La banda suiza Last Leaf Down ha experimentado una notable evolución sonora, inicialmente influenciados por el doom metal, el grupo dio un giro significativo en su trayectoria cuando Benjamin Schenk se unió en 2007, marcando el inicio de una transición hacia el shoegaze y el rock alternativo. Con influencias de bandas como Anathema, Placebo, Katatonia, Slowdive, Keane y Muse, el grupo logró consolidar un estilo propio dentro del género.
Para 2012, Last Leaf Down ya había definido su identidad musical, caracterizada por atmósferas etéreas, guitarras envolventes y una melancolía introspectiva que los distingue dentro de la escena shoegaze. En su álbum debut, Fake Lights, lanzado en 2014 y. Bright Wide Colder en 2017, combinan pasajes hipnóticos con letras cargadas de emoción.
Después de varios años de evolución, Last Leaf Down regresa con su nuevo álbum, Weight of Silence, que será lanzado el 11 de abril. Este trabajo promete una exploración aún más profunda de su característico sonido etéreo y melancólico, manteniendo la esencia que los ha definido desde sus inicios, pero con una madurez artística que refleja su trayectoria.
Con su mezcla de nostalgia, paisajes sonoros expansivos y letras introspectivas, Last Leaf Down continúa marcando su huella en el mundo del shoegaze y el rock alternativo.Si aún no los has escuchado, este es el momento perfecto para sumergirte en su mundo sonoro y descubrir por qué Last Leaf Down es una de las bandas más cautivadoras del shoegaze contemporáneo.
La cantante y compositora escocesa Natalie Clark ha conquistado corazones a ambos lados del Atlántico.Antes de dedicarse a la música de tiempo completo, Natalie trabajaba como profesora en Escocia. Sin embargo, un evento fortuito cambió el curso de su vida. Durante un evento de la BBC, fue invitada espontáneamente por Sir Richard Branson a cantar en el escenario. Sin previo aviso, interpretó su tema original “Weakness”, dejando a todos impresionados, incluido Branson, quien proclamó: “Eso fue absolutamente impresionante”.
Natalie dejó su trabajo como docente, cruzó el Atlántico y se estableció en Los Ángeles, donde comenzó a construir su carrera musical. Desde entonces, ha sido reconocida como “Artista para ver” por Mercedes-Benz y ha abierto conciertos para las ganadoras del Grammy, Indigo Girls. Su música también ha aparecido en series de Netflix y bandas sonoras de películas, consolidando su presencia en la industria.
En 2025, Natalie lanzó HERE, el cuarto sencillo de su álbum debut con DVG Records. Co-producido por Todd Spadafore (conocido por su trabajo con Wu-Tang Clan, Little Big Town y DJ Khalid), HERE compuesta durante un período de soledad tras mudarse a Los Ángeles, refleja el poder de los lazos invisibles que nos unen a nuestros seres queridos, incluso cuando estamos físicamente distantes. Con influencias del gospel y el R&B contemporáneo, la canción combina guitarras cristalinas, armonías conmovedoras y una producción impecable que resalta la voz cálida y orgánica de Natalie.
Natalie Clark no solo es una artista; es una narradora que utiliza la música para conectar, sanar y empoderar. Con su álbum debut en camino está lista para conquistar nuevos horizontes.
Originaria de Florida, Violet Jane comenzó su trayectoria en el mundo del modelaje, una industria donde brilló durante varios años. Sin embargo, su verdadera vocación siempre fue la música. En enero, tomó la decisión de mudarse a Los Ángeles para dedicarse completamente a su carrera artística, un salto de fe impulsado por su deseo de expresión genuina y sanación a través del arte.
Las canciones de Violet Jane son una extensión de su alma, inspiradas en sus propias vivencias. Como sobreviviente de traumas infantiles, enfermedades mentales y abuso, encontró en la música un refugio, un espacio donde su voz podía ser escuchada. Ahora, a través de su arte, busca ofrecer ese mismo sentido de conexión y consuelo a quienes han vivido experiencias similares.
Su estilo es una fusión ecléctica de indie, pop oscuro y ambiental, blues y elementos alternativos. Su sonido es hipnótico, melancólico y, al mismo tiempo, poderoso, logrando transmitir emociones con una honestidad conmovedora.
