Nuevo Rock

Un susurro en la tormenta: la atmósfera cautivadora de Falling by the Wayside

Un susurro en la tormenta: la atmósfera cautivadora de Falling by the Wayside

Ben Musser reafirma su identidad artística con “Falling by the Wayside”, un sencillo que combina la energía del blues-rock clásico con una mirada crítica hacia la apatía social contemporánea. La canción forma parte del universo creativo que rodea su próximo álbum Sentimental Fever y muestra a un compositor que no teme abordar temas incómodos desde una perspectiva honesta y directa.



Musicalmente, el tema se sostiene sobre una base donde destacan el piano Wurlitzer, guitarras slide de carácter expresivo y una sección rítmica sólida que evoca el espíritu del rock de los años setenta, pero con una producción moderna. El arreglo crece con intensidad a lo largo del tema, alternando momentos contenidos con pasajes de mayor fuerza que subrayan la urgencia emocional de la interpretación vocal.

En el plano lírico, “Falling by the Wayside” aborda la desconexión social, la cultura de la distracción y la indiferencia ante problemáticas colectivas. Musser lanza una advertencia sobre el peligro de la pasividad, invitando al oyente a mirar más allá de las pantallas y comprometerse con la realidad que lo rodea. Este enfoque convierte la canción en un llamado a la reflexión más que en un simple desahogo.

La interpretación vocal transmite determinación y cansancio a partes iguales, reforzando el mensaje de inconformidad que atraviesa la pieza. Esa mezcla de urgencia emocional y crítica social sitúa al sencillo como uno de los momentos más combativos del repertorio reciente del artista.


TENDER estrena “Heavy”, primer adelanto de su cuarto álbum Where the Waves Break

TENDER estrena “Heavy”, primer adelanto de su cuarto álbum Where the Waves Break

El dúo británico TENDER, conformado por James Cullen y Dan Cobb, ha lanzado su nuevo sencillo Heavy, un tema que marca el inicio de su cuarto álbum Where the Waves Break, que saldrá el 4 de junio a través de Nettwerk. Este trabajo representa un nuevo capítulo para el dúo, explorando la dualidad, el equilibrio emocional y el espacio frágil entre calma y caos.



Heavy combina la sensibilidad electrónica e indie característica de TENDER con letras que reflexionan sobre la crisis de identidad en la adultez temprana. Como explican Cullen y Cobb: “Es acerca de tener una crisis de identidad cuando estás en la plenitud de tu vida. Problemas del primer mundo. Querer que todos sientan lástima por ti cuando tienes todo lo que necesitas para ser feliz, pero te niegas a ello”. La canción refleja esta tensión emocional y sirve como introducción al tono introspectivo y melódico del álbum completo.

Where the Waves Break fue escrito y autoproducido desde sus respectivos hogares en la costa sur de Inglaterra, durante un período de estabilidad personal que permitió que la luz y la oscuridad coexistieran de manera natural en la música. La banda busca capturar la oscilación emocional del día a día, donde la felicidad y la incertidumbre conviven en un mismo espacio sonoro.

Para celebrar el lanzamiento del álbum, TENDER realizará una gira europea en octubre de 2026, incluyendo un concierto especial en Brixton Electric, Londres, su ciudad natal. Heavy funciona como un primer vistazo a un proyecto que promete ser su más ambicioso hasta ahora, mostrando la madurez y confianza artística alcanzada por el dúo.


The Failsafe presentan su poderoso nuevo sencillo “Happy To Be Here”

The Failsafe presentan su poderoso nuevo sencillo “Happy To Be Here”

La banda de active rock The Failsafe, originaria de Minneapolis, Minnesota, regresa con fuerza con su nuevo sencillo “Happy To Be Here”, una canción que consolida el momento creativo y la evolución sonora del grupo. Con guitarras contundentes, melodías pegajosas y una producción moderna con tintes pop, el tema se posiciona como una declaración clara de hacia dónde se dirige la banda en esta nueva etapa.



“Happy To Be Here” combina la energía del rock pesado con hooks melódicos diseñados para quedarse en la cabeza del oyente. Es una canción intensa y dinámica, ideal tanto para acompañar los momentos más exigentes del día como para sonar a todo volumen en un viaje nocturno.

El tema fue producido por Andrew Baylis (Jelly Roll, Sleeping With Sirens) y mezclado por Cameron Mizell (Starset, Memphis May Fire), nombres que refuerzan la calidad y el alcance del lanzamiento. Musicalmente, la banda conecta con seguidores de Bring Me The Horizon, Bad Omens, Wage War y Papa Roach, consolidando su lugar dentro de la escena moderna del rock alternativo.

