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Zach Seabaugh y “I Am Only Ever Thinking About You”: amor y devoción en medio de la distancia

Zach Seabaugh y “I Am Only Ever Thinking About You”: amor y devoción en medio de la distancia

El cantautor estadounidense Zach Seabaugh presenta “I Am Only Ever Thinking About You,” un sencillo que convierte la distancia en una poderosa declaración de amor, fidelidad y compromiso emocional. La canción captura la experiencia de vivir en constante movimiento mientras el corazón permanece anclado a quienes dan sentido al camino.

Escrita durante la gira y publicada a través de Cloverdale Records, la canción nació en los silencios posteriores a largas noches de carretera, en ese espacio suspendido entre el zumbido del asfalto y la nostalgia por el hogar. Desde esa atmósfera introspectiva, Seabaugh construye un homenaje a los vínculos que permanecen firmes incluso cuando los kilómetros se acumulan.



La inspiración del tema surge de una realidad profundamente personal: la dificultad de estar lejos de las personas que ama. Concebida como una carta para su prometida, la canción expresa la certeza de que el amor verdadero permanece presente pese a la distancia y al ritmo exigente de la vida en la carretera.

Más que una canción sobre la añoranza, “I Am Only Ever Thinking About You” es un retrato de devoción. Habla del amor que resiste aeropuertos, viajes interminables y ciudades desconocidas. En lugar de dramatizar la separación, el artista honra la fortaleza silenciosa que se necesita para perseguir un sueño sin soltar a quienes más importan.


Uniekgrace y “Ire”: un himno de gratitud, fe y esperanza

Uniekgrace y “Ire”: un himno de gratitud, fe y esperanza

La artista gospel y afro-inspiracional Uniekgrace continúa consolidando su identidad musical con “Ire”, una canción luminosa que transmite gratitud, confianza y consuelo espiritual. Con una propuesta que fusiona sensibilidad contemporánea y raíces africanas, la intérprete reafirma su misión de llevar esperanza a través de la música.

Uniekgrace es una verdadera artista de tercera cultura. Criada entre Italia, Suiza, Estados Unidos, Nigeria y Bélgica, ha absorbido influencias globales que moldean su sonido sin apartarla de su identidad africana ni de su fe cristiana. Esta riqueza cultural se refleja en su música, caracterizada por mensajes profundos, autenticidad emocional y una sonoridad accesible para audiencias diversas.



“Ire” proviene del idioma yoruba y significa “bondad” o “bendición.” La canción se sumerge en la alegría, el contentamiento y la fidelidad inquebrantable de Dios. Más que una composición musical, se siente como una conversación íntima con lo divino, una reflexión sobre la bondad de Dios incluso en momentos de incertidumbre.

El tema transmite un mensaje claro: elegir ver la luz en medio de la oscuridad. A través de melodías envolventes y letras sinceras, Uniekgrace comparte un testimonio personal de gratitud y fe inquebrantable, recordando a los oyentes que la presencia divina permanece constante aun cuando la vida parece abrumadora.

Uno de los aspectos más poderosos de “Ire” es su sencillez. No hay excesos ni artificios: solo adoración honesta, emoción genuina y un mensaje capaz de trascender culturas, idiomas y creencias. Es una canción que reconforta, inspira y acompaña tanto en momentos de reflexión personal como en instantes de celebración espiritual.

El video oficial, filmado en Lagos por Akin Alabi Films, refuerza el mensaje visualmente mediante colores vibrantes, serenidad estética y la expresión auténtica de un corazón agradecido.


Creature Canyon: indie rock moderno con espíritu psicodélico

Creature Canyon: indie rock moderno con espíritu psicodélico

Desde la vibrante escena musical de San Diego, California, Creature Canyon llega como propuesta dentro del indie/alternative rock contemporáneo. Integrado por Austin Steele, Ryan Amyot y Aaron Lund, el trío combina guitarras atmosféricas, ritmos envolventes y una sensibilidad melódica que evoca tanto la energía del rock alternativo como matices de psicodelia moderna.

Su trayectoria comenzó con los EPs Life I Know y Did You Want That, trabajos que establecieron el carácter sonoro de la banda, alcanzando nuevas audiencias cuando su tema “Brooklyn Baby” apareció en la popular serie Shameless, ampliando su visibilidad internacional. Con el lanzamiento de su álbum debut Remarks, Creature Canyon reafirmó su identidad musical: composiciones introspectivas, producción cuidada y una estética sonora cinematográfica. La banda ha trabajado con reconocidos profesionales de la industria, lo que se refleja en un sonido pulido y contemporáneo sin perder autenticidad.



