La cantante y compositora mexicana ATHENA WRONG llega con su estilo y capacidad para fusionar géneros de manera audaz. Nacida en San Diego y ahora radicada en la ciudad angelina, ATHENA WRONG comenzó a grabar en el armario de su cuarto a los 13 años, hasta convertirse en una de las voces emergentes más prometedoras de la música alternativa, su sonido abarca desde el pop-rap, pasando por el R&B alternativo, hasta el blues de los 70 con un toque moderno y atrevido.
Uno de sus lanzamientos más recientes es “Going Going Gone,” donde captura la montaña rusa emocional que implica perseguir los sueños, enfrentando desafíos como el rechazo, la soledad y la incertidumbre, pero sin perder la determinación de seguir adelante.
“Going Going Gone” es una pieza catártica, que lleva al oyente a través de los altibajos de la vida de una artista independiente. ATHENA comparte las dificultades de navegar en solitario en la industria musical, su inquebrantable deseo de triunfar, y su disposición a afrontar las tormentas que vienen con el éxito. Todo esto se transmite a través de su voz, que se entrelaza con una producción energética donde los bajos marcados, las guitarras envolventes y las melodías emocionales crean una atmósfera única, llena de confianza y vulnerabilidad.
Si aún no has escuchado “Going Going Gone,” te invitamos a darle play a este tema que, sin duda, te inspirará a seguir tus propios sueños con más pasión que nunca.
Camille Schmidt, llega directamente desde Brooklyn, Nueva York, su carrera despegó con la publicación de su debut EP Good Person en junio de 2024, donde exploraba las complejidades de la autenticidad, la soledad y las relaciones humanas, todo dentro de un sonido folk-rock marcado por un toque íntimo y una lírica profundamente personal. El EP mostró la habilidad de Schmidt para equilibrar la vulnerabilidad y la fuerza. Pero su evolución no se detuvo ahí. En su próximo álbum Nude #9 Schmidt promete expandir aún más su horizonte sonoro, fusionando géneros como el synth-pop, el folk, el punk y el post-punk, todo mientras profundiza en las complejidades emocionales que marcan su vida.
Uno de los sencillos más esperados del nuevo álbum es Stanley, un tema que ha logrado capturar la atención tanto por su sonoridad única como por la complejidad de su letra. Con una producción que combina guitarras melódicas, un bajo dinámico y una batería contundente, Stanley es una pieza que explora la soledad desde una perspectiva conmovedora y humana.
La inspiración para la canción surgió de una experiencia personal de Camille Schmidt durante un vuelo. Mientras viajaba, escuchó a una mujer hablando por mensaje sobre su novio, Stanley, y reflexionó sobre la soledad que se siente tanto en la ausencia de compañía como en la presencia de alguien que no logra llenar el vacío emocional. Esta introspección sobre el vacío existencial y la búsqueda de consuelo en pequeños detalles y conversaciones inesperadas se traduce perfectamente en la canción. Con una estructura que va desde la calma hasta la intensidad emocional, Stanley es un reflejo honesto de la lucha interna de Schmidt, mientras navega entre la vulnerabilidad y la resiliencia.
Desde los ecos de los años 80 hasta los toques de indie rock contemporáneo, Schmidt ha logrado crear un sonido ecléctico que mantiene la autenticidad de su mensaje. En Nude #9, la artista expande su paleta musical al colaborar con productores y músicos como Ben Zaidi y Eli Heath, quienes aportan nuevas texturas y elementos a la producción.
Schmidt se mantiene fiel a su estilo, pero al mismo tiempo no teme explorar y desafiar los límites de su creatividad, lo que hace de cada uno de sus temas una experiencia única para el oyente.
Cris Liav nacida en Albacete y actualmente afincada en Madrid, con una formación musical que comenzó a una edad temprana en el conservatorio, Cris ha dedicado los últimos años a perfeccionar su técnica vocal, composición y producción musical, lo que le ha permitido consolidarse como una de las figuras emergentes más interesantes dentro del pop alternativo.
El estilo de Cris Liav se caracteriza por una fusión de indie, dream pop, bedroom pop y pop alternativo, con matices de folk y electropop. La artista aborda en sus canciones temas universales como el amor, la vulnerabilidad, la autocomprensión y la búsqueda de libertad, invitando a sus oyentes a reflexionar sobre sus propias experiencias emocionales. La sensibilidad con la que Cris transmite estos sentimientos la convierte en una voz única en la música contemporánea.
