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Astrid Yan: Sanar Cantando desde la Herida más Profunda

Astrid Yan: Sanar Cantando desde la Herida más Profunda

Desde Pichucalco, Chiapas, emerge una voz nueva en el pop en español que no solo canta, sino que sana: Astrid Yan. Con su EP debut Quiero Gritar, esta cantautora nos abre el corazón y nos invita a mirar de frente nuestras heridas más profundas, esas que muchas veces preferimos callar. En su caso, el origen de todo fue una ruptura muy particular: la de su relación con su padre.

“Mis amigos me dicen As, y la primera persona que me rompió el corazón fue mi papá”, confiesa sin rodeos. Y es desde ahí, desde esa honestidad brutal, que nace su música.

El primer track del EP, titulado “Galaxia”, es también la primera canción que escribió en su vida. Tenía 14 años, un teclado Casio viejo, una guitarra y un mundo emocional que se acababa de derrumbar. Durante más de una década, esa canción permaneció incompleta, como una cicatriz abierta. No fue hasta 16 años después que Astrid decidió cerrarla simbólicamente con un outro, dándole un nuevo cuerpo sonoro y una nueva vida. Así, “Galaxia” se transforma en un tema de synth-pop y alt-pop, influenciado por artistas como Moenia, M83 y CHVRCHES, con sintetizadores envolventes y guitarras eléctricas que evocan la inmensidad del universo… y la soledad que a veces habita en él.



Para su promoción, Astrid apostó por visuales animados en 2D que representan a su versión adolescente: una niña que soñaba con huir a otra galaxia para escapar del dolor. Quiero Gritar es una bitácora emocional. A través de sus canciones, Astrid nos lleva por los caminos de la tristeza, el apego, el perdón y la esperanza. En temas como “Sin Temor”, habla de darle una segunda oportunidad al amor, esta vez desde una versión más consciente y vulnerable de sí misma.

“Este EP es el inicio de todo”, explica. “Antes de contar las historias de mis relaciones fallidas en el álbum que viene, necesitaba sacar esto. Porque Quiero Gritar es el grito que nunca lancé cuando era niña.”

Astrid Yan comenzó su relación con la música en la adolescencia, cantando y componiendo dentro del grupo de alabanza de su iglesia cristiana en Chiapas. Allí tocaba el teclado, cantaba y empezaba a ponerle nombre a lo que sentía. Sus influencias combinan lo íntimo y lo épico: desde Shania Twain hasta The Killers, pasando por el pop alternativo que hoy le da identidad a su sonido.


Mokita: La Luz en la Oscuridad de ‘Fortunately’

Mokita: La Luz en la Oscuridad de ‘Fortunately’

Mokita, el proyecto musical de John-Luke Carter, conocido por sus canciones introspectivas y cargadas de emoción a través de letras profundas que exploran la vulnerabilidad, la soledad y, más recientemente, la importancia del apoyo mutuo en tiempos de dificultad.

Su último sencillo, “Fortunately”, marca un giro significativo en la carrera de Mokita, alejándose de la angustia de la incertidumbre para centrarse en la fortaleza que se puede encontrar en los demás. Es un tema sobre tener a alguien en tu vida que siempre está dispuesto a brindarte apoyo, alguien en quien puedes confiar cuando las dificultades de la vida se vuelven más intensas.

La creación de “Fortunately” fue un proceso espontáneo y emocional. Escribiendo junto a Trent Dabbs y Jeremy Lutito, Mokita y su equipo comenzaron con una melodía de coro que Dabbs había traído, y a partir de ahí construyeron el resto de la canción. La grabación del tema fue realizada en un solo día, y con el paso de las horas, la canción fue tomando forma, con la adición de un toque especial de cuerdas que la hizo aún más emocionalmente rica.



“Fortunately” comienza con un piano suave y se ve acompañada por percusiones y cuerdas que aportan una capa emocional adicional. La armonía y la instrumentalización de la canción crean una atmósfera envolvente que refleja el mensaje central del tema: aunque la vida puede ser incierta y desafiante, siempre hay una luz en la oscuridad, y a menudo esa luz es una persona dispuesta a caminar junto a nosotros.

Con este sencillo, Mokita presenta un cambio en su sonido, asi como también ofrece una mirada más optimista a través de su música. Mientras que sus trabajos anteriores a menudo se centraban en la introspección y la lucha interna, “Fortunately” se erige como un homenaje a las personas que, sin pedir nada a cambio, nos acompañan y nos dan fuerzas cuando más lo necesitamos.

