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KÄSSY: La Música Que Rinde Tributo a las Contradicciones del Alma

KÄSSY: La Música Que Rinde Tributo a las Contradicciones del Alma

KÄSSY es el reflejo de una artista que no tiene miedo a desafiar las convenciones y explorar todas las facetas de su creatividad. Canción tras canción, la cantante, instrumentista, productora y performer se reinventa, fusionando sonidos que van desde la locura más experimental hasta las emociones más puras y apáticas. Su música, a menudo marcada por lo inesperado, oscila entre la belleza, la paranoia y la incomodidad. Todo esto está impregnado en su inconfundible estilo, que ha hecho de su proyecto solista un camino único, lleno de giros, contradicciones y una gran carga emocional.

KÄSSY, cuyo verdadero nombre es Katrin Paucz, comenzó su carrera en la música de manera algo inusual. A tan solo unos pasos de terminar la secundaria, dio un salto inmediato hacia la industria musical, convirtiéndose en guitarrista en vivo para la banda Oehl. Fue en esa etapa donde tuvo su primer contacto con el mundo de los escenarios y las giras. Más tarde, junto al productor Marco Kleebauer y el rapero Mile, fundó la banda Sharktank en 2020, con la que lanzó dos álbumes y un EP. Sin embargo, en 2022, KÄSSY tomó la decisión de embarcarse en su propio proyecto artístico, dejando atrás Oehl para unirse como guitarrista a la banda Bilderbuch, una de las más populares de la escena musical de habla alemana.



A lo largo de estos años, KÄSSY absorbió conocimientos y experiencias que marcarían profundamente su carrera. Se empapó de las lecciones de ser una artista, una intérprete y una líder. En marzo de 2024, debutó como KÄSSY, siendo telonera de Bilderbuch en su gira europea por Alemania, Austria, Países Bajos, Francia y el Reino Unido. Con esta gira, comenzó a consolidar su identidad como solista, marcando un punto de inflexión importante en su carrera.

En su primer sencillo, “Skirt On Pants”, nos sumerge en una mezcla caótica de sonidos sintéticos, voces melódicas y ritmos frenéticos. Su música puede sonar como un paseo por el “infierno de la manía” en un segundo y, al siguiente, como un flotar en un cielo de emociones intensas y apáticas. En este primer tema, KÄSSY nos ofrece una visión de lo que será su carrera: un torrente de contradicciones, giros inesperados y una entrega total hacia lo que la música le pide en cada momento.

A lo largo de sus siguientes sencillos, KÄSSY continúa explorando emociones complejas. En “I Feel So Heavy”, presenta una versión más suave y vulnerable de sí misma, reflexionando sobre la sensación de insuficiencia, el dolor de crecer y la desconexión emocional. En “For Two”, nos habla sobre los altibajos de las relaciones personales, abordando cómo el deseo de compartir todo con alguien puede volverse una carga. Con “wemightchange”, toca temas de identidad y realidad, mientras que en “Milk”, se adentra en la obsesión y el desengaño de las expectativas no cumplidas.

Su debut EP, que verá la luz en enero de 2025, promete seguir sorprendiendo con su mezcla única de pop experimental y electrónica, fusionada con su sello personal que desafía las convenciones.


Hybrid Collapse: La Revolución Sonora en la Era Digital

Hybrid Collapse: La Revolución Sonora en la Era Digital

En un mundo donde la tecnología y la identidad se entrelazan, surge un proyecto que redefine los límites del arte en la era digital: Hybrid Collapse. Este proyecto de música experimental, completamente impulsado por inteligencia artificial, fusiona géneros como el glitch, IDM, industrial oscuro y pop alternativo, creando una experiencia que nos hace reflexionar sobre el poder, el control y la evolución digital.

El álbum debut de Hybrid Collapse, titulado Biopolitics, es una obra conceptual. A través de cada pista, el proyecto explora distintas facetas de las estructuras biopolíticas contemporáneas. Desde la intervención estatal en la sexualidad hasta el capital en la nube y la digitalización de la identidad antes de la muerte, Biopolitics indaga en cómo la tecnología influye y moldea las vidas humanas, a menudo de maneras invisibles pero profundamente impactantes.



