El folk de cámara y el pop atmosférico encuentran uno de seus exponentes más fascinantes en el dúo australiano Charm of Finches. Formado por las hermanas Mabel e Ivy Windred-Wornes, el proyecto se ha ganado el reconocimiento internacional gracias a un sonido tan delicado como hipnótico, donde las armonías vocales de sangre se entrelazan con una melancolía luminosa. Con una trayectoria consagrada por álbumes aclamados como Marlinchen In The Snow y múltiples galardones en los Australian Folk Music Awards, el dúo dio inicio a una nueva etapa creativa con el lanzamiento de su sencillo “Meteor”, preludio de su esperado quinto álbum de estudio.
Inspirado por vivencias en paisajes imponentes como caminatas por volcanes activos en Nueva Zelanda o la exploración de selvas tropicales milenarias en Queensland, “Meteor” nace de un periodo de turbulencia interna y reflexiones profundas. Lejos de dramatismos excesivos, la canción examina con una sinceridad descarnada la compleja y a veces difícil relación que mantenemos con nosotros mismos.
Sonoramente, el tema es un deslizamiento espectral a través de bosques oscuros y atmósferas magnéticas. La instrumentación combina guitarras resplandecientes, un piano ondulante, cuerdas orquestales punzantes y sutiles percusiones que crecen orgánicamente. Sobre este tapiz sonoro, las voces etéreas de Mabel e Ivy entregan una interpretación de ensueño pero cargada de una intensa emoción, culminando en versos tan honestos como desgarradores.
El apartado visual de “Meteor” refuerza su carácter de cuento fantástico y cinematográfico. Dirigido y editado por las propias integrantes del dúo, el videoclip oficial rinde homenaje a un mundo natural, mágico y poderoso, bebiendo de influencias estéticas que van desde la serie Yellowjackets hasta la fantasía de Narnia.
Las hermanas elaboraron con sus propias manos coronas de ramas élficas, piezas de vestuario emplumadas y una máscara de cráneo animal, colaborando estrechamente con amigos cercanos para dar vida a una coreografía elegante y de tintes ritualistas en los bellos paisajes naturales de Australia.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
KnowGood – Dwelling Place | Estados Unidos
KnowGood, el proyecto musical liderado por Erika Torres, presenta “Dwelling Place”, un cautivador tema de soul experimental que entrelaza profundas vivencias personales con una atmósfera sonora rica y minimalista. Construida sobre vocales dinámicas y un fondo atmosférico y espaciado, la obra funciona como un testimonio espiritual de refugio y sanación, contraponiendo un pasado marcado por la inestabilidad y la búsqueda de raíces con la certeza reconfortante de que el hogar definitivo se encuentra en la conexión divina y el amor incondicional.
Iris Danbury – About You | Reino Unido
La joven artista británica de 13 años Iris Danbury regresa con “About You”, un sencillo que confirma la madurez y frescura de su proyecto tras su debut. La canción equilibra una atmósfera íntima y reflexiva sobre los recuerdos imborrables con la energía vibrante del pop-punk y el rock alternativo, destacando por guitarras precisas, una producción elegante y la inconfundible identidad vocal de una compositora que pisa fuerte en la escena emergente.
Wishwell – Home
Originarios de Toronto, Canadá, Wishwell es una banda de indie rock comprometida con la concientización sobre la salud mental y la prevención del suicidio. A través de su música, el grupo busca construir un espacio seguro, divertido e inclusivo donde cada oyente se sienta respaldado, bienvenido y parte de una comunidad unida.
La escena musical irlandesa cuenta desde hace tiempo con una prolífica cantera de cantautores dotados de una sensibilidad especial para conectar con el público. Sin embargo, pocos nombres han acaparado tanta atención reciente como Dave Lofts. El artista oriundo de Wicklow y radicado en Waterford atraviesa un momento clave en su carrera con la publicación de su esperado EP debut, Holy, editado a través de B-Unique Records (casa discográfica de proyectos como Kodaline, James Bay y Kingfishr). Como broche de oro de este trabajo se encuentra “I’m All Yours”, un sencillo que encapsula con precisión la esencia de su propuesta artística.
