Nuevo Rock

murdermart transforma la incertidumbre en energía creativa con su nuevo sencillo “LOSER”

murdermart transforma la incertidumbre en energía creativa con su nuevo sencillo “LOSER”

El colectivo alternativo murdermart presenta “LOSER”, una canción que combina guitarras distorsionadas, baterías con influencias del hip-hop y sintetizadores de inspiración ochentera para explorar las contradicciones emocionales, las luchas internas y la sensación de quedarse atrapado en una etapa difícil. Con una propuesta que cruza indie rock, pop punk y música electrónica, el grupo construye un sonido enérgico y pegadizo que contrasta con la vulnerabilidad de su mensaje.

Originario de Las Vegas y actualmente establecido en Boston, murdermart está integrado por Dean, Dunc, Brennan y Steven, músicos que comparten las tareas de composición, interpretación, producción y mezcla. Su enfoque creativo se caracteriza por la libertad para experimentar con distintos géneros, combinando guitarras cargadas de intensidad con ritmos urbanos, melodías pop y texturas electrónicas. Esta mezcla de influencias permite al colectivo desarrollar una identidad propia, en la que la energía instrumental convive con una marcada sensibilidad emocional.



La historia de “LOSER” está estrechamente ligada a un periodo de incertidumbre para los integrantes de la banda. La canción tomó varios meses de trabajo y sus primeras y últimas estrofas se grabaron en una etapa en la que todos atravesaban cambios personales. Según explica el grupo, muchas cosas parecían estar fuera de lugar, las ideas quedaban inconclusas y existía una sensación general de desconexión. Sin embargo, durante una de las sesiones ocurrió algo que transformó el proceso creativo. Trabajar en la canción les permitió recuperar una sensación de fluidez y conexión que llevaban tiempo sin experimentar. Aquella energía se convirtió en un impulso para continuar creando: durante ese mismo fin de semana, murdermart escribió, grabó, mezcló y masterizó otros dos temas, “STOP!” y “4U”.

Por eso, “LOSER” representa mucho más que un sencillo dentro de su catálogo. Para el colectivo, fue el punto de partida de una nueva etapa musical y el momento en que volvió a sentirse plenamente conectado con su propia creatividad. En el plano lírico, “LOSER” profundiza en la lucha de una persona contra sí misma. Su protagonista siente que pierde una y otra vez y comienza a preguntarse si, de alguna manera, se ha acostumbrado a esa sensación. Aunque desea salir adelante, parece incapaz de abandonar los patrones que lo mantienen estancado.

Uno de los aspectos más interesantes del tema es su reflexión sobre cómo la negatividad puede convertirse en un espacio familiar. Cuando las dificultades se prolongan, incluso una situación dolorosa puede terminar pareciendo más cómoda que la incertidumbre de cambiar. “LOSER” explora esa contradicción sin ofrecer soluciones fáciles, dejando que la experiencia emocional de su protagonista hable por sí misma.


La esencia rock de Cheap Machines en Moonlighting

La esencia rock de Cheap Machines en Moonlighting

El origen de la agrupación Cheap Machines se remonta a un verano soleado en Illinois, donde Ian Barr y Travis Kelly entablaron amistad al iniciar la preparatoria. Uniendo la afición de Kelly por el pop melódico de los años sesenta con la fascinación de Barr por el rock pesado de los setenta y noventa, ambos pasaron de competir en batallas de bandas a unir fuerzas durante la universidad. Tras un periodo de inactividad, ambos se reencontraron en Los Ángeles en 2016 con la meta clara de componer, grabar y mezclar su álbum debut Shared Delusions.

Para llevar estas composiciones al escenario, la dupla completó su alineación con Bobby Gaglini en el bajo, Will Thomas Brunet en la batería y John Carey en los teclados y sintetizadores. La incorporación de estos músicos consolidó al quinteto en la escena en vivo de Los Ángeles, donde han mantenido una actividad constante. La identidad del proyecto se fundamenta en canciones de fuerte impacto melódico y un compromiso absoluto con la tradición del rock, fusionando sus diversas influencias generacionales en un sonido propio.



Dentro de esta dinámica instrumental se inserta su sencillo Moonlighting, una pieza inscrita dentro del rock ligero que sostiene un pulso constante de principio a fin. La pista se desarrolla sobre un ritmo envolvente que capta el interés del oyente con fluidez, manteniendo la estructura limpia y sin saturación de arreglos. La producción cuida la nitidez del ensamble, permitiendo que las guitarras y la sección rítmica avancen con solidez a lo largo de toda la composición.