Este sencillo forma parte de lo que será el primer álbum de Mokita, el cual promete seguir explorando temas emocionales y personales, con un enfoque renovado y esperanzador. “Fortunately” es solo el comienzo de lo que parece ser una nueva etapa en la carrera del artista, una etapa que combina su energía creativa con una conexión emocional más profunda con su audiencia.


Diving For A Prize: El Debut Soñado de Sea Lemon

Diving For A Prize: El Debut Soñado de Sea Lemon

Natalie Lew, conocida artísticamente como Sea Lemon, es una cantante y compositora de Seattle cuyo sonido evoca un mundo de ensueño, melancolía y misterio. Su música, que ha sido comparada con la suavidad del shoegaze y la estructura pop, fusiona la belleza de paisajes naturales con una atmósfera introspectiva. Su proyecto Sea Lemon es un reflejo de su visión única del mundo, inspirada por su vida en el Pacífico Noroeste, y un ejemplo perfecto de cómo lo cotidiano puede transformarse en una experiencia musical.

Sea Lemon comenzó como un proyecto en solitario de Lew, quien creció en Seattle, rodeada por los paisajes naturales de la región. Desde su infancia, Lew estuvo fascinada por la vida marina y los paisajes impresionantes de la costa del Pacífico, lo que influiría profundamente en su música. Aunque su formación musical comenzó con el piano, fue en su tiempo en la Universidad de Washington cuando Lew empezó a experimentar más con la música, aprendiendo a tocar la guitarra y a grabar por su cuenta. Después de una temporada en Nueva York, regresó a la costa oeste en 2020, un período de aislamiento que le permitió descubrir su voz y desarrollar su estilo en solitario.

Su primer EP, Close Up (2020), marcó el comienzo de su carrera como artista solista, pero fue su segundo EP, Stop At Nothing (2021), el que consolidó su sonido. La combinación de guitarras suaves, ritmos etéreos y letras melancólicas atrajo rápidamente la atención de los oyentes que buscaban algo nuevo en el mundo del indie y el dream pop.



En 2025, Sea Lemon dará un paso más en su carrera con el lanzamiento de su primer álbum de larga duración, Diving For A Prize. Este álbum, que se lanzará el 13 de junio, está lleno de canciones que exploran temas como la nostalgia, la introspección y la percepción de lo mundano a través de un lente fantástica. Diving For A Prize fue creado en colaboración con Andy Park (Death Cab For Cutie, Deftones), quien ayudó a darle forma al sonido característico de Sea Lemon, fusionando la suavidad de las melodías con texturas sonoras más densas.

El primer sencillo del álbum, Stay, es una pieza introspectiva que capta perfectamente la esencia del sonido de Sea Lemon. La canción fue escrita después de que Lew se encontrara con un hombre mayor actuando como guardia de seguridad en una tienda de segunda mano, durmiendo en el sofá mientras trabajaba. Esta imagen inspiró a Lew a escribir Stay, una canción que habla sobre la importancia de tomarse un descanso, de saber cuándo relajarse y desconectarse del ritmo frenético de la vida cotidiana. La canción se caracteriza por sus guitarras difusas, su suave percusión y la delicadeza de la voz de Lew, todo ello envuelto en una atmósfera de ensueño y nostalgia.

Las influencias del shoegaze y el dream pop son evidentes, pero su música también se distingue por la claridad de sus estructuras pop, lo que hace que sus canciones sean fácilmente accesibles a pesar de su atmósfera etérea. Los arreglos musicales en sus canciones a menudo se disuelven en texturas suaves, creando un paisaje sonoro envolvente que invita a la reflexión.


Hybrid Collapse: La Revolución Sonora en la Era Digital

Hybrid Collapse: La Revolución Sonora en la Era Digital

En un mundo donde la tecnología y la identidad se entrelazan, surge un proyecto que redefine los límites del arte en la era digital: Hybrid Collapse. Este proyecto de música experimental, completamente impulsado por inteligencia artificial, fusiona géneros como el glitch, IDM, industrial oscuro y pop alternativo, creando una experiencia que nos hace reflexionar sobre el poder, el control y la evolución digital.

El álbum debut de Hybrid Collapse, titulado Biopolitics, es una obra conceptual. A través de cada pista, el proyecto explora distintas facetas de las estructuras biopolíticas contemporáneas. Desde la intervención estatal en la sexualidad hasta el capital en la nube y la digitalización de la identidad antes de la muerte, Biopolitics indaga en cómo la tecnología influye y moldea las vidas humanas, a menudo de maneras invisibles pero profundamente impactantes.



