David Morin es un talentoso cantante y compositor originario de Vancouver, Canadá, que ha ido ganando reconocimiento gracias a su estilo único que mezcla neo-soul, R&B, jazz, funk y pop contemporáneo. Con una voz suave y envolvente, Morin ha logrado crear una propuesta musical que respira calidez, emoción y autenticidad, conectando profundamente con una audiencia global que aprecia la honestidad y la calidad en la música.
Su carrera ha estado marcada por una constante evolución. Tras su álbum Every Colour (2016), David continúa su camino artístico con su próximo EP Autopilot, ambos lanzados bajo el sello Bombay Records. Su sonido se caracteriza por una producción y una mezcla que respeta las raíces clásicas del soul, pero con un aire fresco y actual que lo hace destacar en la escena indie y alternativa.
Uno de sus temas más recientes, “Foolish” rescata la esencia del neo-soul y R&B de los años 90, con un ritmo denso, bajos profundos, teclados soñadores y pasajes atmosféricos de trompeta que aportan una dimensión especial a la pista. La voz de Morin, cremosa y apasionada, se despliega en armonías perfectamente trabajadas que envuelven al oyente y transmiten una sensación de intimidad y sinceridad.
David Morin no solo es reconocido por su música, sino también por su energía en vivo. Su origen como artista callejero le ha dado esa capacidad especial de conectar con el público de manera genuina, haciendo que cada show sea una experiencia cercana y vibrante. Además, su compromiso con la comunidad y la cultura indígena es un pilar fundamental de su identidad artística. David utiliza la música como un medio para contar historias, expresar emociones y construir puentes entre diversas experiencias y realidades, invitando siempre a la reflexión y a la celebración de la diversidad cultural.
JT Roach es un cantautor estadounidense, su nombre comenzó a resonar fuertemente tras ganar la primera temporada del programa de televisión de NBC, Songland, donde su canción “Somebody to Love” fue seleccionada por la banda OneRepublic para grabarla y presentarla al público.
Desde entonces, JT Roach ha consolidado una carrera sólida tanto como artista solista como compositor y productor, firmado con la editorial Prescription Songs. Entre sus colaboraciones más destacadas se encuentran proyectos con artistas como Slander, Emily Warren, Said The Sky, Don Diablo y ROZES, lo que ha ampliado su versatilidad y alcance dentro del mundo de la música electrónica y el pop.
Uno de los aspectos más distintivos de JT Roach es su habilidad para explorar temas de vulnerabilidad emocional, conflictos existenciales y las dificultades de la vida cotidiana a través de su narrativa lírica. Canciones como “Mr. Fix It” ilustran este enfoque con gran claridad: en ella, Roach aborda la impotencia que siente frente a problemas sociales, familiares y personales que parecen imposibles de solucionar, expresando frustración y honestidad con un tono melódico que envuelve al oyente en una atmósfera tanto melancólica como esperanzadora.
En 2024, se espera el lanzamiento de su primer álbum completo, junto con un paquete de remixes que explorará aún más la fusión entre pop, chill house y electrónica, demostrando su constante evolución como artista.
Desde las profundidades nubladas del noroeste de Estados Unidos emerge Coral Grief, este trío de Seattle, compuesto por Lena Farr Morrissey, Sam Fason y Cam Hancock, ha comenzado a marcar un camino distintivo dentro del dream pop contemporáneo, combinando texturas oníricas con un enfoque experimental.
Tras debutar en 2020 con un EP homónimo grabado en casa durante los primeros meses de la pandemia y publicado por el sello Den Tapes, Coral Grief regresa en 2025 con su primer álbum de larga duración: Air Between Us, que verá la luz el 18 de julio. El disco será lanzado a través de tres sellos independientes que representan distintos formatos: Suicide Squeeze Records (digital), Anxiety Blanket Records (vinilo) y Den Tapes (casete).
El primer adelanto del álbum es “Rockhounds”, una canción que encarna la esencia de Coral Grief: una base rítmica motórica de inspiración krautrock, guitarras reverberantes, sintetizadores brumosos y una voz etérea que flota con honestidad y delicadeza. La letra, escrita por Morrissey, utiliza metáforas marinas para hablar sobre la incertidumbre y la búsqueda de propósito en los años veinte. “No me rendiré aunque no haya nada que encontrar, seguimos buscando”, canta en el estribillo, con una mezcla de vulnerabilidad y determinación.
