“Midnite Sun” es una colaboración entre el colectivo noruego Popkanon y la cantante y compositora estadounidense Emma Butterworth. Este tema, que fusiona elementos electrónicos con un toque acústico, crea un paisaje sonoro etéreo y envolvente que captura la esencia de la luz fugaz del sol de medianoche, una metáfora perfecta para la naturaleza efímera del amor y la introspección.
La canción se mueve entre la melancolía y la esperanza, explorando temas universales como la soledad, el anhelo, la conexión humana y el amor que arde con fuerza a pesar del paso del tiempo. Con sus suaves y delicadas voces, Butterworth logra transmitir una sensación de vulnerabilidad que resuena en el oyente, mientras que la producción de Popkanon se encarga de envolver todo en una atmósfera etérea que te invita a reflexionar sobre el destino de las relaciones pasadas y lo que el futuro pueda traer.
La letra de “Midnite Sun” habla de las complejidades del amor, la reflexión sobre las relaciones pasadas y el anhelo de encontrar algo más profundo. La voz de Emma Butterworth se siente tanto ligera como poderosa, equilibrando perfectamente la serenidad del tema con la fuerza emocional que transmite. La manera en que las armonías se entrelazan con las melodías electrónicas crea un contraste fascinante, que evoca una sensación de estar atrapado entre dos mundos: uno que ya se ha ido y otro que aún está por llegar.
En cuanto a la producción, Popkanon aporta su sello característico al incorporar elementos electrónicos y acústicos que enriquecen la melodía. La mezcla de sonidos modernos con influencias más clásicas crea una obra única, que no se limita a un solo género, sino que explora un espectro de estilos y sensaciones. Esto le otorga una frescura que convierte a “Midnite Sun” en una pieza atemporal.
Bruklin, una artista radicada en Nueva York, su pasión por el entretenimiento comenzó desde muy joven; a los 11 años ya se presentaba en televisión para importantes marcas, demostrando su talento y una presencia escénica cautivadora. Su primer sencillo, “Stay Friends,” destaca por sus potentes voces y letras reflexivas, mientras que el video musical de “Magic Show” confirmó su lugar como una fuerza emergente en la música pop.
Aunque mudarse de Albania a Nueva York fue un desafío, esta experiencia le dio la confianza para perseguir sus sueños. Trabajar con reconocidos productores como Oak Felder y Tommy Brown le permitió perfeccionar su sonido y consolidar su identidad artística. Con su pasión, talento innegable y un creciente repertorio de éxitos, Bruklin está destinada a dejar una huella duradera en la escena musical global.
“Good Cry” es una de esas canciones que te atrapan desde el primer momento. La nueva apuesta de Bruklin, la joven promesa de la música pop, se caracteriza por un sonido suave y envolvente que fusiona elementos de R&B con un toque moderno y etéreo. La canción comienza con sintetizadores ambientales que crean una atmósfera soñadora, seguida de un ritmo relajado que marca el tono de la pista. Cuando la voz de Bruklin entra, llena de emoción y alma, el tema se convierte en una balada moderna que explora las complejidades de las emociones humanas.
La canción habla de la vulnerabilidad y el proceso de sanar después de una experiencia dolorosa, un tema universal que resuena con cualquiera que haya tenido que enfrentarse a un corazón roto o a momentos difíciles. La letra expresa la paradoja de que a veces, un “buen llanto” es necesario para sanar, un acto de liberación emocional que puede llevar a una sensación de alivio.
Desde la vibrante escena musical de Austria, SINA ha emergido en el género del pop épico y místico. Con un sonido que combina líneas de bajo pulsantes, melodías inquietantes y sintetizadores atmosféricos, SINA transporta a sus oyentes a un mundo donde la vulnerabilidad cruda y la fuerza inquebrantable coexisten en perfecta armonía.
“Mi música es un recordatorio de lo que realmente importa,” comparte SINA al reflexionar sobre su trayectoria desde la autocrítica hasta el autodescubrimiento. A través de paisajes sonoros cinematográficos y envolventes, transforma sus miedos en fortaleza, inspirando a su público a abrazar su autenticidad y descubrir su propio poder interior.