En “But Do I Wanna”, Violet explora las complejidades de una relación marcada por la confusión y la lucha por la identidad propia. Inspirada en su propia historia, la canción narra cómo su esposo la alentó a buscar una relación fuera del matrimonio, solo para luego retractarse cuando ella encontró felicidad. A través de sus letras, Violet Jane expresa la lucha interna entre cumplir las expectativas impuestas por otros y la necesidad de priorizar su propia felicidad.
El tema aborda cuestiones fundamentales como el amor propio, la autonomía y la búsqueda de identidad en medio de las presiones externas. Con una mezcla de vulnerabilidad y fortaleza, “But Do I Wanna” se convierte en un himno para quienes han sentido la necesidad de redescubrirse.
Su capacidad para transformar el dolor en arte y su valentía para compartir su historia la convierten en una artista digna de seguir de cerca. Mientras continúa explorando nuevos sonidos y experiencias, su música promete seguir siendo un refugio para quienes buscan consuelo, inspiración y autenticidad en cada acorde.-
Zoë Kilgren emerge como una artista genuina que desafía las expectativas del indie rock. Como líder y compositora principal de la Zoë Kilgren Band (ZKB), su voz cruda y sus letras profundas han cautivado a una audiencia en crecimiento. Formada en Los Ángeles, ZKB es un cuarteto que fusiona rock, indie, folk, blues, punk y pop en una mezcla poderosa y emotiva. Junto a Kilgren, la banda está compuesta por Richard Follin (guitarra líder), James Wenz (bajo) y Nick Ferrucci (batería), músicos que aportan su propia esencia a cada canción.
Desde el lanzamiento de su EP debut “The Phoenix” en agosto de 2023, la banda ha sido una presencia constante en la escena musical de Los Ángeles, ofreciendo presentaciones en vivo cargadas de energía y emoción. Su música se siente como una conversación sincera con el oyente, explorando temas de amor, pérdida y autodescubrimiento.
En enero de 2025, ZKB lanzará su nuevo sencillo, “Magician”, una canción que marca una evolución en su sonido. Con una estructura poco convencional, la canción explora la tensión entre la fe ciega y la traición, utilizando una mezcla de versos íntimos y un clímax instrumental épico acompañado de un poema hablado.
“Esta canción rompió los límites que me había impuesto”, confiesa Zoë Kilgren. “Habla de la desesperación y la ingenuidad de amar a alguien que nunca logrará cambiar. Es esa persona que bebe demasiado, que coquetea con otras personas y te deja cargando con las consecuencias.”
El título de la canción está inspirado en El Mago del tarot, una figura que representa tanto la manipulación como la creación, el final y el comienzo, aportando una capa adicional de significado a la canción.
SkyDxddy fusiona alt-rock, pop y rap, creando un sonido cargado de emociones que explora las profundidades de la salud mental, los traumas personales y el empoderamiento. Su honestidad cruda y letras han tocado a miles de personas, estableciéndola como una artista que conecta con quienes han vivido experiencias difíciles.
Desde sus inicios, SkyDxddy ha sabido convertir el dolor en arte, transformando su historia en himnos de fortaleza y resistencia. Su capacidad para hablar abiertamente sobre la ansiedad, la depresión y el abuso la ha convertido en un símbolo de apoyo para su creciente comunidad de seguidores.
SkyDxddy no solo ha creado música impactante, sino que ha fundado su propio género musical: el traumacore. Este concepto va más allá de la música; es un movimiento de sanación y empoderamiento. Según la artista:
“El traumacore no es solo mi historia. Es reconocer el lado de ti que sufre, que lucha contra el PTSD, la ansiedad y el dolor, y encontrar la fuerza para seguir adelante. Es reclamar tu identidad y no dejar que los abusadores vivan en tu mente por más tiempo.”
Con una comunidad fiel en TikTok (@skydxddymusic), donde ya supera los 1.4 millones de seguidores, y un catálogo de canciones que han servido de refugio para miles de oyentes, SkyDxddy se prepara para lanzar su álbum debut, “Traumacore”, que verá la luz en mayo de 2025.
