Alien Ant Farm, la icónica banda californiana conocida por su mezcla de nu-metal, post-grunge y punk-pop, se une al proyecto Judge & Jury para lanzar “Bad Attitude”, un tema que no deja espacio para la calma. La canción, cargada de energía y actitud, presentandose como un verdadero impulso de adrenalina: riffs potentes, percusiones rápidas y una voz que canaliza la rebeldía de principio a fin.
“Bad Attitude” es un track punk para quienes necesitan un empujón de energía, una especie de reemplazo natural a la cafeína, ideal para entrenamientos, carreras o cualquier actividad que exija resistencia física y determinación. La colaboración entre Alien Ant Farm y Judge & Jury combina la experiencia y el estilo de la veterana banda con un enfoque fresco, manteniendo la esencia del punk rock clásico mientras ofrece un sonido moderno y vibrante.
Con este lanzamiento, ambas bandas demuestran que la música sigue siendo un motor para moverse, liberarse y disfrutar del poder del rock.
Jeremy & The Harlequins llegan con un guiño travieso a la temporada navideña con su nuevo single Behave, lanzado el 19 de diciembre de 2025. La canción combina la energía del rock clásico estadounidense con un espíritu moderno y juguetón, evocando la nostalgia de la época dorada del pop de salón y el rock de los años sesenta, al mismo tiempo que inyecta un toque punk y actitud irreverente.
Con la versatilidad vocal de Jeremy Fury al frente, Behave mezcla guitarras ágiles, baterías contundentes y un instrumento de cuerdas que aporta matices de ritmo country, creando una propuesta dinámica y festiva. Las letras, cargadas de humor y crítica social sutil, juegan con la metáfora de la “lista de mal portados” de Santa Claus, recordando que la travesura y la rebeldía no son exclusivas de los niños.
Producida por Mike Abiuso en Brooklyn, la canción mantiene una línea clásica de rock ‘n’ roll mientras incorpora arreglos modernos que realzan cada detalle sin perder la frescura ni el dinamismo. Behave se convierte así en un himno de buen humor y diversión para toda la familia, ideal para quienes buscan una alternativa diferente a las canciones navideñas tradicionales.
Valira, el proyecto de Juan Zanza, guitarrista de La Raíz, regresa tras varios años consolidándose como una de las propuestas más interesantes del indie-rock español. Tras los éxitos de Ecos de Aventura (2019) y Supernova (2021) y su paso por grandes festivales como Sonorama Ribera, Festival de les Arts, Cooltural Fest y Viña Rock, la banda se prepara para presentar su trabajo más ambicioso hasta la fecha: Lo Que Arde.
El primer adelanto de este nuevo álbum, Punto Cero, marca el inicio de una etapa renovada en la carrera de Valira. Compuesta por Juan Zanza y Ferdy Borja, la canción combina guitarras potentes, melodías envolventes y una producción más moderna y pulida a cargo de Raúl Nácher, logrando un sonido directo y emocional que conecta de inmediato con el oyente. Con Juan Zanza a la voz, Ferdy Borja en la guitarra, Jose Venzal al bajo y Rober Tolsa a la batería, Punto Cero refleja el espíritu de renovación y evolución del grupo, al tiempo que mantiene la esencia que ha definido a Valira desde sus inicios: intensidad, emoción y rock de alto voltaje.
Este sencillo no solo anticipa el lanzamiento de Lo Que Arde, sino que también consolida a Valira como un referente del indie-rock nacional, listo para continuar su camino sobre grandes escenarios y en el corazón de sus seguidores.
Desde Nueva York, Blanket Approval llega como una de las propuestas frescas del indie rock actual. Formada en 2021, la banda toma influencias que van del indie y el rock clásico al funk y el punk para construir un sonido con groove, personalidad y una clara identidad urbana. Su más reciente sencillo, “Poor Bobby”, funciona como una declaración de principios: una canción que mira hacia la tradición del rock neoyorquino sin quedarse anclada en la nostalgia.