El álbum se sumerge en sonidos que fluctúan entre lo abstracto y lo provocador, con una mezcla de texturas electrónicas que no solo despiertan una respuesta emocional, sino también intelectual. La producción meticulosa de Hybrid Collapse, junto con su capacidad para crear ambientes sonoros oscuros y fascinantes, transforma la música en una forma de arte que es tanto auditiva como filosófica.

Una de las características más sorprendentes de Hybrid Collapse es el uso de la inteligencia artificial en todas las etapas del proceso creativo. Desde el diseño del sonido hasta las visuales generadas para acompañar el proyecto, la IA no solo es una herramienta técnica, sino que se convierte en un co-creador dentro de esta obra. La idea de un proceso creativo posthumano, nativo de la era digital, es el núcleo de Hybrid Collapse, lo que da lugar a una estética digital decadente y cibernética que forma la base visual y conceptual de la música.

En lugar de ver la IA como una amenaza o una mera herramienta, Hybrid Collapse la presenta como una extensión natural del proceso creativo en un mundo cada vez más tecnológico. El proyecto se extiende más allá de lo auditivo a través de videos musicales en 4K generados por IA que exploran las mismas temáticas filosóficas y conceptuales del álbum. Estos videos no son solo acompañamientos visuales, sino que son narrativas completas por derecho propio, ampliando la discusión sobre la condición humana digitalizada con imágenes perturbadoras y visuales surrealistas.


MKSTN: Navegando Entre Sonidos y Estrellas

MKSTN: Navegando Entre Sonidos y Estrellas

MKSTN, un productor y músico originario de Toronto, que fusiona chillwave, dream pop, lofi house y elementos electrónicos. Desde sus inicios como bailarín profesional especializado en street dance hasta su transición hacia la producción musical, MKSTN ha sabido combinar su pasión por el movimiento y el sonido en una propuesta artística que invita a la introspección.

Con una fascinación por el espacio, el tiempo y la existencia, MKSTN construye su música como un puente entre la tecnología y las emociones humanas, explorando temas de amor, dualidad y la relación con el tiempo. Su debut, Desires (2022), recibió el respaldo de la influyente etiqueta berlinés Majestic Casual, lo que le permitió ganar visibilidad y compartir su sonido con un público más amplio. Sin embargo, fue su evolución en el siguiente álbum, CONTENT, la que le permitió refinar aún más su estilo y colaborar con artistas emergentes como Chino De Villa y Braden Sauder.



Uno de los sencillos más destacados de este proyecto es “Omni Eyes”, que da un vistazo a la mezcla de géneros que caracteriza a MKSTN. Con melodías envolventes y la presencia de la icónica Omni Chord, la canción juega con la idea de una mirada que no solo es un acto físico, sino un portal hacia el alma de quien la ofrece. La producción, que se desliza entre el dream pop y el trip-hop, captura una sensación de anhelo y reflexión, mientras las voces se entrelazan con la instrumentación para crear un ambiente de ensueño.

MKSTN crea una atmósfera que se siente tanto íntima como expansiva. En sus temas, la tecnología y las emociones no se perciben como elementos separados, sino como fuerzas que coexisten y se complementan, llevando al oyente a un viaje sonoro que explora las complejidades de la conexión humana, la vulnerabilidad y la introspección.


Bino Bames: El Joven Artista que Transforma el Caos en Arte

Bino Bames: El Joven Artista que Transforma el Caos en Arte

A sus 19 años, Bino Bames se ha convertido en uno de los artistas más intrigantes de la escena musical emergente. Con su reciente lanzamiento “Cocktail Princess”, el joven nacido en Las Vegas marca su entrada al mundo de la música, con atmósferas intensas y personales.

Criado en el neón y las sombras de Las Vegas, Bino Bames creció en un entorno marcado por el contraste: el glamour de los casinos de miles de millones de dólares rodeados de pobreza y adicción. Esa dualidad es la que define su identidad artística. “Si pude sobrevivir a Las Vegas, puedo sobrevivir a cualquier cosa”, dice el propio Bino. A los 15 años decidió abandonar su ciudad natal para comenzar una vida nómada que lo llevó desde Nueva York hasta Los Ángeles y Portland, antes de asentarse en Londres. En cada ciudad, el joven artista absorbió las vibraciones de las escenas underground que serían cruciales para la formación de su sonido único.



