Originarios de Washington D.C., Broke Royals es una de las propuestas más interesantes del indie rock y shoegaze contemporáneo. Formados en 2014, el quinteto compuesto por Philip Basnight, Colin Cross, Ben Wilson, Taimir Gore y Rebecca Silverstein. Tras tres álbumes y varios sencillos que exploraban desde el indie rock clásico hasta matices más experimentales, la banda muestra una evolución clara en su nuevo sencillo “Still”, lanzado el 8 de octubre de 2025. La canción se adentra en terrenos shoegaze, con guitarras que se despliegan como capas de niebla y un bajo contundente que sostiene cada melodía. El resultado es un tema lleno de épica, melódico pero con la fuerza suficiente para transmitir la intensidad emocional de la banda.
“Still trata sobre la perseverancia y el sonido de cinco amigos que evolucionan pero nunca pierden lo que inició todo”, explican los miembros de Broke Royals. Y efectivamente, la canción refleja esa combinación de madurez artística y energía juvenil, con riffs que cortan a través del paisaje sonoro y un estribillo que se siente como un río en crecida donde el oyente se deja llevar.
Con Still, Broke Royals consolidan su identidad y demuestran que, después de más de diez años, siguen encontrando nuevas formas de reinventarse sin perder la esencia que los distingue. Los fanáticos del shoegaze, así como quienes buscan indie rock con profundidad emocional y atmósferas envolventes, encontrarán en este tema un excelente ejemplo del talento y la cohesión del grupo.
Formado en 2014 en Los Ángeles, Livingmore surgió cuando Alex y Spencer se conocieron a través de sus proyectos solistas. La química musical entre ambos fue inmediata, dando origen a un proyecto conjunto que rápidamente captó la atención del público con un EP y varios sencillos. Su interpretación de Little Bird en un estacionamiento se volvió viral, consolidando su presencia en línea y marcando el inicio de una carrera prometedora en la escena indie.
Su álbum debut, OK To Land, recibió elogios de la crítica y presentó al mundo un sonido que combina la sensibilidad moderna del indie rock con un toque de pop nostálgico. En 2021, la banda lanzó Take Me, producido junto al baterista y colaborador Mike Schadel y mezclado por Josiah Mazzaschi, que mostró su crecimiento artístico y exploración sonora. Su álbum de 2022, Look, destacó por su intimidad y versatilidad, confirmando a Livingmore como un grupo capaz de experimentar sin perder su identidad.
El sonido de Livingmore se caracteriza por melodías pegajosas, guitarras expresivas y letras que exploran emociones profundas, desde la vulnerabilidad hasta la resiliencia. Su sencillo más reciente, Hurting, continúa esta línea, combinando elementos de Country y Southern Rock con un enfoque introspectivo que invita a la reflexión y la empatía. La banda también acompaña su música con visuales impactantes, como el videoclip de Hurting, que captura la esencia de la canción a través de secuencias en cámara lenta.
Actualmente, Livingmore trabaja junto a Jeff Schroeder (Smashing Pumpkins) en su próximo material, prometiendo seguir sorprendiendo con su estilo único. Con actuaciones enérgicas, un sonido distintivo y una capacidad para conectar emocionalmente con su audiencia, Livingmore se ha consolidado como uno de los actos indie más interesantes de la actualidad.
Don’t Tell John es una banda que combina la experiencia de cinco músicos de los años 90 con la frescura de su hija, Verónica, de 27 años, creando un sonido que conecta el indie rock clásico con el blues contemporáneo. Su estilo, conocido como bloodline rock & soul, fusiona la melancolía y la energía de décadas pasadas con la actitud y fuerza de la nueva generación, dando lugar a canciones llenas de personalidad y autenticidad.
Su más reciente sencillo, “Again”, refuerza esta propuesta sonora. La canción se construye sobre guitarras ácidas y un chimbal seco y sincopado, mientras el bajo aporta un groove firme que sostiene la armonía. La interpretación vocal de Verónica se destaca por su potencia y matices emotivos, pasando de susurros cercanos a notas explosivas que transmiten toda la intensidad del tema. La letra aborda experiencias universales, como la ansiedad, la reflexión personal y el proceso de superar los errores del pasado, convirtiendo la canción en un viaje introspectivo que invita a la catarsis emocional.
