Nuevo Rock

X / MIDHEAVEN: El heavy metal de Nashville con alma grunge

X / MIDHEAVEN: El heavy metal de Nashville con alma grunge

Friendship Commanders, el poderoso dúo compuesto por Buick Audra (guitarra y voz) y Jerry Roe (batería y bajo), se ha consolidado como una de las propuestas más interesantes de la escena heavy contemporánea. Con un enfoque que combina sludge, doom metal y elementos de stoner, el dúo ha sabido equilibrar riffs densos y agresivos con vocales cristalinas que añaden matices melódicos, creando un sonido intenso, pero accesible.

Su más reciente lanzamiento, el sencillo doble “X / MIDHEAVEN”, adelanta el esperado álbum BEAR, que saldrá el 10 de octubre a través de Magnetic Eye Records. Producido junto a Kurt Ballou, el álbum explora la temática del sentido de pertenencia y la identidad, abordando emociones y experiencias personales que oscilan entre la pérdida, la introspección y la resiliencia. “X” es un homenaje a la generación perdida y a la influencia de Steve Albini, mientras que “MIDHEAVEN” reflexiona sobre la identidad y el destino, con un enfoque instrumental que resalta la química y fuerza del dúo.



El video de “X”, dirigido y editado por Jerry Roe, captura la estética de los años grunge y la cultura musical de la Generación X, combinando nostalgia con un estilo moderno que refleja la personalidad del grupo. La crítica ha destacado cómo Friendship Commanders logra transformar experiencias personales en himnos universales, con riffs que recuerdan a Kyuss y Sleep, pero con un enfoque vocal etéreo que recuerda a la sensibilidad del alt-rock de los años 90.

Con dos álbumes previos, incluyendo un trabajo grabado en Electrical Audio junto a Steve Albini y otro co-producido por el dúo, Friendship Commanders continúa expandiendo su sonido mientras se prepara para su tercer disco. Su capacidad para fusionar intensidad, melancolía y melodía los consolida como una de las bandas más prometedoras dentro del metal independiente estadounidense.


“Turn Away”: The Altered Hours entre el shoegaze y la emoción cruda

“Turn Away”: The Altered Hours entre el shoegaze y la emoción cruda

La banda irlandesa de alt-rock y shoegaze The Altered Hours ha lanzado su nuevo sencillo “Turn Away”, un adelanto de su tercer álbum homónimo, que verá la luz el 7 de noviembre a través de Pizza Pizza Records. Desde su formación en 2010, el grupo se ha consolidado como uno de los referentes del underground irlandés, combinando guitarras washy, atmósferas psicodélicas y la intensidad cruda del garage rock.

Grabado directamente a cinta junto a la productora Julie McLarnon (New Order, Lankum, The Vaselines), “Turn Away” captura la química natural de la banda. La canción se construye sobre guitarras brillantes, voces que no esconden su personalidad y un lirismo cinematográfico: como describe el cantante y guitarrista Cathal MacGabhann, “alguien espera en una calle poco iluminada y mientras lo hace, sus dudas y esperanzas se mezclan, dando vida a la canción en una sola sesión de composición”.



Inspirado por referentes como Frank Black & The Catholics, Stereolab y My Bloody Valentine, el sencillo equilibra la etérea densidad del shoegaze con la energía inmediata del garage, logrando un sonido que se siente a la vez familiar y fresco. “Turn Away” refleja una banda en plena evolución.

Tras los singles previos “All Amnesia” y “Lay There With You”, este nuevo tema confirma que The Altered Hours no solo regresan, sino que lo hacen con una fuerza renovada, listos para consolidarse como uno de los nombres más potentes de la escena alternativa europea.


Bobby Amaru y Veda: un legado de rock que renace con Somewhere I Belong

Bobby Amaru y Veda: un legado de rock que renace con Somewhere I Belong

El vocalista de Saliva, Bobby Amaru, y su hija de 14 años, Veda, han logrado captar la atención del mundo con una colaboració, su nuevo lanzamiento, “Somewhere I Belong”, quie consolida la conexión musical entre padre e hija. Con más de 2,4 millones de seguidores en TikTok, Bobby y Veda se han convertido en un fenómeno, demostrando que la autenticidad y la pasión siguen siendo la fórmula más efectiva para conectar con el público. La química entre ambos es innegable: la voz rasposa y llena de experiencia de Bobby se funde con la frescura y la emotividad vocal de Veda, creando un contraste que resulta tan intenso como conmovedor.



