Ocean Pleasant, una cantante y compositora de 28 años originaria de Texas, esta marcada por una mezcla de vulnerabilidad, agudeza y una pizca de ironía, nos invita a sumergirnos en un mundo lleno de emociones crudas, introspectivas y, a la vez, cálidas.
Desde sus primeras composiciones, Ocean ha mostrado una capacidad única para convertir las luchas internas en melodías cautivadoras. Criada bajo la influencia de leyendas como Joni Mitchell, Alanis Morissette y Beck, su música refleja una clara admiración por los artistas que, a través de sus letras, logran no solo contar historias, sino desentrañar las complejidades del alma humana.
Su último sencillo, Upstream, con un toque de folk y una producción minimalista, la canción nos lleva a través de un viaje emocional de autodescubrimiento. La letra habla de ese momento de la vida en el que decidimos salir de nuestra zona de confort y enfrentarnos a nuestras propias inseguridades, como el síndrome del impostor y la tendencia a evitar el compromiso emocional. A través de suaves vocales y una guitarra
La talentosa artista polaca LUNA regresa con su más reciente sencillo Personal Torture. Con este lanzamiento, LUNA, quien representará a Polonia en el Festival de Eurovisión 2024, sigue conquistando con su estilo electro-pop, pero esta vez con una profundidad emocional y sonora que la lleva a explorar terrenos más oscuros y hipnóticos.
Personal Torture es una combinación de sintetizadores inspirados en los años 80, pulsantes líneas de bajo y una energía vibrante que se entrelaza con la sinceridad de la voz de LUNA. La canción, que forma parte de su segundo álbum No Rest, explora los temas de autodescubrimiento, conflicto interno y la persecución de sueños inalcanzables, elementos que resuenan profundamente en los oyentes mientras transmiten la angustia de liberarse de las expectativas externas.
El pulso de la canción es eléctrico, mientras que la letra revela la vulnerabilidad de LUNA al enfrentarse a sus propias contradicciones y deseos no cumplidos. Con un ritmo constante y una melodía atrapante, la canción captura la intensidad emocional de lo que significa ser prisionero de uno mismo y, al mismo tiempo, buscar la libertad.
LUNA comparte que la inspiración para Personal Torture llegó en un momento de profunda reflexión personal. Fue en Estocolmo, lejos de su zona de confort, donde escribió la canción. En sus palabras, “Hubo una tormenta de realizaciones, como si hubiera estado dando vueltas en círculos, atada a expectativas e ilusiones que ni siquiera eran mías. Pensaba que lo tenía todo, pero en realidad estaba atrapada en mi propia ‘tortura personal'”.
Este relato de autoconfrontación y liberación es lo que hace que Personal Torture sea una canción tan potente. LUNA se desnuda emocionalmente a través de sus letras, lo que permite a los oyentes identificarse con la canción de manera profunda, mientras experimentan su propio proceso de liberación interna.
A través de un contraste entre colores blanco y negro, el video representa la lucha entre la libertad y la restricción, simbolizando el conflicto mental que se describe en la canción. Con movimientos cautivadores y una puesta en escena audaz, LUNA logra transmitir el drama y la emoción de Personal Torture de una manera visualmente poderosa.
Juliane Viktoria es una artista de la escena musical danesa. Con un estilo que fusiona elementos del pop y la electrónica, con un sonido delicado pero profundamente emocional. Su música, que se caracteriza por su sensibilidad y su capacidad para abordar temas complejos, ha resonado en países como Dinamarca y Noruega.
Originaria de un pequeño pueblo en Dinamarca, Juliane Viktoria ha sido moldeada por su entorno y su experiencia personal. Sus primeros años de vida estuvieron marcados por las noches de viernes en las que, como adolescente, pasaba horas en las pistas de baile, buscando formas de encontrar su identidad. Esta búsqueda constante de sí misma se refleja claramente en su música, que tiene un aire de vulnerabilidad y autenticidad. En sus canciones, Juliane se adentra en temas como la introspección, la lucha interna y las emociones humanas más complejas, incluyendo el miedo, la ansiedad y la esperanza.
Aunque comenzó componiendo en danés, Juliane Viktoria siempre sintió la necesidad de expandir su sonido y llegar a una audiencia global. Esta evolución en su estilo ha sido evidente en sus más recientes trabajos, donde ha logrado crear un sonido accesible pero profundamente introspectivo, que se aleja de las fronteras tradicionales del pop. Influenciada por artistas como Mac DeMarco y Usted Señalemelo, Juliane ha logrado combinar lo mejor de la electrónica con la calidez del pop, creando una atmósfera única y emocionalmente poderosa.