A lo largo de su trayectoria, The Failsafe ha construido un catálogo sólido que supera el millón de reproducciones, con lanzamientos destacados como “Dying To Exist”, el EP Toxic Hearts y su álbum Erasing Color. Además, han recorrido escenarios de manera independiente, encabezando sus propias giras y compartiendo escenario con bandas como Pierce The Veil, Secrets, Upon A Burning Body y Real Friends.

Con “Happy To Be Here”, The Failsafe muestran confianza, con una canción directa, potente y bien ejecutada que confirma que la banda está lista para dar el siguiente paso y seguir creciendo dentro del rock actual.


Awake & Dreaming y la fuerza experimental de “I U Me”

Awake & Dreaming y la fuerza experimental de “I U Me”

El trío Awake & Dreaming, integrado por Sasha Kristoff, Stefan Schneider y Ryan Dugal, ha construido un sonido que se mueve entre lo etéreo y lo contundente. Su propuesta se caracteriza por paisajes sonoros cargados de emoción, con influencias que van desde Radiohead hasta LCD Soundsystem. Cada integrante aporta un matiz distinto: la voz y el piano de Sasha, las cuerdas y teclas de Stefan, y la percusión dinámica de Ryan, logrando una fusión que se siente íntima y expansiva al mismo tiempo.

En ese contexto aparece “I U Me”, una canción que juega con el indie rock y lo lleva hacia terrenos experimentales. La pieza se sostiene en una escena musical rica en detalles, donde la variedad instrumental se convierte en el soporte de una atmósfera envolvente. La voz, cálida y precisa, eleva el tema y le da un carácter cercano, logrando que la propuesta se mantenga firme y coherente a lo largo de toda su duración.



La intención de Awake & Dreaming en “I U Me” parece clara: explorar nuevas formas de expresión sin perder la conexión emocional con el oyente. La canción se abre paso como un puente entre lo alternativo y lo experimental, mostrando que la banda no teme arriesgarse en la construcción de su sonido. Esa mezcla de géneros refuerza la identidad del grupo y lo coloca en un espacio donde la innovación es parte esencial de su narrativa.

Al escuchar “I U Me”, se percibe una propuesta que invita a sumergirse en un universo sonoro distinto, donde cada elemento instrumental aporta a la atmósfera general. La canción funciona como una muestra del camino que Awake & Dreaming está trazando: uno en el que la experimentación y la emotividad se encuentran para ofrecer música que se sostiene en su autenticidad. En esa combinación de indie rock y exploración sonora, el grupo reafirma su lugar dentro de la escena alternativa actual.


Mary Middlefield irrumpe sin concesiones con “Wake Up!”

Mary Middlefield irrumpe sin concesiones con “Wake Up!”

Desde Suiza, Mary Middlefield llega con “Wake Up!”, su nuevo sencillo, la cantautora inaugura el año con una declaración sonora directa y sin filtros, dejando atrás cualquier intento de contención para abrazar un indie-rock crudo, visceral y profundamente honesto.

Construida sobre baterías atronadoras y guitarras filosas, “Wake Up!” avanza con una urgencia casi asfixiante. La voz de Middlefield no busca suavizar el impacto: empuja, confronta y expone un monólogo interior cargado de amargura y autodesprecio. La repetición de órdenes y frases cortantes refuerza esa sensación de diálogo interno claustrofóbico, donde la lucidez convive con el colapso emocional. No hay provocación gratuita, sino una radiografía incómoda de un estado mental extremo.



La propia artista describe la canción como el sonido de “atraparte en tu peor momento y dejar la cinta grabando”. Esa idea atraviesa toda la pieza: “Wake Up!” no ofrece redención ni consuelo, solo exposición. Es el retrato de cómo la falta de empatía hacia otros y hacia uno mismo puede transformarse en algo ruidoso, feo y confrontacional cuando se proyecta hacia afuera.

El videoclip situa a Mary en un espacio fragmentado, lleno de espejos, reflejos y pantallas que refuerzan la noción de auto-confrontación. Descalza y sola, se observa mientras se desarma, consciente de su propia agencia incluso en medio del caos. La puesta en escena es austera y tensa, más interesada en la claridad que en el alivio.

“Wake Up!” llega tras una serie de lanzamientos clave como “The Feast”, “Summer Affair”, “Will You Read My Mind” y “Bite Me”, mientras Mary ultima los detalles de su segundo álbum un trabajo anunciado como profundamente personal y centrado en la identidad y la auto-posesión, este single funciona como una advertencia clara: Mary Middlefield no busca agradar, sino decir la verdad, incluso cuando resulta incómoda de escuchar.


