Jont, nacido como Jonathan Whittington en Londres, ha recorrido un camino fascinante tanto en su vida personal como profesional. Su música, a lo largo de los años, ha sido un refugio de consuelo y apoyo para quienes buscan conexión. Lo que comenzó como una búsqueda artística, a lo largo de las décadas se ha transformado en un viaje profundo hacia el autoconocimiento y la sanación, reflejado en sus canciones, ceremonias y vivencias.
La carrera de Jont comenzó en 1997, cuando fundó UNLIT, un evento musical underground que no solo presentaba su música, sino también la de muchos artistas emergentes. Este evento, que comenzó en el 12 Bar Club de Londres, rápidamente se convirtió en una plataforma para músicos como Ed Sheeran y Newton Faulkner, y más tarde sería la inspiración para el fenómeno Sofar Sounds.
En 2012, Jont decidió mudarse a Nova Scotia, Canadá, donde la paternidad y la meditación se convirtieron en grandes maestros en su vida. En este tranquilo rincón del mundo, Jont comenzó a profundizar en su trabajo con la medicina ayahuasca, lo que le permitió fusionar su pasión por la música con su proceso de sanación espiritual.
La música de Jont ha ido evolucionando a lo largo de los años, pasando de la sencillez acústica a composiciones más orquestadas y vibrantes, pero siempre con una sensación de intimidad que caracteriza su estilo único. Con cada álbum, Jont ha explorado diferentes facetas de la vida, desde la vulnerabilidad emocional hasta la alegría expansiva. Canciones como “The Next Ramana Maharshi” capturan su viaje espiritual y su búsqueda personal, una reflexión sobre cómo lidiar con el amor profundo que lleva dentro. En esta canción, Jont no busca convertirse en un gurú famoso, sino que expresa una preocupación más humana y universal: ¿Qué hacer con todo este amor?
La canción fue escrita durante una sesión de tres días en la isla tailandesa de Koh Phangan, y sus versos reflejan un doloroso proceso de búsqueda que se transforma en revelación, inspirado por el canto de un ave. Este tipo de conexión orgánica con la naturaleza es uno de los pilares del trabajo de Jont, quien ve la música no solo como arte, sino también como una forma de sanar y compartir su propia experiencia humana.
Moscoman nacido en Israel y radicado en Berlín, este DJ, productor y músico ha cautivado al público con su capacidad para mezclar géneros aparentemente dispares y llevar la música electrónica a territorios inexplorados. Moscoman ha logrado crear una identidad propia dentro de la música de baile, manteniendo siempre una energía impredecible que lo hace destacar en cada actuación y producción.
A lo largo de su carrera, Moscoman ha demostrado su versatilidad al fusionar diferentes géneros, desde el house y el techno hasta el disco oscuro, el acid y el synth, siempre con un toque alternativo. Su capacidad para combinar influencias de la música indie y rock con la electrónica le ha permitido crear un sonido único que no encaja en ninguna etiqueta predefinida. Si bien es conocido por sus sets de club, donde la energía y la imprevisibilidad son clave, su música también tiene una calidad introspectiva que la hace apta para ser disfrutada en un ambiente más relajado.
Uno de los lanzamientos más esperados de Moscoman es su próximo álbum, Caviar, que se publicará el 6 de junio. Con este trabajo, Moscoman da un giro hacia un sonido más orgánico, alejándose de la electrónica purista para incorporar más instrumentos en vivo y elementos del indie y el shoegaze. Caviar es un reflejo de la evolución personal y artística de Moscoman, un viaje sonoro que comenzó como un concepto experimental fusionando el shoegaze y el dancefloor, pero que, con el tiempo, ha evolucionado hacia una propuesta más refinada pero igualmente visceral.
“Este álbum se siente como un road trip”, comenta Moscoman, al referirse a cómo la música captura la sensación de un viaje largo y emocional. La producción comenzó en Los Ángeles, donde el productor experimentó con sampling, sonidos grabados y, finalmente, la incorporación de guitarras, baterías en vivo y sintetizadores para darle textura y profundidad a la obra. La colaboración con artistas como COMA, SCUDFM, Tom Sanders, Justin Strauss, The Golden Dreggs y Talee también ha sido fundamental para dar forma a la visión de Moscoman, creando una mezcla de influencias que va desde el indie de los 90 hasta la música electrónica contemporánea.