Según la propia Lena, la canción es un homenaje al acto de buscar pequeños tesoros en la playa, incluso cuando no se encuentra nada tangible, valorando el proceso por encima del resultado. Esta filosofía se refleja también en el videoclip dirigido por Nick Shively, que alterna imágenes de un día soleado junto al mar con escenas psicodélicas sobre un escenario caleidoscópico.
Coral Grief se posiciona así como una de las bandas más interesantes de la nueva generación de artistas que están reinterpretando el dream pop con una sensibilidad fresca y sincera. Con Air Between Us, Coral Grief promete consolidarse como una voz imprescindible dentro del indie alternativo de la costa oeste.
Desde East Yorkshire, Reino Unido llega Trouser Dress, el alias artístico de Carden Mucklin, une sensibilidad poética, identidad queer y una honestidad emocional desarmante en cada una de sus canciones. Con un enfoque profundamente personal, su proyecto se ha convertido en un refugio sonoro para quienes transitan emociones intensas, identidades en construcción y procesos de salud mental.
Trouser Dress se identifica como una persona genderqueer y trans, y ha hecho de su arte un espejo de sus vivencias, componiendo canciones desde pensamientos aleatorios hasta momentos clave de su vida. En sus letras encontramos una apertura valiente sobre temas como la ansiedad, la pertenencia, y la carga emocional de los comentarios ajenos. Este enfoque crudo pero cálido convierte su música en un acto de catarsis tanto para el artista como para su audiencia.
Entre sus mayores influencias musicales están Cavetown, Lontalius y Dodie—todos artistas conocidos por sus arreglos suaves, letras íntimas y una estética sonora que abraza lo frágil. La conexión con Cavetown va más allá del sonido: al ser también un hombre trans, su trayectoria ha inspirado a Carden a ver que es posible construir una carrera siendo fiel a uno mismo.
El más reciente lanzamiento de Trouser Dress, “Old Soul”, disponible desde el 12 de mayo bajo el sello Warren Records, encapsula todo lo que define al artista: ternura, introspección y un gran poder emocional. Compuesta por Mucklin y producida por Adam Pattrick, la canción se construye sobre una base de indie folk minimalista, con el característico ukelele del artista, cuerdas etéreas y percusión sutil.
“Old Soul” se inspira en comentarios que otras personas han hecho sobre o hacia el artista —frases que a menudo despiertan emociones tan complejas que resulta difícil procesarlas. Según Trouser Dress, esta fue la primera vez que escribió una canción sin tener una idea clara del resultado final. Lo que comenzó como una pequeña reflexión lírica terminó transformándose en una espiral de pensamientos convertidos en música.
En la escena local, ha actuado en espacios como Polar Bear Music Club y The Adelphi Theatre, además de festivales como Freedom Fest y Trinity Festival Rebooted. Su propuesta en vivo mantiene el tono cálido y empático de sus grabaciones, creando una atmósfera de conexión real entre artista y público.
Con una identidad visual y sonora que parece salida de un sueño febril, Das Kope regresa con “Melting Away”, su nuevo sencillo lanzado el 7 de mayo de 2025. Este productor psicodélico, multiinstrumentista y artista visual brasileño radicado en Los Ángeles continúa expandiendo su universo lisérgico con una canción que se desliza entre la alucinación y la distorsión emocional.
Inspirado por una ola de calor californiana, Das Kope convierte esa sensación de sofoco existencial en una pieza de pop apocalíptico y vaporoso. “A veces la vida se siente como una larga caminata bajo el sol ardiente. No necesitas estar perdido en el desierto para empezar a ver espejismos”, comenta el artista. Ese sentimiento es palpable en cada nota del tema: sintetizadores derretidos, guitarras dilatadas y una voz que parece flotar sobre el asfalto caliente de una ciudad al borde del colapso.
El videoclip, animado por el propio Kope, refuerza esa estética de ensueño distorsionado. Fiel a su estilo DIY, el artista se encarga de todo: composición, producción y arte visual, creando una experiencia audiovisual inmersiva que combina referencias a la psicodelia de los 70 con una visión moderna y distópica del presente.