Con “Again”, Don’t Tell John logra equilibrar lo mejor del pasado con la innovación actual, demostrando que la combinación de experiencia y juventud puede dar lugar a un sonido sólido y versátil. La banda continúa consolidándose como una de las propuestas más interesantes del indie rock y el soul contemporáneo, con un enfoque íntimo, poderoso y lleno de matices que mantiene vivo el espíritu del rock.
Su música ya se encuentra disponible en todas las plataformas de streaming, y “Again” promete ser un punto de encuentro para quienes buscan la emoción del pasado con la energía del presente.
Fake Dad ha sabido jugar con la ironía de su nombre para construir un universo propio que se mueve entre el indie rock, el dream pop y ahora también la irreverencia del punk. Formado por Andrea de Varona y Josh Ford, el dúo nació en 2020 en Nueva York y actualmente reside en Los Ángeles, llevando consigo la energía caótica de la gran ciudad y la frescura de la costa oeste.
Desde su primer encuentro en una fiesta universitaria en el East Village, Andrea y Josh han sido inseparables, compartiendo no solo una relación personal sino también una visión artística que se nutre de contrastes: la dulzura y la rabia, lo íntimo y lo explosivo, lo verdadero y lo ficticio. Esa dualidad se refleja en cada uno de sus lanzamientos, donde las guitarras crujientes conviven con sintetizadores brillantes y ganchos pop capaces de quedarse en la cabeza durante días.
En los últimos años, Fake Dad se ha obsesionado con la idea de la “pose” en el rock. Y es que, como ellos mismos señalan, algunos de los artistas más grandes construyeron personajes para poder decir verdades más profundas: PJ Harvey gritaba que era “man-sized”, Stevie Nicks encarnaba a la bruja indomable, David Bowie se convirtió en extraterrestre y LCD Soundsystem fingía ser el alma de la fiesta. Para Andrea y Josh, lo falso puede ser un camino hacia la autenticidad.
Su nuevo EP, titulado Holly Wholesome and the Slut Machine, es prueba de ello: un viaje por un mundo surrealista lleno de payasos furiosos, caballeros trágicos y demonios enmascarados que sirven como metáfora de experiencias muy reales, desde la identidad hasta la sexualidad y la dinámica de pareja en una relación “straight-passing”.
Dentro de este proyecto destaca “Invader”, un sencillo bilingüe y combativo donde Andrea toma la narrativa antiinmigrante y la revierte, señalando a los verdaderos invasores: los hombres poderosos que creen ser dueños del mundo. El tema, cargado de guitarras y un frenesí punk que recuerda a un cruce imposible entre The Prodigy y Wet Leg, convierte la rabia en celebración y resistencia.
Al final, en el universo de Fake Dad, lo falso y lo verdadero no se oponen: conviven. Y es precisamente ahí, en ese espacio intermedio, donde nace algo profundamente auténtico.
Tras su debut Howling at a Concrete Moon, que capturó la desafección de la juventud británica en tiempos de austeridad, la banda londinense Pynch regresa con su segundo álbum Beautiful Noise, un trabajo más introspectivo que mira hacia adentro para explorar el amor, la muerte, la fe y la búsqueda de sentido a través del arte.
Producido por Spencer Enock en el estudio casero de la banda y con la batería grabada por Andy Ramsay de Stereolab, Beautiful Noise es un recorrido lo-fi que combina distorsión, sintetizadores new-wave, breakbeats y voces glitch con un enfoque DIY. El álbum logra un equilibrio entre lo íntimo y lo ambicioso, con una estética que combina la sencillez de la vida cotidiana con reflexiones filosóficas profundas. Canciones como “Forever” transmiten melancolía veraniega, mientras “Microwave Rhapsody” plantea preguntas sobre el sentido de la vida con un toque eufórico y danzante, y “How to Love Someone” traza la catarsis de una relación rota con intensidad emocional.