El álbum se sumerge en sonidos que fluctúan entre lo abstracto y lo provocador, con una mezcla de texturas electrónicas que no solo despiertan una respuesta emocional, sino también intelectual. La producción meticulosa de Hybrid Collapse, junto con su capacidad para crear ambientes sonoros oscuros y fascinantes, transforma la música en una forma de arte que es tanto auditiva como filosófica.

Una de las características más sorprendentes de Hybrid Collapse es el uso de la inteligencia artificial en todas las etapas del proceso creativo. Desde el diseño del sonido hasta las visuales generadas para acompañar el proyecto, la IA no solo es una herramienta técnica, sino que se convierte en un co-creador dentro de esta obra. La idea de un proceso creativo posthumano, nativo de la era digital, es el núcleo de Hybrid Collapse, lo que da lugar a una estética digital decadente y cibernética que forma la base visual y conceptual de la música.

En lugar de ver la IA como una amenaza o una mera herramienta, Hybrid Collapse la presenta como una extensión natural del proceso creativo en un mundo cada vez más tecnológico. El proyecto se extiende más allá de lo auditivo a través de videos musicales en 4K generados por IA que exploran las mismas temáticas filosóficas y conceptuales del álbum. Estos videos no son solo acompañamientos visuales, sino que son narrativas completas por derecho propio, ampliando la discusión sobre la condición humana digitalizada con imágenes perturbadoras y visuales surrealistas.


Isla Noon y “Easy”: Cuando la introspección se convierte en poder pop

Isla Noon y “Easy”: Cuando la introspección se convierte en poder pop

La artista alt-pop de Aotearoa Nueva Zelanda, Isla Noon, nos presenta su álbum debut, Out of Body, marca un punto de inflexión en su carrera: es un viaje sonoro y visual que explora temas como la identidad, el desapego emocional y el proceso de reconexión con uno mismo. En palabras de la propia Isla, “Este álbum captura un momento en el que me sentía profundamente desconectada del mundo, de los demás y de mí misma. Las canciones se convirtieron en un mapa para regresar a mí.”

Dentro de este universo, destaca su sencillo “Easy”, con una combinación de melodías contagiosas, letras sinceras y una producción vibrante la canción nos invita tanto a la reflexión como al movimiento. Aunque la canción habla de un deseo de facilidad y ligereza en medio del caos emocional, su fuerza radica en la honestidad cruda con la que se expresa ese anhelo.



“Este álbum captura un momento en el que me sentía profundamente desconectada del mundo, de los demás y de mí misma”, confiesa la artista. “No era plenamente consciente de lo perdida que estaba hasta que comencé a escribir. Las canciones se convirtieron en un mapa, cada una ayudándome a encontrar el camino de regreso, reconectándome con mi cuerpo, mi identidad y el mundo que me rodea”.

Con una voz potente, sincera y sin adornos innecesarios, Isla Noon se posiciona como una de las propuestas más auténticas y prometedoras del panorama alt-pop actual. En tiempos donde la conexión emocional es más necesaria que nunca, Out of Body es un recordatorio de que, a través del arte, siempre podemos encontrar el camino de regreso a casa —a nosotros mismos.


Consumables: El arte punk que desafía los límites del juego

Consumables: El arte punk que desafía los límites del juego

Desde la escena subterránea de Nueva York emerge Consumables, un cuarteto de art punk con una propuesta tan feroz como filosófica. Su álbum debut, Infinite Games, lanzado el 7 de marzo a través de We Are Time Records (América) y Fierce Panda Records (resto del mundo), es una exploración audaz de la alienación contemporánea, la adicción digital y las relaciones humanas a través del lente de un concepto provocador: jugar sin la intención de ganar.

El disco fue coescrito y producido por Ben Hozie (de BODEGA) y mezclado por Adam Sachs (Wives, Diary), y toma inspiración directa del libro Finite and Infinite Games de James P. Carse, que plantea una dicotomía fundamental: los juegos finitos tienen reglas, ganadores y un final; los infinitos no tienen límites, y su objetivo es simplemente continuar el juego.



