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LA NUEVA OLA 2026 #602 | 21CBOY, Rolf Stahlhofen, Sylva Faye

LA NUEVA OLA 2026 #602 | 21CBOY, Rolf Stahlhofen, Sylva Faye

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


21CBOY – Japón

21CBOY es un cantante, compositor y productor surcoreano que fusiona música electrónica, hip-hop y rock para transformar experiencias personales en canciones conectadas por una narrativa propia. En “Liminal” y “am I”, el artista profundiza en un viaje de introspección y transformación: mientras la primera combina ambient R&B, sintetizadores y una atmósfera dreamcore para retratar la sensación de estar entre lugares, identidades y momentos, “am I” une las texturas inmersivas del shoegaze con la intensidad del rage para abordar el reconocimiento de uno mismo después de atravesar un momento de duda y vulnerabilidad. Ambas canciones forman parte de E S C y representan diferentes etapas de un recorrido emocional en el que dejar atrás lo conocido, enfrentarse a los recuerdos y recuperar una voz propia se convierten en pasos hacia la posibilidad de avanzar.


Rolf Stahlhofen – Wann (wer wenn nicht wir) | Alemania

Rolf Stahlhofen regresa a la música con “WANN (wer wenn nicht wir)”, una canción que retoma una pregunta tan sencilla como transformadora: “¿Cuándo, si no ahora? ¿Quién, si no nosotros?”. Tras años de menor actividad musical dedicados a su compromiso social, especialmente a través de la Water is Right Foundation, que fundó en 2011 para trabajar por el acceso a agua potable asequible, Stahlhofen vuelve al lugar donde comenzó su trayectoria artística con una nueva etapa como solista. Su versión de “Wann?” conecta así pasado y presente, convirtiendo aquella pregunta planteada por Rio Reiser en una invitación a actuar y asumir el propio momento.


Sylva Faye – Reino Unido

Sylva Faye es una cantante, compositora y multiinstrumentista londinense cuya música transita entre el folk, el pop, el R&B y el rock, combinando instrumentos reales con una sensibilidad profundamente personal. En “Cracked”, la artista explora la supervivencia después de encuentros oscuros ocurridos en lugares hermosos, una idea que contrasta la belleza exterior con experiencias difíciles, mientras que en “Blooms” aborda el inesperado regreso de la esperanza en medio de la melancolía del verano, creando una atmósfera soñadora inspirada incluso en las canciones de cuna de su infancia. En ambos temas, Sylva demuestra su versatilidad al interpretar múltiples instrumentos y construir personalmente buena parte de sus paisajes sonoros, aunque “Blooms” representa además una etapa de experimentación con sonidos más electrónicos. El resultado es una propuesta íntima, artesanal y emocional que refleja la capacidad de la artista para transformar experiencias y estados de ánimo en canciones llenas de sensibilidad.


LA NUEVA OLA 2026 #602 | Ok Bye, ÉVAT, Desiree Choy

LA NUEVA OLA 2026 #602 | Ok Bye, ÉVAT, Desiree Choy

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Ok Bye – Seasons | Canada

Ok Bye presenta “Seasons”, el dúo canadiense formado por Sam y Jess explora en esta canción el desencanto de una relación que nunca llegó a convertirse en lo que una de las partes esperaba, contrastando unas pocas “semanas” con el deseo de compartir verdaderas “estaciones” juntos. Entre ritmos bailables, guitarras, sintetizadores y una producción luminosa, Ok Bye transforma una historia de expectativas desiguales, promesas incumplidas y sentimientos que sobreviven al final de la relación en una pieza agridulce, poética y llena de vida.


ÉVAT – Reminiscencia | Español

“Reminiscencia” de ÉVAT convierte la ausencia en algo casi tangible. La canción comienza desde una habitación, una maleta y una acumulación de recuerdos que parecen pesar más que la propia persona que se fue, construyendo una atmósfera íntima alrededor de la dificultad de continuar cuando una vida compartida deja de existir. A través de imágenes cotidianas, fotografías y objetos que permanecen en su lugar, ÉVAT retrata esa contradicción en la que el mundo sigue avanzando mientras quien se queda todavía intenta comprender cuándo y cómo todo cambió. La pregunta “¿Desde cuándo esto es normal?” resume esa sensación de habitar una realidad que todavía resulta ajena, mientras los recuerdos aparecen una y otra vez en cada rincón. Con su sensibilidad y su mirada ÉVAT transforma una experiencia profundamente personal en una canción sobre la memoria, la ausencia y la difícil tarea de seguir adelante.