The Two Romans se presentan como una bocanada de aire fresco, una banda que sabe cómo convertir los momentos difíciles en poderosas melodías que nos impulsan hacia adelante. Formada por los hermanos Mattia y Samuele Zanella, junto a una alineación de talentosos músicos, esta banda internacional, con raíces en Roma, Italia, y una fuerte conexión con Suiza y Alemania, ha logrado conquistar los escenarios europeos con su estilo único y su sonido vibrante.
La historia de The Two Romans comienza en 2015, cuando los hermanos Zanella deciden unir fuerzas para formar su primera banda. Ambos habían tenido experiencias musicales previas, pero fue en ese momento cuando comenzaron a definir su propio camino. Inspirados por grandes bandas como Gang of Youths y Nothing But Thieves, lograron crear una propuesta sonora que fusiona rock alternativo, pop rock y elementos electrónicos, creando un sonido fresco y moderno que rápidamente los posicionó en la escena musical.
El sonido de The Two Romans es una mezcla de melodías pegajosas, guitarras vibrantes y un piano lleno de energía que, junto con sus producciones electrónicas, crea una atmósfera que atrapa a los oyentes desde el primer acorde.
La canción “Like It Like This” con un ritmo contagioso y un coro que se queda en la cabeza, la banda nos invita a ver la vida como una serie de contrastes: no hay altos sin bajos. Así, nos animan a abrazar las dificultades en lugar de temerlas, recordándonos que las experiencias difíciles también son una parte vital de nuestro crecimiento personal.
A lo largo de su carrera, The Two Romans han realizado más de 150 conciertos en Europa, participando en festivales de renombre como el Montreux Jazz Festival y el Gurten Festival. Su enérgico y emocionante estilo en el escenario les ha permitido ganar una base de seguidores leales y seguir creciendo como banda.
El trío de Exeter, Soot Sprite, compuesto por Elise Cook (voz principal/guitarra), Sean Mariner (bajo/voz secundaria) y Sam Cother (batería/voz secundaria), ha evolucionado desde sus inicios como un proyecto de lo-fi bedroom pop liderado por Cook, hasta convertirse en una banda que abarca el alt-indie shoegaze con su sonido envolvente y lleno de matices.
Este 16 de mayo, Soot Sprite lanzará su esperado álbum debut, Wield Your Hope Like A Weapon, a través del sello Specialist Subject (conocido por trabajar con artistas como FRESH, Jeff Rosenstock, Doe, Muncie Girls). En este trabajo, la banda muestra una notable madurez musical, abrazando tanto los altibajos de la vida emocional como los momentos de pura energía visceral.
El primer sencillo que lanzaron, All My Friends Are Depressed, da una fuerte pista de lo que nos espera en el álbum. En esta canción, Cook se adentra en una profunda reflexión sobre la crisis de salud mental, un tema personal pero universal. “Es una observación de la crisis de salud mental en la que estamos, lo extendida que está y cómo los factores sociopolíticos juegan un papel importante. También es un recordatorio para mí misma de que tengo que dejar de distraerme de mis problemas y tratar de cambiar algo, o enfrentarlo, porque si no lo hago, nunca superaré este episodio”, dice Cook sobre la canción.
Influenciados por el alt-indie, el shoegaze y un enfoque emocional en la composición, las canciones del álbum exploran la lucha contra la apatía, la importancia de la empatía y la necesidad de esperanza en un mundo cada vez más agitado. Como explica Cook: “Es un álbum sobre abrazar la empatía por encima de la apatía, a pesar del constante flujo de horrores mundiales. Si tenemos empatía, podemos tener esperanza, y con esperanza el cambio siempre es posible”.
