Nuevas Voces Femeninas

Shery M y “Goin Gone”: cuando irse se convierte en un acto de libertad

By Neto Cuc / enero 19, 2026

Shery M no canta para desaparecer. Canta para sobrevivir. Con “Goin Gone”, su primer single en inglés, la artista internacional inaugura una nueva etapa creativa que no nace de una estrategia ni de una tendencia, sino de una experiencia real y profunda: la necesidad de irse para poder seguir siendo quien es.

“Goin Gone” es un tema pop cinematográfico que habla de dejar atrás aquello que ya no te permite vivir. Es el sonido de elegir el movimiento frente al silencio, de transformar una despedida personal en una declaración universal de fuerza, libertad y avance. La canción fue escrita en uno de los momentos más decisivos de la vida de Shery M: cuando se vio obligada a huir de Irán tras pasar meses escondida por hacer música.

Nacida en Teherán, Shery M emergió de la escena musical underground iraní hasta convertirse en una figura icónica conocida como “The Persian Urban Queen”, acumulando más de mil millones de reproducciones en plataformas persas e internacionales. Su trayectoria ha estado marcada por la censura, el exilio y la reinvención constante, pero siempre guiada por la verdad artística y la resiliencia.

En “Goin Gone”, Shery M no solo cambia de idioma: redefine su voz. A nivel sonoro, el tema fusiona una interpretación emocionalmente intensa con una producción de pop global moderna, pensada tanto para la radio como para el directo y la cultura del remix. En lo lírico, conecta con cualquiera que haya tenido que dejar algo atrás —un lugar, una relación, una versión de sí mismo— para poder empezar de nuevo.

La canción captura ese punto exacto en el que el dolor y la valentía conviven. Habla de la paranoia, del miedo, de la nostalgia… pero también de la decisión final de no volver atrás. De empujarse a través del dolor para elegir la libertad, incluso cuando hacerlo duele.

Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Pop/Pop/R&B

Lorensa Captura la Tensión del Deseo y la Duda en su Nuevo Single “Hesitating”

By Neto Cuc / enero 18, 2026

La artista Lorensa, con base en Los Ángeles, continúa abriendose camino dentro del R&B contemporáneo y el dark pop con el lanzamiento de su nuevo single “Hesitating”. La canción combina un R&B sensual y cálido con elementos de pop alternativo y dark pop, creando un sonido híbrido que destaca por su autenticidad y riqueza emocional.

En Hesitating, Lorensa coloca su voz como centro absoluto de la canción, ofreciendo una interpretación intensa y cautivadora. La letra aborda la compleja tensión entre el deseo y la duda, explorando la lucha entre mantener algo casual y sucumbir a una conexión más profunda y complicada. Esta narrativa es reforzada por una producción sofisticada que incluye sintetizadores expansivos, ritmos groovy y toques de trap, elementos que aportan dinamismo y modernidad al tema.

La cantante demuestra, una vez más, su capacidad para transformar emociones íntimas en música. Su interpretación rica y soulful permite que cada escucha se sumerja en un viaje sonoro lleno de alma, sensualidad y emoción, consolidando a Lorensa como una artista que no necesita presentación: su música habla por sí misma.

Nuevas Voces Femeninas/Pop/Synth Pop

Cheyenne Pohl Deslumbra con su Nuevo Single “Anticipating You”

By Neto Cuc / enero 18, 2026

La cantante y compositora Cheyenne Pohl continúa con su sonido dentro del indie-pop y synth-pop contemporáneo con el lanzamiento de su nuevo single “Anticipating You”. La canción combina la sensualidad del synth-pop retro con matices modernos y radiantes, creando un sonido que es a la vez íntimo, emotivo y listo para la radio.

En Anticipating You, Cheyenne explora el deseo y la anticipación, capturando la intensidad del anhelo físico y emocional. Líneas como “Lying wide awake, while you saturate every part of my brain” muestran una honestidad audaz al abordar la atracción y la intimidad desde una perspectiva femenina, donde la vulnerabilidad se convierte en poder. La producción brillante, con guitarras soleadas y sintetizadores resplandecientes, envuelve al oyente en un paisaje sonoro que mezcla nostalgia retro con un toque contemporáneo, evocando artistas como Dua Lipa, Sabrina Carpenter y el refinado estilo de Harry’s House de Harry Styles.

Cheyenne Pohl no solo transmite emociones intensas a través de la letra y la interpretación vocal, sino que también demuestra su capacidad para controlar el escenario y la narrativa de sus canciones, llevando al oyente de la anticipación al éxtasis de la conexión física y emocional. La combinación de energía, sensualidad y autenticidad hace de este single un tema que se disfruta tanto en playlists nocturnas como en momentos de introspección, consolidando a Cheyenne como una artista que está marcando tendencia en 2026.

