Desde Australia, All India Radio ha construido un universo sonoro liderado por Martin Kennedy, el proyecto combina elementos de space rock, ambient retro-futurista y una sensibilidad cinematográfica. Su música recuerda a los momentos más etéreos de Pink Floyd, la psicodelia cósmica de The Flaming Lips, y la oscuridad elegante de un universo lynchiano, similar a lo que hace Timber Timbre.
Inspirado por leyendas como Tangerine Dream, Brian Eno, Michael Stearns y DJ Shadow, All India Radio crea composiciones que se sienten como viajes: suites dentro de una sinfonía más grande, tal como lo han descrito medios como Beachsloth o The Needle Drop. Sus canciones no solo se escuchan, se experimentan.
En 2025, All India Radio vuelve a cautivar con su reinterpretación de “Catch The Breeze”, el clásico shoegaze de Slowdive, a tiempo para acompañar la gira mundial de la banda británica. En esta versión, la voz etérea de Lisa Gibbs y la producción envolvente convierten el tema en una pieza que parece extraída de una película de David Lynch, con capas de guitarras oníricas, reverb interminable y una belleza nostálgica que estremece.
Kristiana Dove Vega, conocida artísticamente como Xrstíana (antes dove vega), nacida en Houston y criada en Boston, es una cantautora, productora y artista con base en Los Ángeles quien ha convertido su sensibilidad –potenciada por su triple signo de agua– en una brújula artística que guía cada proyecto que lanza.
Desde su debut en 2018 con el EP Just Another Saturday Night, Xrstíana ha demostrado una evolución constante, explorando con libertad géneros como el R&B alternativo, synthpop, soul y electrónica emocional. En 2023, su sencillo “Mine” alcanzó el puesto #36 en iTunes, y su EP grl, bye. (2024) consolidó su voz con temas como “Tango”, cuyo videoclip acumuló miles de visualizaciones de forma orgánica.
La pandemia marcó un antes y un después en su carrera: fue entonces cuando decidió dejar atrás el alias dove vega y abrazar su primer nombre como identidad artística, reflejando una etapa de madurez, autenticidad y valentía creativa. Desde entonces, cada nuevo lanzamiento representa una versión más honesta y poderosa de sí misma.
Su primer álbum de larga duración, USURPER, se lanza el 3 de mayo de 2025. Grabado en solo tres días y completamente mezclado y masterizado por el renombrado Tory G, este disco de 12 canciones profundiza en temas de salud mental, dualidad existencial, amor, pérdida y la lucha por la identidad. Es un viaje introspectivo que cuestiona las estructuras externas mientras honra las cicatrices internas.
El sencillo principal, “no one in”, es un manifiesto emocional envuelto en beats oscuros de synthpop. Con letras que exploran la desconexión emocional y la presión de parecer “bien”, la canción es un espejo para quienes han sentido el caos detrás de una sonrisa.
Desde un pequeño escenario en el sótano del pub familiar hasta festivales, The Drive ha recorrido un camino impulsado por la pasión, la disciplina y el deseo de dejar huella. Formado por los hermanos Danny (voz, teclados, guitarra) e Isaac (batería, teclados), este dúo de Los Ángeles ha convertido su vínculo fraternal y amor por la música en una propuesta propia dentro del pop-rock alternativo.
El nombre de la banda: The Drive representa ese motor interno que empuja a seguir adelante, incluso cuando las circunstancias son difíciles. Su lema podría extraerse directamente de su canción “Feeling”: “What’s the point of getting older, if you got nothing to show?” (“¿Cuál es el sentido de envejecer si no tienes nada que mostrar?”).
Criados entre mesas, clientes y música en vivo, los hermanos comenzaron a escribir y tocar sus propias canciones en los ratos libres entre el colegio y el trabajo. El escenario del pub se convirtió en su primer hogar artístico, donde aprendieron a desenvolverse con naturalidad y autenticidad frente al público.
Su último sencillo, “drugs”, explora la intensidad del enamoramiento como una forma de adicción emocional. Con letras que capturan esa euforia, ansiedad y deseo de no soltar el “subidón” del amor, la canción se convierte en una experiencia sensorial que no deja indiferente. Con cada nueva canción, con cada show en vivo, estos hermanos demuestran que el camino del esfuerzo, la constancia y la autenticidad puede llevar muy lejos. Y ellos apenas están comenzando.
Después de redefinir su espacio creativo lejos de las luces de la gran ciudad, Seafret regresa con “Wait”, un tema que fusiona con acierto el pop ligero y suaves tintes country. El ritmo pegajoso de la canción se desliza con facilidad, ofreciendo una experiencia inmediata y disfrutable. Esa cadencia, acompañada de arreglos claros y directos, transmite una sensación de felicidad que invita a sumarse al pulso de la melodía.