La canción destaca por mantener intacta la naturaleza del género, respetando de forma muy precisa la esencia rockera que define al conjunto. Lejos de buscar artificios ajenos a su propuesta, la entrega se apoya en la efectividad de sus ganchos y en una ejecución técnica sobria pero enérgica. Con este corte, Cheap Machines confirma la solidez de su ensamble y la continuidad de un proyecto enfocado en la honestidad de la interpretación en vivo.


Catie Turner explora la identidad y la autenticidad en su nuevo sencillo «Who Am I»

Catie Turner explora la identidad y la autenticidad en su nuevo sencillo «Who Am I»

La cantautora estadounidense Catie Turner presenta «Who Am I», un nuevo sencillo que profundiza en la búsqueda de identidad, la autoaceptación y la presión de vivir bajo la mirada de los demás. Con una propuesta fresca de indie-pop, la artista combina melodías envolventes y una producción luminosa con una letra introspectiva que invita a reflexionar sobre cuánto de nuestra personalidad mostramos al mundo y cuánto dejamos de lado por buscar aprobación externa.

«Who Am I» aborda la comparación constante y la necesidad de construir una imagen que responda a las expectativas ajenas. Turner transforma estas inquietudes en una canción honesta y cercana, explorando la dificultad de distinguir entre quiénes somos realmente y quiénes sentimos que debemos ser para encajar o recibir reconocimiento.



Musicalmente, el sencillo destaca por sus cálidas melodías de guitarra, sus ritmos dinámicos y una producción pop enérgica que contrasta con la profundidad de su mensaje. El resultado es una canción radiante y pegadiza que conserva la sensibilidad característica de la cantante, demostrando su capacidad para convertir experiencias personales e inseguridades en composiciones con las que el público puede identificarse. La producción, mezcla y coautoría estuvieron a cargo de Carobae, colaboradora de Turner en la creación de este lanzamiento.

«Who Am I» también representa un paso importante hacia Blue Alchemy, el esperado álbum debut de Catie Turner, cuyo lanzamiento está previsto para el 16 de octubre. El sencillo funciona como el último adelanto del disco y anticipa una etapa artística centrada en el crecimiento personal, la honestidad emocional y la libertad de definir la propia identidad sin depender de la validación de los demás.

Turner invita a dejar atrás las comparaciones y las expectativas externas para abrazar una versión más auténtica de uno mismo. «Who Am I» es, en definitiva, una reflexión pop sobre el autodescubrimiento y el valor de aceptarse en los propios términos, acompañada de una propuesta musical luminosa que deja entrever lo que la artista tiene preparado para Blue Alchemy.



El pulso cinematográfico y la profundidad de Andi Almqvist en We’re All Gonna Die (But I Can Live With That)

El pulso cinematográfico y la profundidad de Andi Almqvist en We’re All Gonna Die (But I Can Live With That)

El cantante, músico y compositor sueco Andi Almqvist ha forjado una trayectoria distinguida por un sonido oscuro y cinematográfico, enriquecido por líricas evocadoras. Con siete álbumes de estudio en su haber —incluyendo su producción lanzada el 24 de septiembre de 2026—, el artista ha recorrido escenarios globales compartiendo cartel con figuras de la talla de Mark Lanegan, Wovenhand y B.B. King. Asimismo, su obra ha formado parte de producciones cinematográficas y televisivas de renombre internacional, como la cinta The Hunt y la serie Justified.

Su propuesta autoral abreva de un abanico amplio de referentes esenciales que abarca desde Leonard Cohen, Tom Waits y Nick Cave hasta Black Sabbath, Ennio Morricone y Charles Mingus. Esta amalgama de influencias le permite construir composiciones con gran densidad expresiva y un cuidado sentido de la atmósfera. A través de colaboraciones con diversos creadores y una sólida disciplina instrumental, el músico escandinavo mantiene una firma estética reconocible dentro del circuito alternativo.



En este marco conceptual se sitúa la canción que da título a su reciente material, We’re All Gonna Die (But I Can Live With That). La pista se sostiene sobre la base de un rock dotado de un ritmo adictivo e insaciable que impulsa el tema con constancia. La producción equilibra la aspereza instrumental con una cadencia envolvente, logrando una pieza de pulso firme que capta la atención de inmediato sin descuidar el detalle técnico en sus arreglos.

