Nuevas Voces Femeninas

Jasmine Crowe explora el ciclo de un amor imposible de olvidar en “Broken Record”

By Neto Cuc / octubre 26, 2026

La cantante, compositora y productora estadounidense Jasmine Crowe regresa con “Broken Record”, un sencillo que combina pop, R&B y neo-soul para explorar las contradicciones de una relación que parece repetirse una y otra vez. Con una interpretación vocal intensa y llena de matices, la artista transforma los recuerdos, el deseo y la dificultad de dejar ir a alguien en una canción envolvente que conecta con las emociones más complejas del amor.

Escrita y producida por Crowe junto a Brittni Paiva, “Broken Record” toma como punto de partida la metáfora de un disco rayado para describir esos vínculos de los que resulta difícil escapar, incluso cuando se sabe que la historia parece destinada a terminar de la misma manera. La canción retrata el impulso de regresar a lo conocido, revivir momentos compartidos y permanecer atrapado entre la nostalgia y la esperanza. En ese espacio emocional, el desamor convive con la atracción, creando una tensión que atraviesa toda la composición.

La repetición hipnótica de sus melodías y letras refuerza la sensación de estar atrapado en un ciclo sentimental. Crowe explora esa mezcla agridulce de reconocer que una relación puede no tener futuro y, aun así, no estar preparado para dejarla atrás. El resultado es una pieza íntima y honesta que encuentra belleza en las contradicciones emocionales, sin renunciar a una sonoridad contemporánea y accesible.

En el apartado musical, “Broken Record” destaca por la fusión de texturas de R&B y neo-soul con una base pop que permite lucir la voz sensual y poderosa de Crowe. La instrumentación aporta personalidad al tema: Mark Pelli, integrante de MAGIC!, participa con guitarra y bajo, mientras que Imua Garza suma teclados que enriquecen la atmósfera. Paiva incorpora un solo de guitarra y Crowe demuestra su versatilidad como multiinstrumentista con un solo de violín que añade un matiz distintivo al arreglo. El sencillo forma parte del segundo álbum de Jasmine Crowe, un proyecto de 13 canciones que ha tomado años en desarrollarse y que está siendo completado en colaboración con Paiva.

Con “Broken Record”, Jasmine Crowe reafirma su capacidad para convertir experiencias sentimentales complejas en canciones cargadas de sensibilidad, personalidad y riqueza instrumental. Mientras se prepara para cerrar esta etapa con su segundo álbum, la artista ya contempla una nueva dirección musical para 2027, con un tercer proyecto inspirado en el country y la música Americana. Por ahora, este sencillo invita a escuchar de nuevo esas historias que creíamos superadas y reconocer que, a veces, dejar de repetirlas es mucho más difícil de lo que parece.

Indie Pop/Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Pop

Jessie Altman explora la atracción irresistible en su nuevo sencillo “Stay Away”

By Neto Cuc / octubre 26, 2026

La cantautora estadounidense Jessie Altman presenta “Stay Away”, una canción de indie pop que explora las contradicciones del amor y esa lucha interna entre querer alejarse de alguien y sentirse incapaz de resistir su presencia. Incluido en su segundo álbum, Lovelight, el tema aborda la tensión entre la razón y el corazón, retratando una conexión emocional que persiste incluso cuando la distancia parece ser la opción más sensata.

Con una melodía envolvente, un estribillo pegadizo y una interpretación vocal suave y expresiva, Altman transmite la vulnerabilidad de una relación marcada por el deseo, el miedo y la incertidumbre. La letra refleja el temor a perder una conexión importante y la dificultad de romper con una atracción que parece tener vida propia. En “Stay Away”, la cantante convierte ese conflicto en una experiencia cercana y reconocible, donde la necesidad de protegerse emocionalmente se enfrenta al impulso de permanecer junto a alguien.

Detrás del nombre artístico Jessie Altman se encuentra Jessica Carter Altman, quien comenzó su carrera musical mientras estudiaba Derecho en la Universidad de Michigan. Su primer EP, No Rules, contribuyó a darle visibilidad nacional y abrió la puerta a apariciones en programas como The Talk y TODAY Show, además de recibir atención de medios como Forbes. También fue incluida entre las artistas “Ones to Watch” de la revista People.