Su habilidad para crear melodías que se sienten tanto frescas como atemporales le ha permitido conectar con una audiencia diversa. Las influencias de grandes artistas internacionales como Taylor Swift, Lana Del Rey, Caroline Polachek o Chappell Roan se entrelazan con las de figuras del panorama musical español como Amaia y Ganges, creando una mezcla de sonidos que resuenan con su identidad única.
En su más reciente lanzamiento, “Nadie como tú”, Cris Liav nos presenta un himno alt-pop que, con su sonido envolvente y casi onírico, combina beats suaves con arreglos que crean una atmósfera hipnótica. La artista habla sobre las complejidades del amor y la incertidumbre del futuro, explorando temas como la fragilidad de los sentimientos y la dificultad de aceptar la felicidad por miedo a que se termine.
Frases como “soy incapaz de asimilar la felicidad, es mi cerebro temiendo que llegue el final” y “me sigo pellizcando, no hay nadie como tú” capturan esa mezcla de temor y emoción intensa que acompaña a las relaciones profundas. Con una voz suave y conmovedora, Cris logra transmitir la ambigüedad emocional que caracteriza los momentos de amor y duda.
Actualmente, Cris Liav se encuentra en pleno proceso de preparación para el lanzamiento de su primer EP, que se espera para finales de 2024. Este nuevo trabajo promete seguir la misma línea emotiva y experimental que sus sencillos anteriores, combinando sonidos vanguardistas con letras cargadas de contenido introspectivo. A medida que se adentra en nuevas fases de su carrera, la artista continúa demostrando su capacidad para crear música que no solo conecta a nivel sonoro, sino que también invita a la reflexión profunda sobre las emociones humanas.
La música caribeña nos presenta una nueva estrella en ascenso: Janiq. Nacida en Trinidad y Tobago, y actualmente radicada en Londres, ha llegado el panorama musical con su estilo propio, una fusión de pop caribeño, R&B, soca y dancehall que la ha colocado como una de las promesas de la música global.
Su propuesta musical se caracteriza por una mezcla vibrante de géneros, que reflejan sus raíces caribeñas y su pasión por el pop contemporáneo. Su habilidad para fusionar la sensualidad y la actitud de su herencia cultural con la frescura de los sonidos urbanos la convierte en una artista única en su tipo.
Influenciada por figuras como Beyoncé, Rihanna, SZA, Dua Lipa y Britney Spears, Janiq ha encontrado su propio camino, combinando la fuerza de su voz con letras atrevidas y llenas de empoderamiento. La artista toca temas como el amor, las citas, el atractivo personal y, sobre todo, la importancia de vivir según tus propios estándares. En su sencillo más reciente, “Dior”, la cantante se burla del concepto de “amor trágico”, invitando a sus oyentes a reflexionar sobre la importancia del amor propio y a rechazar las relaciones destructivas.
“Dior” es el tercer sencillo de Janiq y el adelanto de su próximo EP. La canción combina ritmos contagiosos y una producción impecable, fusionando elementos de soca, dancehall, R&B y pop. Con una letra que aborda el tema de las relaciones tóxicas de manera juguetona y sarcástica, Janiq se presenta como una artista empoderada que no tiene miedo de expresar su verdad.
En sus propias palabras, Janiq explica el origen de “Dior”:
“Con mi ex, viví un tipo de amor romántico y de cuento de hadas, como Romeo y Julieta. Estaba atrapada en un torbellino de emociones que me hacían hacer cosas irracionales. Al final, terminamos; él era tóxico y trató de convencerme de un estilo de vida donde las riquezas materiales no eran importantes. Bloqueado y eliminado. Shakespeare lo llamó tragedia por una razón. Escribí esta canción pensando, me encanta el ‘amor’, pero soy una chica materialista, lo siento, no lo siento. Quiten el ‘amor de lucha’ de la lista, por favor y gracias.”
Janiq comenzó su carrera en el teatro, donde se destacó en papeles en el West End londinense, interpretando a Nala en El Rey León y a la Reina Catalina Parr en Six, el popular musical inspirado en las Spice Girls. Esta formación teatral le ha otorgado una gran presencia en el escenario y una capacidad vocal impresionante, cualidades que la distinguen dentro de la industria musical.
Con la publicación de “Dior” y el lanzamiento de su próximo EP, Janiq continúa expandiendo su presencia en el mundo de la música pop, mientras se mantiene fiel a su herencia caribeña. Su música se ha convertido en una plataforma para compartir historias de amor, desamor y autoempoderamiento, conectando con una audiencia global que busca autenticidad y frescura.