“Golden Child”: 12 Stones entre rabia y corazón

“Golden Child”: 12 Stones entre rabia y corazón

Con “Golden Child”, 12 Stones reafirma su lugar como una de las bandas más sólidas y emocionales del rock alternativo estadounidense. Originarios de Mandeville, Louisiana, el grupo vuelve a conectar con sus raíces para entregar un sencillo intenso, honesto y cargado de significado, donde la potencia sonora se combina con una narrativa profundamente personal.

La canción explora las complejidades de las relaciones familiares, abordando temas como la herida emocional, las expectativas y la resiliencia. Paul McCoy ofrece una interpretación vocal conmovedora, moviéndose con naturalidad entre la vulnerabilidad y la rabia contenida, logrando que cada verso golpee de forma directa al oyente. Su voz se convierte en el eje emocional del tema, transmitiendo una sinceridad que rara vez se disimula tras la producción.



Musicalmente, “Golden Child” se sostiene sobre guitarras contundentes y bien definidas, con un solo de Eric Weaver que eleva la tensión dramática y deja una huella duradera. La base rítmica de Kevin Dorr en el bajo y Aaron Gainer en la batería aporta solidez y empuje, guiando la canción a través de sus momentos más introspectivos y sus explosiones de energía. La influencia de bandas como Three Days Grace o Skillet es perceptible, aunque 12 Stones mantiene una identidad basada en contrastes y emoción directa.

Más que un sencillo, “Golden Child” se presenta como un himno sobre las cicatrices familiares y la capacidad de seguir adelante. Es una prueba de que, a pesar del paso del tiempo, 12 Stones conserva intacta su habilidad para conectar con el público y ofrecer rock alternativo cargado de intensidad, verdad y corazón.


Diva Destruction regresa con “Break Free”, un himno de liberación desde la oscuridad

Diva Destruction regresa con “Break Free”, un himno de liberación desde la oscuridad

La banda estadounidense Diva Destruction, referente del rock gótico y dark wave originario de Los Ángeles, nos presenta “Break Free”, reafirmando la vigencia y profundidad emocional del proyecto liderado por Debra Fogarty.

Fundada en 1998, Diva Destruction se ha consolidado como una de las propuestas más respetadas dentro de la escena gótica internacional, gracias a una identidad sonora que combina atmósferas oscuras, sensibilidad melódica y pulsos industriales. Con temas clásicos como “The Broken Ones” y “Enslaved”, la banda logró convertir la introspección y el dolor en auténticos himnos de pista y culto.



“Break Free” representa una nueva etapa creativa para Fogarty, quien continúa ejerciendo un control total sobre la composición y producción. El sencillo mantiene la esencia melancólica y nocturna que caracteriza a Diva Destruction, pero introduce una sensación de renacimiento y emancipación, tanto a nivel lírico como sonoro. Es una canción que habla de romper cadenas emocionales, recuperar la voz propia y avanzar sin miedo, incluso desde la oscuridad.

El lanzamiento de “Break Free” coincidió con el regreso de Diva Destruction a los escenarios, incluyendo conciertos en Estados Unidos y Europa, y presentaciones destacadas en festivales internacionales. Este renovado impulso culmina con la confirmación de su primera visita a Sudamérica en 2025, un hito largamente esperado por sus seguidores en la región.

Más de dos décadas después de su formación, Diva Destruction demuestra con “Break Free” que su mensaje sigue siendo tan relevante como siempre. En un mundo marcado por la ansiedad, la alienación y la necesidad de liberación personal, la banda vuelve a recordarnos que incluso en los paisajes más oscuros, la música puede ser una herramienta de resistencia, catarsis y transformación.


Coach Party regresa con “Nurse Depression”, un grito contra la obsesión por los números

Coach Party regresa con “Nurse Depression”, un grito contra la obsesión por los números

La banda británica Coach Party, cuarteto de rock alternativo originario de la Isla de Wight, vuelve a la carga con “Nurse Depression”, un tema crudo, ruidoso y sin concesiones que marca su primera música nueva desde el lanzamiento de su segundo álbum, Caramel, en septiembre de 2025.

El single se estrenó en exclusiva en el programa de Steve Lamacq en BBC 6Music, reafirmando el estatus del grupo como una de las propuestas más viscerales del rock alternativo. Con guitarras abrasivas y una base rítmica implacable, “Nurse Depression” captura a la perfección la frustración acumulada de una banda que se niega a suavizar su mensaje.



Producida por el propio batería del grupo, Guy Page, la canción apunta directamente a la creciente obsesión de la industria musical por los números, las métricas y los algoritmos, en detrimento del impacto emocional y la integridad artística. Es una crítica feroz a un sistema que mide el valor del arte en reproducciones y estadísticas, olvidando lo que realmente importa: cómo te hace sentir una canción.

