El productor, cantante y compositor irlandés-iraní Sam R., mejor conocido como Glassio, regresa con un lanzamiento cargado de nostalgia y sutileza emocional. Su nuevo sencillo “Al Pacino”, en colaboración con el artista neoyorquino Loren Berí, es una pieza de indie-electrónica y synthpop que combina grooves de French-Touch, atmósferas de New Wave y la riqueza melódica inspirada en Brian Wilson, consolidando una vez más el universo sonoro que Glassio ha bautizado como melancholy disco.
Más allá de su título llamativo, la canción no gira en torno al célebre actor, sino que utiliza su nombre como metáfora de los distintos “rostros” que las personas pueden mostrar en una relación. Con lirismo íntimo y un trasfondo melancólico, “Al Pacino” explora la complejidad de las despedidas y la dificultad de soltar vínculos que generan dolor. El resultado es un track que, entre la pista de baile y la contemplación, logra transmitir tanto ternura como desgarro.
Nacido entre Sharjah (Emiratos Árabes) y Monterey (California), Sam R. creció inspirado por discos como Pet Sounds de The Beach Boys o Graceland de Paul Simon. Tras mudarse a Nueva York en 2011, comenzó a experimentar en bandas indie y, finalmente, encontró en Glassio el proyecto perfecto para unir su amor por la electrónica, la melodía y la narrativa introspectiva.
“Al Pacino” es la más reciente muestra de esa búsqueda: un tema que se mueve entre lo íntimo y lo expansivo, entre lo cinematográfico y lo confesional, y que confirma a Glassio como una de las voces más originales del indie-electrónico contemporáneo.
Fake Dad ha sabido jugar con la ironía de su nombre para construir un universo propio que se mueve entre el indie rock, el dream pop y ahora también la irreverencia del punk. Formado por Andrea de Varona y Josh Ford, el dúo nació en 2020 en Nueva York y actualmente reside en Los Ángeles, llevando consigo la energía caótica de la gran ciudad y la frescura de la costa oeste.
Desde su primer encuentro en una fiesta universitaria en el East Village, Andrea y Josh han sido inseparables, compartiendo no solo una relación personal sino también una visión artística que se nutre de contrastes: la dulzura y la rabia, lo íntimo y lo explosivo, lo verdadero y lo ficticio. Esa dualidad se refleja en cada uno de sus lanzamientos, donde las guitarras crujientes conviven con sintetizadores brillantes y ganchos pop capaces de quedarse en la cabeza durante días.
En los últimos años, Fake Dad se ha obsesionado con la idea de la “pose” en el rock. Y es que, como ellos mismos señalan, algunos de los artistas más grandes construyeron personajes para poder decir verdades más profundas: PJ Harvey gritaba que era “man-sized”, Stevie Nicks encarnaba a la bruja indomable, David Bowie se convirtió en extraterrestre y LCD Soundsystem fingía ser el alma de la fiesta. Para Andrea y Josh, lo falso puede ser un camino hacia la autenticidad.
Su nuevo EP, titulado Holly Wholesome and the Slut Machine, es prueba de ello: un viaje por un mundo surrealista lleno de payasos furiosos, caballeros trágicos y demonios enmascarados que sirven como metáfora de experiencias muy reales, desde la identidad hasta la sexualidad y la dinámica de pareja en una relación “straight-passing”.
Dentro de este proyecto destaca “Invader”, un sencillo bilingüe y combativo donde Andrea toma la narrativa antiinmigrante y la revierte, señalando a los verdaderos invasores: los hombres poderosos que creen ser dueños del mundo. El tema, cargado de guitarras y un frenesí punk que recuerda a un cruce imposible entre The Prodigy y Wet Leg, convierte la rabia en celebración y resistencia.
Al final, en el universo de Fake Dad, lo falso y lo verdadero no se oponen: conviven. Y es precisamente ahí, en ese espacio intermedio, donde nace algo profundamente auténtico.
Tras su debut Howling at a Concrete Moon, que capturó la desafección de la juventud británica en tiempos de austeridad, la banda londinense Pynch regresa con su segundo álbum Beautiful Noise, un trabajo más introspectivo que mira hacia adentro para explorar el amor, la muerte, la fe y la búsqueda de sentido a través del arte.