Love Ghost es una banda que ha sabido fusionar el rock alternativo, grunge, metal, pop-punk y trap en un sonido único y propio. Liderada por Finnegan Bell, también conocido como “Ghost”, la agrupación ha conquistado escenarios en cuatro continentes, colaborando con algunos de los artistas más innovadores de la escena musical actual.
Desde los 10 años, Finnegan Bell comenzó su aventura en la música, presentándose en pequeños eventos y tocando en acústico. Sin embargo, su ambición lo llevó rápidamente a los grandes escenarios. Durante sus años de secundaria, Love Ghost logró un hito importante al presentarse en el escenario principal del festival FFF en Ecuador. A partir de ahí, la banda comenzó a expandirse internacionalmente con giras en Irlanda, donde se presentaron en el icónico Whelan’s en Dublín, y en Japón, con una serie de 15 conciertos en ciudades como Tokio y Osaka.
Sus letras, con un enfoque oscuro, poético y emocional, abordan temas como la salud mental, el trauma y la lucha existencial, resonando con una audiencia joven que busca autenticidad en la música. En México, Love Ghost ha encontrado un hogar musical, trabajando con talentos como Adan Cruz, Santa RM, Dan García, Ritorukai, Wiplash, Blnko y Rayben, además de próximos lanzamientos con El Burger y Pau Laggies.
El nuevo álbum de Love Ghost, Memento Morí, es una experiencia sonora cruda que fusiona rock alternativo, emo trap y música urbana latina. Con este lanzamiento, la banda liderada por Finnegan Bell sigue empujando los límites del género, colaborando con algunos de los artistas emergentes más emocionantes de México.
El título Memento Morí—una expresión en latín que significa “Recuerda que morirás”—captura el tono del álbum: una introspección profunda sobre el amor, la pérdida y el sentido de la existencia. A través de una combinación de melodías melancólicas, letras introspectivas y una mezcla de voces en español e inglés, Love Ghost crea un universo musical que conecta con una generación que enfrenta sus propias batallas emocionales.
Las canciones oscilan entre himnos trap enérgicos y baladas desgarradoras con guitarras, reflejando la dualidad entre la lucha y la aceptación.
El Track x Track de Memento Morí
1. DECOY (Love Ghost x Katsu Energy)
Un tema que encapsula la lucha interna contra las ilusiones y las falsas realidades. Con una producción intensa de Berdu, “DECOY” fusiona emociones crudas con un sonido alternativo y trap. La colaboración con Katsu Energy añade un matiz hipnótico, mientras las letras exploran la sensación de ser atrapado en una mentira emocional. El sonido de Love Ghost en este albúm quizas nos recuerde a referentes anglosajones, y en esta ocasión el joven artista logra llevar muy bien al idioma español, recordandonos a referentes como Bring Me The Horizon en sus discos mas recientes.
2. Cocaine Chronicles (Love Ghost)
Una introspectiva oda a la lucha personal y la resiliencia, con un sonido que recuerda a los días dorados del rock alternativo. La producción de Comisarios envuelve la voz de Finnegan Bell en una atmósfera melancólica y poderosa, reflejando el paso del tiempo y la necesidad de dejar huella en la vida. El estilo de procesamiento vocal es interesnate, ya que le da un tamaño enorme que sigue muy presente en secciones mas melodicas o donde predomina el Rap.
3. The Monster Inside (Love Ghost x Plata Shail)
Este explosivo tema, producido por Otho, ahonda en la batalla con los demonios internos. Con un intro super delicado poco a poco evoluciona en un tema mas contemplativo sin llegar a lo pesado pero si a una energía catártica, Plata Shail aporta un contraste vocal que amplifica la angustia de la canción. Un himno para quienes luchan con sus propias sombras y buscan redención.
4. Spiritual Warfare (Love Ghost x DEER)
Tomando inspiración de temas mas electronicas y el trap, la canción con tintes oscuros y etéreos que representa la guerra interna entre la esperanza y la desesperación. Con la producción de DOBLE TEMPO, la combinación de Love Ghost y DEER genera una atmósfera inquietante y envolvente, donde guitarras distorsionadas y beats urbanos se entrelazan en una lucha emocional, las voces procesadas y con ligera distorsion y pitch vocal le dan una sensación mas asfixiante.