Somewhere I Belong se presenta como el tercer sencillo del dúo, que trabaja bajo el proyecto Judge & Jury, y simboliza un homenaje honesto a la música que los inspira, al tiempo que abre camino hacia una identidad propia. Su interpretación transmite respeto a los clásicos, pero también aporta un sello personal capaz de atraer tanto a los seguidores veteranos del rock como a una nueva generación de oyentes.

La producción del tema está acargo de Howard Benson (My Chemical Romance, Papa Roach, Chester Bennington) y Neil Sanderson de Three Days Grace, quienes han acompañado al dúo en la creación de lo que será su primer álbum de larga duración. Con este equipo detrás, el proyecto de Bobby y Veda apunta a trascender el fenómeno viral para convertirse en una propuesta artística con mucho de que dar.

Más allá de la música, la historia detrás de Somewhere I Belong refleja la fuerza de los lazos familiares y la importancia de transmitir la pasión por el arte de generación en generación. En un momento en el que el rock busca reinventarse y encontrar nuevos espacios, la unión entre Bobby Amaru y Veda se convierte en un recordatorio de que el género sigue vivo, vibrante y listo para sorprender.


Teen Jesus and the Jean Teasers: Rabia, Reivindicación y Revolución Sonora

Teen Jesus and the Jean Teasers: Rabia, Reivindicación y Revolución Sonora

Desde Canberra, Australia, Teen Jesus and the Jean Teasers han emergido como una de las voces más crudas y auténticas del rock alternativo contemporáneo. Con una propuesta que combina la energía del punk, la intensidad del indie rock y un lirismo cargado de verdad, la banda ha logrado consolidar un sonido propio que desafía convenciones y celebra la fuerza femenina.



Su más reciente sencillo, “MOTHER”, representa un punto de inflexión en su carrera. Por primera vez, la guitarrista Scarlett McKahey asume el rol de vocalista principal, imprimiendo a la canción una intensidad brutal y desgarradora. El tema arranca con un toque twangy, reminiscente de sonidos western, para luego estallar en una tormenta de energía y furia, donde la banda grita sin reservas. Las letras son un manifiesto para todas las mujeres que han sido víctimas del engaño y la manipulación de hombres que aparentan bondad, convirtiéndose en un himno de resistencia y empoderamiento colectivo.

Con el próximo lanzamiento de su álbum “GLORY” el 7 de noviembre, la banda promete continuar explorando temáticas de poder, identidad y rebeldía, manteniendo a su audiencia al borde de la emoción y la euforia musical. Teen Jesus and the Jean Teasers son, sin duda, un estandarte del rock que no teme confrontar, emocionar y empoderar a quienes los escuchan.


Burnout Days: Confesiones y Catarsis de una Banda en Pleno Ascenso

Burnout Days: Confesiones y Catarsis de una Banda en Pleno Ascenso

flipturn llega con fuerza renovada con su esperado álbum Burnout Days, consolidando su lugar en la escena indie rock internacional. Originarios de Fernandina Beach, Florida, Dillon Basse (voz/guitarra), Tristan Duncan (guitarra líder), Madeline Jarman (bajo/voz), Mitch Fountain (sintetizador/guitarra) y Devon VonBalson (batería) han pasado de tocar ensayos en garajes a llenar salas icónicas y festivales como Bonnaroo y Lollapalooza, acumulando más de 300 millones de streams.



Burnout Days se presenta como una obra que combina confesión y celebración. La banda refleja en sus letras y producción el precio del éxito en el indie rock y los desafíos personales que conlleva, transformando el cansancio y la presión en catarsis antemica. Las guitarras de Duncan, el bajo de Jarman, los sintetizadores de Fountain y la batería de VonBalson se entrelazan para crear un sonido dinámico y envolvente, mientras la voz de Basse transmite madurez, vulnerabilidad y autenticidad.

El álbum explora temas como la fatiga, la positividad tóxica y la aceptación del cambio constante, construyendo un viaje emocional que va de momentos íntimos a coros explosivos. La colaboración reciente con Old Mervs en la versión del tema homónimo amplía la riqueza sonora del disco y celebra la conexión entre artistas. Burnout Days no solo muestra la evolución musical de flipturn, sino también su capacidad de conectar profundamente con el oyente, ofreciendo un indie rock vibrante, reflexivo y lleno de energía.