Zora es una cantante y compositora germano-francesa cuya música cautiva por su profundidad poética y su capacidad para contar historias emocionales con un toque lúdico. Con una voz íntima y envolvente, ha logrado crear un universo musical único que fusiona el folk, el indie rock y el art pop.
Su próximo EP debut, producido en los estudios Funkhaus de Berlín, combina la delicadeza y la intimidad de su voz con arreglos enérgicos de indie pop rock. A lo largo de su carrera, Zora ha sido influenciada por artistas como Soko, Cocteau Twins, John Frusciante y Lana Del Rey, quienes han moldeado su estilo, pero Zora está decidida a encontrar su propio sonido y seguir explorando su creatividad.
Zora combina la melancolía con momentos de ligereza, lo que hace que su música sea un reflejo genuino de sus experiencias personales. Su canción “Autumn” (el primer tema que escribió) aborda esa sensación universal que todos conocemos: cuando los días se acortan, el frío y la oscuridad invaden, y la melancolía comienza a apoderarse de nosotros. A través de una mezcla de sonidos alegres y letras llenas de ironía, Zora crea una pieza que, aunque habla de los días más oscuros, se convierte en un acompañante alegre para esos momentos sombríos.
Hollie Kenniff, la artista canadiense-estadounidense, es una de las voces más interesantes en la música ambiental y cinematográfica contemporánea. Fusionando sonidos etéreos con melodías orgánicas, crea paisajes sonoros resonantes los cuales la han distinguido en un género que se caracteriza por su sutileza y complejidad emocional. A través de su carrera, Kenniff ha explorado temas como la conexión humana y su aprecio por la naturaleza, utilizando su música como un vehículo para transmitir una sensación de calma, reflexión y, sobre todo, sanación.
Hollie Kenniff comenzó su viaje musical en la escena electrónica experimental con su esposo Keith Kenniff, conocido por sus proyectos Helios y Goldmund, en la banda de indie rock/shoegaze Mint Julep. Desde sus primeros días en la música, Kenniff demostró interes en crear atmósferas inmersivas, mezclando sintetizadores, pianos delicados y una paleta sonora que invita a los oyentes a desconectarse del ruido cotidiano y a sumergirse en un espacio introspectivo y profundo.
En 2019, Kenniff lanzó su álbum debut, “The Gatering Dawn“, un proyecto que sentó las bases de su carrera en solitario. Su música rápidamente llamó la atención por su habilidad para mezclar elementos electrónicos y acústicos, creando piezas de una belleza suave y contemplativa. Este álbum marcó el comienzo de una nueva etapa para Kenniff, quien encontró en el ambiente sonoro un espacio perfecto para expresar su conexión con el mundo natural y su propia exploración emocional.
El próximo LP de Kenniff, The Quiet Drift, sigue la estela de su trabajo anterior, destacando su evolución artística y su dedicación a la creación de paisajes sonoros expansivos y profundamente resonantes. En este álbum, Kenniff se sumerge aún más en las texturas ambientales y cinematográficas, manteniendo su enfoque en el detalle sonoro y el uso de instrumentos orgánicos, como el piano y las cuerdas, para ofrecer una experiencia auditiva que se siente tangible y viva.
La música de Hollie Kenniff ha evolucionado constantemente a lo largo de los años, desde sus primeros trabajos en el proyecto indie Mint Julep hasta su carrera en solitario. Ahora, con su cuarto álbum de estudio, For Forever, Kenniff da un paso más en su exploración musical, presentando un trabajo lleno de emocionalidad, atmósferas etéreas y una profunda conexión con el mundo natural.
For Forever: Una Oda a la Naturaleza y la Autenticidad Musical
For Forever, cuyo lanzamiento está programado para el 6 de diciembre de 2024 a través de Nettwerk, es una obra introspectiva que navega entre los terrenos de la música ambiental, experimental y pop etéreo. Con este álbum, Kenniff no solo muestra su capacidad para construir paisajes sonoros densos y emocionantes, sino que también logra transmitir una sensación de calma y sanación a través de sus composiciones. Cada uno de los 11 tracks del álbum se siente como una mini-revelación, una oportunidad para reflexionar, dejarse llevar por el momento y reconectar con lo esencial.