Con “Stay Away”, Jessie Altman continúa desarrollando una propuesta que combina una voz distintiva, melodías accesibles y relatos íntimos sobre las complejidades de las relaciones humanas. A través de una historia de atracción y resistencia, la artista recuerda que, en ocasiones, alejarse de alguien puede resultar mucho más difícil de lo que dicta la razón.

Indie Pop/Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Pop

Clara Lars presenta “Fall Back”: sensibilidad pop y atmósferas electrónicas

By Neto Cuc / octubre 21, 2026

La cantautora y productora estadounidense Clara Lars continúa desarrollando su universo musical con “Fall Back”, un sencillo que combina la sensibilidad del pop contemporáneo con texturas electrónicas y una atmósfera envolvente. A través de una propuesta en la que la voz y la producción comparten protagonismo, la artista explora un sonido íntimo y evocador que refleja su interés por convertir las emociones en canciones.

Originaria de Brooklyn, Nueva York, Clara se trasladó con su familia a Los Ángeles cuando tenía diez años. La adaptación a una nueva ciudad y a una escuela diferente marcó una etapa importante en su vida. En ese contexto, el piano se convirtió en un refugio creativo y la composición en una forma de expresar sus pensamientos y experiencias personales.

Su relación con la música fue evolucionando hasta convertirse también en una exploración de la producción. En 2020, durante la pandemia, Clara instaló un pequeño estudio en el sótano de su casa y comenzó a producir sus propias canciones. De aquel periodo nació Illusions, su primer EP, un trabajo que sentó las bases de su identidad sonora. Un año después, llamó la atención del productor Chris Coady, conocido por su trabajo con artistas como Beach House y Grizzly Bear, con quien colaboró para ampliar las dimensiones atmosféricas de su música.

En “Fall Back”, Clara Lars apuesta por una combinación de elementos electrónicos y melodías pop que construyen una experiencia sonora accesible, pero con matices. La producción acompaña la interpretación vocal mediante capas y detalles que contribuyen a crear una atmósfera definida, sin restarle protagonismo a la expresividad de la cantante.

La voz ocupa un lugar central en la composición y funciona como el hilo conductor de una propuesta que encuentra su equilibrio entre la cercanía emocional y una construcción sonora contemporánea. En lugar de depender únicamente de la melodía, el sencillo presta atención a las texturas y al ambiente, elementos que ayudan a establecer su personalidad dentro del panorama del alt-pop. La canción llegó acompañada de un videoclip dirigido por Casey Pierce, cuyas imágenes amplían la dimensión visual del lanzamiento y complementan el carácter atmosférico de la propuesta.

La música de Clara Lars nace de una escritura profundamente personal, inspirada en sus diarios y en las experiencias que han marcado su vida. Sus composiciones suelen moverse entre la introspección, la ansiedad y la observación de las emociones cotidianas, transformando pensamientos íntimos en relatos con los que otros oyentes pueden identificarse.

Electrónica/Groove/Nuevas Voces Femeninas

MIJA – HARD DISCO: el disco reinventado desde la energía nocturna de Berlín

By Neto Cuc / octubre 16, 2026

La DJ, productora y vocalista MIJA, radicada en Berlín, presenta Hard Disco, un EP de cuatro canciones que explora nuevas posibilidades para el disco al cruzarlo con techno, hardgroove y Eurodance. Con una propuesta que combina nostalgia, sensualidad y energía de club, la artista transforma referencias clásicas en un sonido contemporáneo, pensado para la pista de baile y conectado con la intensidad de la escena electrónica berlinesa.

En Hard Disco, el pasado no funciona como una fórmula que debe repetirse, sino como un punto de partida para experimentar. Los grooves inspirados en el disco y el house clásico conviven con percusiones contundentes, ritmos acelerados y la energía directa del rave. El resultado es una propuesta dinámica y juguetona que conserva el carácter bailable de sus influencias mientras las lleva hacia territorios más intensos y nocturnos.

El EP está compuesto por “Feels Good”, “Hard Disco”, “On The Floor” y “Temptation”, cuatro piezas que desarrollan distintas facetas de una misma identidad musical. La apertura con “Feels Good” establece el movimiento desde los primeros compases, mientras que la canción homónima, “Hard Disco”, lleva las referencias disco hacia una dimensión más contundente y orientada a los momentos de mayor intensidad en el club.