Desiree Choy – Never Want It to End | Estados Unidos

La presentación de Desiree Choy llega de la mano de “Never Want It to End”, single que forma parte de “Will You?”, su primer EP, lanzado el 8 de septiembre. Compuesto por cinco canciones, el proyecto transita entre el alternative, el indie R&B y el adult contemporary, con una propuesta que encuentra en la voz de Choy su principal fortaleza. En “Never Want It to End”, la artista despliega una interpretación expresiva y llena de matices, acompañada por un instrumental de ritmo pausado que deja espacio para que las emociones cobren protagonismo. Con influencias de R&B y pop, el EP construye un universo sonoro elegante y envolvente, mientras este tema destaca como una poderosa muestra del talento vocal y artístico de Desiree Choy, cerrando la propuesta con una interpretación que permanece en la memoria.


Grace Smiles entre vidas, magia y amor propio

Grace Smiles entre vidas, magia y amor propio

Entre lo místico, lo onírico y esa melancolía que puede esconderse detrás de una sonrisa, Grace Smiles ha construido una identidad artística donde las emociones parecen existir en un espacio propio. Originaria del área de Chicago y actualmente radicada en Nashville, la artista se mueve entre el indie alternative pop y el rock, creando canciones de atmósferas etéreas, melodías envolventes y letras que convierten experiencias personales en pequeñas exploraciones emocionales. “Past Life” y “Not My Problem” representan dos momentos especialmente interesantes de ese universo, donde la introspección, la memoria, las relaciones y la búsqueda del propio valor adquieren una dimensión casi mágica.

Ambas canciones forman parte de Fortune Teller, álbum de 11 temas de Grace Smiles que se mueve dentro del territorio del pop/rock alternativo y que incluye también composiciones como “Fortune Teller”, “Angel”, “Bewitched”, “The Inner Void”, “Stay 11:11”, “Afterlife” y “Resurrect”. El propio concepto del álbum parece reforzar la estética que acompaña a Grace: una combinación de misterio, espiritualidad, fantasía y emociones profundamente humanas.



Con un título que apunta directamente hacia el pasado, “Past Life” encaja de manera natural dentro del imaginario de Grace Smiles. La canción forma parte de Fortune Teller como el cierre del álbum, un detalle que permite leerla como una especie de punto final dentro de este recorrido por diferentes estados emocionales.

En el universo de Grace, conceptos como vidas pasadas, sueños, señales y dimensiones emocionales parecen funcionar menos como respuestas concretas y más como puertas hacia la imaginación. “Past Life” puede situarse precisamente en ese territorio: el lugar donde el pasado deja de ser únicamente un recuerdo y se convierte en una pregunta sobre quiénes fuimos, qué dejamos atrás y qué partes de nosotros continúan acompañándonos.

Esta sensibilidad conecta con una de las características esenciales de su propuesta: la capacidad de transformar lo íntimo en algo fantástico. Grace no necesita abandonar la realidad para encontrar misterio; basta con observar las emociones desde otro ángulo. Sus canciones pueden sentirse como pequeñas ventanas hacia recuerdos, pensamientos y sensaciones que normalmente permanecen ocultos.



Si “Past Life” mira hacia atrás, “Not My Problem” encuentra su fuerza en el presente y en la decisión de dejar algo atrás. La canción comienza con una voz soul e intrigante que poco a poco se expande hacia guitarras vibrantes, creando una atmósfera de rock soñador. La producción acompaña una letra profundamente introspectiva, especialmente cuando Grace admite: “I like the way I made you in my head”.


Milo y “Je te connais”: afrobeats y fe

Milo y “Je te connais”: afrobeats y fe

Milo convierte la música urbana en un espacio para hablar de fe, transformación y esperanza. En “Je te connais”, el artista marfileño se une a Sonxfgod, también conocido como Son of God, para construir una canción de gospel contemporáneo que combina afrobeats, afro-pop y afro-fusión con un mensaje profundamente espiritual. Lanzado el 3 de septiembre, el single aborda el encuentro con Jesús desde una perspectiva íntima, recorriendo las heridas, la sanación y la restauración hasta llegar a la fe como refugio, paz y victoria.