Con su más reciente sencillo, “Celestial”, SINA profundiza en lo personal, transformando su dolor en una poderosa declaración de esperanza y superación. “Esta canción es un mantra para mí misma,” comparte la artista. “Nació del dolor de haber sido herida por personas en las que confiaba. Pero, a pesar de las cicatrices, me negué a rendirme. Es mi manera de convertir ese dolor en fuerza y luz.”
“Celestial” es una invitación para que los oyentes encuentren su propia luz interior y sigan luchando, incluso en los momentos más oscuros. A través de paisajes sonoros cinematográficos y una emotividad palpable, SINA logra conectar con su audiencia a un nivel profundamente humano.
La cantante y compositora mexicana ATHENA WRONG llega con su estilo y capacidad para fusionar géneros de manera audaz. Nacida en San Diego y ahora radicada en la ciudad angelina, ATHENA WRONG comenzó a grabar en el armario de su cuarto a los 13 años, hasta convertirse en una de las voces emergentes más prometedoras de la música alternativa, su sonido abarca desde el pop-rap, pasando por el R&B alternativo, hasta el blues de los 70 con un toque moderno y atrevido.
Uno de sus lanzamientos más recientes es “Going Going Gone,” donde captura la montaña rusa emocional que implica perseguir los sueños, enfrentando desafíos como el rechazo, la soledad y la incertidumbre, pero sin perder la determinación de seguir adelante.
“Going Going Gone” es una pieza catártica, que lleva al oyente a través de los altibajos de la vida de una artista independiente. ATHENA comparte las dificultades de navegar en solitario en la industria musical, su inquebrantable deseo de triunfar, y su disposición a afrontar las tormentas que vienen con el éxito. Todo esto se transmite a través de su voz, que se entrelaza con una producción energética donde los bajos marcados, las guitarras envolventes y las melodías emocionales crean una atmósfera única, llena de confianza y vulnerabilidad.
Si aún no has escuchado “Going Going Gone,” te invitamos a darle play a este tema que, sin duda, te inspirará a seguir tus propios sueños con más pasión que nunca.
Camille Schmidt, llega directamente desde Brooklyn, Nueva York, su carrera despegó con la publicación de su debut EP Good Person en junio de 2024, donde exploraba las complejidades de la autenticidad, la soledad y las relaciones humanas, todo dentro de un sonido folk-rock marcado por un toque íntimo y una lírica profundamente personal. El EP mostró la habilidad de Schmidt para equilibrar la vulnerabilidad y la fuerza. Pero su evolución no se detuvo ahí. En su próximo álbum Nude #9 Schmidt promete expandir aún más su horizonte sonoro, fusionando géneros como el synth-pop, el folk, el punk y el post-punk, todo mientras profundiza en las complejidades emocionales que marcan su vida.
Uno de los sencillos más esperados del nuevo álbum es Stanley, un tema que ha logrado capturar la atención tanto por su sonoridad única como por la complejidad de su letra. Con una producción que combina guitarras melódicas, un bajo dinámico y una batería contundente, Stanley es una pieza que explora la soledad desde una perspectiva conmovedora y humana.
La inspiración para la canción surgió de una experiencia personal de Camille Schmidt durante un vuelo. Mientras viajaba, escuchó a una mujer hablando por mensaje sobre su novio, Stanley, y reflexionó sobre la soledad que se siente tanto en la ausencia de compañía como en la presencia de alguien que no logra llenar el vacío emocional. Esta introspección sobre el vacío existencial y la búsqueda de consuelo en pequeños detalles y conversaciones inesperadas se traduce perfectamente en la canción. Con una estructura que va desde la calma hasta la intensidad emocional, Stanley es un reflejo honesto de la lucha interna de Schmidt, mientras navega entre la vulnerabilidad y la resiliencia.
Desde los ecos de los años 80 hasta los toques de indie rock contemporáneo, Schmidt ha logrado crear un sonido ecléctico que mantiene la autenticidad de su mensaje. En Nude #9, la artista expande su paleta musical al colaborar con productores y músicos como Ben Zaidi y Eli Heath, quienes aportan nuevas texturas y elementos a la producción.
Schmidt se mantiene fiel a su estilo, pero al mismo tiempo no teme explorar y desafiar los límites de su creatividad, lo que hace de cada uno de sus temas una experiencia única para el oyente.