Por su parte, “On The Floor” destaca por su groove contagioso y su vocación física, consolidándose como uno de los ejes del proyecto. La canción fue presentada antes del lanzamiento del EP y recibió apoyo inicial de medios como House of Solo y Son of Marketing. El recorrido concluye con “Temptation”, una pieza que introduce otra atmósfera sin romper la continuidad sonora de la colección.

Más que reunir cuatro sencillos independientes, MIJA construye un recorrido que mantiene una dirección común y permite que cada canción aporte un matiz diferente. El disco aporta sensualidad y ligereza; el techno y el hardgroove endurecen el pulso, mientras que el Eurodance suma una dimensión pop directa y reconocible.

Antes de este lanzamiento, trabajos como Summer Groove y el EP Soft Groove ya mostraban el interés de MIJA por combinar funk, house y ritmos de club acelerados. Hard Disco continúa esa exploración y profundiza en el cruce entre la memoria musical y las sonoridades actuales de la electrónica europea.

Indie Pop/Indie Rock/Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Rock/Pop

Catie Turner explora la identidad y la autenticidad en su nuevo sencillo «Who Am I»

By Neto Cuc / octubre 16, 2026

La cantautora estadounidense Catie Turner presenta «Who Am I», un nuevo sencillo que profundiza en la búsqueda de identidad, la autoaceptación y la presión de vivir bajo la mirada de los demás. Con una propuesta fresca de indie-pop, la artista combina melodías envolventes y una producción luminosa con una letra introspectiva que invita a reflexionar sobre cuánto de nuestra personalidad mostramos al mundo y cuánto dejamos de lado por buscar aprobación externa.

«Who Am I» aborda la comparación constante y la necesidad de construir una imagen que responda a las expectativas ajenas. Turner transforma estas inquietudes en una canción honesta y cercana, explorando la dificultad de distinguir entre quiénes somos realmente y quiénes sentimos que debemos ser para encajar o recibir reconocimiento.

Musicalmente, el sencillo destaca por sus cálidas melodías de guitarra, sus ritmos dinámicos y una producción pop enérgica que contrasta con la profundidad de su mensaje. El resultado es una canción radiante y pegadiza que conserva la sensibilidad característica de la cantante, demostrando su capacidad para convertir experiencias personales e inseguridades en composiciones con las que el público puede identificarse. La producción, mezcla y coautoría estuvieron a cargo de Carobae, colaboradora de Turner en la creación de este lanzamiento.

«Who Am I» también representa un paso importante hacia Blue Alchemy, el esperado álbum debut de Catie Turner, cuyo lanzamiento está previsto para el 16 de octubre. El sencillo funciona como el último adelanto del disco y anticipa una etapa artística centrada en el crecimiento personal, la honestidad emocional y la libertad de definir la propia identidad sin depender de la validación de los demás.

Turner invita a dejar atrás las comparaciones y las expectativas externas para abrazar una versión más auténtica de uno mismo. «Who Am I» es, en definitiva, una reflexión pop sobre el autodescubrimiento y el valor de aceptarse en los propios términos, acompañada de una propuesta musical luminosa que deja entrever lo que la artista tiene preparado para Blue Alchemy.

Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Pop/Synth Pop/Synthwave

lene 3000: el hechizo electrónico de “Lights Off”

By Neto Cuc / octubre 16, 2026

Desde los paisajes dramáticos de la costa suroeste de Noruega emerge lene 3000, el proyecto creativo de la artista y productora Lene Talgø, quien construye un universo musical donde la electrónica experimental, las atmósferas inquietantes y la sensibilidad del pop alternativo convergen en una identidad sonora tan misteriosa como cautivadora. Con una propuesta que transita entre el synth-pop y el witch house, la artista explora los límites entre lo etéreo y lo bailable, creando composiciones que envuelven al oyente en un imaginario digital de tintes oscuros y fantásticos.

“Lights Off”, sencillo principal de su álbum debut Greatest Swamp Hits, representa una de las expresiones más envolventes de su universo creativo. Desde sus primeros compases, la canción despliega una atmósfera hipnótica en la que las voces armoniosas y delicadas se entrelazan con sintetizadores envolventes y ritmos electrónicos pulsantes. El resultado es una pieza que transmite una euforia etérea, avanzando con sutileza hasta revelar una energía rítmica que invita a dejarse llevar por su particular groove.