Lejos de los artificios de la producción moderna recargada, la música de Lofts se sustenta en el folk alternativo de carácter confesional y en el storytelling tradicional. Críticos especializados y figuras de la industria incluyendo elogios públicos de nombres como Tom Grennan y el actor Russell Crowe han destacado su capacidad para evocar la autenticidad vocal de leyendas vivas como un joven Van Morrison o el periodo cumbre de Paolo Nutini.
A lo largo de los seis temas que componen Holy (“Holy”, “Where Is The Love”, “Drunk”, “Just A Man”, “Mary” y “I’m All Yours”), el músico aborda sin filtros temáticas complejas como la salud mental, la ansiedad, la redención y la autodescubrimiento. Lejos de buscar fórmulas comerciales vacías, el artista ha definido su obra con una claridad tajante: “Es potente, conmovedor y real; nada de tonterías, solo narrativa a la vieja usanza de un tipo que hace que las historias sean personales”.
Como tema de cierre del EP, “I’m All Yours” funciona como una clase magistral de contención y apertura emocional. La canción prescinde de arreglos grandilocuentes para apostar por una instrumentación sutil y evocadora, donde una delicada melodía de piano y un suave dedilhado de guitarra acústica van ganando fuerza de manera orgánica a medida que avanza el minutaje.
La interpretación vocal de Lofts, descrita con frecuencia como “vivida” y desgarradora, transporta al oyente a un espacio de profunda reflexión. La letra y la atmósfera del sencillo invitan a múltiples interpretaciones desde la experiencia personal, consolidando la reputación del irlandés como un creador que no teme mostrarse vulnerable sobre las tablas o en el estudio.
Con un pie en la tradición de los grandes cantautores y la mirada puesta en los retos de la industria actual, Dave Lofts demuestra que la honestidad lírica sigue siendo el puente más corto hacia el corazón del público.
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The Mushroom Cloud – Metallic Baldwin | Estados Unidos
The Mushroom Cloud es una banda que se mueve dentro de la experimentación sonora que fusiona riff pesados, funk, electronica y texturas de rock progresivo y djent con una notable libertad instrumental. Su propuesta alcanza un punto culminante y singular en la aclamada pista “Metallic Baldwin”, una obra que desafía las etiquetas tradicionales al entrelazar la precisión técnica del prog metal con densas y melancólicas líneas vocales que evocan la crudeza del grunge al estilo de Alice In Chains.
Alyssa Caroline – Hey Moon | Estados Unidos
Alyssa Caroline consolida su ascenso en la escena pop con “Hey Moon”, un vibrante y sofisticado sencillo de synth-pop que combina una producción altamente bailable marcada por sintetizadores luminosos, percusiones nítidas y una sutil línea de baja con una profunda vulnerabilidad lírica. Nacido de un periodo de maduración personal tras su regreso a la música, el tema funciona como un lúcido rechazo a los ideales pasivos de los cuentos de hadas y las comedias románticas, utilizando a la luna como confidente nocturna para explorar las complejidades y frustraciones de las relaciones modernas.
Unknown Vagabond – Warm Tide (left blank) | Suiza
Unknown Vagabond, el enigmático proyecto del artista suizo que pasó años creando música en el aislamiento introspectivo de su estudio subterráneo, irrumpe en la escena con el sencillo “Warm Tide (Left Blank)”. Este tema de dream pop brumoso y texturas analógicas cálidas navega entre la memoria y la vigilia, construido sobre guitarras brillantes y una atmósfera en constante expansión que culmina en un clímax de post-rock cinematográfico. Así, la canción refleja perfectamente el despertar de un creador que decide abrir la ventana de su microcosmos para compartir con el mundo un viaje sonoro tan melancólico como cautivador.
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Devereux Scales – Antihuman | Estados Unidos
Devereux Scales, el proyecto de post-punk y darkwave formado por los veteranos compositores Matt Lavin y Jeremy Nunes, explora la frialdad de la desconexión contemporánea en su sencillo “Antihuman”. A través de una atmósfera gélida construida con guitarras afiladas, ritmos mecánicos e influencias que remiten a leyendas como The Cure o al sonido clásico de sellos como 4AD y Creation Records, la canción aborda la deshumanización y la fragilidad de los vínculos con una tensión constante, consolidando un espacio idóneo para la introspección y la ambigüedad emocional.