Producido por Spencer Enock en el estudio casero de la banda y con la batería grabada por Andy Ramsay de Stereolab, Beautiful Noise es un recorrido lo-fi que combina distorsión, sintetizadores new-wave, breakbeats y voces glitch con un enfoque DIY. El álbum logra un equilibrio entre lo íntimo y lo ambicioso, con una estética que combina la sencillez de la vida cotidiana con reflexiones filosóficas profundas. Canciones como “Forever” transmiten melancolía veraniega, mientras “Microwave Rhapsody” plantea preguntas sobre el sentido de la vida con un toque eufórico y danzante, y “How to Love Someone” traza la catarsis de una relación rota con intensidad emocional.
La narrativa del disco se nutre de la combinación de lo cotidiano y lo trascendental: desde la búsqueda de los jeans perfectos hasta lecturas de consejos de relaciones en Reddit, Pynch logra que cada instante se sienta significativo. Influencias que van de Jonathan Richman y Sufjan Stevens hasta Pavement y New Order se mezclan en un sonido que es a la vez cinematográfico y juguetón, melancólico y expansivo.
Tras la salida del miembro fundador James Rees, la incorporación de Myles Gammon en sintetizadores en 2024 y la continua participación de Julianna Hopkins en batería, voces y sintetizadores, la banda reafirma su identidad sonora. El arte del disco, a cargo de Scott Enock, hermano de Spencer, complementa la estética DIY de Pynch, reforzando la conexión entre imagen y sonido.
Beautiful Noise busca capturar momentos íntimos y grandes preguntas, combinando espiritualidad y slacker pop. Como dice Spencer: “Queríamos hacer un disco auténtico, que reflejara quiénes somos como banda… Se trata de amor, muerte y la maravilla de estar vivo”. En tiempos donde los artistas deben autopromocionarse y mercantilizar su arte, Pynch ofrece algo distinto: un disco desordenado, humano y profundamente personal, hecho por una banda que aún se está encontrando, pero que logra transmitir algo trascendente en el proceso.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Niño Disco – Midnight Feelings | Estados Unidos
Niño Disco es el proyecto musical del ecuatoriano Roger Cabrera, baterista, productor y mecánico aeronáutico radicado en Nueva York. Con un sonido que combina la energía del disco-funk de los 70’s y 80’s, los sintetizadores de Giorgio Moroder y la vibra electro-pop de proyectos como CLUBZ y Poolside, Niño Disco busca encender la pista de baile con un estilo fresco, tropical y lleno de groove.
soft siren – California Heatwave | Estados Unidos
Soft Siren es una banda emergente de dream pop formada en Los Ángeles y liderada por la artista estadounidense Sophia. Con influencias que van de Cocteau Twins y Mazzy Star hasta Lana Del Rey, su propuesta combina voces etéreas, guitarras con texturas psicodélicas y una melancolía cinematográfica que transporta a un estado de ensoñación. Su sonido se mueve entre la nostalgia del shoegaze, la calidez del rock psicodélico de los 70 y la vibra indie contemporánea, consolidándose como una de las propuestas más prometedoras dentro del pop alternativo actual.
Jake Cassman – Trying To Mourn A Friend Of Mine | Estados Unidos
Jake Cassman es un cantautor estadounidense cuya música combina la energía del indie rock, la melodía del power pop y la introspección del folk y Americana contemporánea. Desde 2013, ha recorrido escenarios íntimos y grandes recintos de Estados Unidos, conquistando al público con actuaciones electrizantes y canciones que transforman lo personal en épico. Con influencias que van de Leonard Cohen y Nick Cave a la sensibilidad indie moderna, Cassman también ha colaborado en proyectos de justicia social y lanzó material con su proyecto anterior, Drunken Logic. Hoy, bajo su propio nombre, se consolida como una de las voces más potentes, poéticas y atemporales dentro de la nueva generación del indie rock.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
baby hollis – talking stage | Estados Unidos
baby hollis es el proyecto indie de la música de Atlanta Hollis Griffin, que combina shoegaze y dream pop con un enfoque personal y emocional. Tras años liderando bandas locales, Hollis ha dado un paso hacia su propia voz con canciones que son a la vez soñadoras, enérgicas y juguetonas. Su música destaca por guitarras envolventes, sintetizadores exuberantes y melodías brillantes, celebrando la honestidad, la emoción y la autenticidad en cada momento. Con su debut “talking stage” y el próximo EP, baby hollis se posiciona como una voz fresca y sensible dentro de la escena indie estadounidense.