La voz de Seafret se revela versátil y cargada de sentimiento, ajustándose a la atmósfera íntima de “Wait”. Jack Sedman brinda una interpretación que, sin caer en excesos, logra comunicar ternura y urgencia a la vez. La combinación de su tono con ligeros acordes acústicos y detalles country ofrece una textura que equilibra modernidad y calidez, otorgando a la canción una personalidad propia.
Tras su debut con Tell Me It’s Real y una estancia en Londres bajo el alero de una gran discográfica, Seafret decidió volver a sus raíces en el norte de Inglaterra para recuperar el control de su música. Esa independencia ha dado fruto en un proceso creativo libre de presiones, donde la banda ha escrito y grabado sin ataduras. “Wait” es el resultado de esa etapa de introspección y libertad, reflejando la frescura que surge al hacer las cosas a su manera.
En definitiva, “Wait” marca un nuevo capítulo en la trayectoria de Seafret, donde la mezcla de influencias y la honestidad sonora se complementan de forma natural. La canción anticipa un próximo álbum en el que, sin duda, la autonomía y el compromiso con su propio estilo volverán a ser protagonistas. Para quienes los han seguido desde sus primeros pasos y para los nuevos oyentes, este sencillo ofrece la promesa de un viaje musical que celebra la alegría y la autenticidad.
CatchTwentyTwo, el cantante, compositor y productor originario del sur de Florida, está convirtiéndose en una de las figuras emergentes más interesantes de la música alternativa y el disco contemporáneo. La historia de CatchTwentyTwo comienza con una vida marcada por constantes mudanzas: Florida, Arkansas, Texas y Oklahoma fueron los estados que acompañaron su crecimiento personal y artístico. Fue en medio de esta migración constante donde nació su pasión por la música.
Desde joven, CatchTwentyTwo se sintió atraído por el poder de la música para comunicar emociones, y fue en la escuela secundaria cuando comenzó a perfeccionar sus habilidades musicales, tomando clases de coro y aprendiendo a tocar el piano. A lo largo de los años, su amor por la música se transformó en una carrera como productor, compositor y artista, enfocándose en crear una música que no solo sonara bien, sino que también expresara sus sentimientos más profundos.
Aunque sus influencias incluyen leyendas como Michael Jackson, Prince y Daft Punk, CatchTwentyTwo no busca solo revivir sonidos del pasado. En su lugar, toma esos elementos clásicos del disco y el pop y los fusiona con un enfoque moderno que lo distingue del resto de la escena. Artistas como The Weeknd, Tame Impala, Toro y Moi y Bruno Mars también han dejado su huella en su música, lo que se refleja en la producción pulida y las melodías pegajosas de sus canciones.
Con su más reciente sencillo, “He Doesn’t Love You”, es el primer adelanto de su proyecto “exxxtreme disco”, que promete ser una obra llena de glamour retro, con un enfoque fresco y contemporáneo. “He Doesn’t Love You” es un tema que mezcla la estética del disco con elementos de pop alternativo, creando una atmósfera que invita tanto a la reflexión como a la pista de baile.
El sencillo habla de un amor no correspondido, de enamorarse de alguien que ya está en una relación, pero saber que tú podrías amarlos mejor. La canción captura con una precisión desgarradora las emociones que se experimentan cuando vemos a esa persona especial ser tratada por alguien que no la valora de la manera que tú lo harías. A pesar de su temática melancólica, la canción tiene un ritmo contagioso que se convierte en una especie de himno de disco moderno, que contrasta maravillosamente con la profundidad de sus letras.
Psychoactive Love irrumpe con un pulso original, donde Chris Jobe amalgama rock, pop moderno y texturas experimentales en un mismo compás. El teclado se erige como un contrapunto brillante, agregando capas sonoras que invitan a descubrir nuevos rincones en cada escucha. La producción, tan pulida como disfrutable, hace que el tema se sienta tan inmediato como impredecible.
La voz de Chris Jobe encuentra en Psychoactive Love un terreno fértil para desplegar su característica emotividad. Con registros que van del susurro al clímax, su interpretación enriquece cada cambio de ritmo. No es solo la técnica lo que atrapa, sino esa cualidad de cercanía que convierte cada verso en un relato personal.
El recorrido de Chris Jobe, desde su aparición en NBC’s Songland hasta sus colaboraciones internacionales, ha sido un constante cruce de géneros. En esta canción, el bedroom pop se tiñe de un aire más dinámico, mientras las influencias soul y rock asoman sin estridencias. Los ganchos melódicos, pulidos tras 14 millones de reproducciones, siguen sorprendiendo por su capacidad para quedarse en la memoria.