Este disco promete ser un reflejo de su viaje personal, su resiliencia y su deseo de dar voz a quienes han sido silenciados. Sin miedo a abordar los temas más difíciles, SkyDxddy sigue demostrando que la música puede ser una herramienta poderosa de sanación y transformación.
Sam Koster es un artista multifacético de Australia, originario de Canberra, que ha forjado su propio camino en los mundos de la música, las artes visuales y el cine. Como músico autodidacta, productor y artista, Koster es conocido por abrazar la libertad en su trabajo.
El talento de Sam abarca múltiples disciplinas. Como multiinstrumentista y productor, canaliza su pasión por la música a través de una variedad de instrumentos, desde guitarras hasta herramientas de producción electrónica. Además de sus proyectos musicales, Sam también es un hábil artista visual y cineasta, creando proyectos que resuenan emocionalmente y exploran temas más profundos.
Bloom: Un EP Nacido en Laos
En su más reciente EP, Bloom. Sam nos comenta que el proyecto fue escrito, grabado y producido durante sus viajes por Laos, un período que influyó profundamente en el sonido y los temas del EP. Bloom es un reflejo de las experiencias, vistas y sonidos que Sam encontró durante su tiempo en el sudeste asiático. Su travesía por Laos le dio el espacio para reflexionar, innovar y crear un álbum que es tanto profundamente personal como universalmente resonante.
El EP transmite una sensación de libertad, con cada pista explorando la compleja danza entre la vulnerabilidad y la fortaleza. Es un viaje de transformación, como el proceso mismo de florecer. Los sonidos de Bloom son una mezcla de lo tradicional y lo moderno, fusionando instrumentación acústica con elementos electrónicos, lo que refleja la disposición de Sam a experimentar y su creencia en dejar que la música lo lleve a donde quiera.
El Track x Track
Midnight
Abriendo el EP, “Midnight” nos lleva a un viaje de texturas, donde principalmente resaltan capas de sonido que nos sumergen en el ruido de la naturaleza y la noche, un piano a manera de ostinato y una voz que juega dentro del Pop que a la vez sabe utilizar recursos como pitchs vocales y sensaciones que bien podrian venir de la psicodelia.
Realmente es dificil encacillar la canción en un genero ya que toma recursos de diferentes lados, desde la caja de ritmos del hip-hop hasta una sensación mas experimental, siempre manteniendo melodias y texturas interesantes.
the love
Como si estuvieran interconectado llega “the love”, a manera de continuación del track anterior, la canción retoma elementos como texturas de ruido, cajas de ritmo, un epiano muy nostalgico y una voz que pasa de melodias pop a secciones que podrian provenir de influencias de artistas mas del lado del hip-hop.
En esta ocasión me gusta como construye hooks mas largos en el coro y logra manterner un estilo consiso y propio a pesar de las multiples referencias que toma. La producción se siente minimalista, sin embargo el juego de texturas como voces procesadas, sonidos noise, bajos, pianos e inclusive cajas de ritmos y baterias hacen que esta sensación minimalista sea muy dificil de lograr y que Sam logra construir tanto en the love como en Midnight.
living inside a dream
Apenas terminando el track anterior, Sam logra conectar un nuevo track a la vez que presentandonos como portagonista una guitarra acustica brillante y resonante, que bien nos podria recordar a música del medio oriente, en esta ocasión su amor por la psicodelia se ve mas presente desde el nombre del track “living inside a dream” y esto se ve reflejado en un track que funciona como un puente etereo de voces y cuerdas brillantes.
YOU ARE LOVED
Como habiamos comentado anteriormente la psicodelia y experimentación es un lugar donde Sam le gusta explorar sonoramente y “YOU ARE LOVED” lo demuestra, jugando con arpegiadores, distorsiones vocales y creando una enorme tensión, el track encargo de cerrar el disco es una canción en esteeroides, donde la sutilidad de elementos como respiraciones y explosiones nos hacen entrar al mundo de SAm Koster.
