Amy Stroup es una cantautora originaria de Nashville cuya música ha logrado llegar a innumerables producciones televisivas, comerciales y películas. Con una sensibilidad especial para escribir letras emotivas y melodías pegajosas, Stroup se ha convertido en una de las compositoras más licenciadas en la industria del entretenimiento.
Desde el inicio de su carrera, Amy Stroup se ha caracterizado por crear canciones que transportan a los oyentes con letras simples pero profundamente emocionales. Su música ha sido incluida en exitosas series como This Is Us, Grey’s Anatomy, The Good Doctor y The Walking Dead, además de formar parte de importantes campañas publicitarias para marcas como Calvin Klein y Lexus.
Su estilo combina elementos del indie pop con una lírica introspectiva, lo que le ha permitido conectar con una audiencia diversa y consolidarse como una de las voces más destacadas de la música independiente.
En 2023, Amy Stroup lanzó su álbum Since Frank, seguido en 2025 por el sencillo Til The Stars Come Back To Us. Este último tema muestra su capacidad para evolucionar musicalmente, comenzando con una base acústica y transformándose en una explosión de sonidos electrónicos y emotivos al final.
Además de su faceta como cantante y compositora, Stroup es cofundadora de Milkglass Creative, una empresa de branding y diseño que ha trabajado con grandes artistas como Chris Stapleton, Little Big Town y Thomas Rhett.
Con una carrera en crecimiento y un talento innegable, Amy Stroup sigue demostrando que su música es capaz de emocionar y conectar con el público en cualquier formato.
Maria Mortiz con tan solo 26 años, esta cantante y compositora mexicana ha logrado destacarse por su capacidad para fusionar elementos del pop moderno con ritmos latinos tradicionales, creando un sonido que ha cautivado a su audiencia. Nacida y criada en la Ciudad de México, Maria comenzó a ser conocida en 2014 con un video viral titulado Pinches Holandeses, el cual la posicionó como una figura fresca y con una propuesta genuina dentro del panorama musical. Sin embargo, su carrera dio un giro aún más significativo en 2021, cuando firmó con el sello independiente Anchor Music Company y comenzó su relación profesional con el productor Rob Jimenez.
Su debut musical, el álbum Déjame Preguntarte, es un claro reflejo de su evolución como artista. Con un enfoque en la narrativa personal, Maria no solo se presenta como cantante, sino también como una narradora que logra transmitir sus emociones y vivencias a través de cada nota y palabra. Las canciones del álbum exploran temas universales como el amor, la pérdida y la autodescubrimiento, invitando al oyente a adentrarse en su mundo interior.
La producción de Déjame Preguntarte estuvo a cargo de Rob Jimenez, un productor mexicano-estadounidense conocido por su trabajo con artistas de renombre. Además, la colaboración con Leandro Alvarez, un productor argentino ganador de dos premios Grammy, le dio al álbum una sonoridad refinada y profesional. El disco fue grabado en los estudios La Bestia y Estudio 13 en la Ciudad de México, y fue mezclado por Rob Jimenez en Los Angeles, California, en los estudios Orangewood. La combinación de estos talentos y lugares resultó en un producto de calidad excepcional, lo que permite que la voz de Maria y sus letras resuenen de manera profunda y clara.
El Track x Track de Déjame Preguntarte
Asi
Abriendo el disco, “Asi” nos cautiva con un sonido inspirado en el sonido latino como el bolero e instrumentos de madera, la voz de Maria, toma un protagonismo sobrio e hipnotizador, mientras las claves nos transportan a una atmosfera
Bonita
El disco continua y nos va presentando como elementos recurrentes este estilo de percusion latina contrastada con la voz joven de Mortiz que le da un aire de frescura al estilo a la vez que mantiene las raices de donde se inspira la cantante Méxicana. Con una letra muy bien trabajada logra atrapar al otyente en una sensación casual a la vez que nos presenta toda una herencia de generos y sonidos de antaño, que nos podrian recordar a artistas como Natalia Lafourcade o Daniel, Me Estas Matando.