Con Anticipating You, Cheyenne no solo entrega un tema cautivador, sino que también deja claro que su año estará marcado por la confianza, la autoexpresión y la exploración audaz del amor y el deseo, prometiendo más sorpresas en su carrera mientras se prepara para sus próximas presentaciones en la Costa Este de Estados Unidos.

Lo Mejor de la Semana/Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Rock/Nuevos Sonidos/Pop Rock/Rock

Olive Jones presenta “Kingdom”, un himno político lleno de soul y blues electrónico

By Neto Cuc / enero 18, 2026

La cantante y compositora británica Olive Jones continúa como una de las voces más prometedoras del soul y el indie alternativo en Reino Unido con el lanzamiento de su nuevo single “Kingdom”, adelanto de su álbum debut For Mary, que saldrá a la luz el 13 de marzo de 2026.

“Kingdom” llega como una canción poderosa y reflexiva que combina influencias de blues y electrónica, creando un sonido sofisticado que envuelve al oyente desde los primeros segundos. La temática de la canción es clara y directa: Olive aborda la división social y política, inspirada en los momentos de tensión del Brexit, y nos invita a reflexionar sobre la necesidad de encontrar puntos en común para construir un mundo más unido. La artista describe esta pieza como su himno político, donde la lírica comprometida se encuentra con un ritmo cautivador y lleno de vitalidad.

Este single no solo destaca por su mensaje, sino también por su ejecución musical. Las guitarras, los arreglos electrónicos y la voz característica de Olive, dulce, introspectiva y llena de emoción, crean un balance perfecto entre lo moderno y lo vintage, demostrando su madurez artística y sensibilidad musical.

El álbum For Mary recopila 12 canciones inspiradas en distintas etapas de la vida de Olive, en sus emociones y experiencias personales. Cada tema refleja una parte de su historia y personalidad, haciendo del disco una obra íntima y cohesionada que promete consolidar a Olive Jones como una de las artistas más importantes del soul contemporáneo británico. Con “Kingdom”, Olive nos invita no solo a disfrutar de un sonido cautivador, sino también a reflexionar y sentir, mostrando que el arte puede ser un vehículo poderoso para la conciencia social. Este single es, sin duda, una prueba del talento y la visión de una artista que ya está dejando su huella en la música actual.

Altpop/Lo Mejor de la Semana/Nuevas Voces Femeninas/Nuevos Sonidos/Pop

Louie El Ser y “Cicada”: el arte de esperar en un paisaje sonoro nocturno

By Neto Cuc / enero 17, 2026

Louie El Ser continúa expandiendo su universo con «Cicada», un sencillo hipnótico e introspectivo que firma en colaboración con el también artista latino de San Francisco Peña. Inspirada en el ciclo vital de la cigarra, capaz de permanecer entre trece y diecisiete años bajo tierra antes de emerger, la canción utiliza esta metáfora natural para reflexionar sobre la paciencia, el tiempo y la confianza en los procesos personales. Más que una simple escucha, Cicada se presenta como una experiencia sensorial que invita a detenerse y observar el ritmo interno de las emociones.

Musicalmente, el tema se mueve entre el darkwave, el alt-pop latino y paisajes electrónicos de carácter nocturno. La producción, liderada por Louie El Ser, se construye a partir de percusiones lentas y pulsantes que generan una tensión contenida, mientras capas ambientales y sintetizadores etéreos envuelven al oyente en una atmósfera íntima y casi meditativa. La participación de Peña aporta guitarras y líneas de bajo suaves pero profundas, que refuerzan el carácter onírico del track y crean un diálogo orgánico entre ambos artistas.

En el plano lírico, Cicada aborda la espera consciente: ese momento en el que se sabe que algo llegará —amor, crecimiento, reconocimiento—, aunque no se pueda acelerar su aparición. Louie El Ser y Peña convierten esa certeza silenciosa en una narrativa emocional que conecta con la ansiedad moderna, pero propone la calma como respuesta. Cada verso parece respirar junto a la producción, dejando espacios de silencio que funcionan como parte esencial del discurso sonoro.

Con «Cicada», Louie El Ser construye mundos propios, donde la sensualidad, la introspección y la exploración sonora conviven sin concesiones. El sencillo no busca el impacto inmediato, sino una conexión más profunda y duradera, recordándonos que, al igual que la cigarra, hay procesos que solo florecen cuando llega su momento exacto.

Folk/Lo Mejor de la Semana/Minimalista/Nuevas Voces Femeninas/Voces Dulces

Katie Tupper y “Safe Ground”: un refugio emocional antes de Greyhound

By Neto Cuc / enero 16, 2026

Katie Tupper continúa construyendo su identidad artística con “Safe Ground”, el último sencillo previo al lanzamiento de su álbum debut Greyhound, programado para el 21 de enero de 2026. Tras un crecimiento notable impulsado por redes sociales y una serie de EPs que definieron su sonido, la cantautora canadiense presenta una canción que resume con delicadeza los valores emocionales y estéticos que atraviesan esta nueva etapa de su carrera.