El uso de melodías de piano delicadas y el empleo intencional de ruidos y sonidos etéreos en capas permite que la música de Kenniff crezca lentamente, llevándonos en un viaje emocional que nunca se apresura pero que siempre mantiene al oyente al borde de su asiento. El álbum, escrito y grabado a lo largo de varios años, comienza a tomar forma en 2021 y refleja el compromiso de Kenniff con la creación de música que se siente orgánica y auténtica, incluso en sus momentos más etéreos.
El Track x Track de “For Forever”
Linger in Moments Con una suave melodía de piano, evocando una sensación de calma etrea, la música fluye con capas de sonido ambiental que se entrelazan suavemente. Un track instrumental que poco a poco nos introduce al disco.
Surface A través de sus suaves arpegios de piano y sus sintetizadores cálidos, el tema transmite la sensación de estar en un espacio celestial, lleno de nubes y flores. La pista es un abrazo sonoro que nos invita a respirar y detenernos. Los arpegios de piano nos vann introduciendo pequeños sonidos de cuerdas etereas mientras va finalizando el track.
For Forever La pista que da nombre al álbum es un himno de eternidad y continuidad, una reflexión sobre el paso del tiempo y la conexión intergeneracional. Lo interesante del disco es como logra transmitir tanto entre capas etereas y sin ninguna melodia vocal o letras, dandole mucha redondes al disco, sintiendose parte de un todo pero a la vez logra evolucionar el sonido del primer track hasta el ultimo.
Sea Sketch La marina es una clara inspiración para esta pista. El sonido del agua y el viento se mezcla con acordes suaves, creando una atmósfera calmada y meditativa. Las melodías se despliegan lentamente, como olas que se arrastran hacia la orilla. La pieza se siente como un lienzo sonoro, donde los detalles más sutiles pueden ser apreciados. El final de la canción, un toque de piano ligero, refleja la recesión de la ansiedad.
The Way of the Wind Esta pista introduce un cambio en el tono con una progresión más marcada y un compás constante. Los vientos soplan en la atmósfera, mientras una base rítmica sutil añade estabilidad. Aquí, la renovación es el tema principal, y el sonido evoca una sensación de esperanza. La obra transmite la idea de que, a pesar de la incertidumbre, hay un camino claro hacia el futuro, un camino que nos guía con seguridad. El uso de arpegiadores le da una nueva textura al disco, sutilmente electronica que logra darle una nueva luz en su paleta de sonidos.
Amare
El titulo de la canción es interesante, llevandonos a una sensación muy abstaracta del sentir, toma elementos de tracks anteriores para llevarnos a atmosferas que puedan conectar con el sentimiento de “amar” pasando por lo dulce y reljante, hasta una angustia que poco a poco se va transformando para finalizar en un sonido que da la sensación de dejar en suspenso.
Over Ocean Waves Continuando con la temática marina, “Over Ocean Waves” es una pieza que juega con el movimiento del mar. La música fluye con un ritmo ligero pero constante, evocando la sensación de estar navegando en aguas tranquilas. La atmósfera se llena de un delicado vaivén, transportando al oyente a un espacio de paz y refugio. La fluidez de la melodía y la amplitud del sonido generan un sentimiento de libertad y apertura.
What Carries Us Iniciando con una meldia de piano dulce, esta melodía etérea se construye lentamente, guiada por sintetizadores que se disuelven en el aire. Un sonido envolvente que simboliza lo que nos sostiene en los momentos difíciles. La pieza es profundamente introspectiva, y de las mas esperanzadoras del disco.
Esperance Aquí, la sensación de liberación es palpable, sugiriendo un descanso tranquilo después de un viaje largo. Es un espacio de serenidad, donde todo parece detenerse y la mente se aligera. A través de capas sonoras complejas, Kenniff crea un ambiente de búsqueda y revelación, como si estuviéramos explorando lo que realmente somos en el contexto más amplio de la naturaleza y la humanidad. El piano, suave pero firme, actúa como un hilo conductor, mientras el sonido ambiental parece envolvernos con una sensación de completitud.
Rest In Flight Aquí, la música se desliza suavemente entre el silencio y el sonido, creando una atmósfera transitoria. El uso de texturas etéreas da la sensación de estar en un espacio intermedio, entre el despertar y el descanso. Las melodías suaves y las capas que se entrelazan transmiten una sensación de estar entre dos mundos, flotando entre la realidad y el sueño.