5. TWOSIDES (Love Ghost x Ardis)
Un tema que aborda la dualidad humana, la lucha entre la luz y la oscuridad en cada persona. Ervin River construye una producción con cambios de ritmo que reflejan la confusión y la incertidumbre emocional. La química entre Love Ghost y Ardis hace que la canción sea un reflejo de la constante batalla por la identidad, tomando principalmente sonidos de Trap la canción sabe como encajar en un disco lleno de distorsion que busca una identidad mas delicada, Ardis logra darle un aire dulce y delicado a un tema tan emocionalmente cargado.
6. IMPOSTER (Love Ghost x Young Alexx x X Kori)
Un banger de emo trap que explora el síndrome del impostor y la sensación de no pertenecer. Producida por X Kori, esta canción combina sintetizadores oscuros con una base de trap enérgica, mientras las voces de Young Alexx y Love Ghost narran la lucha contra la autopercepción distorsionada y la ansiedad.
7. SOMEWHERE UP ON MARS (Love Ghost x El Verumcito)
El cierre perfecto para el álbum, esta canción transporta al oyente a un viaje psicodélico y existencial. Producida por El Verumcito, su sonido etéreo y espacial crea la sensación de estar flotando en otra dimensión, mientras las letras exploran el deseo de escapar de la realidad y encontrar significado en el caos. En principio el sonido toma inspiración de este rock “triste” de los dos mil, para crear un tema ligero pero emocionalmente desgastante, como en todo el disco la fusion con genero como el trap terminan por darle una identidad muy solida caracteristica de Love Ghost.
Con este álbum, Love Ghost consolida su identidad artística y su conexión con una nueva audiencia global. Memento Morí no es un disco lleno de emociones profundas y una reflexión sobre la fugacidad de la vida. El sonido de Love Ghost sigue evolucionando, rompiendo barreras entre géneros y culturas. Con una creciente base de fans en México, Estados Unidos y Europa, la banda está lista para seguir su ascenso en la escena musical internacional.
Maria Mortiz con tan solo 26 años, esta cantante y compositora mexicana ha logrado destacarse por su capacidad para fusionar elementos del pop moderno con ritmos latinos tradicionales, creando un sonido que ha cautivado a su audiencia. Nacida y criada en la Ciudad de México, Maria comenzó a ser conocida en 2014 con un video viral titulado Pinches Holandeses, el cual la posicionó como una figura fresca y con una propuesta genuina dentro del panorama musical. Sin embargo, su carrera dio un giro aún más significativo en 2021, cuando firmó con el sello independiente Anchor Music Company y comenzó su relación profesional con el productor Rob Jimenez.
Su debut musical, el álbum Déjame Preguntarte, es un claro reflejo de su evolución como artista. Con un enfoque en la narrativa personal, Maria no solo se presenta como cantante, sino también como una narradora que logra transmitir sus emociones y vivencias a través de cada nota y palabra. Las canciones del álbum exploran temas universales como el amor, la pérdida y la autodescubrimiento, invitando al oyente a adentrarse en su mundo interior.
La producción de Déjame Preguntarte estuvo a cargo de Rob Jimenez, un productor mexicano-estadounidense conocido por su trabajo con artistas de renombre. Además, la colaboración con Leandro Alvarez, un productor argentino ganador de dos premios Grammy, le dio al álbum una sonoridad refinada y profesional. El disco fue grabado en los estudios La Bestia y Estudio 13 en la Ciudad de México, y fue mezclado por Rob Jimenez en Los Angeles, California, en los estudios Orangewood. La combinación de estos talentos y lugares resultó en un producto de calidad excepcional, lo que permite que la voz de Maria y sus letras resuenen de manera profunda y clara.