Después de haber girado por Norteamérica en 2022 y 2023, Das Kope pasó 2024 encerrado en su estudio, desconectado del ruido exterior, trabajando en lo que será su segundo álbum, previsto para finales del verano de 2025. “Melting Away” es el tercer adelanto de ese esperado trabajo, precedido por “Laying Low” y “We Must Be Out of Our Minds”, y confirma que estamos ante un artista que no teme desdibujar los límites entre lo musical, lo visual y lo sensorial.
Describiendo su estilo como “los Beach Boys atrapados en un episodio de Black Mirror”, Das Kope se consolida como una figura única en la escena psych-pop actual, alineado con artistas como Tame Impala, MGMT o Ariel Pink, pero con un sello profundamente personal. “Melting Away” no es solo una canción: es un estado mental.
Charlotte OC regresa con una fuerza emocional renovada, con una trayectoria que incluye dos álbumes bajo el sello Harvest/Universal, la cantante británica entra en una nueva etapa creativa con su próximo EP Seriously Love, Go Home, bajo el sello Embassy of Music.
Después de su sencillo “God, We Tried”, un himno sobre el dolor, la pérdida y el amor que no fue, Charlotte sorprende con “Romeo”, una canción más cálida y esperanzadora. En ella, narra el encuentro inesperado con alguien que parece haber llegado justo en el momento indicado. Musicalmente, es un tema que mezcla la melancolía de una guitarra atmosférica con una producción sutil y elegante, todo envuelto en su inconfundible voz cargada de emoción. Hay ecos de Patti Smith en su interpretación: cruda, vulnerable, poderosa.
El EP, según la propia artista, representa una etapa de catarsis y redescubrimiento. Las canciones exploran el duelo, el autosabotaje, la búsqueda de sentido y, finalmente, el renacer personal. “Seriously Love, Go Home” es la banda sonora de una mujer enfrentándose a su caos interno y encontrando en él la semilla de su fortaleza.
Con presentaciones íntimas confirmadas en Londres y Mánchester, además de una aparición en el SXSW London, Charlotte OC marca oficialmente su retorno a los escenarios después de tres años. Su música no solo cuenta historias, las vive, las siente y las transforma en himnos de sanación.
Charlotte OC está de vuelta, y su voz – intensa, honesta y sin concesiones – es exactamente lo que este momento necesita.
St. South es el proyecto musical de Olivia Gavranich, cantante, compositora, productora y multiinstrumentista independiente radicada en Fremantle, Australia. Conocida por su estilo que mezcla la electrónica suave y envolvente con letras introspectivas y emotivas, St. South escribe, produce y interpreta toda su música con una honestidad conmovedora.
Desde su debut en 2016 con el EP Nervous Energy, logró colocarse en series populares como The Vampire Diaries y The Fosters, Olivia ha evolucionado musicalmente sin perder ese toque íntimo que caracteriza su sonido. En 2017 lanzó Inure, seguido por su primer álbum de larga duración Get Well Soon en 2020, y en 2024 presentó el EP BIG SADS, un proyecto tierno y catártico escrito durante un periodo de cambios personales profundos.
getting bad again es una balada indie-pop que aborda con franqueza la experiencia de retroceder emocionalmente tras un periodo de sanación. La canción explora la compleja realidad de las recaídas en la salud mental, ese momento delicado en el que viejas dificultades vuelven a aparecer, a pesar de los esfuerzos por mantenerse en pie. St. South describe la canción como una conversación sincera consigo misma, que refleja tanto la autocrítica como la aceptación paciente de sus propios procesos.
Musicalmente, el tema combina texturas lo-fi con capas sutiles de armonías y una producción ambiental que crea una atmósfera envolvente y calmada. La voz suave y cercana de St. South invita al oyente a sumergirse en esa sensación de nostalgia y reflexión. La producción, aunque minimalista, es efectiva para transmitir ese “abrazo sonoro” que uno busca en momentos de fragilidad emocional.