El álbum abre con Keys to the Cell, una poderosa reflexión sobre los seis meses de cárcel que Kyle Crew pasó por posesión de marihuana. Le sigue Dry Rot, un tema cargado de una angustia existencial palpable. Más adelante, el álbum presenta un díptico psicodélico en Messages / Lost in Translation, donde el colapso de la comunicación es protagonista, y Ten Toes Down, una balada que defiende la permanencia en una relación a pesar de las dificultades.

Entre los cortes más destacados se encuentra Emotional Speedball, un himno synth pop que navega los altibajos del deseo y la pasión. Pero es en la canción que da título al disco, Infinite Games, donde la banda alcanza su clímax emocional. “Lo que antes era conocido, ahora se siente”, canta el grupo en un estallido eufórico que evoca la cúspide de una experiencia psicodélica. Con líneas como “I feel limitless / this is what freedom is”, Consumables invita al oyente a rendirse a la infinitud del juego emocional.

El sencillo principal, Great Design, es un tema mordaz que lanza dardos contra la obsesión con la visibilidad en redes sociales. “Es sobre la adicción a las redes y esa compulsión de forzar tu presencia al público”, explica Miles Fox. “Te expones para que te critiquen y te destruyan”.

Este enfoque mordaz, mezclado con un fondo filosófico denso y sonidos que van desde el post-punk desgarrado hasta pasajes de synth pop envolventes, convierte a Consumables en una propuesta que va más allá de la música: es un manifiesto emocional para una generación atrapada entre la hiperconectividad y la incomunicación.


LOVEGRUNGE y más: El viaje musical de Amanda CY

LOVEGRUNGE y más: El viaje musical de Amanda CY

La escena musical escandinava es conocida por su frescura, y Amanda CY es una de las artistas que encarna esta nueva ola de talento. Nacida en Estocolmo y con Londres como su segundo hogar,.

En noviembre de 2024, Amanda lanzó Willing to Wait, el primer sencillo de su tercer EP, LOVEGRUNGE, seguido de “Miss U” en enero de 2025. Estas canciones han mostrado una evolución en su sonido, manteniendo su esencia indie pero explorando nuevos matices más crudos y emocionales. Ahora, con “Weightless” como la pieza final de este rompecabezas musical, Amanda cierra un capítulo importante en su carrera con una canción que refleja su crecimiento personal y artístico.



“La canción surgió sin esfuerzo, después de innumerables demos y obstáculos creativos. Se ha convertido en el tema más importante del EP para mí, ya que trata sobre reconocer cómo a menudo me interpongo en mi propio camino e imaginar lo liberadora que podría ser la vida si simplemente me dejara llevar”, explica Amanda.

Fuera del estudio, Amanda encuentra inspiración en la naturaleza. Apasionada por el montañismo, sus experiencias en la naturaleza sueca han influido en su proceso creativo. Ya sea contemplando paisajes impresionantes o analizando los patrones de la naturaleza, estos momentos de introspección alimentan su música con una profundidad única.


Last One Standing: “Christabel” Nos Enseña a No Rendirse

Last One Standing: “Christabel” Nos Enseña a No Rendirse

Desde las vibrantes calles de Tāmaki Makaurau (Auckland, Nueva Zelanda) hasta los escenarios internacionales, Christabel emerge como una de las voces interesantes de la nueva generación de artistas alt-pop. Con una voz que se balancea entre lo angelical y lo desgarrador, esta cantante, compositora y artista neurodiversa está capturando corazones con canciones que no temen mostrar la verdad.

Después del primer confinamiento por COVID-19, fue seleccionada para participar en el programa de telerrealidad musical Popstars Nueva Zelanda. Luego de meses de desafíos intensos, procesos de eliminación y presentaciones exigentes, Christabel fue coronada ganadora en junio de 2021, elegida por un jurado de renombre compuesto por Kimbra, Vince Harder y Nathan King.



Su más reciente sencillo, “Last One Standing”, es un testimonio de amor, lealtad y resiliencia. Inspirado en la experiencia real de acompañar a un amigo durante su lucha contra la adicción, la canción habla desde un lugar de dolor y esperanza. Con una instrumentación íntima y una interpretación vocal desgarradora, Christabel logra capturar la complejidad emocional de permanecer al lado de alguien incluso cuando todo parece perdido.