Mike Bern – Into the River | Canada
Mike Bern es un artista indígena de Tobique First Nation, Nueva Brunswick, reconocido por su poderosa fusión de folk rock y rock melódico. Su música combina voces rasposas y expresivas con instrumentación acústica y eléctrica, incorporando matices de folk tradicional y Southern Gospel que reflejan sus influencias de Chris Otepka, Frankie Miller y Ben Schneider. Con sencillos como “Ancestors” y “Into the River”, Bern transmite emociones profundas y evocadoras, explorando temas de identidad, herencia y conexión emocional, consolidándose como una voz auténtica y emotiva dentro de la música rock contemporánea.
BABY B – Because | Reino Unido
BABY B es el proyecto solista de la compositora británica Sarah Blanchard, reconocida por su trayectoria en pop y dance junto al colectivo The Six y nominada al BRIT. Con BABY B, Sarah se adentra en un territorio más íntimo y cinematográfico, explorando emociones vulnerables a través del indie-pop soñador. Su debut “Because” combina guitarras brillantes, capas atmosféricas y vocales etéreas para reflejar la intensidad del desamor y la vulnerabilidad del enamoramiento, mostrando su capacidad para transformar experiencias personales en canciones universalmente resonantes y emocionalmente profundas.
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Nicky Doma – Excuses | Estados Unidos
Nicky Doma es una cantautora y productora originaria de Chicago y actualmente radicada en Nashville. Su música fusiona influencias de Rock, Folk y Pop, dando vida a un sonido auténtico y versátil. Además de escribir e interpretar sus propias canciones, produce su trabajo de manera independiente y colabora en la creación de música para otros artistas. Con cada proyecto, Nicky invita a su audiencia a acompañarla en un viaje creativo en constante evolución.
Freya Magee – Forget Yourself Not | Australia
Freya Magee es una artista indie-folk originaria de Melbourne y radicada en Londres, conocida por combinar una intimidad silenciosa con una profundidad cinematográfica en su música. Su trayectoria comenzó durante el confinamiento de 2020, escribiendo canciones en su habitación que sentaron las bases de su estilo. Con su debut “Duplicity” y el reciente sencillo “Forget Yourself Not”, Magee explora la vulnerabilidad, las relaciones y la memoria emocional a través de un sonido que fusiona indie-folk, pop y elementos electrónicos, consolidándola como una voz emergente y poética dentro de la escena independiente.
Tablefox – Runaway | Australia
Tablefox es una banda de alt-rock originaria de Nueva Zelanda que se ha consolidado como un referente de la escena indie y alternativa del país. Con un historial de álbumes exitosos como BATTLES y numerosos sencillos que han permanecido años en el Top 20 de la NZ Rock Chart, la banda destaca por su potente mezcla de guitarras eléctricas, bajos profundos y percusiones energéticas. A lo largo de su trayectoria, Tablefox ha compartido escenario con actos legendarios como Ash, Inspiral Carpets y Ride, y continúa sorprendiendo con lanzamientos recientes como “Runaway”, demostrando su capacidad para combinar introspección lírica con producción impecable y hooks memorables.
Expandiéndose más allá de fronteras, y entre las voces que emergen con fuerza destaca la de xátiva, artista mexicana radicada en Alemania, que ha logrado perfilar un universo musical propio. Tras debutar con INFINITA y explorar nuevas capas sonoras en TAL_VEZ, regresa con “QUÉ_PASARÁ”, su tercer sencillo oficial y quizá el más revelador hasta ahora.
xátiva apuesta por un Art Pop hipnótico y atmosférico, construido desde la intimidad absoluta: la canción fue escrita, grabada y producida en solitario. Esa independencia creativa se percibe en cada detalle: bajos retumbantes que marcan el pulso de la incertidumbre, sintetizadores etéreos que envuelven la voz en una neblina emocional y capas vocales que se desdoblan como pensamientos recurrentes en medio de la duda.