Además, getting bad again llega en un momento importante: durante el Mes de Concientización sobre la Salud Mental, lo que le da un significado especial, sobre todo considerando que St. South es una artista queer y de identidad de género diversa. La canción se convierte así en un mensaje de esperanza y de reconocimiento para quienes luchan diariamente, con la invitación a seguir eligiendo la vida a pesar de las dificultades.
En lo alto de las colinas al oeste de Fort Collins, Colorado, rodeado de pinos y formaciones rocosas, Sean Waters dio vida a su proyecto más íntimo y atmosférico: Sean Waters & the Sunrise Genius. El proyecto es una extensión de su búsqueda personal de sentido, sonido y serenidad en medio del ruido moderno.
En el verano de 2020, mientras cuidaba una casa en Red Feather Lakes (Glacier Meadows Gate 7), Sean convirtió una mesa de comedor con vista a las montañas en un estudio improvisado. Allí nació “Clearer than Crystal”, “Todo lo que necesitas saber está pasando ahora. Ríndete y déjalo ir. Puedes verte. Puedes ver el mundo entero. No te escondas, por favor. Es contigo”, dice la letra murmurada que se ha ido resignificando con el tiempo, aunque el propio Sean admite que no puede explicar exactamente qué quiere decir.
Inspirado por lo accidental —como un vibrato exagerado en una cuerda aislada del acorde de Do mayor— y con un enfoque deliberadamente perezoso, Waters graba guitarra acústica, bajo, voz, palmas y sintetizadores en capas, construyendo una base minimalista pero rica. Posteriormente, envía la sesión al productor Tyler Lindgren, quien añade percusión y aporta dimensión sonora en la mezcla y masterización, especialmente en el segundo verso.
El resultado es un folk indie introspectivo con toques electrónicos, ambientaciones montañosas y una honestidad sin pretensiones. El proyecto capta la belleza de lo inacabado, lo improvisado, lo real. En palabras del propio Sean: “Cuanto más deliberado intento ser al componer, peor salen las canciones”.
Con una vibra que recuerda a Bon Iver, pero con un carácter profundamente propio, este proyecto musical no busca respuestas definitivas, sino momentos de claridad emocional, incluso si son tan fugaces y confusos como un verso murmurado.
Desde Medellín, Colombia, bajo el nombre de Ale Camalión se presenta el músico y diseñador gráfico Alejandro Cardona Arango quien ha creado un universo donde la vulnerabilidad se convierte en una fuerza creativa y la melancolía, en belleza sonora. Su EP debut, Saudade, es un refugio, una catarsis y renacimiento personal.
Su relación con la música comenzó en la adolescencia, pero fue interrumpida por una decisión dolorosa: abandonar su vocación para cumplir con las expectativas de lo que el mundo considera un “trabajo real”. Durante siete años, ese silencio lo arrastró a una profunda depresión. Sin embargo, fue precisamente en ese abismo donde encontró el impulso para volver a su esencia y reconstruirse desde el arte. Así nació Saudade, su primer EP.
Saudade es una palabra portuguesa que no tiene una traducción exacta al español, pero que encierra una mezcla de nostalgia, amor perdido y añoranza por lo que ya no está. Ese sentimiento atraviesa cada una de las seis canciones del EP, que fusionan synthpop, dream pop, shoegaze y una sensibilidad lírica profunda. Canciones como “Reflejos”, “El mar sobre nosotros”, “Noche negra” y “Mal y un reloj” tejen paisajes emocionales que hablan de desarraigo, introspección y reconexión personal.
El EP fue producido en Medellín junto a Simón Ramírez Acosta, guitarrista de La Banda del Bisonte, mientras que el mástering fue realizado por Sebastián Lopera, nominado a cuatro Latin Grammy.
El Track x Track de Saudade
No Hay Mas (ft. Cheri)
El disco abre con el focus track, “No hay más”, una colaboración con la artista Chéri, y ofrece una mirada cruda sobre la falsa idea de libertad que pueden representar las fiestas, las luces de la ciudad y el ruido social. Lejos de liberarnos, a veces nos aíslan aún más de nuestra esencia. Co
“No hay más denuncia la ilusión de que la ciudad y la fiesta puedan liberarnos. Al contrario, nos encierran, distanciándonos de lo que realmente somos”, explica Ale.