Lo que realmente distingue a Sam es su compromiso de mantenerse auténtico y libre de las limitaciones de cualquier género o expectativa. Su trabajo, ya sea musical, visual o cinematográfico, proviene de un lugar de honestidad pura y exploración personal. Para Sam. Su capacidad para combinar diversas formas de arte, mezclar géneros libremente y explorar nuevos territorios habla de su compromiso con la autoexpresión.
A medida que Sam continúa evolucionando como artista, está claro que su futuro está lleno de emocionantes posibilidades. Con Bloom ya captando la atención de oyentes y críticos.
Morningsiders es una banda de folk-pop indie originaria de la ciudad de Nueva York, que fusiona momentos musicales íntimos con una producción de estudio atmosférica y sofisticada. La banda fue fundada en la Universidad de Columbia por Magnus Ferguson (voz y guitarra), Reid Jenkins (violín y voz) y Robert Frech (piano). Desde sus inicios como un colectivo de Americana con miembros rotativos e interpretaciones improvisadas, han evolucionado hasta convertirse en un trío sólido, enfocado en la composición y producción de canciones.
Morningsiders saltó a la fama en 2015 cuando su canción “Empress” se convirtió en un fenómeno viral, alcanzando la cima del ranking Viral 50 de Spotify. El tema también apareció en un comercial de Starbucks protagonizado por Oprah Winfrey, lo que amplificó su exposición a nivel nacional e internacional. A partir de ahí, la banda se consolidó como una de las propuestas más frescas dentro de la escena indie folk.
En 2018 y 2019, la banda lanzó una canción nueva cada mes, compilándolas posteriormente en su álbum debut A Little Lift. Con este trabajo, Morningsiders ofreció un sonido más pulido, sin perder la esencia cálida y orgánica que los caracteriza.
En 2020, la banda dio un giro hacia el folk-rock con su segundo álbum, Pollen, explorando nuevas texturas y una instrumentación más robusta. Su búsqueda constante de innovación los llevó a trabajar con el renombrado productor Peter Katis en su EP Easy Does It, donde expanden su sonido sin perder los momentos de brillantez musical y experimentación sónica que los han hecho destacar.
Oddfellows: Un tributo a la tradición folk
Uno de sus proyectos más recientes, el EP Oddfellows, representa un homenaje a la tradición del folk. Grabado en solo cuatro días durante el verano, el disco incluye interpretaciones de baladas tradicionales con más de dos siglos de historia. A diferencia de simples versiones, estas canciones han sido reimaginadas, reflejando la rica evolución que han tenido a lo largo de generaciones y su tránsito por distintas culturas, desde Francia y el Reino Unido hasta Nueva Inglaterra y los Apalaches.
El enfoque de Oddfellows es completamente orgánico y enraizado en la tradición: fue grabado en vivo, con las voces principales capturadas junto con los demás instrumentos, logrando así una sensación de inmediatez y autenticidad. Este EP muestra el respeto de Morningsiders por la historia del folk mientras lo traen a un contexto contemporáneo.
El Track x Track
Two Sisters
El disco comienza con Two Sisters, donde la agrupación nos presentara elemenrtos recurrentes en el disco junto con un estilo propio cargado de armonias y una sensación de bienestar a traves de la música. Con una base de instrumentos acusticos, cuerdas y voces armonizadas el trio nos presenta una canción calida que toma elementos del folk y los rejuvenece a traves de una interpretación tranquila y una isntrumentación que poco a poco va creciendo en fuerza sin perder la sensación nostalgica de la letra.
What Will We Do?
Con un arpegio que entra dentro lo nostalgico, que poco a poco se va llenando de esperanza “What Will Do?” nos va haciendo preguntas que nos ponen en un mood contemplativo, mientras las voces, cuerdas y una sensación atmosferica llenan el espacio sonoro a traves de melodias atmosfericas, realmente el disco viene cargado de estos momentos crecientes atmosfericos que se conbinan con interpretaciones vocales e instrumentales que hacen temblar el corazon.
Con un desgarrador final en un pequño solo de lo que parece ser un instrumento de cuerda frotada la canción logra transmitir una belleza muy interesante, a la vez que ttriste y nostalgica, eso si siempre insinuendo pequeños destellos de esperanza.