Vampiro
Si bien el titulo en primera instancia nos llama la atención por el contraste del sonido latino con el termino “Vampiro”, la cantautora nos sorprende tomando esta figura mitica y anglosajona como una metafora de un ser amado qyue le ha robado todo, combinando este sonido recurrente del disco y un vidoe sumamente atrapante, la propuesta cada vez se ve mas solida en como va pasando cada track del disco.
Te vas
Una de las canciones más destacadas del álbum es Te Vas, una pieza que fusiona el alt pop con toques de bolero moderno. Con una estructura que resalta la combinación entre el piano y la voz de Maria, la canción se distingue por su enfoque minimalista, donde la suavidad de la batería y los detalles de percusión añaden una atmósfera emotiva. Te Vas captura la urgencia y el deseo en un enamoramiento apasionado, donde el protagonista se ve impulsado a vivir el momento sin pensar en las consecuencias. La letra transmite ese anhelo de estar cerca de alguien especial, creando una experiencia auditiva que toca el corazón de quienes la escuchan.
Contracorriente
Llegando a la mitad del disco “Contracorriente” se va por un camino un poco separado de los tracks anteriores, inspirado mas en genero como el Pop y el Folk, esta balada con Ukelele nos transporta a una lucha de amor, que funciona muy bien como un ligero respiro de aire fresco en el disco.
Quiero Saber
Quiero saber nos lleva al sabor de un ritmo mas tropical, mientras la constante de historias de desamor se vulve un sello distintivo de Maria Mortiz, manteniendo elementos sonoros de tracks anteriores la pista se vuelve una pista de baile que nos llevan a sonidos de artistas contemporaneos de Maria como Valeria Jasso.
Tortuga
Tortuga va entrando en la recta final del disco, con elementos de cierta manera mas “crudos” la canción nos sumergen en una vibra tropical a ritmo lento, que se disfruta y goza, la ejecución vocal esta muy bien llevada y demuestra la sensibilidad para interpretar historias personales hasta este tipo de historias mas eclecticas.
Brujo
Despues de varios tracks del disco, brujo continua esta linea “tropical” del albúm, teniendo ritmos bailables, maderas y una voz emotiva que nos llevan a historias personales, quizas a este punto para cerrar el disco nos hubiera gustado precindir de alguno de estos tracks bailables para darle un cierre mas diferente, sin mebagro como canción funciona muy bien y hasta ahora estas dos verticales de lo tropical y bolero conforman una propuesta muy solida por parte de Maria.
Quieres Tanto
Justo lo que veniamos buscando, “Quieres Tanto” salta de la vibra tropical a un sensación mas emotiva y que nos recuerda a piezas como “Cancion Mixteca”, que nos recuerdan la mexicanidad de la artista asi mismo la inspiración de toda una epoca dorada con cantantes como COnsuelito Vasquez.
Sirena y el Pescador
Cerrando el disco Maria nos presenta Sirena y el Pescador, retomando el bolero y elementos como las cuertas de nailon la canción nos cuenta una historia inspirada en estas dos figuras, un amor casi imposible con un ritmo bailable y emotivo.
Maria Mortiz ha logrado construir una identidad musical muy auténtica y propia. Cada canción que lanza es un reflejo de su alma, a través de su talento como compositora, ha logrado construir un repertorio que no solo atrae a quienes buscan música fresca y moderna, sino también a aquellos que disfrutan de una rica tradición musical latina.
El futuro de Maria Mortiz en la música latina parece ser prometedor. Con su habilidad para mezclar lo moderno y lo tradicional, así como su capacidad para crear melodías memorables y letras introspectivas, es probable que siga ganando terreno en la escena internacional. Si algo queda claro, es que Maria Mortiz es una de las artistas más destacadas de la nueva generación de música latina, y su lugar en la industria solo está comenzando.