La propuesta de Milo parte de una experiencia personal. Su camino artístico tomó una nueva dirección después de un encuentro con Dios que transformó su manera de entender la vida y la música. Desde entonces, su trabajo ha buscado unir testimonio, Escrituras y experiencias cotidianas, utilizando los códigos de la música urbana para acercar un mensaje de esperanza a una audiencia joven.



“Je te connais” se sitúa dentro de una corriente contemporánea en la que el gospel y los sonidos africanos urbanos conviven de manera natural. Los afrobeats aportan una base cálida y rítmica, mientras que los elementos de afro-pop y afro-fusión mantienen la canción accesible y dinámica. En lugar de separar el mensaje espiritual del movimiento, Milo utiliza el groove como una vía para hacerlo más cercano.

La producción deja a las voces en el centro. El intercambio entre Milo y Sonxfgod convierte el mensaje en algo presente y humano, evitando que la canción se sienta como una reflexión distante. Sus interpretaciones transmiten la idea de una fe experimentada en primera persona: una fe que atraviesa momentos difíciles, reconoce las heridas y encuentra en Jesús un lugar de refugio. La canción plantea conocer a Jesús no solamente como una idea o una figura religiosa, sino a través de una experiencia que transforma la manera de atravesar las dificultades. La espiritualidad aparece así vinculada a la vida cotidiana y a la posibilidad de encontrar esperanza después de una etapa de dolor.

La colaboración con Sonxfgod amplía el alcance de la canción. Originario de la región de Congo-Brazzaville y Gabón, Sonxfgod ha desarrollado una propuesta de gospel centrada en la honestidad y en los procesos personales. Su proyecto PROCESS, así como su colaboración “Process Of God” con Loé Music, aborda precisamente la idea de atravesar pruebas sin interpretarlas como el final de la historia.

El encuentro entre ambos artistas resulta natural: Milo aporta la energía del gospel afro-urbano de Costa de Marfil, mientras Sonxfgod suma una perspectiva vinculada al proceso, la paciencia y la perseverancia. El francés funciona como punto de encuentro entre sus propuestas y los afrobeats como un lenguaje musical compartido.

Uno de los aspectos centrales de “Je te connais” es su manera de presentar la fe como un recorrido. La canción no parte de una vida sin dificultades, sino de la existencia de heridas y momentos de incertidumbre. Desde ahí, el encuentro con Jesús representa un proceso de sanación y restauración.

Esta perspectiva convierte el tema en algo más que una canción de alabanza tradicional. Su mensaje se construye alrededor de la transformación: reconocer el dolor, atravesarlo y encontrar una nueva forma de mirar hacia adelante. La victoria que plantea no elimina necesariamente las dificultades anteriores, sino que surge de haberlas atravesado con una confianza renovada.


LA NUEVA OLA 2026 #601 | Joe Doonan, Weatherhood, Harley DiNardo

LA NUEVA OLA 2026 #601 | Joe Doonan, Weatherhood, Harley DiNardo

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Joe Doonan – on the run | Reino Unido

Joe Doonan es un cantautor británico que transforma historias de amor, pérdida y esperanza en canciones íntimas y honestas. En “on the run”, incluido en su EP before you leave explora el vacío y la incertidumbre que siguen a una ruptura, cuando toca aprender a avanzar mientras se asimila la ausencia de alguien importante. Su mezcla de folk pop, power pop e indie pop combina una narrativa acústica cercana con melodías envolventes, convirtiendo el desamor en una experiencia emocional y compartida.


Weatherhood – Eye to Eye | Reino Unido

Weatherhood es una banda de folk-rock fundada por Samuel Upton y Jordan Bate, cuya música combina melodías elaboradas, narrativa lírica y elementos progresivos del rock. En “Eye to Eye”, la banda presenta el punto de partida de una serie de historias conectadas a través de Janice y Benji, dos personajes de mundos distintos que terminan compartiendo una profunda sensación de aislamiento como consecuencia de sus propias decisiones. La canción explora temas como la violencia, la culpa, la responsabilidad y el desplazamiento económico, sin reducir a sus protagonistas a héroes o villanos. Con una mezcla de slowcore, alt-country y chamber pop, Weatherhood construye una atmósfera pausada y melancólica que permite observar las contradicciones de ambos personajes y reflexionar sobre las consecuencias de nuestras acciones.