Drucker – Wake Me Up | Canada
Drucker, el cantautor canadiense, aborda el persistente peso emocional del desamor en su sencillo de indie folk “Wake Me Up”, editado a través de APOLLO Distribution. Mediante una atmósfera íntima construida con cálidas guitarras acústicas, percusión contenida, sutiles notas de órgano y una interpretación vocal discreta, la canción huye del dramatismo para reflejar con honestidad visceral cómo la sanación rara vez es lineal, logrando un refugio sonoro tan reconfortante como profundamente introspectivo.
Stefan J. Selbert – Timber | Estados Unidos
Stefan J. Selbert, el cantautor, productor y ganadero afincado en Los Alamos, California, presenta en “Timber” una joya de indie folk acústico que destaca por su profunda elegancia y su firme apuesta por la contención. Sostenido sobre una base puramente orgánica en la que una guitarra acústica guía la armonía con continuidad ininterrumpida, el tema prescinde de artificios para permitir que la emoción fluya con naturalidad, combinando una atmósfera de paz y una nostalgia luminosa que invita tanto a la introspección nocturna como a dejarse llevar por la cercanía de la persona favorita.
El concepto de los ciclos en las relaciones humanas aquellas dinámicas donde el orgullo, la frustración y los malentendidos parecen no tener fin es el eje central de “CICLO”, el tercer capítulo conceptual que forma parte del próximo EP de J Rochet, titulado NADA DURA PA SIEMPRE. En esta ocasión, el artista puertorriqueño se acompaña de su compatriota Kristal Fonrodona, logrando un contraste vocal que aporta una capa adicional de profundidad emocional a la obra.
Inspirado en conflictos afectivos reales, el sencillo aborda el desgaste de mantener un vínculo donde la línea entre retener y dejar ir se vuelve difusa. Lejos de ofrecer una narrativa lineal o una resolución clara, la composición retrata la sensación de estar atrapado en una repetición constante, reflejando cómo ciertos patrones emocionales persisten a pesar del esfuerzo por superarlos.
En el apartado musical, la canción lleva el sello distintivo del sonido Anti-Pop de J Rochet producido junto a Sonic Lee, el cual busca deconstruir las estructuras tradicionale del pop convencional. El resultado es una amalgama sónica que combina baterías distorsionadas, sintetizadores pesados y guitarras prominentes con una sensibilidad melódica accesible, un acercamiento estilístico que la crítica ha llegado a comparar con la aspereza textural del rock alternativo contemporáneo.
La incorporación de Kristal Fonrodona en las voces dota al tema de un diálogo natural y fluido. La interpretación de ambos artistas evita los clímax melodramáticos innecesarios, optando en su lugar por una ejecución contenida que refuerza la atmósfera de tensión y movimiento circular propia de la letra.
Fiel al enfoque multimedia que caracteriza al proyecto de J Rochet, “CICLO” se complementa con un videoclip de fuerte carga narrativa. Siguiendo la línea de entregas anteriores, la pieza audiovisual continúa expandiendo un universo conceptual donde los sueños del protagonista son analizados para descifrar sus miedos más profundos, utilizando en esta ocasión la premisa de una cita fallida a través de aplicaciones de citas para ilustrar las inseguridades y la incomodidad de la vulnerabilidad moderna.
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Savings – Stressed Out | Estados Unidos
Savings captura la tensión de la vida moderna con “Stressed Out”, una propuesta de indie pop y rock alternativo que contrasta una superficie brillante y veraniega con un profundo trasfondo de agotamiento e inquietud. A través de guitarras eléctricas de textura cálida y rústica, una percusión que impulsa el dinamismo de la canción y una interpretación vocal tan contenida como honesta, el proyecto estadounidense transforma la ansiedad cotidiana y el deseo de encontrar un refugio de paz en una experiencia sonora tan contagiosa como profundamente relatable.
Count The Clock – Ballerina Song | Estados Unidos
Count The Clock, el proyecto de art-pop liderado por el compositor de Los Ángeles Michael Coe, fusiona texturas electrónicas atmosféricas, arreglos de vals en compás ternario y una sensibilidad pop de ensueño en su más reciente sencillo, “Ballerina Song”. Con la participación vocal de la cantante Leannie cuya interpretación fresca y relajada evoca la intimidad de grandes referentes como Jeff Buckley o Joni Mitchell, la canción logra un equilibrio entre la nostalgia clásica, el folk psicodélico y la libertad sonora, dando forma a una joya de indie pop etérea, ligera y profundamente cautivadora.