Uno de los ejemplos más claros de esta evolución es su último sencillo, Not Afraid to Die. Esta canción es un viaje sonoro a través de las sombras de la depresión, con una producción llena de reverberaciones atmosféricas que acompañan su voz suave y melancólica. La canción, que explora la relación con la muerte y la angustia existencial que surge durante momentos oscuros de la vida, se convierte en una reflexión profunda sobre la fragilidad humana. En sus propias palabras, Juliane explica que escribió esta canción después de una depresión que había creído superada, pero que, de manera inesperada, volvió a hacer acto de presencia, borrando temporalmente el miedo al final de la vida.
A pesar de la gravedad del tema, Not Afraid to Die no es una canción que invite a la desesperación. Por el contrario, transmite un mensaje de esperanza y de aceptación. Su suave piano, las texturas electrónicas que emergen y se desvanecen, y su voz etérea crean una atmósfera similar a la de un sueño, como si estuvieras flotando entre la vigilia y el descanso. La letra de la canción, con versos como “La hierba en mis sueños es brillante como diamantes”, expresa una belleza triste y a la vez reconfortante.
Detras de Housewife se encuentra Brighid Fry, una joven canadiense de 20 años que, a través de su música, nos invita a explorar los dilemas existenciales, la identidad de género y la experiencia de ser una persona queer en un mundo que sigue siendo predominantemente heteronormativo.
La historia de Housewife comienza cuando Brighid era solo una adolescente. En sus primeros años en la música, formó parte del dúo Moscow Apartment, que rápidamente ganó el reconocimiento del público y la crítica. Con su EP debut, el grupo recibió el prestigioso Canadian Folk Music Award, un reflejo de su prometedor talento. Sin embargo, con el paso del tiempo, Brighid decidió tomar el camino del solista y transformar su proyecto musical, dándole un giro más personal y auténtico a su arte.
“Matilda” es una invitación a disfrutar de la simplicidad y la belleza de los pequeños momentos de la vida. Desde su primer acorde, la canción te envuelve en una atmósfera cálida y acogedora, como un día soleado que te invita a salir al mundo con una sonrisa. La melodía fluye de manera orgánica y natural, con un ritmo pegadizo que se convierte en una extensión de tu cuerpo. Es imposible no mover el piecito al compás de su contagioso groove.
La voz de Housewife, con su timbre delgado y suave, es la que guía la melodía a través de una cadencia relajada y sin pretensiones. Hay algo profundamente íntimo en su manera de cantar, que hace que el oyente se sienta como si estuviera recibiendo una conversación cercana, como si estuvieras compartiendo un momento con una amiga de toda la vida.
Cat Ridgeway es una de esas artistas cuya energía contagiosa no pasan desapercibidos. Originaria de Orlando, Florida, esta cantautora y multiinstrumentista ha ido forjando un camino único en la escena musical independiente. Su estilo ecléctico, que fusiona indie rock, punk, dream pop y folk, ha capturado rápidamente la atención de audiencias que buscan una propuesta fresca y vibrante, pero también cargada de profundidad.
En su más reciente sencillo, What If?, Cat Ridgeway nos lleva en un viaje que nació de una experiencia personal transformadora. La canción, que incorpora banjo, trompeta y saxofón barítono, tiene una energía juguetona y envolvente, pero también una profundidad que invita a la reflexión. Con un ritmo percusivo que impulsa la canción y un toque de humor en sus letras, What If? reflexiona sobre la existencia, planteando preguntas cósmicas que exploran el propósito de la vida y el caos del día a día.
El origen de esta pieza tiene algo de lo surreal. Según Cat, la inspiración para What If? llegó después de un episodio en el que, tras tomar unos gummies, se perdió en un bosque de 5000 acres mientras se encontraba en una cabaña aislada. Lo que parecía un viaje de autodescubrimiento se convirtió en una metáfora de cómo, aunque a veces nos sintamos perdidos, nunca estamos realmente lejos de nuestra esencia. “Eventualmente encontré el camino de regreso a mi cabaña y me di cuenta de que nunca estuve a más de 50 yardas de ella durante todo el tiempo,” comenta la artista.
Con una variedad de instrumentos, desde guitarra y banjo hasta trompeta y mandolina, Ridgeway ha logrado construir una firma musical que desafía los límites de los géneros establecidos. En What If?, su fusión de folk, rock y elementos de jazz crea una atmósfera que acompaña a las letras de forma impecable.