Musicalmente, “Poor Bobby” nos lleva a una escenografía melódica cálida y envolvente. El teclado y la guitarra dialogan constantemente, creando una atmósfera dulce y adictiva que abraza al oyente desde los primeros compases. Esta suavidad aparente se equilibra con una batería cruda y precisa, acompañada por una línea de bajo contundente que sostiene la canción con firmeza y le da un carácter terrenal y directo. El resultado es una pieza accesible, pero con suficiente filo para mantener la tensión y el interés.
En el trasfondo, la canción invita a mirar hacia adentro. “Poor Bobby” no solo se disfruta desde lo musical, sino que también propone un enfrentamiento simbólico con los propios demonios, transformando la introspección en un acto casi liberador. Hay en el tema una energía reconfortante que no evade el conflicto, sino que lo presenta como parte del proceso de crecimiento personal.
Con ecos de glam y garage que por momentos remiten al espíritu de bandas clásicas como los New York Dolls, Blanket Approval logra actualizar ese legado con una sensibilidad indie contemporánea. “Poor Bobby” confirma a la banda como una propuesta que entiende el pasado de su ciudad, pero que mira al presente con ambición y frescura, reafirmando su lugar dentro de la nueva escena del rock neoyorquino.
Detrás de Baydream hay un universo creativo en constante expansión, donde la música funciona como un reflejo de emociones, sueños y mundos imaginarios. Originario de Hamburgo, el proyecto nació de la necesidad de explorar lo etéreo y lo introspectivo, fusionando influencias de indie, dream pop, electrónica y post-punk para crear un sonido que trasciende géneros.
El proyecto regresa con su más reciente lanzamiento: el EP Tragic Magic. Con este trabajo, el artista continúa explorando los límites del indie contemporáneo, fusionando géneros y construyendo un sonido que es a la vez introspectivo y envolvente.
Tragic Magic combina melodías etéreas con ritmos experimentales, creando un viaje que alterna entre momentos de introspección y explosiones de energía. Cada pista está cuidadosamente elaborada para sumergir al oyente en un universo sonoro donde coexisten el indie rock, el dream pop y elementos electrónicos, acompañados de letras que reflexionan sobre la complejidad de las emociones humanas.
El Track x Track de Tragic Magic
Insomnia
Insomnia abre el EP con una atmósfera delicada y minimalista, combinando sintetizadores dreamy y atmosfericos con percusiones digitales que simulan la sensación de vigilia constante. La producción juega con capas de texturas electrónicas y guitarras ambientales, mientras la voz principal transmite una sensación de quietud y somnolencia, estableciendo el tono melancólico y reflexivo del EP, con una paleta de sonido muy clasicos de dream pop y bedroom pop el proyecto nos adentra poco a poco en su mundo.
A Rose from the Dead
El segundo track continúa con sintetizadores etéreos que evocan dramatismo y elegancia. La canción equilibra momentos de delicadeza con bajeos que colorean y dan movimiento al track, mientras las letras sugieren nostalgia y tensión entre lo perdido y lo recuperado.El EP tiene un tinte muy digital, perfecto para los amantes del Lo-Fi y los sonidos caseros.
Thunder | So Gone
Thunder | So Gone nos mantiene en la misma linea que canciones anteriores, drums digitales, guitarras atmosfericas y una voz con tesitura grave, que va evolucionando a traves de melodias dulces en los sintetizadores.
Hollywood
¡Con Hollywood tenemos justo algo diferente! y que estabamos esperando, con un enfoque mas atmosférico, los sintetizadores brillantes y ritmos marcados que evocan luna calma muy interesante dentro de la industria del entretenimiento. La producción nos acerca a una voz con un tunning diferente en la voz, que especificamente en este track nos encanta por ser sutil y alejarse de las cacniones anteriores, hasta ahora nuestro track favorito del disco.
Loot All
El siguiente track apuesta por un sonido más rítmico y energetico sin romper la taciturnidad del EP, con un groove marcado y elementos mas guitarreros logran generar tensión y movimiento. Las líneas vocales juegan con cadencias irregulares, mientras los arreglos nos hacen mover la cabeza ligeramente en una atmosfera super eterea.
Luise
Llegando casi al final del EP Luise adopta un tono más íntimo y melódico, con guitarras suaves, sintetizadores envolventes y una atmósfera nostálgica que invita a perdernos en melodias dulces y juguetonas. La canción resalta la vulnerabilidad del relato lírico, con vocalizaciones delicadas que transmiten cercanía y sensibilidad.