Harley DiNardo – LA to NY | Estados Unidos

Harley DiNardo es un cantautor neoyorquino que combina el rock & roll de raíces con melodías memorables y una narrativa profundamente personal. En “LA to NY”, lanzado el 3 de septiembre, transforma su experiencia de vivir entre Los Ángeles y Nueva York en una canción sobre identidad, memoria y la sensación de encontrar un hogar en dos lugares distintos. Con guitarras protagonistas y un sonido orgánico cercano al garage rock, el tema adquiere una dimensión especialmente emotiva al recordar la última noche que pasó con su madre y su hermana Marisa en el World Trade Center, horas antes de los atentados del 11 de septiembre de 2001, en los que Marisa perdió la vida. Así, “LA to NY” convierte una historia de distancia entre dos ciudades en una reflexión sobre pérdida, recuerdos y las experiencias que terminan definiendo quiénes somos.


The Next Movement y The SoulVision Allstars Horns “MOJO”: recuperar la fuerza y convertirla en celebración

The Next Movement y The SoulVision Allstars Horns “MOJO”: recuperar la fuerza y convertirla en celebración

The Next Movement vuelve a demostrar por qué se ha consolidado como una de las propuestas más enérgicas del funk europeo con “MOJO”, un nuevo single en el que el trío suizo une funk, neo-soul, jazz-funk y elementos de Afrobeat para convertir la recuperación personal en una experiencia colectiva. Acompañados por The SoulVision Allstars Horns, colaboradores habituales de otros proyectos, J.J. Flueck, Pascal “P” Kaeser y Sam Siegenthaler amplían su característico sonido con una sección de metales que aporta fuerza, movimiento y una dimensión especialmente expansiva.

The Next Movement ha construido una identidad marcada por el groove, el virtuosismo y una poderosa conexión con el público. Su formación de tres músicos Flueck en batería, samples y voz principal; Kaeser en bajo, sintetizadores y coros; y Siegenthaler en guitarra y coros consigue generar el impacto de una banda mucho más grande, combinando precisión instrumental, humor y una energía contagiosa.



En “MOJO”, esa capacidad para convertir el groove en una experiencia física encuentra un nuevo punto de expresión. El bajo, la guitarra, la batería y los sintetizadores establecen una base dinámica sobre la que los metales de The SoulVision Allstars Horns amplían el espectro de la canción. El resultado es un tema vibrante en el que el funk y el neo-soul se encuentran con influencias de jazz y ritmos afrobeat, manteniendo el movimiento constante de principio a fin.

En el centro de la canción aparece una frase sencilla que funciona como declaración y como mantra: “I got my mojo back”. El “mojo” representa esa energía, seguridad y confianza personal que en determinados momentos puede desaparecer bajo el peso de la duda o el desgaste, pero que también puede recuperarse. La canción convierte ese proceso interior en una celebración. No se trata simplemente de volver al punto de partida, sino de atravesar una etapa difícil y emerger de ella con una perspectiva diferente. La imagen del ave fénix refuerza precisamente esa idea de transformación: renacer no significa ser exactamente quien eras antes, sino reconstruirte y recuperar tu espacio desde un lugar nuevo.

Los arreglos de metales aportan una dimensión adicional al formato de trío y convierten el groove en una celebración sonora de mayor escala. Cada elemento trabaja para mantener el impulso: la base rítmica sostiene el movimiento, la guitarra aporta textura y carácter, los sintetizadores expanden el paisaje y los metales elevan los momentos clave.

“MOJO” llega en una etapa especialmente importante para The Next Movement. Después de su etapa More Cowbell y de lanzamientos como Never Coming Down, Funk Love Ecstasy e Is it Real?, el grupo prepara una nueva gira durante 2026/2027 y el lanzamiento de su cuarto álbum de larga duración en octubre de 2026.


