A primera escucha el sonido parece familiar, pero al observarlo con más atención se descubre que gran parte del paisaje sonoro proviene de la propia voz manipulada digitalmente. No es una técnica completamente nueva dentro del R&B contemporáneo, pero en el caso de Hoopper se utiliza de forma más orgánica, casi como si cada canción estuviera construida a partir de sus propios bocetos.
Esa búsqueda se vuelve más evidente en los lanzamientos recientes. La producción tiende hacia el minimalismo y las voces ocupan un espacio emocional más directo. Este enfoque conecta con una tendencia creciente dentro del modern R&B donde muchos artistas prefieren atmósferas íntimas en lugar de grandes arreglos.
Curiosamente, ese contraste recuerda a un concepto muy popular en Brasil conocido como “sofrência”. Dentro de esa tradición, muchas canciones parecen hablar de fiesta, deseo o intensidad nocturna, pero en realidad esconden una tristeza profunda o una historia de corazón roto. Algo similar ocurre en parte del repertorio de Hoopper, donde la seducción convive constantemente con una sensación de pérdida.
Hoopper se presentará el 6 de junio en Dasein, un espacio de Porta Venezia conocido por su formato íntimo y su cercanía entre artista y público. La expectativa alrededor del concierto ha comenzado a circular entre seguidores que esperan ver cómo esa atmósfera emocional se traslada al escenario.
Situaciones como esta refuerzan una idea que se repite cada vez más dentro de la escena alternativa europea: el futuro del R&B contemporáneo podría no surgir únicamente de los grandes centros de la industria musical, sino también de espacios independientes donde los artistas tienen mayor libertad para experimentar.
Si continúa desarrollando esa dirección sonora, Hoopper podría consolidarse como parte de una nueva generación de artistas europeos que están redefiniendo el lenguaje del R&B alternativo. No desde la imitación directa del sonido estadounidense, sino desde una perspectiva más introspectiva, cinematográfica y emocionalmente ambigua.
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Alejandro Baldoquin – El Amor Huele a Ti | Estados Unidos
Alejandro Baldoquin es un cantautor cubano cuya música combina la tradición de la canción acústica con influencias del pop latino, el folk y los ritmos caribeños. Su canción “El Amor Huele a Ti” nace de una interpretación íntima de guitarra y voz, inspirada en ese sentimiento especial que surge cuando el amor aparece. Manteniendo su esencia romántica y acústica, el tema incorpora sutilmente un ritmo cercano a la kizomba y un suave pulso de reggaetón, creando una atmósfera contemporánea que acompaña la emoción de la canción sin perder su delicadeza.
Lo Que Me Hace Mal – Desperté | Chile
Lo Que Me Hace Mal es una banda chilena de indie rock alternativo nacida en Santiago que explora la tensión entre la oscuridad y la redención a través de guitarras intensas y una sensibilidad melódica cercana al dream pop. Su single “Desperté” refleja ese espíritu con una propuesta introspectiva que recorre el momento en que algo se quiebra por dentro y surge la necesidad de cambiar la forma de mirar la vida. Con atmósferas envolventes que luego estallan en riffs más crudos, la canción captura ese instante de despertar emocional y forma parte de “Ruderales”, el primer disco de la banda.
Nejvex y KIDMAN – Heartless
La colaboración entre Nejvex y KIDMAN da vida a “Heartless”, una canción que se mueve entre el future bass, el dance pop y el rap alternativo. Con una producción electrónica dinámica y momentos de intensidad contrastados con pasajes más atmosféricos, el tema transmite una sensación de fragilidad emocional ligada al final de una relación marcada por el desgaste. Las voces y los bajos digitalizados construyen un recorrido sonoro que combina delicadeza y energía, destacando por su mezcla de estilos y su carga emotiva.
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Born Runner – Live It Up | Estados Unidos
Born Runner es un proyecto dentro del pop contemporáneo que apuesta por la energía positiva, las melodías inmediatas y una producción moderna. Su sencillo “Live It Up” combina guitarras dinámicas, ritmos vibrantes y hooks antemicos para crear una canción llena de entusiasmo y movimiento. Con una atmósfera optimista y contagiosa, el tema está pensado para acompañar momentos de celebración y libertad, conectando con oyentes que buscan en el pop una experiencia sonora capaz de elevar el ánimo.
IKAD! – Twt | Serbia
IKAD! es un trío instrumental con base en Belgrado que explora la intersección entre el math rock, el post-rock y el progresivo. Formado por Evan Keen, Sergei Karasev y Aleksei Fedotov, músicos con experiencia en diversos proyectos, el grupo destaca por su precisión rítmica y su enfoque dinámico en la composición. Su tema “Twt”, incluido en su EP debut IKAD!, muestra una combinación de pasajes técnicos, interacción rítmica fluida y atmósferas envolventes, reflejando una propuesta musical que equilibra complejidad instrumental con una escucha accesible y envolvente.
Jake Kulak – Anything At All | Estados Unidos
Jake Kulak es un guitarrista y compositor estadounidense, su música combina la energía del rock con influencias del blues y el garage rock. Junto a su banda, Jake Kulak & The Modern Vandals, presenta “Anything At All”, un sencillo marcado por guitarras distorsionadas, una potente pared de sonido y una interpretación vocal cargada de actitud.