Versos como “I knew there was something left in you” resuenan como un mantra de fe, evidenciando la conexión profunda entre dos almas en medio del caos. No es solo una canción, es una confesión sincera, una carta de amor y una promesa de no rendirse.

En 2025, Christabel lanzará su álbum debut “INTUITION”, un trabajo introspectivo que recopila los momentos en los que escuchó, dudó o ignoró su intuición. Este disco promete ser una exploración cruda y vulnerable del amor, la pérdida, la autocompasión y la fortaleza interna. Entre baladas emocionales y himnos pop, Christabel construye una narrativa honesta que refleja su viaje como artista y como ser humano.


Wounded Hero: Naomi Greene a Través de la Sensualidad y la Melancolía

Wounded Hero: Naomi Greene a Través de la Sensualidad y la Melancolía

En la intersección de la sensualidad, la nostalgia y la experimentación musical, aparece Naomi Greene, una cantante y arpista con una propuesta que fusiona el pop experimental con la esencia del chanson francés, Naomi ha creado un sonido que hipnotiza y seduce, llevando a sus oyentes a un viaje introspectivo lleno de emociones profundas y transformadoras.

La artista, que divide su tiempo entre Francia y California, lleva consigo lo mejor de ambas culturas. Desde la sofisticación melódica y la elegancia europea hasta la libertad y la creatividad de la costa oeste americana, Naomi Greene ha logrado encontrar un equilibrio perfecto entre la ligereza onírica y la intensidad emocional. Su música es un reflejo de su mundo interno, donde cada nota y cada verso se sienten auténticos y profundamente personales.



“Wounded Hero” es una canción que, desde su primer acorde, te envuelve en un aura de ensueño. El tema abre con una introducción cinematográfica a cargo del arpista, un instrumento que Naomi maneja con maestría. Esta entrada etérea da paso a una atmósfera cargada de sintetizadores flotantes y grooves sensuales que marcan el ritmo, mientras la voz de la cantante, llena de vulnerabilidad y emoción, va tejiendo una historia cautivadora.

Naomi Greene aborda el tema de la transformación a través de la sensualidad y la melancolía. La letra habla de un amante que se ha convertido en un fantasma, una presencia que persiste a lo largo del tiempo, dejando una huella profunda en la protagonista. El verso “I will never be the same again” resuena como un canto a la autoaceptación, un recordatorio de que el amor y las experiencias nos transforman, nos hacen más fuertes y nos invitan a renacer.

Si aún no has tenido el placer de escucharla, te invitamos a sumergirte en su universo sonoro. Naomi Greene está aquí para quedarse, y con su talento único, sin duda alguna seguirá transformando la música de manera fascinante y emotiva.


Entre Bits y Ritmos: El Sonido de Auggie Velarde

Entre Bits y Ritmos: El Sonido de Auggie Velarde

En un mundo donde la música y la tecnología convergen cada vez más, el artista y productor Auggie Velarde lleva los límites del sonido y la identidad al extremo. Nacido en Perú y radicado en Estados Unidos, Auggie ha construido una carrera marcada por la fusión de culturas, la exploración tecnológica y la autenticidad emocional.

Como inmigrante de primera generación, Auggie Velarde ha experimentado de primera mano los desafíos de la identidad y la pertenencia. Su música refleja esa lucha y resiliencia, abordando temas de migración, adaptación y la constante búsqueda de un hogar. A través de sus canciones, comparte su historia de forma auténtica, conectando con oyentes que han vivido experiencias similares.



Auggie adopta el alias de “Hacker” para simbolizar su enfoque disruptivo y experimental en la música. Su sonido es una mezcla de Hip Hop, Pop Latino y Electrónica, una combinación que rompe esquemas y desdibuja géneros tradicionales. Como productor autodidacta y letrista bilingüe, no solo crea melodías pegajosas, sino que también introduce innovaciones técnicas que enriquecen la experiencia auditiva.

Auggie Velarde sigue desafiando los límites de la música y la tecnología, explorando nuevas formas de expresión y conexión con su audiencia.