Cris Liav nacida en Albacete y actualmente afincada en Madrid, con una formación musical que comenzó a una edad temprana en el conservatorio, Cris ha dedicado los últimos años a perfeccionar su técnica vocal, composición y producción musical, lo que le ha permitido consolidarse como una de las figuras emergentes más interesantes dentro del pop alternativo.
El estilo de Cris Liav se caracteriza por una fusión de indie, dream pop, bedroom pop y pop alternativo, con matices de folk y electropop. La artista aborda en sus canciones temas universales como el amor, la vulnerabilidad, la autocomprensión y la búsqueda de libertad, invitando a sus oyentes a reflexionar sobre sus propias experiencias emocionales. La sensibilidad con la que Cris transmite estos sentimientos la convierte en una voz única en la música contemporánea.
Su habilidad para crear melodías que se sienten tanto frescas como atemporales le ha permitido conectar con una audiencia diversa. Las influencias de grandes artistas internacionales como Taylor Swift, Lana Del Rey, Caroline Polachek o Chappell Roan se entrelazan con las de figuras del panorama musical español como Amaia y Ganges, creando una mezcla de sonidos que resuenan con su identidad única.
En su más reciente lanzamiento, “Nadie como tú”, Cris Liav nos presenta un himno alt-pop que, con su sonido envolvente y casi onírico, combina beats suaves con arreglos que crean una atmósfera hipnótica. La artista habla sobre las complejidades del amor y la incertidumbre del futuro, explorando temas como la fragilidad de los sentimientos y la dificultad de aceptar la felicidad por miedo a que se termine.
Frases como “soy incapaz de asimilar la felicidad, es mi cerebro temiendo que llegue el final” y “me sigo pellizcando, no hay nadie como tú” capturan esa mezcla de temor y emoción intensa que acompaña a las relaciones profundas. Con una voz suave y conmovedora, Cris logra transmitir la ambigüedad emocional que caracteriza los momentos de amor y duda.
Actualmente, Cris Liav se encuentra en pleno proceso de preparación para el lanzamiento de su primer EP, que se espera para finales de 2024. Este nuevo trabajo promete seguir la misma línea emotiva y experimental que sus sencillos anteriores, combinando sonidos vanguardistas con letras cargadas de contenido introspectivo. A medida que se adentra en nuevas fases de su carrera, la artista continúa demostrando su capacidad para crear música que no solo conecta a nivel sonoro, sino que también invita a la reflexión profunda sobre las emociones humanas.
La música caribeña nos presenta una nueva estrella en ascenso: Janiq. Nacida en Trinidad y Tobago, y actualmente radicada en Londres, ha llegado el panorama musical con su estilo propio, una fusión de pop caribeño, R&B, soca y dancehall que la ha colocado como una de las promesas de la música global.
Su propuesta musical se caracteriza por una mezcla vibrante de géneros, que reflejan sus raíces caribeñas y su pasión por el pop contemporáneo. Su habilidad para fusionar la sensualidad y la actitud de su herencia cultural con la frescura de los sonidos urbanos la convierte en una artista única en su tipo.
Influenciada por figuras como Beyoncé, Rihanna, SZA, Dua Lipa y Britney Spears, Janiq ha encontrado su propio camino, combinando la fuerza de su voz con letras atrevidas y llenas de empoderamiento. La artista toca temas como el amor, las citas, el atractivo personal y, sobre todo, la importancia de vivir según tus propios estándares. En su sencillo más reciente, “Dior”, la cantante se burla del concepto de “amor trágico”, invitando a sus oyentes a reflexionar sobre la importancia del amor propio y a rechazar las relaciones destructivas.
“Dior” es el tercer sencillo de Janiq y el adelanto de su próximo EP. La canción combina ritmos contagiosos y una producción impecable, fusionando elementos de soca, dancehall, R&B y pop. Con una letra que aborda el tema de las relaciones tóxicas de manera juguetona y sarcástica, Janiq se presenta como una artista empoderada que no tiene miedo de expresar su verdad.