LA NUEVA OLA 2026 #600 | Roses and Roses, Empanadas Ilegales, Telescope Club

LA NUEVA OLA 2026 #600 | Roses and Roses, Empanadas Ilegales, Telescope Club

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Roses and Roses – Forever’s Not Long Enough | Estados Unidos

Roses and Roses es un proyecto de Los Ángeles liderado por la cantante Crystal, formado en 2024 junto a los colaboradores Guy Paz y Andrew Forman. Su sonido transita entre el alternative, indie R&B, indie pop, indie folk y otras influencias como la bossa nova y el folk de los 60, creando una propuesta ecléctica y difícil de encasillar. “Forever’s Not Long Enough”, segundo single de su álbum debut Sublimation Songs, fue grabada en vivo y combina guitarra percusiva, bajo sutil y voces superpuestas para construir una atmósfera íntima, serena y soñadora. La canción destaca por su delicadeza y por unas melodías envolventes que invitan a perderse en el momento.


Empanadas Ilegales – Agua e’ Coco | Canada

Empanadas Ilegales es una banda de Vancouver, Canadá, que reinventa la música tropical a través de una mezcla explosiva de cumbia, salsa, champeta, rock psicodélico y ritmos afrocaribeños. En “Agua e’ Coco”, incluida en su cuarto álbum LABORATORIO TROPICAL, la banda crea una celebración cálida y bailable inspirada en los sonidos de la costa colombiana y el Caribe, con la voz de Jerlin Torres Salgado. Nacida de un coro concebido en la playa, la canción habla de comunidad, movimiento y migración, utilizando el agua de coco como metáfora del intercambio cultural y del viaje de personas, sonidos y tradiciones a través de las fronteras.


Telescope Club – I Wanna Be Ur Cannonball

Telescope Club, el dúo formado por Noah y Khaya, combina indie rock y twee en una propuesta ligera pero llena de energía. Su nuevo single, “I Wanna Be Ur Cannonball”, lanzado el 3 de septiembre, avanza con un ritmo ágil, melodías protagonistas y una escritura pop de espíritu excepcional y de culto. La voz y los instrumentos interactúan constantemente, con el acompañamiento respondiendo a los cambios de la interpretación en lugar de limitarse a sostenerla, creando un arreglo dinámico y espontáneo que refleja la esencia de la banda.


LA NUEVA OLA 2026 #599 | Prince Jelleh, sundayclub, Bridget Barkan

LA NUEVA OLA 2026 #599 | Prince Jelleh, sundayclub, Bridget Barkan

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Prince Jelleh – Monkey King | Suiza

Prince Jelleh es una banda indie de Winterthur, Suiza, que combina guitarras, sintetizadores, bajo y beats reducidos para crear un sonido emocional y atmosférico. “Monkey King”, producido por Tillmann Ostendarp (Faber, Black Sea Dahu), toma como inspiración al mítico Sun Wukong, símbolo de coraje y rebeldía, para convertirlo en una fuerza interior frente al peso de una ruptura amorosa. El tema avanza con una determinación contenida hasta desembocar en una sensación de claridad y resistencia, encapsulada en la frase: “There’s no way I’ll lose my fight!”. “Monkey King” abre el EP Not the Moon, seguido por Not the Dawn en noviembre.


sundayclub – Blue Wave | Canada

sundayclub presenta “Blue Wave”, un single enérgico, difuso y de espíritu himno que explora la llamada “pre-nostalgia”: esa sensación de extrañar un momento mientras todavía lo estás viviendo. Inspirada en el primer auto de Courtney, un Pontiac Wave azul de 2009 llamado “Trudy”, la canción convierte los recuerdos asociados a ese vehículo en un espacio entre el pasado y el presente. Entre tres baterías y más de 170 tomas vocales, sundayclub reflexiona sobre los primeros días de una relación, la incertidumbre ante el futuro y el deseo de convertirse en una versión más evolucionada de uno mismo, buscando refugio en la nostalgia para escapar momentáneamente de la frustración y el cansancio del presente.


Bridget Barkan – Red Carpet | Estados Unidos

Bridget Barkan presenta “Red Carpet”, un tema de R&B y funk de espíritu campy, impregnado de la energía setentera y aderezado con el descaro soul de los años 80. Con una actitud desafiante y llena de humor, la canción se convierte en un himno de autoafirmación y autonomía artística, celebrando la libertad de ser uno mismo sin pedir permiso. Al mismo tiempo, “Red Carpet” funciona como un guiño irreverente y festivo para todos los pelirrojos.