Musicalmente, el tema es un asalto frontal. Riffs salvajes, baterías insistentes y una energía que no da tregua sirven de vehículo para un mensaje claro. La cantante y bajista Jess Eastwood canaliza influencias que recuerdan a Hole, Sprints, Turnstile o Amyl and the Sniffers, combinando introspección y rabia con una actitud desafiante. Su declaración es directa y contundente: “no confíes en los números, vuelve a poner tu fe en el arte”.

Con “Nurse Depression”, Coach Party no solo reafirma su identidad forjada entre guitarras que derriten la cara y una honestidad brutal y lanza una llamada de atención tanto a la industria como al público. Es un recordatorio de que el rock sigue siendo un espacio para la catarsis, la emoción y la resistencia creativa.


Olive Jones presenta “Kingdom”, un himno político lleno de soul y blues electrónico

Olive Jones presenta “Kingdom”, un himno político lleno de soul y blues electrónico

La cantante y compositora británica Olive Jones continúa como una de las voces más prometedoras del soul y el indie alternativo en Reino Unido con el lanzamiento de su nuevo single “Kingdom”, adelanto de su álbum debut For Mary, que saldrá a la luz el 13 de marzo de 2026.

“Kingdom” llega como una canción poderosa y reflexiva que combina influencias de blues y electrónica, creando un sonido sofisticado que envuelve al oyente desde los primeros segundos. La temática de la canción es clara y directa: Olive aborda la división social y política, inspirada en los momentos de tensión del Brexit, y nos invita a reflexionar sobre la necesidad de encontrar puntos en común para construir un mundo más unido. La artista describe esta pieza como su himno político, donde la lírica comprometida se encuentra con un ritmo cautivador y lleno de vitalidad.



Este single no solo destaca por su mensaje, sino también por su ejecución musical. Las guitarras, los arreglos electrónicos y la voz característica de Olive, dulce, introspectiva y llena de emoción, crean un balance perfecto entre lo moderno y lo vintage, demostrando su madurez artística y sensibilidad musical.

El álbum For Mary recopila 12 canciones inspiradas en distintas etapas de la vida de Olive, en sus emociones y experiencias personales. Cada tema refleja una parte de su historia y personalidad, haciendo del disco una obra íntima y cohesionada que promete consolidar a Olive Jones como una de las artistas más importantes del soul contemporáneo británico. Con “Kingdom”, Olive nos invita no solo a disfrutar de un sonido cautivador, sino también a reflexionar y sentir, mostrando que el arte puede ser un vehículo poderoso para la conciencia social. Este single es, sin duda, una prueba del talento y la visión de una artista que ya está dejando su huella en la música actual.


“GLITCH BITCH”: caos digital, identidad fragmentada y poder sonoro

“GLITCH BITCH”: caos digital, identidad fragmentada y poder sonoro

La colaboración entre Stitched Up Heart, Conquer Divide y Judge & Jury da como resultado “GLITCH BITCH”, una canción que no busca comodidad ni concesiones. El tema se presenta como una descarga intensa que combina rap metal, hard rock y electronicore, utilizando el lenguaje digital como metáfora de una mente al borde del colapso.

Desde el primer segundo, GLITCH BITCH irrumpe con sintetizadores que simulan errores de sistema e interferencias electrónicas, creando una atmósfera de inestabilidad que marca el tono de toda la canción. El riff principal entra con agresividad inmediata, dejando claro que se trata de una experiencia diseñada para sacudir, no para acompañar pasivamente.



Uno de los mayores aciertos del tema es la forma en que la melodía y la letra funcionan como una sola entidad. Las voces se sienten internas, casi invasivas, como pensamientos que se repiten dentro de la cabeza de la protagonista. En los versos, la tensión se mantiene constante, mientras la interpretación vocal oscila entre contención emocional y una furia latente que amenaza con desbordarse.

El estribillo actúa como un punto de quiebre: screams desgarrados, beats electrónicos pulsantes y guitarras contundentes construyen un muro sonoro que representa el momento en que la mente pierde el control. Los cambios rítmicos no son aleatorios; funcionan como una representación directa de los estados de ánimo, deformando la identidad del personaje a medida que la canción avanza.

La producción, a cargo de Judge & Jury, es precisa, desde los efectos digitalizados hasta los silencios estratégicos. En el puente, un monólogo procesado electrónicamente evoca mensajes no respondidos y vínculos rotos, antes de desembocar en un breakdown de fuerza casi cinematográfica.

Más allá de su estética provocadora y su título incendiario, GLITCH BITCH es una canción que habla de desconexión emocional, colapso interno y reconstrucción personal en una era dominada por lo virtual. Es una propuesta arriesgada, pero justamente ahí reside su potencia: en convertir el caos mental y digital en una experiencia artística cruda, honesta y profundamente impactante.