Camille Schmidt, llega directamente desde Brooklyn, Nueva York, su carrera despegó con la publicación de su debut EP Good Person en junio de 2024, donde exploraba las complejidades de la autenticidad, la soledad y las relaciones humanas, todo dentro de un sonido folk-rock marcado por un toque íntimo y una lírica profundamente personal. El EP mostró la habilidad de Schmidt para equilibrar la vulnerabilidad y la fuerza. Pero su evolución no se detuvo ahí. En su próximo álbum Nude #9 Schmidt promete expandir aún más su horizonte sonoro, fusionando géneros como el synth-pop, el folk, el punk y el post-punk, todo mientras profundiza en las complejidades emocionales que marcan su vida.
Uno de los sencillos más esperados del nuevo álbum es Stanley, un tema que ha logrado capturar la atención tanto por su sonoridad única como por la complejidad de su letra. Con una producción que combina guitarras melódicas, un bajo dinámico y una batería contundente, Stanley es una pieza que explora la soledad desde una perspectiva conmovedora y humana.
La inspiración para la canción surgió de una experiencia personal de Camille Schmidt durante un vuelo. Mientras viajaba, escuchó a una mujer hablando por mensaje sobre su novio, Stanley, y reflexionó sobre la soledad que se siente tanto en la ausencia de compañía como en la presencia de alguien que no logra llenar el vacío emocional. Esta introspección sobre el vacío existencial y la búsqueda de consuelo en pequeños detalles y conversaciones inesperadas se traduce perfectamente en la canción. Con una estructura que va desde la calma hasta la intensidad emocional, Stanley es un reflejo honesto de la lucha interna de Schmidt, mientras navega entre la vulnerabilidad y la resiliencia.
Desde los ecos de los años 80 hasta los toques de indie rock contemporáneo, Schmidt ha logrado crear un sonido ecléctico que mantiene la autenticidad de su mensaje. En Nude #9, la artista expande su paleta musical al colaborar con productores y músicos como Ben Zaidi y Eli Heath, quienes aportan nuevas texturas y elementos a la producción.
Schmidt se mantiene fiel a su estilo, pero al mismo tiempo no teme explorar y desafiar los límites de su creatividad, lo que hace de cada uno de sus temas una experiencia única para el oyente.
Cris Liav nacida en Albacete y actualmente afincada en Madrid, con una formación musical que comenzó a una edad temprana en el conservatorio, Cris ha dedicado los últimos años a perfeccionar su técnica vocal, composición y producción musical, lo que le ha permitido consolidarse como una de las figuras emergentes más interesantes dentro del pop alternativo.
El estilo de Cris Liav se caracteriza por una fusión de indie, dream pop, bedroom pop y pop alternativo, con matices de folk y electropop. La artista aborda en sus canciones temas universales como el amor, la vulnerabilidad, la autocomprensión y la búsqueda de libertad, invitando a sus oyentes a reflexionar sobre sus propias experiencias emocionales. La sensibilidad con la que Cris transmite estos sentimientos la convierte en una voz única en la música contemporánea.
Su habilidad para crear melodías que se sienten tanto frescas como atemporales le ha permitido conectar con una audiencia diversa. Las influencias de grandes artistas internacionales como Taylor Swift, Lana Del Rey, Caroline Polachek o Chappell Roan se entrelazan con las de figuras del panorama musical español como Amaia y Ganges, creando una mezcla de sonidos que resuenan con su identidad única.
En su más reciente lanzamiento, “Nadie como tú”, Cris Liav nos presenta un himno alt-pop que, con su sonido envolvente y casi onírico, combina beats suaves con arreglos que crean una atmósfera hipnótica. La artista habla sobre las complejidades del amor y la incertidumbre del futuro, explorando temas como la fragilidad de los sentimientos y la dificultad de aceptar la felicidad por miedo a que se termine.