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From//October – A Speedtrain Rushing By | Paises Bajos
From//October es el proyecto del compositor y productor Dion Ticktack, que explora la nostalgia, el paso del tiempo y la melancolía de crecer. Su canción “A Speedtrain Rushing By”, incluida en el mini EP Rushing By, utiliza la metáfora de un tren a toda velocidad para capturar la sensación de que la vida pasa demasiado rápido, mientras los recuerdos y los cambios se entrelazan con imágenes de lluvia y colores que se desvanecen. La pieza combina suaves tonos de guitarra con voces delicadas, creando una atmósfera introspectiva y cálida que invita al oyente a detenerse y reflexionar sobre el paso del tiempo.
RISE x stayMellow – Always | Reino Unido
RISE x stayMellow presentan “Always”, una poderosa colaboración que combina la energía del rock de RISE con el estilo melódico y moderno de stayMellow. La canción destaca por sus guitarras vibrantes, sintetizadores envolventes y ganchos vocales que crean un sonido único y reconocible al instante. Con un equilibrio perfecto entre intensidad y melodía, “Always” captura la esencia de ambos artistas y consolida su propuesta dentro de la escena contemporánea del rock.
Kabrio – We Said Love | Suiza
Kabrio es un dúo de productores formado por Patrick (anteriormente conocido como Aerotiqué) y Peter. Iniciado en 2019, el proyecto se ha dedicado constantemente a crear nueva música desde entonces. Sus producciones están inspiradas en el disco, house y la música electrónica de los años 80, reinterpretadas y adaptadas a un contexto moderno, logrando un sonido que combina nostalgia y frescura contemporánea.
El dúo francés Supermassive, formado por dos artistas que se conocieron en una escuela de composición de música para cine en Montpellier, ha logrado consolidar un estilo único que fusiona electrónica, rock alternativo, pop y música clásica. Desde 2018, Supermassive ha explorado esta mezcla de géneros con un enfoque cinematográfico, llevando su experiencia en scoring a la música electrónica de manera audaz y creativa.
Con “Sky”, lanzado a finales de febrero de 2026, el dúo eleva su propuesta a un nuevo nivel. La canción nació de un hallazgo fortuito: un sintetizador que reavivó su inspiración y terminó guiando toda la composición. El resultado es un track de Electro y Drum & Bass rápido y energético, con una tensión rítmica constante y capas de sintetizadores que se entrelazan con influencias clásicas y de rock alternativo. La producción mantiene un equilibrio entre fuerza y atmósfera, evocando tanto la euforia de la pista de baile como la inmensidad del cielo nocturno.
“Sky” destaca por su capacidad de generar movimiento y emoción. La mezcla de velocidad, texturas electrónicas y cambios de intensidad hipnotiza al oyente, mientras su trasfondo cinematográfico aporta profundidad y dinamismo. No solo es un tema bailable, sino una experiencia sensorial que refleja la madurez artística del dúo y su habilidad para combinar precisión técnica con impacto emocional. Con este lanzamiento, Supermassive reafirma su identidad dentro de la electrónica europea y demuestra que su sonido sigue explorando nuevos horizontes de energía y creatividad.
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Marika Che – Little Cures (Come Right on Time) | Estados Unidos
Marika Che, el proyecto solista de Marika Justad tras su etapa al frente de Tangerine, presenta en “Little Cures (Come Right on Time)” una delicada fusión de sensibilidad singer-songwriter e indie americana. Con guitarras rasgueadas, una sutil línea twangy, bajo cálido y percusión relajada, la canción crea una atmósfera luminosa y melancólica a la vez, sobre la que flotan sus vocales roncas y etéreas. El tema funciona como un himno suave para espíritus libres que atraviesan momentos grises pero siguen encontrando belleza en el camino, consolidando esta nueva etapa artística con honestidad y calidez.
CHELLYX & PRAX – Bleed Me Empty | Australia
“Bleed Me Empty” es un íntimo dueto acústico que explora el agotamiento emocional y el desamor desde una honestidad cruda y minimalista. Con guitarras acústicas en capas, armonías delicadas y una atmósfera contenida, la canción combina sensibilidad singer-songwriter con sutiles matices de R&B. La interpretación vocal suave y conmovedora construye un diálogo vulnerable que culmina en un estribillo donde las voces se entrelazan con intensidad, creando un momento de conexión profunda y catártica.
Eliz – Sooner | Estados Unidos
Eliz presenta “Sooner”, una pieza de indie pop incluida en su segundo álbum Cabin 232, donde explora la frustración y el crecimiento personal tras reconocer que se permaneció demasiado tiempo en una relación dañina. Escrita junto a su amiga y compositora Sofia Jolie, a quien conoció en el Interlochen Center for the Arts, la canción nace desde la intimidad de dos guitarras y armonías compartidas, y se potencia con una producción delicada que resalta su honestidad emocional. Con apenas 14 años, Eliz demuestra madurez artística y una sensibilidad auténtica que conecta con quienes buscan un pop reflexivo y sincero.