Andrea Bayardo – Explota | México
Andrea Bayardo explora la catarsis emocional en su sencillo “Explota”, una cumbia contemporánea que sirve como primer adelanto de su próximo EP. Bajo su propuesta de “Folclor Revolucionario” la cual fusiona sus raíces mexicanas con influencias globales y un toque teatral, la artista canaliza la tristeza y la rabia contenida, invitando a reconocer e integrar a esa “fiera interior” de pensamientos intrusivos en lugar de combatirlos, logrando así un poderoso contraste entre un ritmo bailable y la profunda honestidad de sus letras.
La cantautora, productora y artista independiente Amy Stroup ha regresado con una propuesta que redefine el romance clásico para la era moderna. Su nueva versión del tema de dominio público “Always”, originalmente compuesto por Irving Berlin e inmortalizado a lo largo de las décadas por leyendas de la talla de Etta James, Frank Sinatra y Patsy Cline ya se encuentra disponible.
La versión de Stroup aporta un toque fresco y contemporáneo sin perder la esencia de la época dorada de la música romántica. Con una producción íntima que destaca por guitarras con un sutil matiz twang, percusión firme, teclas envolventes y armonías vocales impecables, la canción ofrece una experiencia auditiva profundamente reconfortante.
Conocida por su voz sedosa y expresiva, a menudo descrita por la crítica como un cálido «caramel salado», Stroup demuestra una vez más su habilidad para contar historias a través de progresiones de acordes que llevan al oyente en un auténtico viaje emocional. Como señala la crítica especializada, esta entrega logra renovar por completo la fe en la canción de amor tradicional.
Este lanzamiento sigue consolidando el impresionante año de la artista, quien además ha estado en el centro de atención gracias a una campaña publicitaria global de gran envergadura para una tarjeta de crédito pequeña empresa, acompañada de un videoclip oficial dirigido por Becky Fluke (directora creativa de Chris Stapleton).
Con “Always”, Stroup vuelve a demostrar por qué domina el arte de la sincronización y la narrativa visual, regalándonos una pieza de terciopelo sonoro ideal para las noches de introspección y romance atemporal.
EWAH llega como una de las voces más inquietas de la música independiente australiana. Su obra transita con naturalidad entre el art pop, el post-punk, el folk experimental, la electrónica y el rock noir, siempre guiada por una búsqueda constante de nuevas formas de composición. Músico, cineasta y creadora multidisciplinar, EWAH entiende cada proyecto como una exploración donde el azar, el espacio y la intuición tienen tanto peso como la melodía.
SPIRITUAL DANCE, el nuevo trabajo de EWAH, comenzó como una residencia artística en el estudio de danza Assembly 197, en Launceston (Lutruwita/Tasmania), con la intención de escribir la banda sonora de una película imaginaria, terminó convirtiéndose en una obra profundamente autobiográfica: un álbum que dialoga, quince años después, con GOSPEL DANCE (2011).
Durante su residencia en 2023, EWAH se impuso un reto sencillo y radical: escribir una canción cada día. Lejos de buscar la perfección, abrazó la inmediatez y permitió que el propio espacio guiara el proceso creativo. El estudio de danza se convirtió en un instrumento más. Las luces fluorescentes, el zumbido de un calefactor, las sirenas de las ambulancias, la música filtrándose desde los ensayos de jóvenes bailarines y el estruendo de los coches haciendo “blockies” quedaron registrados como parte esencial de la composición.
El resultado es un álbum que escucha el lugar tanto como lo habita. Más que una colección de canciones, SPIRITUAL DANCE es un diario sonoro donde los recuerdos de la adolescencia de EWAH en Launceston emergen sin nostalgia, transformados en una exploración del movimiento, la memoria y la identidad.