Con próximas giras por Reino Unido, Australia y Estados Unidos, flipturn continúa llevando su música a nuevos públicos, demostrando que su trayectoria es tanto un testimonio de talento como de pasión inquebrantable.


“Rock A Bye Baby”: La nueva odisea de Jean Dawson en la música alternativa

“Rock A Bye Baby”: La nueva odisea de Jean Dawson en la música alternativa

Jean Dawson, el polifacético cantante, compositor y productor originario de San Diego, California, se ha consolidado como uno de los artistas más disruptivos de la música alternativa actual. Su estilo, autodenominado “ghetto pop”, desafía cualquier etiqueta y fusiona con maestría elementos del punk, trap, hip-hop, alt-rock, indie pop y R&B, creando un sonido que es a la vez fresco, emocional y profundamente personal.

Recientemente, Dawson estrenó su sencillo “Rock A Bye Baby”, una pista a cargo de sus colaboradores de confianza Hoskins, Lecx Stacy, Johnny May y Jesse Shuster, la canción combina ritmos pegajosos con una sensibilidad nostálgica y letras que exploran la dualidad de la experiencia humana, entre fragilidad y fuerza interior. Desde su icónico riff de guitarra hasta la utilización de la voz como instrumento principal, la canción es un ejemplo de cómo Dawson puede hacer pop sin renunciar a su espíritu rebelde y reflexivo.



Criado entre San Diego y Tijuana, su identidad bicultural y su trayectoria personal enriquecen su propuesta, aportando capas de significado y autenticidad que resuenan con un público amplio y diverso. Su honestidad brutal al abordar temas como salud mental, pertenencia y espiritualidad convierte cada proyecto en una experiencia íntima y única para el oyente.

El impacto de Dawson no ha pasado desapercibido, actualmente forma parte de la gira de Linkin Park, además de presentar sus propios shows como cabeza de cartel. Con “Rock A Bye Baby” y su próximo proyecto Rock A Bye Baby Glimmer of God, Jean Dawson confirma que no solo está redefiniendo los límites de la música alternativa, sino también consolidando su lugar como una de las voces más originales y necesarias de la escena actual.

Su propuesta es un manifiesto generacional: valiente, emocional, camaleónica y auténticamente Jean Dawson, un artista que transforma sus experiencias personales en arte y que invita a sus seguidores a experimentar la música sin filtros ni barreras.


Sam Burchfield y su sincera travesía con Holiday

Sam Burchfield y su sincera travesía con Holiday

El cantautor Sam Burchfield regresa con Holiday, un sencillo que mezcla indie rock y el folk rock, ofreciendo un sonido crudo y orgánico que resalta la fuerza de su voz y la honestidad de su propuesta musical. La canción es una invitación a detenerse, replantear el rumbo y encontrar significado en medio de la rutina diaria.

Con un tono íntimo y directo, Holiday explora la necesidad de cambio y adaptación a nuevas etapas de la vida. Sus letras transmiten la importancia de dejar atrás lo que ya no suma y de enfocarse en lo verdaderamente esencial, conectando con emociones universales que muchos oyentes reconocen en sus propias experiencias. La naturalidad de la instrumentación y la expresividad vocal de Burchfield crean un ambiente cercano, generando empatía y una fuerte conexión emocional con el público.



Originario de Carolina del Sur y criado en las montañas Blue Ridge, Sam Burchfield lleva en sus raíces el folk, el gospel y el soul sureño, influencias que lo han acompañado a lo largo de su carrera. Su primer álbum, Graveyard Flower, ya mostraba su búsqueda de autenticidad y su profundo vínculo con la tierra y la música de raíz. Desde entonces, acompañado por su banda The Scoundrels, ha compartido escenario con artistas como CAAMP, St. Paul & The Broken Bones y Ben Rector.


LYLVC presenta “Barely Human”: un himno post-apocalíptico de metal moderno

LYLVC presenta “Barely Human”: un himno post-apocalíptico de metal moderno

LYLVC (pronunciado “Lilac”), la banda de Raleigh, Carolina del Norte, sigue consolidando su propuesta híbrida que fusiona rock, metal, hip-hop y electrónica con su nuevo sencillo Barely Human. La canción, lanzada bajo Judge & Jury Records, crea un mundo posapocalíptico devastado por un virus que deja solo vacío, dolor y miedo. Los sobrevivientes se ven obligados a reemplazar partes de su cuerpo con prótesis robóticas, convirtiéndose en “apenas humanos” y enfrentando la elección entre desconectarse emocionalmente o mantener su última chispa de humanidad.