Un track influenciado por el sonido mas clasico del Indie Rock de los ultimos años, con reminisencias a Siddhartaha, Reyno o inclusive Zoé, el track nos lleva por capas de sintetizadores y guitarras crunchy, mientras las voces juegan mucho con la letra poetica y que logra destacar la voz de Cheri al darle un color dulce a la canción.
Mal y un Reloj
Como segundo track del disco Alex nos presenta una canción que se abalanza mas a los sonidos del rock, jugando entre metaforas y una oda al tiempo Mar y un Reloj, explora esta sensación de no poder parar el tiempo, mientras poco a poco nos lleva a un mundo lleno de sintetizadores y riffs de guitarras potentes.
Noche Negra
En Noche Negra, Alex explora nuevos colores de su voz, siendo el uso del falsete un distintivo de este track, con ritmos solidos y sintetizadores juguetones el artista nos lleva a una historia donde mirar hacia dentro y crecer a traves de la realidad se vulven la bandera de la canción, dandole este toque instrospectivo que busca Alex en Saudade, recordandonos en ocasiones a bandas como Cuarteto de Nos.
Kaguya
Desde el titulo del cuarto track se nos hace interesante la presentación de este nuevo tema, con una voz un poco mas ligera y una sensación mas relajada, este track le da ese punto de tranquilidad que el album necesitaba, si bien la canción sigue jugando mucho con temas como la nostalgia, el silencio y las emociones, la canción logra sentirse mas digerible y disfrutable entre su melodia instrumental.
El mar sobre nosotros
En camino a la recta final el mar sobre nosotros, inicia con todo con unos sintetizadores mas agresivos que llaman la atencion desde el primer momento, en esta ocasión el ritmo que venia proponiendo Ale durante en el disco se mantiene y quizas eso llegue a ser un poco cansado, pero esta exploración de un ritmo mas dance le da una sensación diferente a la canción, quizas nos hubiera gustado explorar un poco mas de minimalismo en algunos tracks … pero esta evolución a temas mas cargados de riffs y sintetizadores retros tambien se siente como un paso natural en la discografia.
Reflejos
Reflejos cierra el disco, con texturas diferentes a los tracks anteriores pero con una sencilles muy llevadera.
Más allá de su propuesta sonora, Ale Camalión se ve comprometido con la visibilización de la salud mental. Sus letras y mensajes apuntan a abrir conversaciones necesarias sobre depresión, ansiedad, y la importancia de volver a uno mismo.
“Quiero llevar a quienes se sumergen en mi universo a un mundo donde los sentimientos recobran su magia. Donde el dolor se transforma en arte”, concluye Ale.
Ale no solo canta lo que duele, sino que lo transforma en una experiencia que acompaña, abraza y libera. En tiempos de inmediatez y ruido, su música es una invitación a escuchar hacia adentro.
Henri Werner, productor electrónico oriundo de Hanover, fusiona elementos de R&B, pop alternativo y electrónica. Con una formación musical que incluye 13 años de piano, guitarra, y batería, así como títulos en diseño de audio y composición musical, Henri ha sabido combinar técnica y sensibilidad para crear un sonido cautivador y atmosférico.
Su más reciente sencillo, Blood Oath, es un indie R&B de tintes cinematográficos que juega con la dualidad entre amor y obsesión, envolviendo al oyente en una atmósfera oscura y seductora. La producción de Blood Oath destaca por la mezcla de voces etéreas y emotivas, ritmos profundos y una base sonora cargada de misterio que invita a sumergirse en un relato sonoro intenso y apasionado.
Con toques de piano delicado y 808s contundentes, Henri Werner construye una experiencia auditiva que recuerda a artistas como The Weeknd o Billie Eilish, pero que mantiene una identidad propia, evitando caer en imitaciones para ofrecer algo fresco y audaz dentro del pop alternativo. El aura de suspenso y la carga emocional de la canción hacen que sea ideal para quienes disfrutan de los matices y las texturas sonoras que desafían los géneros convencionales.
Con un futuro interesante por delante, Henri Werner invita a su audiencia a explorar las profundidades emocionales y sonoras de su obra, proponiendo temas tan intrigantes como una “princesa vengativa” o una “sirena asesina” para futuros proyectos.