“Safe Ground” es una canción de amor platónica, escrita como un homenaje a la amistad y al acto de permanecer cuando todo parece moverse. Con una producción amplia y atmosférica, el tema equilibra contrastes: baterías lejanas y coros etéreos conviven con una voz íntima y una guitarra cercana, creando un espacio sonoro cálido y envolvente. Cada elemento es sutil por sí mismo, pero en conjunto construyen una sensación de abrigo y compañía.

El sencillo también conecta con el universo conceptual de Greyhound, un álbum que reflexiona sobre la dualidad entre el deseo de alcanzar algo y la imposibilidad de hacerlo. En “Safe Ground”, esa tensión se transforma en refugio: la certeza de ser un lugar seguro para el otro, sin importar la distancia o el conflicto. La letra funciona como una promesa, una afirmación de apoyo incondicional frente a cualquier tormenta.

Originaria de Saskatoon, Saskatchewan, Katie Tupper retoma la imagen de las raíces y los paisajes abiertos de su infancia —praderas infinitas, cielos amplios— para dialogar con su presente urbano y emocional. Esa mezcla se traduce en un sonido que cruza soul, indie y R&B alternativo, con un delicado matiz folk que refuerza la honestidad de su propuesta.

Acústico/Lo Mejor de la Semana/Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Pop/Nuevos Sonidos

Maiah & Gabriel convierten la melancolía en un refugio íntimo con “Palíndromo”

By Neto Cuc / diciembre 24, 2025

El dúo venezolano Maiah & Gabriel continúa construyendo, canción a canción, uno de los proyectos independientes más singulares del pop alternativo actual. Con Palíndromo, su nuevo single, presentan el segundo capítulo de un álbum conceptual que avanza sin disquera, sin equipo externo y con una premisa clara: crear desde la honestidad absoluta, documentando cada paso ante una comunidad que ya supera el millón de seguidores en redes.

Después de Blanco & Negro su debut de atmósfera electrónica y estética cuidada, que acumula más de 100 mil reproducciones en YouTube, Palíndromo se repliega hacia lo esencial. Construida únicamente con piano y voz, la canción es un ejercicio de minimalismo emocional que destila fragilidad, silencio y pausa, dialogando con la herencia melancólica de Mecano, Depeche Mode y The Smiths.

La historia detrás del tema atraviesa la canción de principio a fin. Palíndromo fue escrita por Gabriel en un momento de pérdida personal profunda, cuando dos de sus amigos más cercanos fallecieron con pocos meses de diferencia. Desde ese dolor nace una reflexión universal: la búsqueda de refugio en el amor cuando el mundo se derrumba. Lejos del dramatismo explícito, la canción encuentra su fuerza en la contención y en la vulnerabilidad, dejando espacio para que el oyente se reconozca en ella.

Como es habitual en el proyecto, el universo visual es inseparable de la música. El videoclip de Palíndromo fue filmado, dirigido y producido íntegramente por Maiah & Gabriel, sin crew, y concebido como un monólogo en plano secuencia, desnudo de artificios. La estética bebe del cine de autores como Wim Wenders, Wong Kar-wai, Ingmar Bergman y David Lynch, reafirmando su rechazo a lo inmediato y lo prefabricado en favor de una nostalgia consciente, casi militante.

Palíndromo forma parte de una obra mayor: un álbum que dialoga con la deconstrucción del romance contemporáneo, una película narrada a través de cada videoclip y una serie documental que muestra, sin filtros, el desafío de crear arte independiente en un contexto dominado por la inmediatez y los algoritmos. Todo el proceso se comparte de forma constante con su comunidad en Patreon, reforzando un vínculo directo entre obra y público.

Con más de veinte años de vida y creación compartida, Maiah & Gabriel atraviesan una de sus etapas más honestas y expuestas. Palíndromo no es solo una canción: es una confesión, una carta de amor y un refugio emocional en tiempos de ruido y colapso. Una prueba más de que, incluso en la fragilidad, el amor y la creación pueden seguir siendo un acto de resistencia.

Altpop/Indie Pop/Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Pop

Sara Diamond y “Mother”: una canción nacida desde la honestidad que está conmoviendo al mundo

By Neto Cuc / diciembre 24, 2025

La cantante y compositora canadiense Sara Diamond, cuatro veces nominada al GRAMMY, atraviesa uno de los momentos más significativos de su carrera con el lanzamiento de “Mother”, una canción íntima y profundamente humana que ha conectado con audiencias del mundo.