El resultado es una pieza que se desplaza como un sueño lúcido, donde cada elemento sonoro aparece y desaparece como recuerdos fragmentados. Incluso el leve tecleo de un celular en los últimos segundos funciona como metáfora del despertar, de ese instante en el que intentamos retener lo onírico sin éxito.
Aunque profundamente europea en su producción, “QUÉ_PASARÁ” conserva un hilo con sus raíces latinoamericanas. Hay un swing sutil en las melodías, una cadencia heredada de la música urbana latina que conecta con la memoria cultural de la artista y evita que su propuesta se sienta lejana a sus orígenes.
En lo lírico, la canción aborda la fatiga emocional de una relación a distancia: la contradicción de sentirse cerca y lejos al mismo tiempo, el vaivén entre aferrarse y soltar. Para xátiva, fue también un proceso de autodescubrimiento: “Cada escucha se sentía como una punzada en mi corazón, por lo íntima y dolorosa que es para mí. Me obligó a trabajar con lo que tenía, a superar mis propios límites y a aprender en la soledad de este proceso”, confiesa la artista.
“QUÉ_PASARÁ” es una canción: es una invitación a habitar la incertidumbre y a descubrir belleza en medio de la duda.
Love Ghost, la banda originaria de Los Ángeles liderada por Finnegan Bell, vuelve a reinventarse con Gas Mask Wedding, un álbum que funciona como un compendio de canciones de amor escritas desde un escenario distópico.
Este trabajo es, en esencia, un manifiesto sobre la búsqueda de intimidad en medio del caos: amar algo que puede destruirte y sobrevivir al acto. Cada canción abre un universo propio, pero todas comparten el pulso emocional y la crudeza poética que han convertido a Love Ghost en una propuesta única dentro del panorama alternativo.
El disco se mueve con naturalidad entre géneros: desde la balada desnuda al piano Car Crash, hasta el pop-punk contagioso de Left on Read junto a Wiplash; del trap oscuro de Scar Tissue a los tintes noventeros de Falling Down. Colaboraciones con artistas como Zach Goode (Smash Mouth), The Skinner Brothers, Reverie, Demario SB y productores como Mike Summers (Kendrick Lamar, Lil Wayne) refuerzan el carácter global de la obra.
El Track x Track de Gas Mask Wedding
1. Car Crash Un inicio devastador y delicado. Car Crash se sostiene únicamente en un piano melancólico y la voz dulce de Finnegan Bell, construyendo un paisaje sonoro frágil y confesional. La canción compara una relación con un accidente repentino: violento, inesperado, y al mismo tiempo cargado de belleza en medio del caos. Cada acorde es un eco de silencio y arrepentimiento, una catarsis íntima que desnuda el costado más vulnerable de Love Ghost.
2. Scrapbook Esta colaboración con The Skinner Brothers funciona como un recorrido por los recuerdos más intensos de los últimos años: amores que se fueron, logros efímeros, caídas dolorosas y comienzos esperanzadores. Musicalmente Scrapbook nos lleva de regreso al Punk Rock adolescente de los dos mil, mezclando guitarras cargadas de energía con un espíritu casi confesional, como si cada verso fuera una fotografía pegada en un cuaderno. La metáfora del “scrapbook” convierte la memoria en un artefacto emocional, mostrando cómo las experiencias se quedan adheridas al alma.
3. FUCKED UP FEELINGS Oscura, sensual y desconcertante, esta canción lleva a Love Ghost a terrenos poco habituales, fusionando R&B con grunge y un aura lofi sin dejar el sonido caracteristico del artista. Con referencias que evocan tanto a Prince como a Lil Peep y Joji, el tema se convierte en un retrato sonoro de la confusión emocional: deseo mezclado con incertidumbre, placer contaminado por el dolor. Es un viaje por emociones enredadas, donde la melodía hipnótica y el ritmo pesado reflejan la turbulencia de un momento vital, el tema por su mezcla de sonidos se hace particular dentro del albúm y de la discografia de Love Ghost.