Musicalmente, Barely Human combina metalcore, djent y progresivo con melodías precisas y poderosas. Los vocales femeninos de Alyse Zavala y los segmentos rapeados de Oscar Romero Lemus se entrelazan para crear un contraste dramático, mientras la producción de Howard Benson junto a Mike Plotnikoff y Joe Rickard garantiza una potencia instrumental y una narrativa sonora de alto impacto. La colaboración con Judge & Jury refuerza la intensidad y la atmósfera cinematográfica del tema.

El videoclip amplifica la historia, mostrando paisajes desolados, enfrentamientos dramáticos y la presencia de Indio Falconer Downey con armamento futurista, llevando la metáfora de supervivencia y humanidad al terreno visual. Tras giras internacionales exitosas, LYLVC continúa su expansión con próximas presentaciones por Estados Unidos y Europa, consolidándose como un referente de la experimentación sonora y narrativa en el metal moderno.


Native Sun: Punk, Garage y Arte en Cada Acorde de Concrete Language

Native Sun: Punk, Garage y Arte en Cada Acorde de Concrete Language

La banda neoyorquina Native Sun acaba de lanzar su nuevo sencillo “Adam”, el cuarto adelanto de su esperado álbum debut Concrete Language. Con un sonido que combina garage rock, art rock y punk, la banda ofrece una propuesta intensa, visceral y cargada de energía, con guitarras crudas, ritmos contundentes y melodías que capturan la urgencia y vitalidad de la ciudad que los inspira.

Danny Gomez, vocalista y guitarrista de la banda, describe la canción: “‘Adam’ es una canción sobre la amistad en una ciudad que nunca se detiene. La gente va y viene, pero los recuerdos permanecen. Se inspiró en una noche surreal recorriendo Nueva York, persiguiendo algo que no podíamos nombrar”. La canción transmite esa sensación de movimiento constante, reflejando la vida urbana con un toque de nostalgia y melancolía.



El sencillo fue producido, mezclado y grabado por Jonathan Schenke (Parquet Courts, Snail Mail, Bodega, The Drums) y masterizado por Joe LaPorta (David Bowie, IDLES, Vampire Weekend, Run the Jewels) en Sterling Sound, logrando un sonido potente y definido que resalta la fuerza de Native Sun.

Native Sun está formada por Danny Gomez (voz/guitarra), Justin Barry (bajo/voz), Jack Hiltabidle (guitarra) y Nicolas Espinosa (batería). La banda es conocida por sus presentaciones en vivo intensas y por las letras sociales de Gomez, que documentan la vida de los marginados y transforman la desilusión en acción. Con Concrete Language y el sencillo “Adam”, Native Sun promete establecer un nuevo estándar de energía y autenticidad en el rock independiente de Nueva York.


William Hinson y la magia de la conexión humana en cada canción

William Hinson y la magia de la conexión humana en cada canción

William Hinson, originario de Winston-Salem, Carolina del Norte, es una voz fresca y honesta dentro del indie pop contemporáneo. Su música, cargada de sensibilidad y autenticidad, navega entre influencias de leyendas como The Beatles, John Mayer y la energía moderna de The 1975, creando un sonido que es a la vez familiar y propio.

Su último álbum, Everything Will Be Okay, es un reflejo de su trayectoria personal y musical. Inspirado en las experiencias vividas durante años de gira por Estados Unidos, el disco recoge momentos de reflexión, crecimiento y conexión humana. William lo define como una encapsulación de su carrera hasta la fecha, donde cada canción representa una etapa de evolución tanto lírica como sonora.



Temas como “You’re Upset”, su más reciente sencillo, muestran esa combinación entre melodías brillantes, ritmos pegajosos y letras sinceras que exploran la complejidad de las relaciones y las emociones. Con una voz cálida y cercana, Hinson invita al oyente a sumergirse en historias que resultan tan personales como universales, convirtiendo cada canción en un refugio de empatía y comprensión.

Lo más notable de Everything Will Be Okay es cómo cada pista se entrelaza para formar un cuerpo de trabajo coherente y emotivo, desafiando las convenciones tanto sonoras como visuales. En un mundo lleno de incertidumbres, la música de William Hinson se presenta como un recordatorio esperanzador de que, mientras mantengamos nuestras conexiones y apoyos mutuos, todo estará bien.