La narrativa del disco se nutre de la combinación de lo cotidiano y lo trascendental: desde la búsqueda de los jeans perfectos hasta lecturas de consejos de relaciones en Reddit, Pynch logra que cada instante se sienta significativo. Influencias que van de Jonathan Richman y Sufjan Stevens hasta Pavement y New Order se mezclan en un sonido que es a la vez cinematográfico y juguetón, melancólico y expansivo.
Tras la salida del miembro fundador James Rees, la incorporación de Myles Gammon en sintetizadores en 2024 y la continua participación de Julianna Hopkins en batería, voces y sintetizadores, la banda reafirma su identidad sonora. El arte del disco, a cargo de Scott Enock, hermano de Spencer, complementa la estética DIY de Pynch, reforzando la conexión entre imagen y sonido.
Beautiful Noise busca capturar momentos íntimos y grandes preguntas, combinando espiritualidad y slacker pop. Como dice Spencer: “Queríamos hacer un disco auténtico, que reflejara quiénes somos como banda… Se trata de amor, muerte y la maravilla de estar vivo”. En tiempos donde los artistas deben autopromocionarse y mercantilizar su arte, Pynch ofrece algo distinto: un disco desordenado, humano y profundamente personal, hecho por una banda que aún se está encontrando, pero que logra transmitir algo trascendente en el proceso.
Love Ghost, la banda originaria de Los Ángeles liderada por Finnegan Bell, vuelve a reinventarse con Gas Mask Wedding, un álbum que funciona como un compendio de canciones de amor escritas desde un escenario distópico.
Este trabajo es, en esencia, un manifiesto sobre la búsqueda de intimidad en medio del caos: amar algo que puede destruirte y sobrevivir al acto. Cada canción abre un universo propio, pero todas comparten el pulso emocional y la crudeza poética que han convertido a Love Ghost en una propuesta única dentro del panorama alternativo.
El disco se mueve con naturalidad entre géneros: desde la balada desnuda al piano Car Crash, hasta el pop-punk contagioso de Left on Read junto a Wiplash; del trap oscuro de Scar Tissue a los tintes noventeros de Falling Down. Colaboraciones con artistas como Zach Goode (Smash Mouth), The Skinner Brothers, Reverie, Demario SB y productores como Mike Summers (Kendrick Lamar, Lil Wayne) refuerzan el carácter global de la obra.
El Track x Track de Gas Mask Wedding
1. Car Crash Un inicio devastador y delicado. Car Crash se sostiene únicamente en un piano melancólico y la voz dulce de Finnegan Bell, construyendo un paisaje sonoro frágil y confesional. La canción compara una relación con un accidente repentino: violento, inesperado, y al mismo tiempo cargado de belleza en medio del caos. Cada acorde es un eco de silencio y arrepentimiento, una catarsis íntima que desnuda el costado más vulnerable de Love Ghost.
2. Scrapbook Esta colaboración con The Skinner Brothers funciona como un recorrido por los recuerdos más intensos de los últimos años: amores que se fueron, logros efímeros, caídas dolorosas y comienzos esperanzadores. Musicalmente Scrapbook nos lleva de regreso al Punk Rock adolescente de los dos mil, mezclando guitarras cargadas de energía con un espíritu casi confesional, como si cada verso fuera una fotografía pegada en un cuaderno. La metáfora del “scrapbook” convierte la memoria en un artefacto emocional, mostrando cómo las experiencias se quedan adheridas al alma.
3. FUCKED UP FEELINGS Oscura, sensual y desconcertante, esta canción lleva a Love Ghost a terrenos poco habituales, fusionando R&B con grunge y un aura lofi sin dejar el sonido caracteristico del artista. Con referencias que evocan tanto a Prince como a Lil Peep y Joji, el tema se convierte en un retrato sonoro de la confusión emocional: deseo mezclado con incertidumbre, placer contaminado por el dolor. Es un viaje por emociones enredadas, donde la melodía hipnótica y el ritmo pesado reflejan la turbulencia de un momento vital, el tema por su mezcla de sonidos se hace particular dentro del albúm y de la discografia de Love Ghost.