En definitiva, Psychoactive Love se suma al catálogo de un artista que se niega a estancarse. La fusión de estilos aquí no es un truco, sino una forma de explorar caminos inusuales dentro del pop contemporáneo. La canción no necesita grandes adornos para mantener su frescura; basta con esa mezcla de ritmos, teclados y una voz que sabe cómo mantenerse siempre en control.
Algunos artistas no solo cantan: confiesan, susurran y a veces hasta gritan con el alma. Ese es el caso de Danny Addison, una de las voces prometedoras de la escena indie-folk contemporánea. Con el lanzamiento de su álbum Porcelain en el verano de 2025, Addison se posiciona como un narrador honesto e intrépido.
El primer adelanto de este trabajo, “Pheromone”, es una pieza que vibra con deseo, contradicción y una atracción casi animal. En ella, Addison canta sobre rendirse ante la tentación, ignorar las señales de alerta y dejarse arrastrar por impulsos inevitables. Su voz, suave pero cargada de urgencia, se entrelaza con una base musical rica en texturas: guitarras detalladas, arreglos vocales envolventes y una producción que crece con intensidad medida.
“Pheromone trata de ceder ante el deseo y estar a merced de alguien. Es ignorar las banderas rojas y seguir el instinto, aunque las consecuencias sean evidentes. Es una canción sobre la adicción emocional, sobre lo salvaje y lo humano”, confiesa el propio artista.
Pero Porcelain no se queda en la superficie del deseo. Es un álbum que reflexiona sobre la fragilidad humana, el amor, la pérdida y la reconstrucción. Cada tema está impregnado de sensibilidad y fuerza lírica, desde la contemplación existencial en “And If” hasta la esperanza resignada de “Sense of Touch”. Con raíces en el folk clásico y una estética moderna y elegante, Danny Addison crea un universo sonoro donde la vulnerabilidad no es debilidad, sino el centro de su poder.
Originario de Hitchin y actualmente afincado en Manchester, Danny proviene de una familia musical y es un multiinstrumentista formado en el ámbito clásico. Su talento no ha pasado desapercibido: ha recibido el apoyo de BBC Introducing, ha participado en importantes festivales como AMAUK y ha llamado la atención de figuras como Bob Harris.
Con Porcelain, Danny Addison no solo lanza un álbum, sino una declaración artística: hay belleza en lo roto, hay poesía en lo que no se puede controlar. Y en canciones como “Pheromone”, esa belleza brilla con una intensidad que es imposible ignorar.
August Royals con un sonido que equilibra la accesibilidad con la profundidad artística, el cantante y compositor mezcla sinceridad emocional con un enfoque musical sofisticado.
Su debut con RCA Records en 2021, con el lanzamiento de su sencillo “Blue Football”, captó la atención de la industria musical y sentó las bases para su carrera. Con una mezcla de pop sofisticado y líricas vulnerables, August se presentó como un creador dispuesto a explorar sus emociones más profundas, a la par que ofrecía un sonido pegajoso que podía conectar con una audiencia más amplia. El 2022 vio el lanzamiento de su primer EP, Inhaler, una obra de nueve canciones que presentó una mezcla de géneros que reflejaban tanto la variedad de influencias de August como su capacidad para explorar diferentes estilos musicales. A pesar de su éxito, August decidió alejarse de RCA Records para tomarse un tiempo para reflexionar sobre su rumbo como artista, alejándose de la presión de la industria para descubrir su verdadero sonido.
Con su retorno en 2025, August Royals regresa con una energía renovada y una visión más clara de su arte. Tras un período de silencio creativo, donde pasó tiempo desconectado del ruido exterior, ha vuelto con lo que él mismo considera sus canciones más auténticas y refinadas. Su sencillo “American Spirit” marcó su regreso triunfal, con una interpretación vocal única que conserva la accesibilidad del pop, mientras mantiene una conexión profunda con su propia identidad.
Sin embargo, su segundo sencillo independiente, Skintight Crazy, es el que verdaderamente ha dejado una marca en sus seguidores. En esta canción, August reflexiona sobre la complejidad emocional de una ruptura. Las letras exploran los efectos persistentes de una relación terminada, capturando el dolor de darse cuenta de que el amor que una vez sentimos ya no es con la persona que tenemos frente a nosotros, sino con la versión pasada de esa persona. Musicalmente, el tema destaca por su ritmo contagioso, uniendo guitarras suaves, sintetizadores pegajosos y una percusión dinámica que se mezcla perfectamente con su voz. La canción tiene una atmósfera vibrante, a pesar de la temática melancólica, invitando a la reflexión, pero también al disfrute.