En sus propias palabras, Janiq explica el origen de “Dior”:
“Con mi ex, viví un tipo de amor romántico y de cuento de hadas, como Romeo y Julieta. Estaba atrapada en un torbellino de emociones que me hacían hacer cosas irracionales. Al final, terminamos; él era tóxico y trató de convencerme de un estilo de vida donde las riquezas materiales no eran importantes. Bloqueado y eliminado. Shakespeare lo llamó tragedia por una razón. Escribí esta canción pensando, me encanta el ‘amor’, pero soy una chica materialista, lo siento, no lo siento. Quiten el ‘amor de lucha’ de la lista, por favor y gracias.”
Janiq comenzó su carrera en el teatro, donde se destacó en papeles en el West End londinense, interpretando a Nala en El Rey León y a la Reina Catalina Parr en Six, el popular musical inspirado en las Spice Girls. Esta formación teatral le ha otorgado una gran presencia en el escenario y una capacidad vocal impresionante, cualidades que la distinguen dentro de la industria musical.
Con la publicación de “Dior” y el lanzamiento de su próximo EP, Janiq continúa expandiendo su presencia en el mundo de la música pop, mientras se mantiene fiel a su herencia caribeña. Su música se ha convertido en una plataforma para compartir historias de amor, desamor y autoempoderamiento, conectando con una audiencia global que busca autenticidad y frescura.
Zora es una cantante y compositora germano-francesa cuya música cautiva por su profundidad poética y su capacidad para contar historias emocionales con un toque lúdico. Con una voz íntima y envolvente, ha logrado crear un universo musical único que fusiona el folk, el indie rock y el art pop.
Su próximo EP debut, producido en los estudios Funkhaus de Berlín, combina la delicadeza y la intimidad de su voz con arreglos enérgicos de indie pop rock. A lo largo de su carrera, Zora ha sido influenciada por artistas como Soko, Cocteau Twins, John Frusciante y Lana Del Rey, quienes han moldeado su estilo, pero Zora está decidida a encontrar su propio sonido y seguir explorando su creatividad.
Zora combina la melancolía con momentos de ligereza, lo que hace que su música sea un reflejo genuino de sus experiencias personales. Su canción “Autumn” (el primer tema que escribió) aborda esa sensación universal que todos conocemos: cuando los días se acortan, el frío y la oscuridad invaden, y la melancolía comienza a apoderarse de nosotros. A través de una mezcla de sonidos alegres y letras llenas de ironía, Zora crea una pieza que, aunque habla de los días más oscuros, se convierte en un acompañante alegre para esos momentos sombríos.
Hollie Kenniff, la artista canadiense-estadounidense, es una de las voces más interesantes en la música ambiental y cinematográfica contemporánea. Fusionando sonidos etéreos con melodías orgánicas, crea paisajes sonoros resonantes los cuales la han distinguido en un género que se caracteriza por su sutileza y complejidad emocional. A través de su carrera, Kenniff ha explorado temas como la conexión humana y su aprecio por la naturaleza, utilizando su música como un vehículo para transmitir una sensación de calma, reflexión y, sobre todo, sanación.
Hollie Kenniff comenzó su viaje musical en la escena electrónica experimental con su esposo Keith Kenniff, conocido por sus proyectos Helios y Goldmund, en la banda de indie rock/shoegaze Mint Julep. Desde sus primeros días en la música, Kenniff demostró interes en crear atmósferas inmersivas, mezclando sintetizadores, pianos delicados y una paleta sonora que invita a los oyentes a desconectarse del ruido cotidiano y a sumergirse en un espacio introspectivo y profundo.
En 2019, Kenniff lanzó su álbum debut, “The Gatering Dawn“, un proyecto que sentó las bases de su carrera en solitario. Su música rápidamente llamó la atención por su habilidad para mezclar elementos electrónicos y acústicos, creando piezas de una belleza suave y contemplativa. Este álbum marcó el comienzo de una nueva etapa para Kenniff, quien encontró en el ambiente sonoro un espacio perfecto para expresar su conexión con el mundo natural y su propia exploración emocional.
El próximo LP de Kenniff, The Quiet Drift, sigue la estela de su trabajo anterior, destacando su evolución artística y su dedicación a la creación de paisajes sonoros expansivos y profundamente resonantes. En este álbum, Kenniff se sumerge aún más en las texturas ambientales y cinematográficas, manteniendo su enfoque en el detalle sonoro y el uso de instrumentos orgánicos, como el piano y las cuerdas, para ofrecer una experiencia auditiva que se siente tangible y viva.