Gareth Dunlop: La Voz Emotiva del Pop y el Folk Contemporáneo

Gareth Dunlop: La Voz Emotiva del Pop y el Folk Contemporáneo

Gareth Dunlop es un cantautor, productor y artista pop originario de Belfast, Irlanda del Norte. Su estilo, influenciado por leyendas como Bob Dylan y Tom Waits, combina una lírica honesta y frecuentemente autodespreciativa con melodías envolventes y una producción refinada.

A lo largo de los años, Dunlop ha lanzado una serie de EPs y álbumes aclamados por la crítica. Su música ha aparecido en programas de televisión de gran popularidad como Nashville, This Is Us, Lucifer y Suits, además de películas como Safe Haven y The Best of Me. Esta exposición ha llevado su sonido a una audiencia global, destacando su capacidad para componer piezas que resuenan emocionalmente con el público.

Su último álbum, Animal, es un testimonio de su evolución artística. Con canciones que evocan la nostalgia de los 80 y un sonido cinematográfico, el disco combina elementos del pop, el rock alternativo y la música folk. Temas como “Right About Ready” y “Look Back Smiling” destacan por su energa vibrante, mientras que “Sorrow” y “Prisoner Of My Past” exploran paisajes sonoros más atmosféricos, recordando el estilo de Roxy Music. La crítica ha recibido con entusiasmo este trabajo, elogiando su profundidad emocional y producción impecable.



Uno de sus lanzamientos más recientes, “Goodbye All Over Again”, es una balada conmovedora que ha sido destacada en la serie de NBC FOUND. La canción se construye desde un tono melancólico hasta un poderoso crescendo cinematográfico, donde la voz de Dunlop brilla con una intensidad emocional abrumadora. Su mezcla de narrativa profunda y melodía hipnotizante reafirma su capacidad para conectar con el oyente de manera genuina y sincera.

Gareth Dunlop tiene previsto lanzar su tercer álbum de estudio, el cual promete desafiar las expectativas y expandir su sonido aún más. Además, continuará con giras en Europa, Reino Unido y Estados Unidos, llevando su música a nuevas audiencias. Con una carrera marcada por la autenticidad y la evolución constante, Dunlop sigue consolidándose como una de las figuras fascinantes de la escena musical.


La Antigua Fe: Una Nueva Era del Pop Electrónico desde València

La Antigua Fe: Una Nueva Era del Pop Electrónico desde València

La Antigua Fe, el proyecto nacido en València durante el verano de 2024, ha irrumpido con una propuesta sonora fresca y experimental, fusionando lo mejor del pop electrónico con influencias del darkwave, synthpop y la música urbana. La banda, formada por Rafael Antón y José Aguado, surge de un proceso de creación lleno de buenas intenciones que finalmente toma forma tras dos años de ideas guardadas y poco espacio para su materialización. Con un estilo que no renuncia a ningún formato, la propuesta de La Antigua Fe se caracteriza por la capacidad de transformar emociones complejas en un sonido que se mueve entre la nostalgia y lo vanguardista.

El primer single, El Espacio, revela una melodía sintetizada heredera del legendario Battiato y su obra Mondi Lontanissimi, creando un espacio etéreo y misterioso con sus sintetizadores. Este debut, cargado de ensoñaciones románticas, marca la entrada de un proyecto que se atreve a ir más allá del pop electrónico clásico, explorando territorios más oscuros y filosóficos.



El siguiente paso del proyecto llegó con Equilibrio, un segundo single que expande las fronteras de su sonido con una producción más agresiva y una clara incursión en los fraseos urbanos. Aquí, los ritmos y las influencias de la música urbana se fusionan con la esencia electrónica de la banda, creando un contraste dinámico que refleja la transición de una época melancólica a una más introspectiva y desafiante. La canción marca una evolución, pero sin perder la esencia que caracteriza a La Antigua Fe: una propuesta que no tiene miedo de explorar nuevos caminos mientras sigue fiel a su propia identidad sonora.

Aunque La Antigua Fe es aún un proyecto joven, su capacidad para generar un sonido único y complejo promete mucho para el futuro. La banda no se limita a un solo género ni estilo, sino que juega con las posibilidades infinitas del pop electrónico y sus derivados, abriendo las puertas a una constante evolución sonora.