El Track x Track de Déjame Preguntarte
Asi
Abriendo el disco, “Asi” nos cautiva con un sonido inspirado en el sonido latino como el bolero e instrumentos de madera, la voz de Maria, toma un protagonismo sobrio e hipnotizador, mientras las claves nos transportan a una atmosfera
Bonita
El disco continua y nos va presentando como elementos recurrentes este estilo de percusion latina contrastada con la voz joven de Mortiz que le da un aire de frescura al estilo a la vez que mantiene las raices de donde se inspira la cantante Méxicana. Con una letra muy bien trabajada logra atrapar al otyente en una sensación casual a la vez que nos presenta toda una herencia de generos y sonidos de antaño, que nos podrian recordar a artistas como Natalia Lafourcade o Daniel, Me Estas Matando.
Vampiro
Si bien el titulo en primera instancia nos llama la atención por el contraste del sonido latino con el termino “Vampiro”, la cantautora nos sorprende tomando esta figura mitica y anglosajona como una metafora de un ser amado qyue le ha robado todo, combinando este sonido recurrente del disco y un vidoe sumamente atrapante, la propuesta cada vez se ve mas solida en como va pasando cada track del disco.
Te vas
Una de las canciones más destacadas del álbum es Te Vas, una pieza que fusiona el alt pop con toques de bolero moderno. Con una estructura que resalta la combinación entre el piano y la voz de Maria, la canción se distingue por su enfoque minimalista, donde la suavidad de la batería y los detalles de percusión añaden una atmósfera emotiva. Te Vas captura la urgencia y el deseo en un enamoramiento apasionado, donde el protagonista se ve impulsado a vivir el momento sin pensar en las consecuencias. La letra transmite ese anhelo de estar cerca de alguien especial, creando una experiencia auditiva que toca el corazón de quienes la escuchan.
Contracorriente
Llegando a la mitad del disco “Contracorriente” se va por un camino un poco separado de los tracks anteriores, inspirado mas en genero como el Pop y el Folk, esta balada con Ukelele nos transporta a una lucha de amor, que funciona muy bien como un ligero respiro de aire fresco en el disco.
Quiero Saber
Quiero saber nos lleva al sabor de un ritmo mas tropical, mientras la constante de historias de desamor se vulve un sello distintivo de Maria Mortiz, manteniendo elementos sonoros de tracks anteriores la pista se vuelve una pista de baile que nos llevan a sonidos de artistas contemporaneos de Maria como Valeria Jasso.
Tortuga
Tortuga va entrando en la recta final del disco, con elementos de cierta manera mas “crudos” la canción nos sumergen en una vibra tropical a ritmo lento, que se disfruta y goza, la ejecución vocal esta muy bien llevada y demuestra la sensibilidad para interpretar historias personales hasta este tipo de historias mas eclecticas.
Brujo
Despues de varios tracks del disco, brujo continua esta linea “tropical” del albúm, teniendo ritmos bailables, maderas y una voz emotiva que nos llevan a historias personales, quizas a este punto para cerrar el disco nos hubiera gustado precindir de alguno de estos tracks bailables para darle un cierre mas diferente, sin mebagro como canción funciona muy bien y hasta ahora estas dos verticales de lo tropical y bolero conforman una propuesta muy solida por parte de Maria.
Quieres Tanto
Justo lo que veniamos buscando, “Quieres Tanto” salta de la vibra tropical a un sensación mas emotiva y que nos recuerda a piezas como “Cancion Mixteca”, que nos recuerdan la mexicanidad de la artista asi mismo la inspiración de toda una epoca dorada con cantantes como COnsuelito Vasquez.
Sirena y el Pescador
Cerrando el disco Maria nos presenta Sirena y el Pescador, retomando el bolero y elementos como las cuertas de nailon la canción nos cuenta una historia inspirada en estas dos figuras, un amor casi imposible con un ritmo bailable y emotivo.
Maria Mortiz ha logrado construir una identidad musical muy auténtica y propia. Cada canción que lanza es un reflejo de su alma, a través de su talento como compositora, ha logrado construir un repertorio que no solo atrae a quienes buscan música fresca y moderna, sino también a aquellos que disfrutan de una rica tradición musical latina.