El elemento distintivo de la composición reside en la interpretación vocal del autor, caracterizada por un peso, cuerpo y presencia singulares. Su tesitura de bajo encaja de manera idónea con la base de rock, aportando un matiz de seriedad y volumen a la línea melódica. Sin recurrir a artificios ni a adornos innecesarios, Andi Almqvist entrega una muestra coherente de su madurez sonora que consolida su estilo distintivo.


El pulso crudo y visceral de COXENUEBO en su EP COXENUEBO

El pulso crudo y visceral de COXENUEBO en su EP COXENUEBO

Radicados en Granada, COXENUEBO es un trío integrado por el mexicano Santiago y sus colegas andaluces de Motril y Córdoba. Concebido como un colectivo alter ego para distanciarse del sonido más contenido de sus proyectos de origen (IZETA, Apartamentos Acapulco y Radio Palmer), el grupo nace del deseo compartido de tocar canciones afiladas cargadas de fuzz y garage. Su EP debut graba la ejecución íntegramente en vivo para capturar la fidelidad rítmica y la energía directa de un power trío esencial.

La entrega abre con ordenador, un corte de punk-rock sostenido por una lírica alocada e imprevista que desemboca en un coro muy pegajoso. La pista resulta ideal para los entusiastas del rock rústico, apoyándose en una interpretación vocal que se inclina más por la declamación recitada que por el canto tradicional. Esta elección estilística aporta un carácter crudo que establece de inmediato la dirección estética y la solidez instrumental de todo el proyecto.



El recorrido continúa con pastilla naranja, una pieza que eleva la agresividad sonora respecto al tema de apertura. La canción enfatiza un enfoque marcadamente rockero, impulsado por un punteo de guitarra adictivo que guía el desarrollo de la estructura. Asimismo, la pista exhibe un dinamismo constante que acelera el pulso de la producción, demostrando la capacidad del conjunto para sostener la tensión rítmica sin perder la cohesión en el ensamble.

Por su parte, yoga maxa ofrece un matiz ligeramente más diferente pero firme dentro del terreno del rock. La composición mantiene la línea temática y desenfadada de las canciones previas, incorporando ganchos muy efectivos para mantener el interés del oyente. La interacción entre la base rítmica y los arreglos de guitarra confirma el cuidado con el que el trío equilibra la distorsión con la claridad en las estructuras de sus canciones.

El EP concluye con coxenuebo, el tema homónimo que da nombre tanto al disco como a la agrupación. Esta entrega final proyecta una energía superior a las pistas anteriores, conservando el espíritu rockero pero acompañándose de una letra con mayor cohesión narrativa. La intensidad de la interpretación colectiva reafirma el impacto de su formato en directo, cerrando el lanzamiento con una muestra sobria de rock visceral y directo al grano.


El pulso dinámico de Ghost River Revival en Lotion (Greenskeepers Cover)

El pulso dinámico de Ghost River Revival en Lotion (Greenskeepers Cover)

La agrupación Ghost River Revival se consolida como una fuerza emergente dentro de la escena del rock actual. Su propuesta entrelaza una energía cruda con profundas raíces en el legendario legado musical de Muscle Shoals. El proyecto no solo se inspira en la historia, sino que forma parte activa de ella. Sus integrantes han colaborado con figuras icónicas, ganadores del Grammy y creadores de éxitos globales.

Esta experiencia previa permite a la banda entregar un sonido que resulta tanto fresco como atemporal. Su música se alimenta de melodías con alma, riffs electrizantes y una sección rítmica con un gran sentido del ritmo. De esta manera, el conjunto traza su propio camino mientras proyecta la esencia tradicional hacia el futuro. La solidez instrumental se mantiene como el eje central de su identidad artística.



En esa misma línea de constante exploración se enmarca Lotion (Greenskeepers Cover). La pieza destaca por ofrecer una atmósfera rica y divertida que envuelve al oyente con naturalidad. Su ritmo dinámico define un estilo rock-pop moderno y juguetón que logra enganchar desde los primeros compases. La producción equilibra los elementos instrumentales sin perder la espontaneidad que caracteriza la ejecución del grupo.