Islands
Islands cierra el EP con un enfoque en el groove, combinando paisajes sonoros abiertos. La instrumentación es gradual y texturizada permite que la voz principal emerja con claridad en lo etereo, mientras la estructura musical y los arreglos finales refuerzan el sonido y conclusión para la personalidad sonora de Tragic Magic.
El EP abre con temas que capturan la esencia melancólica de Baydream, con capas de sintetizadores y guitarras que fluyen sobre percusiones digitales y groovies, mientras que los tracks centrales muestran la versatilidad del proyecto, mezclando sintetizadores pegajosos con atmósferas dreamy.
Con Tragic Magic, Baydream ofrece un trabajo que es tanto experimental como accesible, y que promete seguir expandiendo su universo creativo en cada lanzamiento.
La colaboración entre Thrower, Escape the Fate y el equipo de producción Judge & Jury da como resultado el sencillo “Happy When We’re Bleeding”, un tema que explora la desensibilización frente a la violencia y los estímulos extremos de la sociedad actual. La canción surgió a partir de la reflexión sobre la exposición constante a noticias y contenido impactante en redes sociales, convirtiéndose en una pieza que combina elementos del rock alternativo, grunge y hard rock.
Inspirados en referentes como My Chemical Romance, Soundgarden y Ozzy Osbourne, la canción va fusionando riffs potentes con una producción moderna y clara. La participación de Craig Mabbitt, vocalista de Escape the Fate, aporta un matiz distintivo a la interpretación, consolidando la colaboración como un proyecto relevante dentro del rock contemporáneo.
“Happy When We’re Bleeding” refleja un enfoque directo y sobrio, con letras que invitan a la reflexión sobre cómo la exposición constante a la violencia y el caos puede afectar las emociones y percepciones. La producción a cargo de Judge & Jury combina experiencia y técnica para lograr un sonido sólido y equilibrado, destacando la cohesión entre las distintas contribuciones de los artistas involucrados.
La historia de Caitlin & Brent surge en un momento de incertidumbre. Caitlin Sherman, tras el lanzamiento de su álbum solista Death To The Damsel en 2020, vio cómo la pandemia truncaba sus planes de giras y presentaciones. En medio de esa pausa forzada, encontró un nuevo cauce creativo junto a Brent Amaker, conocido por su voz profunda y su paso por el country-western. De esa unión nació un proyecto que combina sensibilidad y contraste, reflejando tanto la vulnerabilidad como la fuerza de empezar de nuevo.
En este marco aparece “Pleasure In the Pain”, una canción que se distingue por su producción detallada e impactante. La atmósfera que construye es rica en matices, con un ritmo dinámico que se sostiene en lo mejor del indie rock. La pieza no se limita a la energía instrumental, sino que encuentra en el contraste de voces su mayor atractivo: la suavidad romántica de Sherman frente al timbre áspero de Amaker, un diálogo que refuerza la tensión emocional del tema.
La propuesta de Caitlin & Brent se siente como un puente entre épocas. Sus arreglos evocan tanto la estética de los años sesenta como la frescura de la música independiente actual. En “Pleasure In the Pain”, esa dualidad se traduce en un sonido que no busca ser complaciente, sino envolvente, capaz de transmitir la intensidad de las emociones que dieron origen a la colaboración. Es un tema que se sostiene en la química de sus intérpretes y en la claridad de su producción.
Al escuchar “Pleasure In the Pain”, se percibe una invitación a sumergirse en un espacio donde el dolor y el placer conviven. La canción no pretende adornarse con artificios, sino mostrar un indie rock directo, con atmósfera cuidada y voces que se complementan en su diferencia. En esa mezcla de dinamismo y contraste, Caitlin & Brent confirman que su unión artística es capaz de transformar la incertidumbre en una propuesta que conecta con el presente.
El dúo costarricense Shimdra, originario de Tres Ríos en Cartago, ha construido su identidad a partir de un largo recorrido que comenzó con la banda Shangri-Lá en los años 2000. Con el paso del tiempo, la formación se consolidó y en 2010 inició la grabación de su primera producción musical, sumando la participación de Fabián Romero en el bajo y Katherine en la voz principal. La historia del grupo refleja un proceso de transformación constante, marcado por la búsqueda de un sonido propio dentro del rock criollo.