El futuro de Maria Mortiz en la música latina parece ser prometedor. Con su habilidad para mezclar lo moderno y lo tradicional, así como su capacidad para crear melodías memorables y letras introspectivas, es probable que siga ganando terreno en la escena internacional. Si algo queda claro, es que Maria Mortiz es una de las artistas más destacadas de la nueva generación de música latina, y su lugar en la industria solo está comenzando.
Big Society es una banda con un sonido que mezcla la energía del rock, la experimentación sonora y la emoción cruda de sus letras. En su último sencillo, Foolish, Big Society nos muestra una faceta más introspectiva y vulnerable.
La historia de Big Society comenzó en el Royal Northern College of Music, donde Thomas Fripp (guitarrista), Harry Gumery (bajista) y Will Jaquet (baterista) se conocieron y formaron la banda. Al principio, sus sesiones se centraban en cubrir canciones de The Beatles y The Killers, pero pronto Will introdujo su propia composición, lo que dio paso a la creación de un sonido único que ha capturado la atención de una creciente base de seguidores.
La banda ha sido comparada con artistas como MGMT, War On Drugs y Alabama Shakes, pero su estilo tiene una frescura que los hace destacar. Con riffs sedosos y llenos de distorsión que se mezclan con momentos más suaves y melódicos, Big Society ha creado un equilibrio perfecto entre lo crudo y lo delicado. Su música es una montaña rusa emocional, pasando de la explosión de energía a momentos de introspección profunda, todo dentro de un mismo tema.
Foolish, el segundo sencillo de su esperado álbum debut, es un tema que refleja una lucha interna: la evasión, la negación y el enfrentamiento con la realidad en las relaciones. La canción, como describe su compositor Will Jaquet, es una reflexión sobre la dificultad de asumir responsabilidades y el deseo de encontrar apoyo en momentos de caos emocional.
La melodía se construye gradualmente, desde un inicio suave y particular hasta una explosión de energía que invita a moverse, a bailar y a empezar el día con una actitud positiva. Foolish fue grabada en su estudio improvisado en un contenedor de carga en Ancoats, Manchester, donde se han dedicado a crear música auténtica y sin restricciones. La producción se ve complementada por el trabajo de Matt Wiggins, conocido por su trabajo con artistas como Villagers, Lorde y Florence and the Machine, quien mezcló todas las canciones del álbum.
La banda también ha tenido el honor de compartir escenario con íconos de la música como Bob Dylan y Neil Young en un concierto en Hyde Park, lo que demuestra que Big Society no solo es una promesa, sino una realidad que está haciendo su marca en la música.
Tora Luna es mucho más que una banda: es un colectivo compuesto por compositores, artistas, intérpretes y arreglistas, que se han unido para explorar nuevos horizontes dentro de la música indie. Nacido en el corazón de la campiña de Wiltshire, este colectivo ha logrado atraer la atención por su estilo único, que fusiona elementos del soul clásico con la energía cruda del indie contemporáneo. Con miembros clave como Alex Broadgate, Dominic Johnson, Joshua Kime y Ellie Parker, Tora Luna se distingue por su enfoque colaborativo, permitiendo que cada músico aporte su propio sello en cada proyecto.
El segundo sencillo de Tora Luna, Why Wouldn’t You Say So?, lanzado el 14 de febrero de 2025, es un claro reflejo de su enfoque innovador. Esta canción marca una nueva etapa en su carrera, mostrando una evolución en su sonido y explorando dinámicas emocionales profundas a través de la música. En ella, el dúo principal formado por Broadgate y Johnson se une a la talentosa vocalista invitada Deslynn Smith para dar vida a una pieza cargada de tensión emocional y arreglos musicales cuidadosamente elaborados.
El tema se caracteriza por un intercambio vocal entre Smith y Johnson, que representa la lucha interna de las relaciones no expresadas. Con una clara influencia de las armonías soul de Motown, pero sin perder la frescura y modernidad del indie, Why Wouldn’t You Say So? captura el momento exacto de esa frustración que surge cuando las palabras no se dicen, pero el sentimiento está presente. La canción se grabó en un estudio convertido en granero en la campiña, lo que aportó un toque íntimo y auténtico al proceso de grabación, destacando la atmósfera natural y la interacción en vivo entre los músicos.