El origen del tema es tan honesto como su resultado final. A finales del mes pasado, Sara comenzó a escribir “Mother” con una intención clara: crear algo completamente verdadero. Sin filtros ni artificios. Durante el proceso, compartió fragmentos en bruto en TikTok e Instagram, sin imaginar el impacto que tendrían. En cuestión de días, los clips superaron más de 1.2 millones de reproducciones en Instagram y 500 mil en TikTok, confirmando que la canción estaba tocando una fibra profunda.

Impulsada por esa respuesta, Sara terminó la canción ese mismo fin de semana. El resultado es una pieza despojada y emocionalmente arrolladora, construida sobre un piano contundente y una producción sutil que deja espacio absoluto a su voz. En “Mother”, Sara canta sobre la fuerza heredada entre generaciones de mujeres, los sacrificios silenciosos, la memoria y la libertad. Es una especie de promesa: vivir de una manera que honre la lucha y la fe de quienes vinieron antes.

A nivel interpretativo, su voz suena firme, contenida y, al mismo tiempo, profundamente vulnerable. No hay excesos ni dramatismos forzados: cada nota parece nacer desde la necesidad real de decir algo importante.

Tras el lanzamiento, Sara compartió un mensaje que resume el espíritu de “Mother”:
“Estoy increíblemente conmovida por la reacción a ‘Mother’… sus comentarios y videos me han hecho llorar lágrimas de dolor y de alegría al mismo tiempo. La música tiene el poder de sanar, y es un honor que algo que pude canalizar haya tenido este impacto en ustedes.”

“Mother” es una declaración artística, un acto de memoria y una muestra clara del poder que tiene la música cuando nace desde la verdad. Una pieza que no se escucha únicamente con los oídos, sino con la historia personal de cada quien.

Nuevas Voces Femeninas/Pop

Mimi Rose y “Soltera”: la libertad como punto de partida

By Neto Cuc / diciembre 23, 2025

Mimi Rose atraviesa una nueva etapa en su carrera artística con una propuesta clara y luminosa, y “Soltera” es una de las canciones que mejor representa este momento. La cantautora argentina, que ha colaborado con figuras internacionales como Shakira, Pedro Capó, Christina Aguilera, Denise Rosenthal, Sin Bandera y Camila, decide ahora enfocar toda su energía en su proyecto personal, apostando por canciones que conectan desde la honestidad y la emoción.

A diferencia de otros temas donde Mimi Rose ha explorado procesos de sanación, traumas y vínculos complejos, “Soltera” nace con una intención distinta: hacer sentir bien a quien la escucha. La canción se construye como un espacio de celebración personal, donde la confianza, la libertad y el amor propio toman el centro. Mimi no busca explicar ni justificar estados emocionales, sino invitar a vibrar alto, a sentirse bella, segura y en paz con quien se es.

Musicalmente, “Soltera” se apoya en una sensibilidad pop clara y contemporánea, con una estructura accesible y un tono luminoso que favorece la conexión inmediata. La producción acompaña el mensaje con ligereza y frescura, reforzando esa sensación de disfrute y espontaneidad que atraviesa toda la canción. Cada elemento está al servicio de una idea simple pero poderosa: la libertad de ser uno mismo y disfrutarla plenamente.

Acústico/Indie Pop/Nuevas Voces Femeninas

Gerina y Tú No Lo Ves: Una mirada sincera al amor no correspondido

By Neto Cuc / diciembre 16, 2025

La artista estadounidense Gerina presenta su nuevo sencillo Tú No Lo Ves, una balada de pop latino que fusiona delicadamente elementos de pop-rock y R&B, creando un espacio íntimo donde la emoción y la narración se entrelazan. La canción explora el dolor y la frustración del amor no correspondido, centrado en la experiencia de sentirse invisible para alguien cercano, convirtiendo un sentimiento común en una expresión musical sincera y conmovedora.

Con una percusión discreta y progresiones armónicas suaves, la producción permite que la voz de Gerina se convierta en el eje principal de la canción, transmitiendo vulnerabilidad y sinceridad sin sacrificar claridad tonal. Su interpretación revela la tensión entre orgullo y deseo, mientras el arreglo crece de manera progresiva hasta alcanzar momentos de gran intensidad emocional, construyendo un clímax íntimo que conecta profundamente con el oyente.

El sencillo no solo destaca por su composición cuidadosa, sino también por el enfoque autoral de Gerina, quien combina su herencia multicultural y dominio de varios idiomas para enriquecer la narrativa de la canción. Tú No Lo Ves consolida a Gerina como una voz emergente en la escena del pop latino, capaz de transformar sentimientos personales en melodías universales que resuenan con jóvenes y adultos por igual.

Con este lanzamiento, Gerina demuestra que el pop latino contemporáneo puede ser introspectivo y auténtico, abordando temas de amor y vulnerabilidad con sensibilidad y precisión, reafirmando su lugar como una artista que combina talento compositivo con un enfoque emocional único.