Frases como “soy incapaz de asimilar la felicidad, es mi cerebro temiendo que llegue el final” y “me sigo pellizcando, no hay nadie como tú” capturan esa mezcla de temor y emoción intensa que acompaña a las relaciones profundas. Con una voz suave y conmovedora, Cris logra transmitir la ambigüedad emocional que caracteriza los momentos de amor y duda.
Actualmente, Cris Liav se encuentra en pleno proceso de preparación para el lanzamiento de su primer EP, que se espera para finales de 2024. Este nuevo trabajo promete seguir la misma línea emotiva y experimental que sus sencillos anteriores, combinando sonidos vanguardistas con letras cargadas de contenido introspectivo. A medida que se adentra en nuevas fases de su carrera, la artista continúa demostrando su capacidad para crear música que no solo conecta a nivel sonoro, sino que también invita a la reflexión profunda sobre las emociones humanas.
Zora es una cantante y compositora germano-francesa cuya música cautiva por su profundidad poética y su capacidad para contar historias emocionales con un toque lúdico. Con una voz íntima y envolvente, ha logrado crear un universo musical único que fusiona el folk, el indie rock y el art pop.
Su próximo EP debut, producido en los estudios Funkhaus de Berlín, combina la delicadeza y la intimidad de su voz con arreglos enérgicos de indie pop rock. A lo largo de su carrera, Zora ha sido influenciada por artistas como Soko, Cocteau Twins, John Frusciante y Lana Del Rey, quienes han moldeado su estilo, pero Zora está decidida a encontrar su propio sonido y seguir explorando su creatividad.
Zora combina la melancolía con momentos de ligereza, lo que hace que su música sea un reflejo genuino de sus experiencias personales. Su canción “Autumn” (el primer tema que escribió) aborda esa sensación universal que todos conocemos: cuando los días se acortan, el frío y la oscuridad invaden, y la melancolía comienza a apoderarse de nosotros. A través de una mezcla de sonidos alegres y letras llenas de ironía, Zora crea una pieza que, aunque habla de los días más oscuros, se convierte en un acompañante alegre para esos momentos sombríos.
En un mundo donde la música puede contar historias que trascienden generaciones, The Alright Maybes nos regala “Mind’s Made Up”, una canción que combina lo personal con lo melódico. Este sencillo, se inspira en una historia real: un viaje al aeropuerto O’Hare de Chicago donde el amor fue puesto a prueba.
La canción fusiona las influencias del Manchester de los 80 con el toque melódico de The Cardigans, creando un paisaje sonoro propio. La canción abre con un riff de guitarra hipnótico que marca la urgencia emocional del tema, mientras que una batería sutil pero llena de matices, un bajo juguetón y los toques de piano vertical pintan un fondo vibrante. A medida que avanza, las exuberantes cuerdas al estilo de Gattaca elevan la melodía a un nivel cinematográfico, haciendo que cada nota resuene profundamente en el corazón del oyente.
Angela Reinhart, vocalista de la banda, equilibra lo etéreo con lo contundente en su voz. Sus interpretaciones cuentan una historia, en “Mind’s Made Up”, su voz se convierte en el eje central que guía al oyente por esta travesía emocional. Más allá de su sofisticado ensamble musical, la canción tiene un valor profundamente personal para la banda. “Esta canción significa el mundo para mí,” comparte Reinhart. “Está basada en la historia de mis padres, y contarla a través de esta grabación es algo que me llena de orgullo.”
Desde su formación en 2020, The Alright Maybes nos lleva a influencias que abarcan el pop barroco de los 60 hasta el indie alternativo de los 90, la banda ha encontrado su lugar en la escena musical moderna. Este nuevo sencillo marca el inicio de un capítulo emocionante en su trayectoria, confirmando que The Alright Maybes no solo reverencian el pasado, sino que también tienen un futuro brillante por delante.