El proceso de grabación, además, se aleja de las técnicas convencionales. En lugar de utilizar un “click-track” para seguir el ritmo, el grupo optó por grabar de manera más orgánica, lo que permitió que la canción tuviera una fluidez y una sensación más natural. Como explica Ellie Parker, “jugar sin un click-track hizo que el ambiente fuera mucho más relajado y, al final, el tema adquirió un tono más conversacional.”
La canción también cuenta con la participación de músicos invitados como Chloë Meade, cuyo violín aporta una melodía melancólica que se entrelaza con la vocalización poderosa de Smith y Johnson, además del saxofón de Edward Cross y la batería intuitiva de Gus White. Este enfoque multidimensional crea una rica capa sonora que transporta al oyente a una experiencia emocional completa.
En el universo de la música alternativa, Infinite Error es un proyecto enigmático que con el lanzamiento de su nuevo álbum, Plagued by Meaning continúa explorando los límites entre lo real y lo abstracto, entregando una experiencia inmersiva y perturbadora.
Si bien el sonido de Infinite Error podría situarse dentro del rock alternativo y la electrónica experimental, su verdadera esencia radica en su capacidad de trascender etiquetas. Con reminiscencias de bandas como Radiohead, Nine Inch Nails y la obra más cinematográfica de compositores como Jonny Greenwood, el álbum se convierte en una experiencia auditiva que desafía los convencionalismos del género.
Plagued By Meaning
El álbum se construye sobre la reputación de Infinite Error de generar paisajes sonoros que oscilan entre la belleza etérea y la incomodidad visceral. A través de una combinación de elementos orquestales, guitarras atmosféricas y texturas industriales, Plagued by Meaning lleva al oyente a una travesía emocional única. Canciones como “In Lust” y “King Eater” destacan por sus cambios dinámicos y una tensión latente que mantiene en vilo a quien escucha.
Sin biografía ni referencias visuales, el proyecto invita a su público a sumergirse en un diálogo subjetivo con la música, donde cada interpretación es válida y única. Esta aproximación genera una conexión profunda a quienes encuentran en Infinite Error un refugio de introspección y exploración.
El Track x Track de Plagued By Meaning
Plagued by Meaning – La canción que da nombre al álbum establece el tono con una mezcla de cuerdas sombrías y sintetizadores inquietantes. La atmósfera oscila entre lo melancólico y lo apocalíptico, creando un telón de fondo sonoro cargado de tensión y emoción. Una pista completamente instrumental que funciona como una apartura hacia un disco cargado de emociones que oscila entre los sombrio y macabro.
In Lust – Comienza con una percusión hipnótica y capas de sonidos industriales, que nos llevan de lo monumental a a un espacio etéreo donde las voces fantasmales emergen para guiar una narrativa de deseo y pérdida, con texturas metalizadas que pasan por lo industrial y el noise. La canción poco a poco utiliza elementos que le van dando una estructura cada mas grande y que nos logra meter a este mundo creado por Infinite Error lleno de terror y angustia.
King Eater – Despues de un a una canción llena de cuerdas dignas de una pelicula de terror, el tercer track del disco opta por sumergirnos en unos ritmos hipnoticos de guitarras y percusiones, una de las canciones más dinámicas del álbum. Su estructura va en constante evolución mientras mantiene una sensación de anticipación, misterio y energia.
Birds Calling It Quits – Con un tono más contemplativo, esta pieza fusiona el folk con arreglos orquestales. Con un piano como isntrumento base para la canción, el titulo refleja esa sutileza de la canción para poder sumergirnos en un mundo donde poco a poco los destellos de luz se van acercando en este mundo lleno de sombras y terror. La canción es un respiro dentro del álbum, ofreciendo un momento de calma antes de volver a la intensidad.
Belatedness- La siguiente canción nos regresa a ritmos mas dinamicos, con una inquietante guitarra que marca la pauta para una sensación energica pero que se ve calamada por las voces fantasmagoricas antes de llegar a explotar en un coro lleno de texturas y riffs inquietantes.