A este engranaje rítmico se suma una parte vocal que aporta una enorme personalidad a toda la pista. La interpretación vocal guía el desarrollo del tema con una presencia clara y definida. Lejos de buscar artificios complejos, la composición demuestra la efectividad de una estructura directa y bien ejecutada. Con esta entrega, Ghost River Revival confirma su capacidad para renovar códigos clásicos con solvencia.


Running Out: El equilibrio rítmico y reconfortante de The Elephant Green

Running Out: El equilibrio rítmico y reconfortante de The Elephant Green

Integrada por Thiago Pedalino, Lucas Martinez y Anselm Reed, la agrupación The Elephant Green busca recuperar el espíritu del rock and roll a través de un sonido cargado de potencia y melodía. En su propuesta conviven la actitud de Oasis, la brillantez pop de The Beatles y la energía de Teenage Fanclub. Con guitarras elevadas, ganchos contagiosos y estribillos memorables, la banda diseña canciones pensadas para cantarse desde la primera nota y transmitir la sensación de vivir un sueño.

Ese enfoque hacia un rock épico y atemporal posiciona al trío como una formación dispuesta a llevar su sonido hacia un siguiente nivel sin perder el equilibrio. Lejos de recargar la estructura de sus temas, los músicos concentran sus recursos en mantener una base melódica clara que conecte de inmediato con el oyente. La combinación de potentes arreglos y una ejecución limpia permite que sus composiciones fluyan con naturalidad dentro del terreno del pop y el rock contemporáneo.



En esa misma línea de sencillez y eficacia se presenta su sencillo Running Out, una pieza de rock ligero que destaca por su pulso accesible. La canción sostiene un ritmo constante que se ve enriquecido por ciertos giros rítmicos, volviendo la escucha atrapante sin mucho esfuerzo. El desarrollo del tema genera una sensación reconfortante que invita a disfrutar del trayecto y a tararear la melodía con agrado desde la primera escucha.

Sin caer en excesos ni en pretensiones desmedidas, la pista confirma la habilidad del grupo para construir pasajes sonoros que resultan cercanos y duraderos. Running Out logra condensar la fuerza instrumental y la vocación melódica que caracterizan al conjunto dentro de una propuesta muy disfrutable. Con esta entrega, The Elephant Green ofrece una muestra sobria de cómo el rock puede mantenerse vigente a través del cuidado en la composición.


Matilde G se enfrenta al exceso y la ilusión en “GRAVE OF OUR LIVES”

Matilde G se enfrenta al exceso y la ilusión en “GRAVE OF OUR LIVES”

Matilde G la artista italiana radicada en Singapur profundiza en su nueva etapa rock con una canción oscura, visceral y cargada de crítica social, “GRAVE OF OUR LIVES”, la cantante, compositora y performer italiana presenta una de sus propuestas más intensas hasta la fecha: un viaje hacia el lado oscuro de la noche, donde el glamour, el exceso y la búsqueda constante de diversión pueden esconder una profunda sensación de vacío.

La canción se mueve dentro de un territorio de rock alternativo oscuro y poderoso, construido alrededor de una energía cruda que encuentra en la voz de Matilde G su principal vehículo emocional. Su interpretación combina fuerza y vulnerabilidad, transmitiendo la urgencia de alguien que no observa la realidad desde la distancia, sino que se atreve a confrontarla directamente.



“GRAVE OF OUR LIVES” plantea una pregunta incómoda: ¿qué queda cuando desaparecen las luces, la música y la apariencia de una vida perfecta? Bajo la superficie brillante de la vida nocturna, Matilde G descubre un escenario mucho más inquietante, marcado por el exceso, la ilusión y una generación que puede sentirse atrapada en una búsqueda interminable de estímulos. La canción representa además una evolución natural dentro de la trayectoria de la artista. Después de construir una audiencia internacional con su propuesta pop, Matilde G entró en una nueva etapa con Beautiful Wreckage, su primer álbum completamente orientado al rock.

En “GRAVE OF OUR LIVES”, esa filosofía adquiere una dimensión especialmente contundente. Las guitarras, la energía y la intensidad de la producción sirven como escenario para una reflexión sobre la desconexión emocional que puede esconderse detrás de una cultura obsesionada con la fiesta, la apariencia y el exceso. Pero Matilde G no abandona la melodía. Su voz mantiene una cualidad accesible incluso cuando la canción se vuelve más agresiva, creando un contraste entre la oscuridad del mensaje y la capacidad de la artista para construir momentos memorables. Esa combinación de energía rock, sensibilidad pop y honestidad emocional se ha convertido en una de las características más reconocibles de su nueva identidad musical.