Jubilee
Justo en medio del EP , el trio explora un sonido muy clasico del folk y country, con una melodia super pegajoza la canción “Jubilee” nos llena de esperanza y felicidad, que nos recordara a esos momentos super divertidos que podemos pasar junto a alguien, y poder estar agradecidos de todo el jubilo que nos brinda la vida, realmente creo que son temas dificiles de manajer y que la agrupación aborda con genuina autenticidad y los hacen sonar super natural, asi como logran transmitir esa sensación a su audicencia.
Mary´s Dream
Manteniendo una estetica sonora muy bien definida durante todo el disco, Mary´s Dream nos lleva a un vieje etereo de cuerdas y melodias, que pueden cosniderarse mas experimentales y atmosfericas. La canción va creciendo entre pequeñas percusiones y sonidos ligeros de campañas, que nos llevan en un viaje del heroe muy interesante.
Never Had But One True Love
Cerrando el EP, Never Had But One True Love, nos lleva a una historia llena de amor, que combina todos los elementos de este compilado en un estilo mas anecdotico y pop que nos encanta. La canción tiene una vibra un poco diferente ya que no es tan eterea, es una canción mas bien para oir y cantar entre amigos a la vez que la nostalgia de instrumentos como las cuerdas le dan un sello propio.
Morningsiders continúa expandiendo los límites del folk-pop, demostrando que la tradición y la innovación pueden coexistir armoniosamente. Desde sus días como un colectivo universitario hasta su actual estatus como una de las bandas más emocionantes del género.
Con Oddfellows, Morningsiders reafirman su identidad, ofreciendo tanto experimentación sónica como un tributo a las raíces del folk. Su capacidad para reinventarse sin perder su esencia asegura que seguirán siendo una fuerza relevante en la escena musical durante muchos años más.
Timothy Poulton, el nómada australiano detrás de Timothy and the Apocalypse, ha logrado captar la atención del mundo musical con su distintiva mezcla de electrónica cinematográfica y trip-hop ambiental. Desde su aparición en la escena musical en 2021, su proyecto ha cautivado a los oyentes con paisajes sonoros de vastos horizontes y momentos de introspección, todo mientras se sumerge en una exploración del amor, la vulnerabilidad y, a menudo, el concepto de Armageddon.
Con tres álbumes de estudio a su nombre, incluido el innovador All Busted Up, Timothy and the Apocalypse se ha consolidado como una de las propuestas más interesantes dentro de la música electrónica de vanguardia. El álbum Future So Bright de 2021, con su mezcla de trip-hop downtempo y texturas ambientales, le permitió hacerse un lugar en las listas de reproducción editoriales de Spotify como Just Chill y Night Shift, colocándose junto a artistas de renombre como Four Tet, Bonobo, Tim Shiel y Emancipator. Este éxito le permitió ganar reconocimiento y consolidar su lugar dentro de los sonidos más introspectivos y cinematográficos del momento.
Con cada nuevo lanzamiento, Poulton refina su arte, y su más reciente sencillo, Say Something, no es la excepción, con una mezcla de melodías suaves y capas de sonidos ambientales que envuelven al oyente, la canción crea un espacio sonoro en el que las emociones pueden fluir libremente. La combinación de beats downtempo y texturas electrónicas ricas subraya la sensación de vulnerabilidad que Poulton quiere transmitir: “Escribí Say Something como una expresión de vulnerabilidad… Se trata de tender la mano, esperar ser visto y escuchado, y al mismo tiempo aceptar lo desconocido en la búsqueda del amor”, explica el artista.
El proyecto de Timothy y su enfoque nómada en la creación de música han dado como resultado un sonido característico que transita entre la calma y la intensidad, explorando los matices emocionales de la existencia humana. Say Something continúa esta tradición, pero se enfoca especialmente en lo personal, llevando al oyente a un espacio de reflexión y autoexploración. El sencillo representa una evolución de su estilo, pero también un regreso a lo esencial: la conexión emocional profunda a través de la música.
Glass Caves, el dúo de rock indie originario de York, sigue demostrando que el esfuerzo y la dedicación pueden llevarte lejos. Con un comienzo modesto pero lleno de pasión, desde sus días de buskers en las calles de su ciudad natal, hasta llegar a colocar su álbum debut en el Top 40 del Reino Unido, Glass Caves han capturado la atención de críticos y fanáticos por igual.