Cocktail Princess“, el sencillo debut de Bino, es un reflejo de su vida y de sus influencias. Con una guitarra etérea, ritmos hipnóticos y una voz que transita entre la suavidad y la dureza, la canción captura el dilema de un amor que no puede ser. La letra oscila entre el deseo y la desilusión, mientras Bino nos arrastra hacia su mundo personal de sentimientos agridulces.

La inspiración de Bino proviene de figuras como Elliott Smith, Daniel Johnston y Radiohead, pero también de su propio entorno de Las Vegas, donde los momentos de deslumbrante glamour se ven empañados por la realidad de la oscuridad y el vacío emocional. “Cocktail Princess” es una canción que invita a reflexionar sobre el amor moderno, ese que se vive entre la ansiedad y la fugacidad, atrapado en un paisaje de neón y excesos.

Cocktail Princess” es solo un adelanto de lo que está por venir. Bino ya está trabajando en su debut EP titulado “Gathers No Moss“, un trabajo que promete ser una verdadera explosión de emociones crudas y sonidos experimentales. Producido junto a Darryl Reid (Lil Peep, Charli XCX) y los Invisible Men, el EP refleja las luchas internas de Bino, entrelazadas con su talento para mezclar el folk, el rock alternativo y la música electrónica de vanguardia.


“Starcrossed”: El Retorno Emotivo de Kings Elliot al Corazón del Alt-Pop

“Starcrossed”: El Retorno Emotivo de Kings Elliot al Corazón del Alt-Pop

Kings Elliot nacida en Suiza y radicada en Londres, su música refleja la amalgama de su vida multicultural, sus experiencias personales y su profundo amor por la música. Con una voz que va desde lo suave y etéreo hasta lo crudo y desgarrador, Kings Elliot toca temas como el amor, la pérdida y la introspección.

Su último sencillo, Starcrossed, lanzado en marzo de 2025, fusiona lo moderno con lo retro, la canción, una balada teatral cargada de emoción, cuenta la historia de un amor que nunca tuvo futuro, una relación destinada al fracaso desde el principio.



Desde su primer lanzamiento, I’m Getting Tired of Me en 2020, Kings Elliot ha cautivado con su habilidad para explorar la vulnerabilidad humana. Luchadora contra la ansiedad y el trastorno de personalidad límite, su música se ha convertido en una forma de catarsis para enfrentar sus propios miedos y sentimientos más oscuros.

En Starcrossed, por ejemplo, captura la tristeza y la inevitabilidad de una despedida, pero también la belleza agridulce de ese amor que, aunque destinado a fracasar, deja una marca imborrable en quien lo vive, la influencia del pop de los años 50 es evidente, pero no se queda ahí. La canción es un perfecto ejemplo de cómo la artista toma los ecos del pasado para crear algo nuevo y fresco.

Si aún no has escuchado su música, no hay mejor momento para hacerlo. Desde I’m Getting Tired of Me hasta el reciente Starcrossed, Kings Elliot ha demostrado que es una artista con una propuesta única y con un futuro brillante por delante. ¡No te pierdas la oportunidad de conocerla y seguir su evolución!


‘Smoke & Mirrors’: El Nuevo Himno de Empoderamiento de Rosie Darling

‘Smoke & Mirrors’: El Nuevo Himno de Empoderamiento de Rosie Darling

Rosie Darling, cantautora originaria de Boston y actualmente radicada en Los Ángeles, a lo largo de los años, Rosie ha ido consolidando su lugar en la escena musical, con un enfoque que combina vulnerabilidad, fuerza y honestidad. Su música, influenciada por artistas como Taylor Swift, Lizzy McAlpine y Gracie Abrams, habla directamente a quienes han experimentado la búsqueda constante de la aprobación de los demás, el desamor y la lucha interna por sentirse suficientes.

“Smoke & Mirrors”, se destaca por ser una pieza delicada, en la que Rosie aborda el dolor de no ser vista por alguien importante, a pesar de todo el esfuerzo puesto en hacerle saber su valía. El tema refleja la lucha interna de quienes buscan la aceptación de alguien que, a pesar de los esfuerzos, no logra ver el verdadero potencial de la otra persona. A través de su voz clara y melancólica, la canción transmite un mensaje de empoderamiento personal, recordando a los oyentes que la validación externa nunca debe ser la medida de su autoestima.



“‘Smoke & Mirrors’ es la canción que me ayudó a procesar esa experiencia a mi manera. Me mostró que buscar la aprobación de alguien solo te hace sentir más pequeña”, explica Rosie sobre el significado detrás del tema.