La producción encuentra su fuerza en el contraste: mientras las texturas sonoras sugieren un paisaje nebuloso y enigmático, los beats aportan movimiento y vitalidad. Esta combinación de elementos del witch house y el alt-pop permite que “Lights Off” transite entre la introspección y el impulso de la pista de baile, sin perder la delicadeza que distingue la interpretación vocal de Lene Talgø. Cada capa sonora contribuye a una experiencia envolvente que se descubre progresivamente, haciendo de la canción un recorrido sensorial más que una estructura convencional.

Esta identidad también se extiende a su propuesta audiovisual. El videoclip, dirigido por Charlotte Dion, amplifica el imaginario de brujería digital que caracteriza al proyecto mediante una estética surrealista, donde los paisajes crudos y fantásticos refuerzan la naturaleza misteriosa de la composición. La imagen y el sonido funcionan como partes de un mismo lenguaje artístico, transportando al espectador a un territorio donde lo natural, lo sintético y lo sobrenatural parecen coexistir.

Detrás de este universo experimental existe una sólida formación musical. Talgø comenzó a estudiar violín a los cinco años y, durante su adolescencia, formó parte de un programa nacional de talentos dedicado a la música clásica. Esa experiencia convive hoy con su interés por la producción electrónica y la exploración de la nostalgia en la música contemporánea, una inquietud que aporta profundidad a su manera de construir paisajes sonoros.

Experimental/Jazzy/Lo Mejor de la Semana/Nuevas Voces Femeninas/Nuevos Sonidos

Mali Obomsawin convierte el jazz experimental en un paisaje cinematográfico con “Triage”

By Neto Cuc / octubre 16, 2026

La multiinstrumentista, cantante y compositora de la nación Abenaki explora territorios sonoros oscuros e impredecibles con “Triage”, una composición que fusiona free jazz, rock y experimentación electrónica, y que anticipa su próximo álbum en solitario, Automatic.

Hay canciones que parecen contar una historia y otras que construyen un mundo entero sin necesidad de palabras. “Triage”, de Mali Obomsawin, pertenece a esta segunda categoría. La compositora y multiinstrumentista presenta una pieza de atmósfera inquietante, donde las texturas instrumentales, la improvisación y los cambios abruptos de intensidad evocan la banda sonora de una película imaginaria, llena de imágenes fragmentadas, espacios sombríos y escenas abiertas a múltiples interpretaciones.

Originaria de la nación Abenaki de Odanak, Quebec, y con base entre Nueva York y su comunidad de origen, Obomsawin se ha consolidado como una voz singular dentro de las escenas del jazz experimental, el free jazz y el rock. Su trabajo en solitario y su proyecto de rock Deerlady reflejan una búsqueda artística que desafía las convenciones de género y explora nuevas posibilidades narrativas a través del sonido.

En “Triage”, esa libertad creativa se manifiesta desde los primeros segundos. La composición comienza con una atmósfera densa y misteriosa, dominada por capas de sonido que parecen surgir de un territorio desconocido. Los instrumentos de viento adquieren una cualidad casi fantasmal, mientras las texturas ambientales construyen una sensación de extrañeza que crece gradualmente. La música parece abrir una puerta hacia otro espacio, uno en el que la tensión y la belleza conviven sin necesidad de resolverse.

A medida que avanza la pieza, el paisaje sonoro se transforma. El bajo y la batería irrumpen con una energía explosiva, acercando la composición a la intensidad del jazz punk, mientras la improvisación mantiene viva una sensación de incertidumbre. No hay una estructura convencional que conduzca al oyente por un camino predecible. En cambio, “Triage” avanza mediante contrastes, acumulaciones y rupturas que mantienen la escucha en constante movimiento. Su combinación de disonancia, atmósferas sombrías y tensión instrumental puede evocar la aproximación experimental de Mica Levi en The Zone of Interest (2023) o las texturas perturbadoras de Mark Korven en The Lighthouse (2019).

Una de las claves de esta experiencia es la participación de Andrew Broder en los platos giratorios, que añade una dimensión sonora distinta a la instrumentación acústica. Su presencia amplía las posibilidades tímbricas de la composición y contribuye a esa sensación de estar atravesando espacios sonoros superpuestos, como si distintas realidades colisionaran dentro de una misma pieza.