La historia de Glass Caves comenzó en 2014, cuando los miembros del dúo decidieron tomar el camino menos convencional para financiar su primer álbum. Durante tres meses, viajaron por todo el país, tocando en las calles y buscando el apoyo de sus seguidores. Su esfuerzo rindió frutos cuando su álbum debut alcanzó el Top 40 del Reino Unido, lo que les abrió puertas para tocar en radios de gran renombre como BBC Radio 1 y Radio X, y ganar el reconocimiento de medios como GQ y Atwood Magazine.
En enero de 2025, Glass Caves volvió a hacer ruido con su nuevo sencillo Making Waves, la canción mezcla la melancolía de su letra con una sonoridad vibrante y moderna, que caracteriza el estilo de la banda. El sencillo habla sobre el poder del apoyo incondicional y la importancia de estar al lado de esa persona especial, incluso en los momentos más difíciles. La letra refleja la conexión profunda entre dos personas que, sin importar las adversidades, se mantienen juntas y se apoyan mutuamente.
Este tema forma parte de su esperado segundo álbum, Back to Earth, que verá la luz el 2 de mayo de 2025. Con el lanzamiento de este álbum, Glass Caves promete seguir sorprendiendo con su sonido fresco y emocionante, y ofrecer a sus fans una nueva dosis de su energía inconfundible.
Amanda Cy, la cantautora sueca-británica, nacida en Londres y criada en Estocolmo, Amanda ha logrado combinar lo mejor de ambas culturas en su música, fusionando influencias del alt-rock con melodías pop pegajosas y elementos experimentales que la convierten en una de las artistas más prometedoras de la actualidad.
El año 2024 fue un periodo clave en la carrera de Amanda Cy. Con el lanzamiento de su segundo EP, Waterworks, y su gira junto a la cantante GRIFF por Europa, Amanda consolidó aún más su nombre dentro del panorama musical. Waterworks fue un testimonio de su evolución artística, mostrando un equilibrio entre la vulnerabilidad y la energía que caracteriza sus composiciones. La respuesta positiva tanto de la crítica como de los oyentes reflejó la capacidad de Amanda para conectar con sus seguidores de una manera genuina y emocional.
En enero de 2025, Amanda Cy comienza el nuevo año con fuerza al lanzar Miss U, el primer sencillo de su EP LOVEGRUNGE. La canción, que se perfila como uno de sus mayores éxitos hasta la fecha, es una reflexión sincera y emotiva sobre el amor-odio y la incapacidad de olvidar a alguien. Con letras que hablan de la ambivalencia de las relaciones complicadas, Miss U es un claro ejemplo de la habilidad de Amanda para traducir los altibajos emocionales de manera honesta y directa.
La letra refleja el vacío y el anhelo típicos de un corazón roto, pero también ofrece una pizca de esperanza y fortaleza, como se puede escuchar en la línea: “Normalmente soy bueno para seguir adelante”. Es una canción sobre el conflicto interior, sobre la tentación de volver a algo que sabemos que no nos beneficia, pero también sobre el deseo de seguir adelante, de sanar.
Musicalmente, Miss U es un derroche de energía. Fusiona el indie pop, el rock y toques electrónicos, creando una atmósfera melancólica pero revitalizante. Los coros pegajosos y los riffs de guitarra distorsionada son solo una parte de la fórmula, mientras que las texturas y capas de la producción la convierten en una experiencia auditiva rica y compleja. Este sonido innovador refleja perfectamente los sentimientos que la canción busca transmitir: la contradicción entre el deseo de seguir adelante y la atracción por lo que nos retiene.
LOVEGRUNGE promete ser el trabajo más ambicioso de Amanda Cy hasta la fecha. El concepto del EP, que fusiona la crudeza del rock con melodías pop, refleja la complejidad de las emociones humanas. “Miss U” es solo un adelanto de lo que está por venir. A través de su música, Amanda se aventura en temas como el amor, la pérdida, el arrepentimiento y la superación, todo ello con una sinceridad y una madurez que hacen de cada canción una pieza única y emocionalmente poderosa.