Ridgeway ha destacado como una auto-ensamblada multiinstrumentista que no solo toca varios instrumentos, sino que también juega con ellos de manera creativa, a menudo grabando y tocando en vivo varios a la vez. Esta capacidad para equilibrar la complejidad de sus composiciones con una ejecución aparentemente sencilla y espontánea ha sido una de las razones por las cuales ha ganado una fiel base de seguidores.
Lyna, una cantautora mexicana con un estilo que abarca desde los géneros urbanos pop hasta los nostálgicos boleros, ha encontrado su identidad musical en el renacimiento del Tex-Mex, un género que marcó generaciones y que ahora regresa con más fuerza que nunca.
Desde sus inicios en la música en 2018, Lyna ha trabajado incansablemente para consolidar su carrera artística. Con más de cuatro años de experiencia en la industria, su dedicación y amor por la música se reflejan en cada una de sus interpretaciones. Su propósito es claro: transmitir emociones auténticas y mensajes que resuenen en los corazones de quienes la escuchan.
Uno de los momentos más importantes de su trayectoria fue su participación en La Academia de TV Azteca en 2018, un reality show reconocido a nivel latinoamericano que le permitió presentarse ante una gran audiencia y fortalecer su conexión con los seguidores. A partir de esta experiencia, Lyna tomó impulso y decidió apostar por su carrera de manera independiente, explorando distintos géneros y perfeccionando su arte.
El Tex-Mex es un género musical que ha sido inmortalizado por grandes exponentes como Selena Quintanilla, y que ahora encuentra una nueva representante en Lyna. Su más reciente lanzamiento, un cover titulado “Conociéndome”, es una reinterpretación de un tema de Paty Cantú, en el que logró fusionar su estilo personal con sonidos frescos y vibrantes del Tex-Mex.
El proyecto surgió como parte de un reto creativo durante un casting, en el que Lyna y su equipo debían reinventar una canción para presentarla en vivo ante la propia Paty Cantú. Durante el proceso de producción, la idea tomó forma y el Tex-Mex resurgió con una nueva esencia, marcando así el inicio de una etapa clave en la carrera de la cantante.
En un mundo donde la música evoluciona constantemente, Lyna demuestra que el Tex-Mex sigue más vivo que nunca y que aún tiene mucho por ofrecer.
Bruklin, una artista nacida en Albania y radicada en Nueva York, quien su pasión por el entretenimiento comenzó desde muy joven, cuando a los 11 años ya estaba actuando en televisión para grandes marcas, mostrando su talento y presencia en el escenario.
Su sencillo debut, “Stay Friends”, mostró sus poderosas vocales y letras profundas, mientras que el videoclip de “Magic Show” consolidó aún más su presencia en el mundo del pop. En sus propias palabras, Bruklin dice: “La música reúne a las personas y cuenta historias que las palabras solas no pueden contar.” Esta declaración refleja perfectamente la esencia de su arte, que busca conectar con la audiencia de manera genuina y profunda. Su capacidad para transmitir emociones a través de sus canciones ha sido clave en su éxito hasta ahora.
Recientemente, Bruklin lanzó su nuevo sencillo acústico, “Good Cry (Acoustic)”, un tema que muestra una faceta más íntima y vulnerable de la artista. La canción, lanzada el 28 de febrero de 2025, es una poderosa exploración de la belleza cruda del desamor. Con una producción minimalista y una interpretación vocal cargada de emoción, “Good Cry (Acoustic)” se convierte en una balada que invita a la reflexión y al llanto liberador. La frase “I’m overdue for a really good cry” (Estoy atrasada para una buena llorada) resume perfectamente la esencia de la canción: una catarsis emocional que muchos de sus oyentes reconocerán y abrazarán.
Este lanzamiento demuestra la versatilidad de Bruklin como artista, capaz de moverse de un sonido pop vibrante a una interpretación acústica que resalta su capacidad vocal. La canción es perfecta para playlists de pop acústico, música de sanación y momentos de introspección. “Good Cry (Acoustic)” es un recordatorio de que la música tiene el poder de sanar, de permitirnos procesar nuestras emociones más profundas y de encontrar consuelo en la vulnerabilidad.