La música de Hollie Kenniff ha evolucionado constantemente a lo largo de los años, desde sus primeros trabajos en el proyecto indie Mint Julep hasta su carrera en solitario. Ahora, con su cuarto álbum de estudio, For Forever, Kenniff da un paso más en su exploración musical, presentando un trabajo lleno de emocionalidad, atmósferas etéreas y una profunda conexión con el mundo natural.
For Forever: Una Oda a la Naturaleza y la Autenticidad Musical
For Forever, cuyo lanzamiento está programado para el 6 de diciembre de 2024 a través de Nettwerk, es una obra introspectiva que navega entre los terrenos de la música ambiental, experimental y pop etéreo. Con este álbum, Kenniff no solo muestra su capacidad para construir paisajes sonoros densos y emocionantes, sino que también logra transmitir una sensación de calma y sanación a través de sus composiciones. Cada uno de los 11 tracks del álbum se siente como una mini-revelación, una oportunidad para reflexionar, dejarse llevar por el momento y reconectar con lo esencial.
El uso de melodías de piano delicadas y el empleo intencional de ruidos y sonidos etéreos en capas permite que la música de Kenniff crezca lentamente, llevándonos en un viaje emocional que nunca se apresura pero que siempre mantiene al oyente al borde de su asiento. El álbum, escrito y grabado a lo largo de varios años, comienza a tomar forma en 2021 y refleja el compromiso de Kenniff con la creación de música que se siente orgánica y auténtica, incluso en sus momentos más etéreos.
El Track x Track de “For Forever”
Linger in Moments Con una suave melodía de piano, evocando una sensación de calma etrea, la música fluye con capas de sonido ambiental que se entrelazan suavemente. Un track instrumental que poco a poco nos introduce al disco.
Surface A través de sus suaves arpegios de piano y sus sintetizadores cálidos, el tema transmite la sensación de estar en un espacio celestial, lleno de nubes y flores. La pista es un abrazo sonoro que nos invita a respirar y detenernos. Los arpegios de piano nos vann introduciendo pequeños sonidos de cuerdas etereas mientras va finalizando el track.
For Forever La pista que da nombre al álbum es un himno de eternidad y continuidad, una reflexión sobre el paso del tiempo y la conexión intergeneracional. Lo interesante del disco es como logra transmitir tanto entre capas etereas y sin ninguna melodia vocal o letras, dandole mucha redondes al disco, sintiendose parte de un todo pero a la vez logra evolucionar el sonido del primer track hasta el ultimo.
Sea Sketch La marina es una clara inspiración para esta pista. El sonido del agua y el viento se mezcla con acordes suaves, creando una atmósfera calmada y meditativa. Las melodías se despliegan lentamente, como olas que se arrastran hacia la orilla. La pieza se siente como un lienzo sonoro, donde los detalles más sutiles pueden ser apreciados. El final de la canción, un toque de piano ligero, refleja la recesión de la ansiedad.
The Way of the Wind Esta pista introduce un cambio en el tono con una progresión más marcada y un compás constante. Los vientos soplan en la atmósfera, mientras una base rítmica sutil añade estabilidad. Aquí, la renovación es el tema principal, y el sonido evoca una sensación de esperanza. La obra transmite la idea de que, a pesar de la incertidumbre, hay un camino claro hacia el futuro, un camino que nos guía con seguridad. El uso de arpegiadores le da una nueva textura al disco, sutilmente electronica que logra darle una nueva luz en su paleta de sonidos.
Amare
El titulo de la canción es interesante, llevandonos a una sensación muy abstaracta del sentir, toma elementos de tracks anteriores para llevarnos a atmosferas que puedan conectar con el sentimiento de “amar” pasando por lo dulce y reljante, hasta una angustia que poco a poco se va transformando para finalizar en un sonido que da la sensación de dejar en suspenso.
Over Ocean Waves Continuando con la temática marina, “Over Ocean Waves” es una pieza que juega con el movimiento del mar. La música fluye con un ritmo ligero pero constante, evocando la sensación de estar navegando en aguas tranquilas. La atmósfera se llena de un delicado vaivén, transportando al oyente a un espacio de paz y refugio. La fluidez de la melodía y la amplitud del sonido generan un sentimiento de libertad y apertura.