4. Left on Read Regresando a terrenos mas conocidos, la rabia de ser ignorado encuentra su himno en Left on Read, un tema pop-punk explosivo en colaboración con Wiplash. Con la producción de Mike Summers (Kendrick Lamar, Lil Wayne), la canción vibra con guitarras frenéticas y un estribillo coreable, recordando a referentes como Green Day o All Time Low. La letra captura esa mezcla de frustración y orgullo herido que se siente al ser “dejado en visto”, convirtiéndola en un desahogo juvenil que se grita con rabia y humor ácido.
5. Hair Dye Más que una canción, es un pequeño retrato personal en forma de skit. Aquí, Finnegan Bell abre una ventana a su vida amorosa con un tono íntimo y confesional. Aunque breve, su inclusión aporta un respiro narrativo al disco, funcionando como un puente que conecta la vulnerabilidad del artista con la crudeza del relato general.
6. Scar Tissue Uno de los cortes más intensos del álbum, Scar Tissue se adentra en la oscuridad del trap para hablar de las cicatrices emocionales y los ecos del trauma. Con beats densos y atmósferas inquietantes, la canción transmite la sensación de estar atrapado en una mente que no se calla. Es una representación musical del ruido interno, donde cada verso se convierte en un grito silencioso contra los demonios que acompañan a la memoria. Desde el inicio del track se siente la densidad de guitarras oscuras que se ven entralzadas con todo el sonido del trap americano.
7. Sandcastles Colaborar con Zach Goode de Smash Mouth le da a Sandcastles un aire fresco y nostálgico a la septima canción del disco, capturando la belleza fugaz de la juventud y los sueños, comparándolos con castillos de arena que inevitablemente serán borrados por las olas. Con un sonido con la energía del pop-punk y un toque soleado californiano, se convierte en un himno que vibra entre lo alegre y lo melancólico, combinando dos colores de voces completamente distintas.
8. Hallucinations En este tema, junto a Reverie, Love Ghost combina guitarras hipnóticas y un bajo groovy con una vibra soñadora que recuerda tanto a Sublime como al experimentalismo de Jean Dawson. Hallucinations transporta al oyente a un estado onírico, un atardecer eterno donde la línea entre fantasía y realidad se difumina. Es una canción que celebra el escapismo juvenil y la libertad de perderse en sensaciones irreales, con un sonido fusion entre el trap y guitarras distorsionadas.
9. Angelic Minimalista pero devastadora, Angelic es una balada alt-rock que navega entre la dulzura y la desolación. Su sonido, inspirado en la intimidad de XXXTentacion y la sensibilidad de Smashing Pumpkins, transmite la fragilidad del amor no correspondido. La voz de Finnegan se convierte aquí en un lamento, una plegaria que flota sobre acordes acusticos delicados, evocando la herida de amar sin reciprocidad.
10. Worth It La tercera colaboración con The Skinner Brothers entrega una canción llena de rock alternativo visceral y desgarrador. Con guitarras melancolicas, Worth It se sumerge en la eterna pregunta de la autovalía: ¿soy suficiente? La letra corta como un cuchillo, mientras la música asciende hacia un clímax donde explota la distorsión en las guitarra mientras nos invitan a confrontar el espejo y enfrentar los miedos más profundos,
11. Spirit Box Inspirada en los dispositivos que sirven como canal con el más allá, Spirit Box es un tema cargado de misterio y espiritualidad. Con un sonido a piano y voz, la canción se siente como una conversación entre vivos y muertos, como si las palabras fueran transmitidas desde un lugar intangible. Es uno de los momentos más etéreos del disco, donde Love Ghost se permite experimentar con lo metafísico y lo fantasmagórico mientras juega con tintes de trap y rock.
12. A Message from Finn En este interludio, Finnegan toma la palabra directamente para hablar sobre el largo y desafiante camino que llevó a la creación de Gas Mask Wedding. Más que un simple mensaje, es un gesto de cercanía, un recordatorio de que detrás de cada canción hay un viaje de años, cicatrices reales y la voluntad de compartirlas.