Elise, cantante, compositora e intérprete originaria de Kilkenny, Irlanda, explora el mundo del indie y el folk alternativo desde su debut en 2019. El viaje de Elise comenzó con el lanzamiento de su primer EP These Thoughts a finales de 2019, el cual recibió una gran acogida, obteniendo reproducciones en estaciones de radio nacionales marcando el comienzo de una carrera, destacándose por su estilo folk alternativo con toques de melancolía y poesía lírica.
A lo largo de su carrera, Elise ha sabido rodearse de grandes nombres de la música. Ha compartido escenario con artistas como Ailbhe Reddy, Arborist (ganador del premio NI Music Award) y Rozi Plain, lo que le ha permitido seguir evolucionando como artista y enriquecer su propio sonido.
Elise ha trabajado en perfeccionar su sonido y lo refleja claramente en sus nuevas composiciones. Con el lanzamiento de su single Remember, y como adelanto de su próximo EP I’ve Been Here (previsto para principios de 2025), Elise nos presenta una versión más madura y definida de su música.
Su estilo ha evolucionado, pero sigue manteniendo esa esencia melódica y lírica que la caracteriza, combinando el folk alternativo con una frescura contemporánea que la hace destacar en la escena musical actual.
Amy Stroup es una cantautora originaria de Nashville cuya música ha logrado llegar a innumerables producciones televisivas, comerciales y películas. Con una sensibilidad especial para escribir letras emotivas y melodías pegajosas, Stroup se ha convertido en una de las compositoras más licenciadas en la industria del entretenimiento.
Desde el inicio de su carrera, Amy Stroup se ha caracterizado por crear canciones que transportan a los oyentes con letras simples pero profundamente emocionales. Su música ha sido incluida en exitosas series como This Is Us, Grey’s Anatomy, The Good Doctor y The Walking Dead, además de formar parte de importantes campañas publicitarias para marcas como Calvin Klein y Lexus.
Su estilo combina elementos del indie pop con una lírica introspectiva, lo que le ha permitido conectar con una audiencia diversa y consolidarse como una de las voces más destacadas de la música independiente.
En 2023, Amy Stroup lanzó su álbum Since Frank, seguido en 2025 por el sencillo Til The Stars Come Back To Us. Este último tema muestra su capacidad para evolucionar musicalmente, comenzando con una base acústica y transformándose en una explosión de sonidos electrónicos y emotivos al final.
Además de su faceta como cantante y compositora, Stroup es cofundadora de Milkglass Creative, una empresa de branding y diseño que ha trabajado con grandes artistas como Chris Stapleton, Little Big Town y Thomas Rhett.
Con una carrera en crecimiento y un talento innegable, Amy Stroup sigue demostrando que su música es capaz de emocionar y conectar con el público en cualquier formato.
Maria Mortiz con tan solo 26 años, esta cantante y compositora mexicana ha logrado destacarse por su capacidad para fusionar elementos del pop moderno con ritmos latinos tradicionales, creando un sonido que ha cautivado a su audiencia. Nacida y criada en la Ciudad de México, Maria comenzó a ser conocida en 2014 con un video viral titulado Pinches Holandeses, el cual la posicionó como una figura fresca y con una propuesta genuina dentro del panorama musical. Sin embargo, su carrera dio un giro aún más significativo en 2021, cuando firmó con el sello independiente Anchor Music Company y comenzó su relación profesional con el productor Rob Jimenez.
Su debut musical, el álbum Déjame Preguntarte, es un claro reflejo de su evolución como artista. Con un enfoque en la narrativa personal, Maria no solo se presenta como cantante, sino también como una narradora que logra transmitir sus emociones y vivencias a través de cada nota y palabra. Las canciones del álbum exploran temas universales como el amor, la pérdida y la autodescubrimiento, invitando al oyente a adentrarse en su mundo interior.
La producción de Déjame Preguntarte estuvo a cargo de Rob Jimenez, un productor mexicano-estadounidense conocido por su trabajo con artistas de renombre. Además, la colaboración con Leandro Alvarez, un productor argentino ganador de dos premios Grammy, le dio al álbum una sonoridad refinada y profesional. El disco fue grabado en los estudios La Bestia y Estudio 13 en la Ciudad de México, y fue mezclado por Rob Jimenez en Los Angeles, California, en los estudios Orangewood. La combinación de estos talentos y lugares resultó en un producto de calidad excepcional, lo que permite que la voz de Maria y sus letras resuenen de manera profunda y clara.