Formado por Lindsay Littrell y Garrett Langebartels, LITTRELL ha llega con un sonido cinematográfico y una mezcla de dark pop, rock alternativo y trip-hop. Aunque su estilo ha sido comparado con artistas como Kate Bush, Portishead y Lana Del Rey, el dúo mantiene una identidad propia. Sus canciones fusionan letras introspectivas con una producción atmosférica.
El álbum debut del dúo, Public Love, nos presenta una narrativa visual que se despliega a través de videoclips cuidadosamente elaborados. Canciones como “Cycle”, “Shark Week”, “Dirty” y “Streams” exploran temas complejos como las relaciones tóxicas, la vulnerabilidad y la búsqueda de conexiones auténticas.
El nuevo sencillo Cycle, escrito y co-producido por Lindsay Littrell, aborda la naturaleza adictiva de las relaciones tóxicas y los patrones de abuso. “Reconocer el patrón es el primer paso para romperlo”, explica Lindsay. Más allá de lo personal, Cycle es también un llamado a la acción social y política: “Desde nuestras relaciones hasta nuestros sistemas, necesitamos reconocer los ciclos y los roles que desempeñamos en ellos para empezar a desmantelarlos y construir algo nuevo.”
El video musical, conceptualizado por Lindsay y dirigido por Christian Barreno, fue filmado en el vecindario de Irvington en Indianápolis. Con una estética que combina la danza emotiva de Lindsay con una narrativa que explora el deseo de romper con los patrones tóxicos. Este lanzamiento se une a los videos previos de Public Love, todos producidos por Lindsay, quien también actúa como directora creativa del proyecto.
Con influencias que van desde MeShell Ndegeocello hasta Radiohead, LITTRELL crea un universo sonoro y visual que invita a los oyentes a reflexionar sobre sus propias experiencias. Su música, como lo demuestra Cycle, es un espejo que refleja la complejidad de las relaciones humanas y un recordatorio de que el crecimiento y la conexión auténtica nacen del enfrentamiento de nuestros desafíos más profundos.
Abby Payne con una carrera que abarca diversas facetas, desde la música pop-rock hasta el teatro musical, ha logrado forjar una identidad artística interesante, nacida y criada en una granja lechera en el oeste de Nueva York, la influencia de su entorno rural, donde la música y la familia se entrelazaban, se refleja en su estilo único que fusiona el pop-rock, el Americana y el roots. Su interés por la música la llevó a estudiar voz jazz en SUNY Purchase, donde perfeccionó su técnica y comenzó a forjar su camino artístico.
Como muchos artistas, la pandemia fue un punto de inflexión en la vida y la carrera de Abby Payne. Durante los meses de confinamiento, en los que el mundo parecía detenido, Payne se enfrentó a la incertidumbre y la ansiedad de un futuro desconocido. Sin embargo, fue precisamente en esos momentos de soledad y reflexión cuando encontró un renacer.
Esta evolución se refleja en su más reciente sencillo, «Night Ride», un tema que captura la sensación de estar atrapado en la ansiedad y la reflexión durante la pandemia. Con una mezcla de sonidos pop-rock y rock alternativo, «Night Ride» se distingue por su atmósfera nostálgica, sus guitarras twangy y una base rítmica cautivadora.
La canción se convierte en un himno para aquellos que, como Payne, buscaban respuestas durante la oscuridad de la pandemia. Sus letras cargadas de una sensación de desesperación y esperanza, resonaron profundamente con muchos oyentes que también lidiaban con la incertidumbre del momento.
A lo largo de su carrera, Payne ha demostrado una gran versatilidad, no solo como cantante, sino también como compositora y creadora en el ámbito teatral. Su obra The Gunfighter Meets His Match, en la que escribió la música, letras y libreto, fue seleccionada para el prestigioso New York Musical Festival en 2018. Además, ha sido invitada a participar en iniciativas como la Johnny Mercer Writers Colony en Goodspeed Musicals y el HBMG National Winter Playwrights Retreat, consolidando su lugar tanto en la música como en el teatro.