13. Falling Down Una pieza de alt-rock noventero con tintes melódicos, Falling Down es un retrato de la caída emocional tras un amor perdido. Su sonido nostálgico encapsula la sensación de derrumbarse mientras el mundo sigue en movimiento.
14. Heartbreak City Junto a Demario SB y Matt Kali, Heartbreak City pinta el retrato de una urbe en la que el amor parece haber muerto. Fusionando rap y rock alternativo, el tema ofrece una visión oscura y distópica del desamor en tiempos modernos. Su atmósfera es asfixiante y urbana, como recorrer calles iluminadas por neón donde la soledad es la única compañía.
15. Soviet Ghost Con producción de Seth Bishop, Soviet Ghost narra la historia de un soldado olvidado, condenado a vagar entre las ruinas de un imperio caído. Musicalmente oscura y reverberante, la canción evoca la paranoia de la Guerra Fría y los fantasmas que deja la historia. Es un viaje sonoro entre lo bélico, lo político y lo espiritual, jugando mas del lado R&B y trap de Love Ghost.
16. The Masochist Cerrando el albúm “The Masoclist” funciona como una confesión sobre el deseo de abrazar el dolor. La canción convierte la vulnerabilidad en un acto de poder, con un sonido minismalista y oscuro que deja al oyente con una mezcla de inquietud entre estas confesiones y la dulzura del e-piano. Es la culminación de un disco donde el amor, el trauma y la destrucción se entrelazan en un fundido al final del camino.
Love Ghost no rehúye temas como el trauma, la salud mental o la vulnerabilidad, y los convierte en un estallido creativo que dialoga con el presente sin olvidar las heridas del pasado.
Con una trayectoria que ya incluye giras por México, Europa, Japón y presentaciones en festivales como Rockpalast en Alemania, Love Ghost ha encontrado en Latinoamérica un segundo hogar creativo. Colaboraciones con artistas como Adán Cruz, Santa RM o Dan Garcia han consolidado su vínculo con la escena mexicana. Para la banda, este álbum es una invitación a compartir cicatrices, emociones extremas y la posibilidad de hallar belleza incluso en medio del colapso.
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Band Of Four – A Sense Of Wonder | Suiza
Band of Four, formada en Zúrich en 2023, es una banda de indie rock con influencias de new wave, post-punk, rock alternativo y electro pop. Su sonido combina bajos potentes, guitarras atmosféricas, sintetizadores y voces expresivas, creando un estilo enérgico, nocturno y envolvente. Con un enfoque en lanzar sencillos de manera constante, la banda se perfila como una propuesta fresca y dinámica dentro de la escena europea, fusionando sofisticación musical con accesibilidad rítmica.
Snowdrop – Morning thoughts | Reino Unido
Z’cano – Boy Meets World | Estados Unidos
Z’cano es el proyecto musical del cantautor y productor Nik Lizcano, nacido en Chicago, criado en Londres y residente en Nashville. Su sonido atraviesa diversos géneros, siempre centrado en ritmos potentes, melodías pegajosas y acordes con personalidad. Con un enfoque que combina nostalgia y frescura, Z’cano construye canciones que conectan emocionalmente, como se refleja en su próximo EP conceptual 22 Minutes, donde explora las expectativas de las relaciones influenciadas por la cultura pop frente a la realidad cotidiana.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Arcus – Sun In Stars | Belgica
Arcus es un proyecto musical que combina emoción, energía y atmósferas envolventes, invitando al oyente a moverse y dejarse llevar. Con un estilo que mezcla sensaciones vintage y texturas sonoras cuidadas, temas como “Sun In Stars” ofrecen un viaje introspectivo y vibrante, donde cada melodía busca reconectar con las emociones y crear experiencias únicas.
the Rumours – let’s run away | Estados Unidos
COYOTE TANGO – ESCLAVO Y AMO | México
Coyote Tango es una banda mexicana que fusiona rock goth y western con influencias del folklore local, creando un sonido oscuro y místico que llaman su “nuevo oeste”. Con reinterpretaciones como su cover Esclavo y Amo de Javier Solís, la banda transforma clásicos en rituales sonoros apocalípticos, consolidando su identidad como creadores de atmósferas intensas donde lo patrio y lo esotérico se encuentran.