El Track x Track de Déjame Preguntarte
Asi
Abriendo el disco, “Asi” nos cautiva con un sonido inspirado en el sonido latino como el bolero e instrumentos de madera, la voz de Maria, toma un protagonismo sobrio e hipnotizador, mientras las claves nos transportan a una atmosfera
Bonita
El disco continua y nos va presentando como elementos recurrentes este estilo de percusion latina contrastada con la voz joven de Mortiz que le da un aire de frescura al estilo a la vez que mantiene las raices de donde se inspira la cantante Méxicana. Con una letra muy bien trabajada logra atrapar al otyente en una sensación casual a la vez que nos presenta toda una herencia de generos y sonidos de antaño, que nos podrian recordar a artistas como Natalia Lafourcade o Daniel, Me Estas Matando.
Vampiro
Si bien el titulo en primera instancia nos llama la atención por el contraste del sonido latino con el termino “Vampiro”, la cantautora nos sorprende tomando esta figura mitica y anglosajona como una metafora de un ser amado qyue le ha robado todo, combinando este sonido recurrente del disco y un vidoe sumamente atrapante, la propuesta cada vez se ve mas solida en como va pasando cada track del disco.
Te vas
Una de las canciones más destacadas del álbum es Te Vas, una pieza que fusiona el alt pop con toques de bolero moderno. Con una estructura que resalta la combinación entre el piano y la voz de Maria, la canción se distingue por su enfoque minimalista, donde la suavidad de la batería y los detalles de percusión añaden una atmósfera emotiva. Te Vas captura la urgencia y el deseo en un enamoramiento apasionado, donde el protagonista se ve impulsado a vivir el momento sin pensar en las consecuencias. La letra transmite ese anhelo de estar cerca de alguien especial, creando una experiencia auditiva que toca el corazón de quienes la escuchan.
Contracorriente
Llegando a la mitad del disco “Contracorriente” se va por un camino un poco separado de los tracks anteriores, inspirado mas en genero como el Pop y el Folk, esta balada con Ukelele nos transporta a una lucha de amor, que funciona muy bien como un ligero respiro de aire fresco en el disco.
Quiero Saber
Quiero saber nos lleva al sabor de un ritmo mas tropical, mientras la constante de historias de desamor se vulve un sello distintivo de Maria Mortiz, manteniendo elementos sonoros de tracks anteriores la pista se vuelve una pista de baile que nos llevan a sonidos de artistas contemporaneos de Maria como Valeria Jasso.
Tortuga
Tortuga va entrando en la recta final del disco, con elementos de cierta manera mas “crudos” la canción nos sumergen en una vibra tropical a ritmo lento, que se disfruta y goza, la ejecución vocal esta muy bien llevada y demuestra la sensibilidad para interpretar historias personales hasta este tipo de historias mas eclecticas.
Brujo
Despues de varios tracks del disco, brujo continua esta linea “tropical” del albúm, teniendo ritmos bailables, maderas y una voz emotiva que nos llevan a historias personales, quizas a este punto para cerrar el disco nos hubiera gustado precindir de alguno de estos tracks bailables para darle un cierre mas diferente, sin mebagro como canción funciona muy bien y hasta ahora estas dos verticales de lo tropical y bolero conforman una propuesta muy solida por parte de Maria.
Quieres Tanto
Justo lo que veniamos buscando, “Quieres Tanto” salta de la vibra tropical a un sensación mas emotiva y que nos recuerda a piezas como “Cancion Mixteca”, que nos recuerdan la mexicanidad de la artista asi mismo la inspiración de toda una epoca dorada con cantantes como COnsuelito Vasquez.
Sirena y el Pescador
Cerrando el disco Maria nos presenta Sirena y el Pescador, retomando el bolero y elementos como las cuertas de nailon la canción nos cuenta una historia inspirada en estas dos figuras, un amor casi imposible con un ritmo bailable y emotivo.
Maria Mortiz ha logrado construir una identidad musical muy auténtica y propia. Cada canción que lanza es un reflejo de su alma, a través de su talento como compositora, ha logrado construir un repertorio que no solo atrae a quienes buscan música fresca y moderna, sino también a aquellos que disfrutan de una rica tradición musical latina.
El futuro de Maria Mortiz en la música latina parece ser prometedor. Con su habilidad para mezclar lo moderno y lo tradicional, así como su capacidad para crear melodías memorables y letras introspectivas, es probable que siga ganando terreno en la escena internacional. Si algo queda claro, es que Maria Mortiz es una de las artistas más destacadas de la nueva generación de música latina, y su lugar en la industria solo está comenzando.