En 2016 la incorporación de Bob de la Vega como voz principal dio un nuevo impulso a Shimdra, que junto a Ale Calderón en la guitarra y voz, Fabián Romero en el bajo y Alejandro Di Mare en la batería, conformaron una etapa más sólida. A finales de 2018, el contacto con el productor argentino Mario Breuer abrió un camino de composición y ensayos que reafirmó la intención de trabajar en música original. Sin embargo, la enfermedad y posterior partida de Romero en 2020 dejó una huella profunda en la agrupación.
Dentro de este recorrido aparece “Somos lo que somos”, una canción que se sostiene en influencias rock muy marcadas. Su ritmo simple funciona como un recurso suficiente para atrapar al oyente, mientras que la voz cálida y llena de vida aporta un carácter humano y directo. El tema no busca complejidad excesiva, sino transmitir con claridad la esencia de la banda y su manera de entender el rock como un lenguaje cercano.
Al escuchar “Somos lo que somos”, se percibe un diálogo entre la historia del grupo y su presente. La canción refleja tanto la resiliencia de Shimdra como su capacidad de transformar experiencias en música que conecta. En esa mezcla de sencillez rítmica y energía vocal, el dúo reafirma su lugar dentro de la escena costarricense, mostrando que su propuesta se sostiene en la autenticidad y en la fuerza de seguir creando.
La banda francesa de indie rock Reaven regresa con su nuevo sencillo navideño, It’s Christmas Tonight, un tema que captura la esencia de la temporada. La canción se convierte en un himno moderno de pop rock que celebra la unión con nuestros seres queridos, el deseo de compartir alegría y luz, y la importancia de detenerse a valorar los momentos especiales que rompen la rutina diaria.
Musicalmente, It’s Christmas Tonight combina guitarras pop rock, arreglos y melodías pegadizas, ofreciendo un equilibrio entre la energía del rock y la calidez característica de la música navideña.
Con It’s Christmas Tonight, Reaven combina su potencia sonora con la calidez y emotividad de la temporada navideña, anticipando un 2025 cargado de nuevos lanzamientos, su esperado álbum Reavolution y una gira internacional que recorrerá Europa, Estados Unidos, Canadá y Latinoamérica. La banda demuestra que, además de su fuerza indie rock, también sabe tocar los sentimientos de su público con canciones llenas de luz y espíritu festivo.
La banda estadounidense Livingmore, originaria de Los Ángeles, regresa con un tema que encapsula su sensibilidad indie rock y power pop: “Away Away Away”. Formada en 2014 por Alex y Spencer, la banda se dio a conocer por su química musical instantánea y por performances virales como la de “Little Bird”, que cimentaron su presencia en la escena independiente estadounidense. Desde entonces, Livingmore ha ido construyendo un sonido fresco y envolvente, combinando elementos de indie rock, pop rock y toques nostálgicos que remiten tanto a la energía de los 90 como a las texturas contemporáneas.
“Away Away Away” representa un himno a la escapatoria emocional y a la búsqueda de autenticidad. La canción invita a dejar atrás el peso del pasado, las rutinas opresivas y cualquier carga que impida respirar con libertad. Musicalmente, combina guitarras brillantes, ritmos ágiles y melodías pegadizas, creando un paisaje sonoro luminoso y lleno de movimiento. La voz de Livingmore guía al oyente a través de un recorrido que equilibra energía y delicadeza, transmitiendo una sensación de liberación y reflexión al mismo tiempo.
Este nuevo sencillo refleja la madurez de la banda, que logra conjugar la nostalgia con la innovación sin perder su esencia. “Away Away Away” no solo es una invitación a desconectarse temporalmente de la realidad, sino también un recordatorio de que a veces desaparecer un poco del mundo puede ser la manera más elegante de reencontrarse con uno mismo. Con esta entrega, Livingmore reafirma su lugar como una de las propuestas más vibrantes y consistentes del indie contemporáneo, ofreciendo un sonido que es a la vez pegadizo, emotivo y liberador.