El sonido de “Smoke & Mirrors” destaca por su producción minimalista y arreglos suaves, que permiten que la voz de Rosie se luzca y emocione. Con una estructura simple de versos y coros, la canción se convierte en un himno de introspección, mientras las letras son profundamente reflejadas en cada acorde y cambio de ritmo.

Su álbum debut Lanterns (2023) y su próximo EP, Roomful of People, que se lanzará el 25 de abril, prometen seguir explorando temas de crecimiento personal, resiliencia emocional y el poder de la autoaceptación.


Last One Standing: “Christabel” Nos Enseña a No Rendirse

Last One Standing: “Christabel” Nos Enseña a No Rendirse

Desde las vibrantes calles de Tāmaki Makaurau (Auckland, Nueva Zelanda) hasta los escenarios internacionales, Christabel emerge como una de las voces interesantes de la nueva generación de artistas alt-pop. Con una voz que se balancea entre lo angelical y lo desgarrador, esta cantante, compositora y artista neurodiversa está capturando corazones con canciones que no temen mostrar la verdad.

Después del primer confinamiento por COVID-19, fue seleccionada para participar en el programa de telerrealidad musical Popstars Nueva Zelanda. Luego de meses de desafíos intensos, procesos de eliminación y presentaciones exigentes, Christabel fue coronada ganadora en junio de 2021, elegida por un jurado de renombre compuesto por Kimbra, Vince Harder y Nathan King.



Su más reciente sencillo, “Last One Standing”, es un testimonio de amor, lealtad y resiliencia. Inspirado en la experiencia real de acompañar a un amigo durante su lucha contra la adicción, la canción habla desde un lugar de dolor y esperanza. Con una instrumentación íntima y una interpretación vocal desgarradora, Christabel logra capturar la complejidad emocional de permanecer al lado de alguien incluso cuando todo parece perdido.

Versos como “I knew there was something left in you” resuenan como un mantra de fe, evidenciando la conexión profunda entre dos almas en medio del caos. No es solo una canción, es una confesión sincera, una carta de amor y una promesa de no rendirse.

En 2025, Christabel lanzará su álbum debut “INTUITION”, un trabajo introspectivo que recopila los momentos en los que escuchó, dudó o ignoró su intuición. Este disco promete ser una exploración cruda y vulnerable del amor, la pérdida, la autocompasión y la fortaleza interna. Entre baladas emocionales y himnos pop, Christabel construye una narrativa honesta que refleja su viaje como artista y como ser humano.


“Pencils”: Una Fusión Perfecta de Indie Pop y Dream Pop

“Pencils”: Una Fusión Perfecta de Indie Pop y Dream Pop

La unión entre Madge y Sea Glass con su nuevo sencillo “Pencils” nos sumerge en una atmósfera de emotividad y melancolía, envolviendo al oyente en una experiencia sonora que trasciende géneros. La historia de “Pencils” tiene sus raíces en el proceso creativo de Jake Muskat, el productor detrás de Sea Glass. Según él, el track comenzó como una idea en forma de demo instrumental justo después de completar su primer álbum. A pesar de que estuvo en busca de un vocalista para darle vida a la pista, el destino le jugó una buena pasada. Durante su paso por el festival SXSW en 2023, Muskat intentó encontrar la voz perfecta para el tema, pero no fue hasta un año después que, a través de un amigo en común, se cruzó con Madge.



Fue amor a primera escucha. Madge, conocida por su estilo único en el mundo del hyperpop, encontró inmediatamente una conexión con el demo y aceptó colaborar. En cuestión de una hora y media, “Pencils” pasó de ser un fragmento instrumental a una pieza completa y fascinante. Madge, con su habilidad para crear melodías contagiosas, aportó la chispa final que transformó la canción en lo que es hoy.

“Pencils” se caracteriza por un sonido suave y etéreo que se mueve entre el Indie Pop y el Dream Pop, dos géneros que se abrazan en una atmósfera introspectiva y envolvente. La producción de Sea Glass es delicada y precisa, con guitarras limpias y sintes que crean un ambiente flotante, mientras que la voz de Madge se despliega en todo su esplendor. Sus melodías, a la vez suaves y penetrantes, añaden una capa emocional que conecta de inmediato con el oyente.

La letra de “Pencils” refleja el dilema emocional de querer algo real en una relación, pero sin saber cómo expresarlo, ni si se debe profundizar más. La canción captura con maestría la fragilidad de esos sentimientos ambiguos, en los que el deseo no correspondido y la confusión juegan un papel central. El enfoque lírico parece más un monólogo interno, una especie de “vomito emocional” que refleja la lucha por encontrar claridad en medio del caos emocional.