Some Days Are Darker convierte el deseo en obsesión con “Memorize You”

Some Days Are Darker convierte el deseo en obsesión con “Memorize You”

Desde Nueva York, Some Days Are Darker continúa construyendo un universo sonoro donde la oscuridad, la intensidad emocional y una marcada sensibilidad cinematográfica conviven con el rock alternativo. El trío, formado por el exguitarrista de metalcore Lear Mason, Chris Martin y el productor y multiinstrumentista Robbie Williamson, presenta “Memorize You”, un nuevo sencillo que explora los límites cada vez más difusos entre el deseo, la fascinación y la obsesión.

Lejos de entender lo gótico como una estética anclada exclusivamente en los años 80, Some Days Are Darker demuestra que el género todavía puede encontrar nuevas formas de expresión en el siglo XXI. Su propuesta combina guitarras, sintetizadores y atmósferas sombrías con una sensibilidad cercana al cine noir, creando canciones que pueden sentirse tan íntimas como expansivas.



En “Memorize You”, esa identidad aparece desde los primeros compases. La canción se mueve sobre un pulso inquieto mientras las texturas sintéticas y los elementos de rock alternativo construyen una atmósfera densa y envolvente. La interpretación vocal mantiene la emoción en primer plano, como si estuviéramos escuchando una confesión que poco a poco comienza a perder el control.

El corazón de la canción está precisamente en esa transformación. Lo que comienza como una expresión íntima de deseo va adquiriendo una dimensión mucho más intensa, hasta convertir la fascinación por otra persona en algo difícil de contener. El título, “Memorize You”, resume esa necesidad de retener cada detalle, de hacer que alguien permanezca en la memoria incluso cuando el deseo empieza a acercarse peligrosamente a la desesperación.

Musicalmente, el trío juega con la tensión entre contención y desbordamiento. Los sintetizadores aportan movimiento y una sensación hipnótica, mientras que la base rock mantiene la canción firmemente anclada en un terreno físico y visceral. En lugar de revelar toda su fuerza desde el comienzo, el tema permite que la tensión crezca gradualmente hasta desembocar en un momento final más amplio, poderoso y abrumador.

El resultado es una pieza que no busca simplemente sonar oscura, sino convertir esa oscuridad en una experiencia emocional. Hay vulnerabilidad, deseo y fascinación, pero también una sensación de peligro latente: esa línea en


La contundencia directa de Wet Denim en Water For Dogs

La contundencia directa de Wet Denim en Water For Dogs

Surgida en Wellington, Nueva Zelanda, tras un año de lluvias récord, la banda Wet Denim se ha posicionado como una propuesta imprescindible en vivo en Oceanía. Encabezada por el vocalista Nick Goodwin junto al guitarrista Luca Crampton y los hermanos Jack y Joe Ledword en batería y bajo, la formación equilibra la fuerza del rock con una marcada sensibilidad pop. Su debut en dos mil veintidós inició un camino de rápido crecimiento en la escena.

Su primer EP homónimo, coescrito y producido junto a Drax Project, alcanzó el puesto once en las listas locales, abriendo paso a su firma con el sello alemán Zebralution en dos mil veintitrés. Posteriormente, su lanzamiento de dos mil veinticuatro titulado On The Line obtuvo difusión en estaciones de Nueva Zelanda, la cadena australiana Triple J y cobertura en la revista Rolling Stone Australia, afianzando la proyección internacional del conjunto.



En este marco de constante evolución se presenta la difusión de su canción titulada Water For Dogs. La composición destaca por ofrecer una propuesta con raíces e influencias rock marcadas que se sostienen sobre una base rítmica limpia y definida. La estructura instrumental avanza con un ritmo simple pero enganchante, construyendo una dinámica clara que mantiene el interés del oyente a lo largo del tema.

El desarrollo del tema resalta por la cohesión entre la voz principal y las líneas de guitarra, entregando una propuesta fácil de digerir y disfrutar sin duda si te gusta el buen rock. Sin necesidad de artificios complejos, la producción cuida el equilibrio de las frecuencias para ofrecer un corte directo y bien estructurado. Con la entrega de Water For Dogs, la agrupación Wet Denim consolida la madurez de su propuesta en el panorama actual.