Lo Mejor de la Semana/Nuevas Voces Femeninas/Synth Pop/Synthwave

Ruby Waters presenta “GET A GRIP”, una explosiva mezcla de indie pop y espíritu alternativo

By Neto Cuc / octubre 13, 2026

Ruby Waters regresa con “GET A GRIP” con una combinación de voces rasposas, ritmos envolventes y una actitud despreocupada, la cantante y compositora continúa construyendo un sonido propio que se mueve con naturalidad entre el indie pop, el rock alternativo, el dream pop y el R&B. Originaria de Ontario y actualmente establecida en las montañas de Columbia Británica, Waters ha desarrollado una identidad musical difícil de encasillar. Sus canciones se caracterizan por una interpretación vocal cargada de carácter y una sensibilidad que conecta diferentes géneros sin perder autenticidad. En “GET A GRIP”, esa versatilidad vuelve a ocupar el centro de la propuesta.

El sencillo combina la voz grave y rasposa de la artista con una instrumentación de indie pop marcada por el groove. La producción crea una atmósfera dinámica y accesible, mientras la interpretación mantiene ese toque imperfecto y espontáneo que distingue su estilo. El resultado es una canción que invita a dejarse llevar por el ritmo y confirma la capacidad de Ruby Waters para encontrar un equilibrio entre energía alternativa y melodías pegadizas.

Este lanzamiento llega después del buen recibimiento de “WET T-SHIRT”, tema que superó los 11 millones de reproducciones en Spotify y ayudó a mantener el impulso de su carrera. Con “GET A GRIP”, Waters continúa expandiendo su universo sonoro y explorando nuevas formas de expresión sin renunciar a la personalidad que la ha definido desde sus primeros trabajos.

El estreno del sencillo viene acompañado de un videoclip dirigido por Adit Dixit, en el que la artista muestra una faceta natural y desenfadada. Las imágenes la siguen mientras recorre las montañas en bicicleta y comparte una partida de billar con sus amigos en un bar local, construyendo un retrato cercano de su vida fuera del escenario. El video privilegia la espontaneidad y los pequeños momentos cotidianos. Los paisajes de Columbia Británica aportan un componente visual atractivo, mientras las escenas con sus amigos reflejan el espíritu relajado que acompaña a la canción.

La propia Waters describió el rodaje como una experiencia libre, en la que simplemente pudo hacer las cosas a su manera. También destacó el talento de Dixit para capturar la magia de esos instantes y compartió su agradecimiento por disfrutar de las montañas y pasar tiempo con las personas cercanas a ella.

Su propuesta combina la intensidad del rock con la sensibilidad del pop alternativo y los matices del soul, una mezcla que le permite moverse entre distintos ambientes sin perder una identidad reconocible. Esa libertad creativa vuelve a manifestarse en “GET A GRIP”, un lanzamiento que apuesta por el ritmo, la actitud y una interpretación vocal que resulta difícil de confundir.

Indie Pop/Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Rock

Matilde G se enfrenta al exceso y la ilusión en “GRAVE OF OUR LIVES”

By Neto Cuc / octubre 6, 2026

Matilde G la artista italiana radicada en Singapur profundiza en su nueva etapa rock con una canción oscura, visceral y cargada de crítica social, “GRAVE OF OUR LIVES”, la cantante, compositora y performer italiana presenta una de sus propuestas más intensas hasta la fecha: un viaje hacia el lado oscuro de la noche, donde el glamour, el exceso y la búsqueda constante de diversión pueden esconder una profunda sensación de vacío.

La canción se mueve dentro de un territorio de rock alternativo oscuro y poderoso, construido alrededor de una energía cruda que encuentra en la voz de Matilde G su principal vehículo emocional. Su interpretación combina fuerza y vulnerabilidad, transmitiendo la urgencia de alguien que no observa la realidad desde la distancia, sino que se atreve a confrontarla directamente.

“GRAVE OF OUR LIVES” plantea una pregunta incómoda: ¿qué queda cuando desaparecen las luces, la música y la apariencia de una vida perfecta? Bajo la superficie brillante de la vida nocturna, Matilde G descubre un escenario mucho más inquietante, marcado por el exceso, la ilusión y una generación que puede sentirse atrapada en una búsqueda interminable de estímulos. La canción representa además una evolución natural dentro de la trayectoria de la artista. Después de construir una audiencia internacional con su propuesta pop, Matilde G entró en una nueva etapa con Beautiful Wreckage, su primer álbum completamente orientado al rock.