4. Left on Read Regresando a terrenos mas conocidos, la rabia de ser ignorado encuentra su himno en Left on Read, un tema pop-punk explosivo en colaboración con Wiplash. Con la producción de Mike Summers (Kendrick Lamar, Lil Wayne), la canción vibra con guitarras frenéticas y un estribillo coreable, recordando a referentes como Green Day o All Time Low. La letra captura esa mezcla de frustración y orgullo herido que se siente al ser “dejado en visto”, convirtiéndola en un desahogo juvenil que se grita con rabia y humor ácido.
5. Hair Dye Más que una canción, es un pequeño retrato personal en forma de skit. Aquí, Finnegan Bell abre una ventana a su vida amorosa con un tono íntimo y confesional. Aunque breve, su inclusión aporta un respiro narrativo al disco, funcionando como un puente que conecta la vulnerabilidad del artista con la crudeza del relato general.
6. Scar Tissue Uno de los cortes más intensos del álbum, Scar Tissue se adentra en la oscuridad del trap para hablar de las cicatrices emocionales y los ecos del trauma. Con beats densos y atmósferas inquietantes, la canción transmite la sensación de estar atrapado en una mente que no se calla. Es una representación musical del ruido interno, donde cada verso se convierte en un grito silencioso contra los demonios que acompañan a la memoria. Desde el inicio del track se siente la densidad de guitarras oscuras que se ven entralzadas con todo el sonido del trap americano.
7. Sandcastles Colaborar con Zach Goode de Smash Mouth le da a Sandcastles un aire fresco y nostálgico a la septima canción del disco, capturando la belleza fugaz de la juventud y los sueños, comparándolos con castillos de arena que inevitablemente serán borrados por las olas. Con un sonido con la energía del pop-punk y un toque soleado californiano, se convierte en un himno que vibra entre lo alegre y lo melancólico, combinando dos colores de voces completamente distintas.
8. Hallucinations En este tema, junto a Reverie, Love Ghost combina guitarras hipnóticas y un bajo groovy con una vibra soñadora que recuerda tanto a Sublime como al experimentalismo de Jean Dawson. Hallucinations transporta al oyente a un estado onírico, un atardecer eterno donde la línea entre fantasía y realidad se difumina. Es una canción que celebra el escapismo juvenil y la libertad de perderse en sensaciones irreales, con un sonido fusion entre el trap y guitarras distorsionadas.
9. Angelic Minimalista pero devastadora, Angelic es una balada alt-rock que navega entre la dulzura y la desolación. Su sonido, inspirado en la intimidad de XXXTentacion y la sensibilidad de Smashing Pumpkins, transmite la fragilidad del amor no correspondido. La voz de Finnegan se convierte aquí en un lamento, una plegaria que flota sobre acordes acusticos delicados, evocando la herida de amar sin reciprocidad.
10. Worth It La tercera colaboración con The Skinner Brothers entrega una canción llena de rock alternativo visceral y desgarrador. Con guitarras melancolicas, Worth It se sumerge en la eterna pregunta de la autovalía: ¿soy suficiente? La letra corta como un cuchillo, mientras la música asciende hacia un clímax donde explota la distorsión en las guitarra mientras nos invitan a confrontar el espejo y enfrentar los miedos más profundos,
11. Spirit Box Inspirada en los dispositivos que sirven como canal con el más allá, Spirit Box es un tema cargado de misterio y espiritualidad. Con un sonido a piano y voz, la canción se siente como una conversación entre vivos y muertos, como si las palabras fueran transmitidas desde un lugar intangible. Es uno de los momentos más etéreos del disco, donde Love Ghost se permite experimentar con lo metafísico y lo fantasmagórico mientras juega con tintes de trap y rock.
12. A Message from Finn En este interludio, Finnegan toma la palabra directamente para hablar sobre el largo y desafiante camino que llevó a la creación de Gas Mask Wedding. Más que un simple mensaje, es un gesto de cercanía, un recordatorio de que detrás de cada canción hay un viaje de años, cicatrices reales y la voluntad de compartirlas.