EL TRACK X TRACK DE SPIRITUAL DANCE
1. Prelude – Sun Beats
El álbum comienza como si el amanecer respirara a través de los altavoces. Prelude – Sun Beats no busca establecer una melodía convencional, sino abrir un espacio sensorial donde el cuerpo despierta antes que la mente. Las texturas ambientales parecen capturar el silencio del estudio antes de que llegue el movimiento, mientras pequeños pulsos rítmicos anticipan el viaje emocional que está por comenzar. Es la primera inhalación de un disco que entiende la danza como una forma de conciencia.
2. G Boogie
Con un ritmo a basae de caja de ritmo y una energía que se siente como un mantra que cruza la oscurida, G Boogie introduce el primer impulso del álbum. Entre ecos de voces distorsionadas y un sintetizador ostinato que transforma la canción en una sensación de pánico ambiental constante.
3. Do Wop Bop
Do Wop Bop transforma la nostalgia del doo-wop en una experimentación sonora, como en canciones anteriores “la tensión” es un elemento principal de la canción, con una ajeo que oscila durante toda la canción junto a un ritmo constante, jugando principalmente en la parte de texturas en sintetizadores y la parte vocal, utilizando falsetes y una voz despreocupada que poco a poco nos sumerge en un mundo atmosferico
4. Sirens
Las sirenas dejan de ser una simple señal de emergencia para convertirse en parte del paisaje emocional. Inspirada en los sonidos que rodeaban el estudio durante la residencia, la canción transforma el ruido urbano en una experiencia cinematográfica. Lo cotidiano adquiere un carácter hipnótico, mientras la tensión entre belleza y amenaza atraviesa cada compás como un recordatorio de que incluso el caos posee su propia armonía, con un ajo agresivo y lineas melodicas que hacen que el track se sienta mágico.
5. Run
Run llega para cambiar este tono meramente atmosférico a un rush dirigido por el bajo, transmitiendo la sensación de avanzar sin mirar atrás. La instrumentación acelera y desacelera como una respiración agitada, evocando el vértigo de crecer, abandonar viejas certezas y descubrir que el movimiento, por sí mismo, también puede ser una forma de libertad.
6. Hallelujah
Con un guitarra acustica y una voz sumergida en la atmosfera, eterea, magica y reverberada del alum, Hallelujah encuentra en los pequeños gestos cotidianos, en la repetición de los movimientos, en el sonido de una habitación compartida y en la capacidad del arte para transformar lo ordinario en extraordinario. Es una pausa luminosa dentro del recorrido del álbum.
7. Holy Trinity
La luz no se acaba en Hallelujah, Holy Trinity juega con ostinatos de guitarra y destellos de sintetizadores, que sirven como rafagas de luz atmosfericas mientras le bajo juega con una figura que nos va llevando por este camino sin necesidad de una voz, sintiendose como un interludio mientras buscas tu lugar en el disco, las distintas capas musicales dialogan como tres voces que buscan un punto de encuentro sin imponerse unas sobre otras. El resultado es una composición que invita a escuchar con paciencia, descubriendo nuevas conexiones en cada repetición.
8. Where I Hear the Music Play
Regresando de un puente emocional lleno de luz, Where I Hear the Music Play nos lelva por voces susurradas que convierten la memoria en un espacio físico donde la adolescencia, las calles y el presente conviven en perfecta sincronía.
9. Spiritual Dance
Con una caja de ritmo super ochentera, la pieza central del disco toma esta sensación atmosférica y minimalista de canciones anteriores, agregándole esta sensación bailable y futurista-ochentera. La pista de baile deja de ser un lugar de entretenimiento para convertirse en un espacio de transformación personal. Influencias de la disco, el post-punk y el art-pop confluyen en una celebración del movimiento como acto de resistencia, comunión y libertad, manteniendo este toque oscuro y de tensión que nos presento la artista desde inicios del disco. Inspirado por Blue Monday de New Order y por la tradición de la disco italiana que influyó en aquel clásico, combina bajos post-punk, guitarras metálicas y una energía espontánea que la propia artista describe como la de alguien descubriendo la música de baile por primera vez. Esa falta de cálculo es precisamente uno de sus mayores aciertos.
10. Fever Switch
Despues de la pista mas bailable del disco Fever Switch nos cambia completamente el mood con una instrumentación minimalista, especios reverberados y una descarga de energía nerviosa. Con voces procesadas que sirven para seguir creando una atmosfera llena de caos donde la caja de ritmo va marcando este tik tok del reloj para atravesar una neblina llena de arreglos inesperados.