La cantante y compositora estadounidense R E L, con un estilo emocionalmente cargado, ha logrado captar la atención del público con música introspectiva. Con una mezcla de indie pop, dream pop y un toque de lo que ella misma define como evocapop, R E L ha logrado crear un espacio sonoro en el que sus canciones son mucho más que simples melodías. Son relatos emocionales que exploran la vulnerabilidad, el amor, el desamor y el proceso de sanación.
Desde sus inicios, R E L fusiona elementos del pop convencional con una carga emocional tan intensa que hace de cada canción una experiencia casi terapéutica. En su propio trabajo, ha hablado de cómo su música busca evocar sentimientos genuinos, tocando fibras sensibles y llevando a los oyentes a un lugar donde pueden reflexionar sobre sus propias experiencias.
El reciente lanzamiento de “Medicine”, su más reciente sencillo, R E L perfecciona su capacidad para crear una atmósfera envolvente y llena de emoción. La canción explora la experiencia dolorosa de ver a alguien desvanecerse lentamente, tanto en el amor como en la vida, con una letra que invita a la reflexión sobre los momentos en los que uno se enfrenta a la pérdida sin querer aceptar su inevitabilidad.
Con una producción indie pop que se desarrolla suavemente, “Medicine” es un viaje emocional donde las guitarras suaves y las baterías sutiles acompañan una interpretación vocal llena de intensidad y vulnerabilidad. En sus letras, R E L canta sobre “tragarse la medicina de la vida”, una metáfora poderosa que transmite la dolorosa realidad de la superación personal a través del sufrimiento.
A medida que la canción avanza, la música se intensifica, complementando la narración emocional, mientras las armonías y las melodías crean un contraste entre la belleza del sonido y la amargura de la experiencia. Es un tema que, aunque envuelto en melancolía, invita al oyente a abrazar las emociones complejas que surgen al enfrentar la fragilidad de las relaciones humanas.
Nacida y criada en Los Ángeles, Izza es una cantante, compositora y productora de pop que ha conquistado al público con melodías electrizantes y letras empoderadoras, Izza se ha ganado el título de “la superestrella de la generación digital”, según Genius.
Con su humor irreverente y su enfoque sin miedo, ha logrado inspirar a mujeres de todo el mundo. Sus publicaciones, cargadas de creatividad, generan una gran interacción, convirtiéndola en una figura influyente en el mundo digital. Izza se ha convertido en un referente para quienes buscan romper con los moldes establecidos y ser fieles a sí mismos, sin importar lo que los demás piensen.
Uno de los pilares de su música es la celebración del amor propio y la normalización de la vulnerabilidad. En sus canciones, Izza explora temas como la confianza y la autoaceptación siempre con un toque de energía positiva y esperanza.
Con su EP Because I’m Blonde, Izza ha profundizado en su identidad como mujer rubia en un mundo lleno de estereotipos. A través de canciones como “Imperfections”, aborda las presiones sociales sobre la belleza y celebra el poder del amor propio, todo mientras explora su propia relación con su apariencia. Como ella misma dice, “escribir y producir este EP me ha enseñado a celebrar mi rubio y usarlo como una fortaleza”, transmitiendo un mensaje claro de empoderamiento.
“Imperfections” destaca por su mezcla de emociones crudas y sonidos delicados, donde la voz de Izza brilla con una vulnerabilidad que transmite una conexión genuina con su público. La canción está impregnada de una atmósfera íntima, en la que los sintetizadores y la melodía del piano se entrelazan de manera armoniosa, creando una sensación de calidez que refleja perfectamente la temática del tema: el amor propio y la aceptación de quienes somos, tal como somos.