13. Falling Down Una pieza de alt-rock noventero con tintes melódicos, Falling Down es un retrato de la caída emocional tras un amor perdido. Su sonido nostálgico encapsula la sensación de derrumbarse mientras el mundo sigue en movimiento.
14. Heartbreak City Junto a Demario SB y Matt Kali, Heartbreak City pinta el retrato de una urbe en la que el amor parece haber muerto. Fusionando rap y rock alternativo, el tema ofrece una visión oscura y distópica del desamor en tiempos modernos. Su atmósfera es asfixiante y urbana, como recorrer calles iluminadas por neón donde la soledad es la única compañía.
15. Soviet Ghost Con producción de Seth Bishop, Soviet Ghost narra la historia de un soldado olvidado, condenado a vagar entre las ruinas de un imperio caído. Musicalmente oscura y reverberante, la canción evoca la paranoia de la Guerra Fría y los fantasmas que deja la historia. Es un viaje sonoro entre lo bélico, lo político y lo espiritual, jugando mas del lado R&B y trap de Love Ghost.
16. The Masochist Cerrando el albúm “The Masoclist” funciona como una confesión sobre el deseo de abrazar el dolor. La canción convierte la vulnerabilidad en un acto de poder, con un sonido minismalista y oscuro que deja al oyente con una mezcla de inquietud entre estas confesiones y la dulzura del e-piano. Es la culminación de un disco donde el amor, el trauma y la destrucción se entrelazan en un fundido al final del camino.
Love Ghost no rehúye temas como el trauma, la salud mental o la vulnerabilidad, y los convierte en un estallido creativo que dialoga con el presente sin olvidar las heridas del pasado.
Con una trayectoria que ya incluye giras por México, Europa, Japón y presentaciones en festivales como Rockpalast en Alemania, Love Ghost ha encontrado en Latinoamérica un segundo hogar creativo. Colaboraciones con artistas como Adán Cruz, Santa RM o Dan Garcia han consolidado su vínculo con la escena mexicana. Para la banda, este álbum es una invitación a compartir cicatrices, emociones extremas y la posibilidad de hallar belleza incluso en medio del colapso.
La banda dublinesa Big Sleep sigue creciendo como una de las bandas de indie-rock más prometedoras de Irlanda con su nuevo sencillo “Don’t You Wanna”, producido por Chris W Ryan (NewDad, Just Mustard), el tema mezcla guitarras con fuzz, un ritmo contagioso y la voz potente de Rónán Connolly, creando un sonido que parece hecho para sonar en vivo.
“‘Don’t You Wanna’ es una canción sobre divertirse; ve y diviértete,” comenta la banda, y esa energía se percibe en cada acorde. El coro pegadizo y los riffs llenos de fuerza convierten al tema en un himno que no tarda en quedarse en la cabeza del oyente.
Desde su formación, Big Sleep ha recorrido Europa con su directo explosivo, tocando en festivales como Latitude, Electric Picnic y Beyond The Pale, su sonido, con guiños a Pixies, Big Thief y The Cure, combina potencia, melancolía y melodías que se quedan contigo.
Friendship Commanders, el poderoso dúo compuesto por Buick Audra (guitarra y voz) y Jerry Roe (batería y bajo), se ha consolidado como una de las propuestas más interesantes de la escena heavy contemporánea. Con un enfoque que combina sludge, doom metal y elementos de stoner, el dúo ha sabido equilibrar riffs densos y agresivos con vocales cristalinas que añaden matices melódicos, creando un sonido intenso, pero accesible.
Su más reciente lanzamiento, el sencillo doble “X / MIDHEAVEN”, adelanta el esperado álbum BEAR, que saldrá el 10 de octubre a través de Magnetic Eye Records. Producido junto a Kurt Ballou, el álbum explora la temática del sentido de pertenencia y la identidad, abordando emociones y experiencias personales que oscilan entre la pérdida, la introspección y la resiliencia. “X” es un homenaje a la generación perdida y a la influencia de Steve Albini, mientras que “MIDHEAVEN” reflexiona sobre la identidad y el destino, con un enfoque instrumental que resalta la química y fuerza del dúo.