Far Inland “Far Inland” ofrece un regreso a la sensación de la montaña representada en la portada del álbum. El tema con un piano resonante que nos lleva por primera vez a una melodia sumamente triste, poco a poco las cuerdas acarician una sensación que va de la relajación a la incertidumbre. La atmósfera es introspectiva, como si estuviéramos observando un paisaje lejano, simbolizando un refugio apartado del caos a traves de los sintetizadores. La música nos invita a conectar con un lugar de paz y introspección.
El viento, el mar, la tierra y el cielo son elementos recurrentes en sus composiciones, transportando al oyente a paisajes lejanos, tanto físicos como emocionales. Pistas como “Sea Sketch” y “Over Waves” evocan el movimiento de las olas y la calma que sigue a la tormenta, mientras que otras, como “The Way of the Wind”, están impregnadas de un aire de esperanza, simbolizando el paso del tiempo y la transformación personal.
La influencia de su amor por la naturaleza y su aprecio por la belleza simple y serena de su entorno se refleja claramente en su música. Los sonidos de la naturaleza se entrelazan con sus composiciones de piano y sintetizadores, creando una fusión perfecta entre lo orgánico y lo digital. Su enfoque en la emoción humana y la naturaleza le da a cada pieza un propósito profundo, invitando a los oyentes a hacer una pausa y reflexionar sobre sus propias vidas y conexiones.
A medida que Hollie Kenniff continúa explorando nuevos territorios sonoros, su música sigue evolucionando y resonando con el público.
Originaria de Ciudad de México, Solace ha construido su camino donde la música suele ser un refugio para emociones complejas, la cantante y compositora mexicana, explora temas como el amor propio, el tiempo, y el constante proceso de sanación y autodescubrimiento.
Solace está lista para compartir su primer EP, titulado “Fechas”, una obra compuesta por cinco canciones que reflejan su relación con el tiempo, el amor y las incertidumbres de la vida. Según la artista, este trabajo es una carta dedicada a sí misma, un recordatorio de que está bien no tener todas las respuestas, mientras sigues creyendo en que las cosas pueden salir bien.
El EP mezcla géneros como el R&B, el pop alternativo, y los ritmos latinos como el bolero, creando un sonido cálido y emocionalmente resonante. Su primer sencillo, “Amarme Bonito”, ya está disponible en plataformas digitales y se ha convertido en un himno al amor propio, invitando a los oyentes a celebrar su individualidad y a encontrar fuerza en la vulnerabilidad.
“‘Amarme Bonito’ es mi forma de recordarme que también merezco mi propio amor y tiempo. Es un compromiso de bienestar,” comparte Solace, quien escribió la canción en un momento clave de su vida.
Sus letras son honestas, sus melodías son envolventes, y su mensaje es profundamente humano. Cada canción de “Fechas” es una invitación a reflexionar, a detenerse por un momento y valorar el presente.
La cantante y compositora Emmrose, una de las artistas más prometedoras del panorama indie, lanza su nuevo sencillo “New Era”. A sus 20 años, Emmrose ha logrado destacar por su enfoque profundo en sus composiciones, fusionando géneros como el Indie Pop y el Dream Pop con una sensibilidad emocional palpable. “New Era” se presenta como una canción que sumergiendo al oyente en un paisaje sonoro oscuro y minimalista que, sin embargo, mantiene una extraña belleza en su esencia.
En esta ocasión, Emmrose se unió nuevamente al productor y músico Richard Orofino (Sex Week), quien ya había colaborado con ella en el éxito “Electric Nights”. La colaboración entre ambos fue clave para la creación de un sonido crudo y envolvente, en el que la guitarra barítono de Orofino juega un papel crucial, aportando una base sólida y firme que se ve complementada por sintetizadores distorsionados y glitchy que crean una atmósfera inquietante.
Emmrose explica que su intención era que la canción tuviera una estructura corta, tensa y desconcertante. La artista menciona:
“Quería que la canción fuera corta y tensa. Soñadora y desconcertante. Richard hizo este sintetizador súper salvaje, sonaba como una máquina oxidada y rota. Tuve que girar una perilla de distorsión mientras escribía la parte, y eso fue tan muy divertido.”
Este proceso de experimentar con los efectos de distorsión y la manipulación directa del sonido, le dio a la canción una calidad única que captura la sensación de desmoronamiento y caos, pero también de resiliencia.