Puerile – Llegando al sexto track del disco “Puerile” nos sorprende con una nueva faseta del albúm, tomando elementos recurrentes como cuerdas inquietantes y riffs perturbadores, logran combinarlo de una manera muy organica con un ritmo mas dance que funciona increiblemente bien, una composición inquietante que juega con la disonancia y ritmos mecánicos. La sensación de paranoia y urgencia se refuerza con letras evocadoras y capas de sintetizadores angustiantes.
Derealizing – Explorando la fragmentación de la identidad y la percepción de la realidad. Con una instrumentación minimalista y un clímax envolvente, esta canción va preparando el cierre del disco.
Little Evils – Adentrandonos en el track, el uso de los riffs como ostinanto para generar tensión asi como el uso de sintetizadores y arpas le dan una energia y suspenso increible a “Little Evils” que va creciendo y surmergiendonos en una especie de dance sombrio y cautivador.
Causing You Worry – Como cierre del albúm, el track final del disco es una pieza ligera que fusiona la tranquilidad de un piano con una overtura llena de sonidos etereos, cuerdas, noise y ritmica perturbante, finalmente el disco cierra una ventana que nos lleva al inquietante mundo de Infinite Error.
Plagued by Meaning es una invitación a perderse en la vastedad de su sonido, a desafiar las convenciones del género y explorar las profundidades emocionales que Infinite Error ha logrado construir. Con diferentes referencias sonoras, desde generos como la poliritmia y viajes etereos hasta quizas referencias mas masivas como el sonido de propio de Thom Yorke en Radiohead.
Salt Ashes, nombre artístico de Veiga Sanchez, es una cantante y compositora británica que irrumpió en la escena musical con su característico estilo oscuro de synth-pop, fusionando sonidos electrónicos con ritmos de club. Desde su debut, ha capturado la atención de la crítica y el público con su atmósfera única y su capacidad para combinar la nostalgia de la música disco con la profundidad emocional de la música contemporánea.
En 2014, Salt Ashes lanzó sus primeros sencillos, “Somebody” y “If You Let Me Go”, que rápidamente se posicionaron entre los cinco primeros lugares en las listas de Dance de Billboard y Music Week, consolidando su lugar en el panorama musical. Estos éxitos fueron el preludio de una carrera llena de reconocimientos, como el premio MTVU Freshmen y MTV IGGY’s Artist of the Week. Con un sonido que fusiona las influencias de Giorgio Moroder y el pop electrónico de la era moderna, Salt Ashes comenzó a hacerse notar por su capacidad para crear un ambiente oscuro y emotivo en sus canciones.
Uno de los momentos más significativos de su carrera llegó con el lanzamiento de “10 + 2”, un sencillo profundamente personal en el que Salt Ashes deja atrás las atmósferas electrónicas y pulsantes que la caracterizan para abrazar un sonido más íntimo y minimalista. En esta canción, con sólo una guitarra acústica, cuerdas y su voz cargada de emoción, rinde un homenaje a su padre fallecido, abriendo una nueva dimensión en su música. La canción, cálida y cargada de sentimiento, invita a los oyentes a sumergirse en un espacio de introspección y conexión emocional, ofreciendo también un refugio para aquellos que han experimentado pérdidas similares.
El cambio de dirección musical con “10 + 2” marca una evolución en la carrera de Salt Ashes, mostrando una faceta más vulnerable y humana de la artista. Al alejarse del sonido electrónico pesado, la canción se convierte en un testimonio de su capacidad para transformar el dolor personal en arte, permitiendo que sus seguidores se conecten de manera más profunda con ella. Esta pieza no solo revela la madurez de su carrera, sino también la habilidad de Salt Ashes para seguir explorando nuevos territorios sonoros sin perder su esencia.
Salt Ashes sigue demostrando que la música es una forma poderosa de expresar tanto la luz como la oscuridad que todos llevamos dentro. A medida que continúa explorando nuevos territorios emocionales y musicales, no cabe duda de que su viaje artístico apenas comienza, invitándonos a seguir su evolución y a conectar con sus canciones más allá de las pistas de baile.