Tessa Rae explora el lado más vulnerable del amor en “Lovers Always Lose”

Tessa Rae explora el lado más vulnerable del amor en “Lovers Always Lose”

Hay canciones que no necesitan levantar la voz para transmitir una emoción intensa. “Lovers Always Lose”, de la artista estadounidense Tessa Rae, pertenece precisamente a esa categoría: una pieza íntima, envolvente y de combustión lenta que se sumerge en las contradicciones del deseo, la entrega y el riesgo emocional.

Como primer adelanto de su próximo EP Pearl, la canción presenta a una Tessa Rae profundamente introspectiva, construyendo un paisaje sonoro donde el dream pop y la electrónica ambiental se encuentran con una sensibilidad marcadamente nocturna. Las texturas hipnóticas, las melodías sombrías y su característica voz ahumada crean una atmósfera sensual y misteriosa que envuelve al oyente desde los primeros compases.



“Lovers Always Lose” explora ese punto de tensión en el que amar significa entregarse sin reservas, aun sabiendo que existe la posibilidad de salir herido. La canción captura tanto el éxtasis como el dolor de amar de manera impulsiva, convirtiendo la vulnerabilidad en uno de sus principales recursos expresivos. En lugar de presentar el amor como una experiencia idealizada, Rae se adentra en su lado más complejo: el deseo que puede convertirse en obsesión, la devoción que puede rozar la autodestrucción y la necesidad de seguir adelante a pesar de conocer los riesgos.

Musicalmente, el tema bebe de la estética del downtempo y el ambient pop de finales de los años noventa y principios de los 2000. Se perciben ecos de artistas como Zero 7, Air y Massive Attack, aunque Tessa Rae utiliza estas referencias como punto de partida para desarrollar una identidad propia, más íntima y contemporánea.

La producción apuesta por el espacio y la atmósfera. Cada elemento parece ocupar su lugar dentro de un paisaje sonoro cuidadosamente construido, mientras la voz de Rae se desliza sobre la instrumentación con una cualidad cercana y casi confidencial. El resultado es una canción que no busca imponerse, sino envolver lentamente al oyente y llevarlo hacia su centro emocional. Esta sensibilidad conecta directamente con la identidad artística de Tessa Rae. Su propuesta se caracteriza por capturar emociones relacionadas con la juventud, la vulnerabilidad y los vínculos humanos, transformándolas en piezas que parecen guardar recuerdos frágiles. En “Lovers Always Lose”, esa mirada se dirige hacia el amor y hacia aquello que sucede cuando decidimos entregarnos aun sin saber cuál será el resultado.


LA NUEVA OLA 2026 #598 | emma miller, Coloma, Trippy Fawx

LA NUEVA OLA 2026 #598 | emma miller, Coloma, Trippy Fawx

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


emma miller – Take My Hand | Reino Unido

“Take My Hand” de Emma Miller es una pieza meditativa e introspectiva, escrita como un mensaje de consuelo y fortaleza hacia sí misma, expresado a través de la voz de otra persona. Grabada en el campo de Tennessee, la canción adquiere una dimensión especial gracias al delicado arreglo de cuerdas de Nick Bullock y la participación de un cuarteto de cuerda, junto con Derrek Phillips en la batería y Clark Singleton en el bajo. El tema cierra el Lado A de su álbum debut I Want to Be the Anchor, combinando una interpretación íntima con una instrumentación envolvente y profundamente emocional.


Coloma – Skylights | Reino Unido

“Skylights” es el nuevo sencillo de Coloma, un cuarteto del Pacífico Noroeste que combina elementos de slowcore, trip-hop, grunge, rock alternativo, pop y shoegaze en una propuesta fresca y singular. La canción evoluciona de manera orgánica durante casi cuatro minutos, con la voz envolvente de Cierra Coloma Nelson acompañada por las guitarras de Zac Crowe, la batería de Patrick Smith y el bajo de Mick Houser. De carácter melódico, reflexivo e introspectivo, el tema aborda la tendencia a culparse cuando algo doloroso nos sucede y el proceso de reunir el valor necesario para mostrar nuestras heridas y enfrentarlas con mayor apertura.


Trippy Fawx – Lord of the Cosmos

Trippy Fawx es un artista independiente de Londres que, después de mucho tiempo creando música sin publicarla, finalmente ha decidido compartir su trabajo con el público. Con una propuesta personal y cercana, busca dar a conocer su música y conectar directamente con quienes descubran su proyecto, marcando el inicio de una nueva etapa en su carrera artística.