El video de “X”, dirigido y editado por Jerry Roe, captura la estética de los años grunge y la cultura musical de la Generación X, combinando nostalgia con un estilo moderno que refleja la personalidad del grupo. La crítica ha destacado cómo Friendship Commanders logra transformar experiencias personales en himnos universales, con riffs que recuerdan a Kyuss y Sleep, pero con un enfoque vocal etéreo que recuerda a la sensibilidad del alt-rock de los años 90.
Con dos álbumes previos, incluyendo un trabajo grabado en Electrical Audio junto a Steve Albini y otro co-producido por el dúo, Friendship Commanders continúa expandiendo su sonido mientras se prepara para su tercer disco. Su capacidad para fusionar intensidad, melancolía y melodía los consolida como una de las bandas más prometedoras dentro del metal independiente estadounidense.
La banda irlandesa de alt-rock y shoegaze The Altered Hours ha lanzado su nuevo sencillo “Turn Away”, un adelanto de su tercer álbum homónimo, que verá la luz el 7 de noviembre a través de Pizza Pizza Records. Desde su formación en 2010, el grupo se ha consolidado como uno de los referentes del underground irlandés, combinando guitarras washy, atmósferas psicodélicas y la intensidad cruda del garage rock.
Grabado directamente a cinta junto a la productora Julie McLarnon (New Order, Lankum, The Vaselines), “Turn Away” captura la química natural de la banda. La canción se construye sobre guitarras brillantes, voces que no esconden su personalidad y un lirismo cinematográfico: como describe el cantante y guitarrista Cathal MacGabhann, “alguien espera en una calle poco iluminada y mientras lo hace, sus dudas y esperanzas se mezclan, dando vida a la canción en una sola sesión de composición”.
Inspirado por referentes como Frank Black & The Catholics, Stereolab y My Bloody Valentine, el sencillo equilibra la etérea densidad del shoegaze con la energía inmediata del garage, logrando un sonido que se siente a la vez familiar y fresco. “Turn Away” refleja una banda en plena evolución.
Tras los singles previos “All Amnesia” y “Lay There With You”, este nuevo tema confirma que The Altered Hours no solo regresan, sino que lo hacen con una fuerza renovada, listos para consolidarse como uno de los nombres más potentes de la escena alternativa europea.
El vocalista de Saliva, Bobby Amaru, y su hija de 14 años, Veda, han logrado captar la atención del mundo con una colaboració, su nuevo lanzamiento, “Somewhere I Belong”, quie consolida la conexión musical entre padre e hija. Con más de 2,4 millones de seguidores en TikTok, Bobby y Veda se han convertido en un fenómeno, demostrando que la autenticidad y la pasión siguen siendo la fórmula más efectiva para conectar con el público. La química entre ambos es innegable: la voz rasposa y llena de experiencia de Bobby se funde con la frescura y la emotividad vocal de Veda, creando un contraste que resulta tan intenso como conmovedor.
Somewhere I Belong se presenta como el tercer sencillo del dúo, que trabaja bajo el proyecto Judge & Jury, y simboliza un homenaje honesto a la música que los inspira, al tiempo que abre camino hacia una identidad propia. Su interpretación transmite respeto a los clásicos, pero también aporta un sello personal capaz de atraer tanto a los seguidores veteranos del rock como a una nueva generación de oyentes.
La producción del tema está acargo de Howard Benson (My Chemical Romance, Papa Roach, Chester Bennington) y Neil Sanderson de Three Days Grace, quienes han acompañado al dúo en la creación de lo que será su primer álbum de larga duración. Con este equipo detrás, el proyecto de Bobby y Veda apunta a trascender el fenómeno viral para convertirse en una propuesta artística con mucho de que dar.
Más allá de la música, la historia detrás de Somewhere I Belong refleja la fuerza de los lazos familiares y la importancia de transmitir la pasión por el arte de generación en generación. En un momento en el que el rock busca reinventarse y encontrar nuevos espacios, la unión entre Bobby Amaru y Veda se convierte en un recordatorio de que el género sigue vivo, vibrante y listo para sorprender.