What Carries Us Iniciando con una meldia de piano dulce, esta melodía etérea se construye lentamente, guiada por sintetizadores que se disuelven en el aire. Un sonido envolvente que simboliza lo que nos sostiene en los momentos difíciles. La pieza es profundamente introspectiva, y de las mas esperanzadoras del disco.
Esperance Aquí, la sensación de liberación es palpable, sugiriendo un descanso tranquilo después de un viaje largo. Es un espacio de serenidad, donde todo parece detenerse y la mente se aligera. A través de capas sonoras complejas, Kenniff crea un ambiente de búsqueda y revelación, como si estuviéramos explorando lo que realmente somos en el contexto más amplio de la naturaleza y la humanidad. El piano, suave pero firme, actúa como un hilo conductor, mientras el sonido ambiental parece envolvernos con una sensación de completitud.
Rest In Flight Aquí, la música se desliza suavemente entre el silencio y el sonido, creando una atmósfera transitoria. El uso de texturas etéreas da la sensación de estar en un espacio intermedio, entre el despertar y el descanso. Las melodías suaves y las capas que se entrelazan transmiten una sensación de estar entre dos mundos, flotando entre la realidad y el sueño.
Far Inland “Far Inland” ofrece un regreso a la sensación de la montaña representada en la portada del álbum. El tema con un piano resonante que nos lleva por primera vez a una melodia sumamente triste, poco a poco las cuerdas acarician una sensación que va de la relajación a la incertidumbre. La atmósfera es introspectiva, como si estuviéramos observando un paisaje lejano, simbolizando un refugio apartado del caos a traves de los sintetizadores. La música nos invita a conectar con un lugar de paz y introspección.
El viento, el mar, la tierra y el cielo son elementos recurrentes en sus composiciones, transportando al oyente a paisajes lejanos, tanto físicos como emocionales. Pistas como “Sea Sketch” y “Over Waves” evocan el movimiento de las olas y la calma que sigue a la tormenta, mientras que otras, como “The Way of the Wind”, están impregnadas de un aire de esperanza, simbolizando el paso del tiempo y la transformación personal.
La influencia de su amor por la naturaleza y su aprecio por la belleza simple y serena de su entorno se refleja claramente en su música. Los sonidos de la naturaleza se entrelazan con sus composiciones de piano y sintetizadores, creando una fusión perfecta entre lo orgánico y lo digital. Su enfoque en la emoción humana y la naturaleza le da a cada pieza un propósito profundo, invitando a los oyentes a hacer una pausa y reflexionar sobre sus propias vidas y conexiones.
A medida que Hollie Kenniff continúa explorando nuevos territorios sonoros, su música sigue evolucionando y resonando con el público.
Originaria de Ciudad de México, Solace ha construido su camino donde la música suele ser un refugio para emociones complejas, la cantante y compositora mexicana, explora temas como el amor propio, el tiempo, y el constante proceso de sanación y autodescubrimiento.
Solace está lista para compartir su primer EP, titulado “Fechas”, una obra compuesta por cinco canciones que reflejan su relación con el tiempo, el amor y las incertidumbres de la vida. Según la artista, este trabajo es una carta dedicada a sí misma, un recordatorio de que está bien no tener todas las respuestas, mientras sigues creyendo en que las cosas pueden salir bien.
El EP mezcla géneros como el R&B, el pop alternativo, y los ritmos latinos como el bolero, creando un sonido cálido y emocionalmente resonante. Su primer sencillo, “Amarme Bonito”, ya está disponible en plataformas digitales y se ha convertido en un himno al amor propio, invitando a los oyentes a celebrar su individualidad y a encontrar fuerza en la vulnerabilidad.
“‘Amarme Bonito’ es mi forma de recordarme que también merezco mi propio amor y tiempo. Es un compromiso de bienestar,” comparte Solace, quien escribió la canción en un momento clave de su vida.
Sus letras son honestas, sus melodías son envolventes, y su mensaje es profundamente humano. Cada canción de “Fechas” es una invitación a reflexionar, a detenerse por un momento y valorar el presente.