“New Era” es una reflexión sobre el momento histórico y personal que atraviesa Emmrose. La canción captura el sentimiento de que las cosas se están desmoronando, no solo en el ámbito personal de la cantante, sino también en un contexto más amplio, especialmente en la comunidad artística. Esta sensación de crisis se manifiesta de forma cinematográfica a lo largo de la canción, que lleva al oyente a un estado de incertidumbre, como si estuviera atrapado en una pesadilla surrealista. A pesar de ello, la canción también propone una solución: la esperanza. Como afirma Emmrose,
“Lo único que podemos hacer es aferrarnos a la esperanza al final. No hay otra opción.” La canción, entonces, no se deja vencer por el caos, sino que propone una forma de atravesarlo con la intención de seguir adelante.
“Hard” es el nombre de la nueva colaboración entre Vendredi sur Mer, el cautivador proyecto musical de la suiza Charline, y el talentoso Hanni El Khatib, uno de los iconos del rock garage californiano de los años 2010. Este tema marca un hito importante en la carrera de Vendredi sur Mer, ya que es su primer sencillo dirigido específicamente a territorios de habla inglesa, ampliando su alcance internacional con una propuesta cargada de emoción, nostalgia y una potente energía pop.
La canción es una balada de ruptura romántica en la que Charline y Hanni El Khatib se sumergen en un diálogo melódico sobre el dolor y la resiliencia que siguen a una relación fallida. La letra, que explora el sufrimiento de una separación, se ve complementada por las voces contrastantes de ambos artistas, creando una atmósfera de vulnerabilidad e intensidad emocional. Mientras que Charline aporta su característico tono suave y sensual, Hanni El Khatib introduce su estilo áspero y crudo, creando una dinámica interesante y cargada de electricidad.
El tema ha sido producido por Sam Tiba, un productor y exmiembro de Club Cheval, conocido por su trabajo con artistas del rap francés como Zola, Georgio y 13 Block. La producción de “Hard” se aleja un poco del sonido más etéreo y nostálgico que Vendredi sur Mer había mostrado anteriormente, adentrándose en un territorio más audaz y moderno, que mezcla la elegancia de la chanson francesa con la audacia del pop de los 80. La base electrónica y los sintetizadores retro dan paso a una canción más contundente, que mantiene la esencia introspectiva de Vendredi sur Mer pero con un giro más enérgico.
Este lanzamiento llega tras el éxito global de sus proyectos anteriores, como “Premiers Émois” y “Métamorphose” que consolidaron a Vendredi sur Mer como una de las voces más destacadas del pop alternativo contemporáneo.
El videoclip que acompaña a la canción, dirigido por Alice Kong, continúa con la estética visual cinematográfica que caracteriza al proyecto, con imágenes llenas de belleza enigmática y sensualidad, que complementan perfectamente la atmósfera de la canción.
Yiigaa, nombre artístico de Yiga Gao Lou, es una cantante y compositora de pop alternativo que ha logrado destacar por fusionar géneros y su recorrido artístico. Nacida en Costa de Marfil y radicada en Londres, Yiigaa combina su herencia africana con influencias globales, creando un sonido único que se mueve entre el soul, el amapiano, el afrobeats, el garage y el R&B.
Desde muy joven, Yiigaa mostró un profundo interés por la música y las artes. A los siete años, comenzó a escribir sus propias letras, influenciada por una amplia variedad de estilos musicales. Esta pasión por la creatividad se consolidó durante su formación académica, donde estudió drama y artes teatrales en la universidad. A los 18 años, se unió al National Youth Theatre, una experiencia que no solo enriqueció su desarrollo artístico, sino que también la introdujo en el mundo del teatro profesional. A lo largo de su carrera, ha participado en producciones en espacios como el Young Vic, el Old Vic Young Company, Woolwich Theatre y Theatre Peckham.
Uno de sus lanzamientos más recientes, el sencillo Follow Lights, lanzado el 21 de noviembre de 2024 a través de Supernature, es una pieza que refleja la relación compleja y profunda que las personas tienen con las ciudades. Yiigaa explica que la canción aborda la belleza y la dificultad de vivir en la ciudad, un lugar lleno de oportunidades y éxito, pero también de soledad, sobrecarga sensorial y presión. En sus propias palabras: “Quería hacer una canción que encapsulara la belleza de ambos lados”.
Yiigaa sigue consolidándose como una artista integral que aporta nuevas perspectivas a la música, sino que también inspira a través de su trabajo en las artes escénicas y su enfoque en la autenticidad cultural. Con su capacidad para mezclar ritmos, emociones y reflexiones sobre la vida urbana, Yiigaa promete seguir siendo una de las voces más interesantes de la música alternativa global.