11. Sunday
Después del minimalismo ambiental anterior, Sunday ofrece un espacio de contemplación., dirigido por un sonido de guitarra nuevo en el disco, mas melodico y con sensaciones de R&B, es una canción que parece suspendida entre el descanso y la anticipación, donde cada nota encuentra el espacio suficiente para respirar. La espiritualidad cotidiana vuelve a hacerse presente con una delicadeza casi doméstica. En este track la parte vocal es de lo mas llamativo, ya que tiene melodias memorables en los coros mientras en los versos se siente una intesión vocal mas percusiva.
12. Climb to the Sky
Construida como un ascenso lento pero decidido entre tambores, la canción convierte la idea de elevarse en una metáfora de la transformación . Con una sensación mas orgánica que juega con lo percusivo y voces limpias, cada nueva capa parece ampliar el horizonte, mientras la voz mantiene los pies en la tierra. La canción va transformando esta sensación de tensión en luz mientras la pieza va avanzando, la voz es la protagonista de este track, dándonos secciones de voz hablada, mientras poco a poco van apareciendo guitarras cristalinas, cuerdas y una paisaje celestial.
13. Find Your Faith
Find Your Faith continua esta sensación celestial, con apenas una guitarra acústica y una voz que habla de la fe, es uno de los momentos más introspectivos del álbum, donde la vulnerabilidad se convierte en una forma de fortaleza. Poco a poco la parte vocal va cruzando esta sensación etérea, mientras va integrando mas elementos de una manera orquestal para un crechendo que va dando paso al cierre del álbum.
14. Electricity
El cierre del disco posee una resonancia casi circular, marcándonos este tono característico de tensión como en los primeros tracks del disco, una pieza casi instrumental, marcando un mantra vocal mientras lentamente desaparece a los pocos minutos.
Musicalmente, el disco se desplaza con absoluta libertad entre la psicodelia, la raga india, el soul pantanoso, la música disco italiana y el nervio del post-punk. Esa diversidad nunca se siente arbitraria. Cada influencia aparece al servicio de una narrativa emocional que evita las etiquetas y reivindica la curiosidad como motor creativo.
Uno de los episodios más singulares de la grabación fue la aparición de una arritmia cardíaca durante la residencia. En lugar de ocultarla, EWAH decidió incorporarla al lenguaje del álbum utilizando un metrónomo averiado para reproducir ese pulso irregular. Cuando grabó la canción de cierre, Electricity, su ritmo cardíaco volvió inesperadamente a la normalidad, cerrando el disco con una resonancia casi simbólica.
La filosofía de crear rápido y comprometerse con la primera intuición también define el universo visual del proyecto. En 2026, EWAH regresó a Assembly 197 para filmar el videoclip de SPIRITUAL DANCE (SINGLE VERSION) junto al colectivo juvenil Stompin. Rodado en una sola jornada, bajo la dirección de Ursula Woods y con coreografía de Izzy Lockett, el vídeo alterna imágenes en película de 16 mm con una videocámara sostenida literalmente por pinzas de cocodrilo. El resultado es una estética imperfecta, urgente y vibrante, fiel al espíritu del álbum.
Con una trayectoria que abarca el rock noir, el folk, el electro, el art pop y la experimentación, EWAH continúa desafiando cualquier intento de clasificación. Su práctica artística atraviesa la música, el cine, la escritura y la colaboración interdisciplinar, consolidándola como una de las creadoras más singulares de la escena australiana contemporánea.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Noonzy – Yeah (I’m In) | Belgica
Despues de su EP debut Puppies, el cantautor Noonzy regresa con “Yeah (I’m In)”, un sencillo editado a través de Play It Again Sam. El tema transita con frescura por el delicado umbral entre el miedo y el deseo. Combinando arreglos vocales de gran elegancia y una ligereza emocional que invita a la rendición absoluta ante el momento, la canción confirma la consolidación de un proyecto tan sofisticado como magnético en la escena actual.
tonioschi – My Name | Estados Unidos
“My Name” de tonioschi es una canción de pop de producción contagiosa y melodías divertidas que contrasta con una letra agridulce y cercana sobre una relación que no funcionó, todo ello enmarcado por una cuidada estética de inspiración ochentera.