En “GRAVE OF OUR LIVES”, esa filosofía adquiere una dimensión especialmente contundente. Las guitarras, la energía y la intensidad de la producción sirven como escenario para una reflexión sobre la desconexión emocional que puede esconderse detrás de una cultura obsesionada con la fiesta, la apariencia y el exceso. Pero Matilde G no abandona la melodía. Su voz mantiene una cualidad accesible incluso cuando la canción se vuelve más agresiva, creando un contraste entre la oscuridad del mensaje y la capacidad de la artista para construir momentos memorables. Esa combinación de energía rock, sensibilidad pop y honestidad emocional se ha convertido en una de las características más reconocibles de su nueva identidad musical.

Acústico/Altpop/Dream Pop/Dreamy/Etereo/Folk/Indie Pop/Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Pop/Pop

Oleyada: el indie-pop bilingüe que convierte lo íntimo en un universo sonoro

By Neto Cuc / octubre 2, 2026

Desde su estudio de grabación en casa, ubicado en la ciudad de Mississauga, Canadá, Oleyada está construyendo un universo musical propio: íntimo, nostálgico y, al mismo tiempo, sorprendentemente fresco. Su propuesta se mueve entre el indie-pop, las texturas lo-fi y una sensibilidad cercana al rock, creando canciones que combinan melodías pegadizas con atmósferas soñadoras.

Detrás de este proyecto se encuentra también Mathew Fantini, su esposo y compañero creativo, con quien Oleyada trabaja en la producción de su música. Juntos han desarrollado un sonido que deja espacio para la delicadeza de su voz: suave, aérea y envolvente, pero capaz de sostener canciones con una identidad melódica muy marcada. La identidad de Oleyada está profundamente ligada a sus raíces. Como canadiense de segunda generación e hija de padres uruguayos, incorpora tanto el inglés como el español en su trabajo artístico. Esta dualidad no aparece como un simple recurso estilístico, sino como una parte natural de su manera de contar historias y relacionarse con su propia identidad cultural.

Su música ha aparecido en producciones de televisión y streaming, incluyendo las series canadienses Strays y Workin’ Moms, además de Hudson & Rex y The Lake, reflejando su capacidad para crear ambientes y emociones que funcionan más allá de la escucha individual. Sus canciones pueden acompañar una escena, establecer un estado de ánimo o reforzar un momento narrativo sin perder jamás su propia identidad.

El Track x Track de “Oleyada”

“all about you”

En su último lanzamiento doble, la artista presenta “all about you”, una canción que nos transporta de inmediato a este mundo acústico y dreamy. Su estudio de dormitorio se convierte en un laboratorio creativo donde lo retro encuentra nuevas formas de expresarse a través de la producción lo-fi. Con un color de voz delicado y suave, Oleyada apuesta por una atmósfera romántica, casi inocente, colorida, donde la melodía y la narración son protagonistas. Entre voces etéreas, sintetizadores retro dulces y letras que combinan juego y profundidad, su música construye un espacio propio donde lo íntimo se convierte en algo universal.

Específicamente en esta canción, la combinación de texturas orgánicas con una atmósfera de ensueño entre capas de amor recuerda a artistas como Clairo o Sales, llevándonos a un mundo visual que se siente como un sueño emocional.

“the sky”

Por su parte, en “the sky”, el segundo tema de este sencillo doble, la atmósfera mantiene ese mismo mundo con una sensación nostálgica y ligeramente triste. Este track apuesta por una voz más protagonicamente emocional y arreglos que sirven como una cama sonora que hace sumergirnos por completo en la visión de la artista. El resultado es una pieza luminosa y envolvente que transmite libertad, introspección y melancolía.

En definitiva, Oleyada representa a una nueva generación de artistas independientes que transforman lo íntimo en un mundo personal habitable. Visualmente, el proyecto podría recordarnos a The Marías o Magdalena Bay, mientras que en lo musical apuesta por un toque acústico y dreamy que le otorga una voz propia dentro del panorama musical.

Desde su dormitorio Oleyada, combina sus raíces uruguayas, el inglés y el español con un indie-pop soñador, cálido y lleno de personalidad. Su voz etérea, sus melodías envolventes y una sensibilidad que conecta nostalgia y modernidad hacen de su propuesta una presencia singular dentro de la escena musical canadiense e internacional. Con cada canción, Oleyada continúa demostrando que las historias más personales también pueden encontrar un profundo eco mucho más allá de sus propias fronteras.” por que es muy parecido al parrafo del inicio