Skintight Crazy representa la evolución de August Royals como artista, quien ha logrado transformar sus experiencias personales en canciones poderosas que resuenan con sus oyentes. Cada nueva publicación parece ser una exploración más profunda de sí mismo, desde sus luchas internas hasta sus victorias emocionales. Con su habilidad para crear música que es tanto introspectiva como accesible, no cabe duda de que August tiene mucho que ofrecer en los próximos años.
Jenny Kern es una cantante y compositora canadiense radicada en Brooklyn, con un estilo indie pop que fusiona emotividad, delicadeza y una fuerte presencia. Jenny inicio expandiendo su alcance musical al colaborar con el productor Andy Seltzer, quien ha trabajado con artistas como Maggie Rogers, Chelsea Cutler y Valley. Juntos, crearon dos sencillos, “Satellite” y “Now We Know”, que ayudaron a cimentar aún más su lugar en la escena musical.
En 2021, en el mismo año, lanzó su EP titulado I Never Thought That You Were Listening, una colección que resonó profundamente con sus seguidores. Este trabajo logró colocar dos de sus canciones en el top 40 de la radio, lo que consolidó a Jenny Kern como una artista con una propuesta sólida y un estilo único. Con más de un millón de reproducciones en Spotify, su popularidad sigue en ascenso, y la artista se prepara para seguir expandiendo su música a nuevos públicos.
El 2022 marcó el regreso de Jenny con el lanzamiento de su sencillo “Say It” la canción se aleja de la energía vibrante de sus primeros trabajos y ofrece una balada pop minimalista, llena de susurros, pausas y una introspectiva vulnerabilidad. La letra de la canción, que trata sobre las palabras no dichas y el dolor del silencio en una relación, muestra una vez más la habilidad de Kern para explorar temas personales y universales de manera honesta y conmovedora.
La colaboración de Jenny con el productor Ryder Stuart en este tema, conocido por su trabajo con artistas como Hayes Warner, CANNON y Young Rising Sons, ha resultado en una canción que muchos consideran una de sus mejores hasta la fecha. “Say It” no solo resalta la madurez de la cantante, sino que también marca un punto de inflexión en su carrera, mostrando una evolución tanto en su estilo como en su lírica.
Kai Bosch con una combinación perfecta de vulnerabilidad y atrevido espectáculo, el cantante y compositor británico está dejando una huella tras haber alcanzado un notable éxito con sencillos como Angel y Rodeo Romeo, Bosch está listo para su EP más ambicioso hasta la fecha, Popstar of Your Dreams.
El EP Popstar of Your Dreams es una declaración de principios, una reinvención y una terapia creativa. Tras un período de agotamiento emocional y dudas sobre su carrera, Kai Bosch decidió sumergirse en un proceso de creación donde lo más importante era la diversión y la autenticidad, dejando atrás las presiones externas. En sus propias palabras, este EP fue sobre “tomarse las cosas menos en serio” y “volver a hacer música para mi propio disfrute”.
Con la colaboración del productor Duncan Mills, Bosch compuso este proyecto durante un verano frenético. El resultado es un álbum lleno de pop maximalista, con influencias de grandes nombres como Gwen Stefani, Charli XCX, Marina y las Diamantes, y Girls Aloud, pero manteniendo la emocionalidad que siempre ha caracterizado su estilo. La canción que da título al EP es una verdadera oda a la fantasía pop, envuelta en brillo, caos y una honestidad brutal.
El tema central de Popstar of Your Dreams es su canción homónima, una pista energética y brillante que captura las luchas internas de un artista que aspira a la fama pero lucha con el peso de las expectativas, la imagen y el síndrome del impostor. Es un himno autocrítico sobre la búsqueda incansable de reconocimiento, y la canción da voz a la tensión entre lo que se espera de uno mismo y lo que realmente es.
Bosch se presenta en esta canción bajo el alter ego de un “Popstar de tus sueños”, un personaje idealizado y sin miedo a la vulnerabilidad. Con letras como “Ponme en tu lista de reproducción, ¿qué va a hacer falta para que me haga famoso?”, Kai captura esa esencia universal de todos aquellos que alguna vez soñaron con brillar bajo las luces del escenario.
Más allá de la superficie brillante y pegajosa de sus canciones, Popstar of Your Dreams es una exploración de la complejidad emocional de Bosch. “Todo es hermoso” es una de las canciones que destaca por su dulce y efervescente retrato del amor recién descubierto, mientras que Popstar ofrece una mirada honesta sobre el precio de la fama y la identidad personal.
Este enfoque sincero y directo se ve como un reflejo de su propio viaje artístico, donde las emociones se desnudan en medio de la estética glitter y los beats electrónicos. Al igual que otros artistas queer como Troye Sivan, Christine and the Queens o Dorian Electra, Kai Bosch está construyendo un espacio propio donde las barreras entre la identidad, el arte y la vida personal se desdibujan.