Entre sus canciones, “Cheap Vacation” captura la esencia del sonido del grupo. La canción evoca la idea de escapar, donde la nostalgia, el deseo de libertad y la introspección se entrelazan. La producción atmosférica y el tono melancólico crean una experiencia sonora inmersiva que resuena con quienes buscan refugio en la música.

Creature Canyon continúa evolucionando, explorando nuevas texturas sonoras y fortaleciendo su reputación como una banda imprescindible en vivo. Su capacidad para fusionar emoción, energía y experimentación sonora los posiciona como una fuerza emergente dentro del indie rock moderno.


Cola y “Hedgesitting”: Minimalismo Expansivo y Nostalgia Contemporánea

Cola y “Hedgesitting”: Minimalismo Expansivo y Nostalgia Contemporánea

La banda canadiense Cola, integrada por Tim Darcy, Evan Cartwright y Ben Stidworthy, regresa con su esperado tercer álbum C.O.L.A. (Cost of Living Adjustment), acompañado del single destacado “Hedgesitting”, que sirve como carta de presentación de esta nueva etapa. El título del disco funciona como un marco conceptual que reflexiona sobre las tensiones sociales, la incertidumbre contemporánea y las punzadas de nostalgia que acompañan a la vida adulta, explorando temas tan variados como la disyuntiva entre el idealismo y la realidad cotidiana.



En “Hedgesitting”, Cola combina batería en vivo con loops programados, logrando una textura sonora densa y envolvente que recuerda a la melancolía de los años 90 y a la estética de sellos como Sarah Records. La canción se desarrolla como un collage cuidadosamente construido: cada elemento —desde la percusión hasta los riffs de guitarra y el bajo— se trata con la misma importancia, reflejando la madurez artística del trío. La voz de Darcy, cargada de nostalgia y lirismo introspectivo, guía al oyente a través de un paisaje emocional que combina melancolía y reflexión.

Aunque Cola ha sido reconocida por su “minimalismo cuidadoso”, C.O.L.A. marca un giro hacia una producción más maximalista sin perder la sutileza ni la intensidad emocional que los caracteriza. “Hedgesitting” demuestra esta evolución, mostrando cómo la banda logra expandir su sonido manteniendo el equilibrio entre densidad, claridad y emoción. Con este lanzamiento, Cola reafirma su capacidad de reinventarse, ofreciendo un pop-rock indie sofisticado que conecta con oyentes que buscan profundidad, elegancia y una visión artística coherente.

“Hedgesitting” ya está disponible junto a un video dirigido por Kristina Pedersen, consolidando el inicio de un capítulo más ambicioso y creativo en la carrera de Cola.


Mariposas y Synths: El Pop Adolescente de Trinity Bliss

Mariposas y Synths: El Pop Adolescente de Trinity Bliss

Con apenas 16 años, Trinity Bliss ha logrado posicionarse como una de las voces más frescas y auténticas del pop juvenil. Su música se siente cercana, como esos secretos que solo compartes con tu mejor amigo: primeras fiestas, enamoramientos tímidos y mariposas que no saben calmarse. En cada canción, Trinity convierte la emoción intensa y los sentimientos desbordados en momentos pop brillantes y memorables.



Su sencillo “i like like you” se sitúa en ese instante eufórico posterior a una fiesta que lo cambia todo: la adrenalina se ha ido, pero la fascinación por alguien acaba de instalarse cómodamente en tu corazón. Con una producción que toma prestados elementos del dream pop, sintetizadores cálidos y envolventes, y una voz grandiosa que ocupa cada rincón del espacio sonoro, Trinity captura la intensidad y vulnerabilidad del enamoramiento juvenil.

“i like like you” es una especie de snapshot cinematográfico del amor adolescente: emocionante, nervioso y lleno de expectativa. Cada acorde, cada susurro y cada línea de la letra refleja la mezcla de emoción y duda que caracteriza a quienes se atreven a amar con todo el corazón. Es una canción perfecta para noches de reflexión, para reír con los amigos o simplemente para dejarse llevar por la magia de esos primeros sentimientos que transforman la vida.


Antonia XM y Kenji Araki lanzan Nochmal, un viaje oscuro y electrónico por la ciudad

Antonia XM y Kenji Araki lanzan Nochmal, un viaje oscuro y electrónico por la ciudad

La artista vienesa Antonia XM se une al productor Kenji Araki para presentar Nochmal, un sencillo que adelanta su próximo álbum debut. La canción combina guitarras góticas afiladas con un ritmo de batería frío y potente, generando una atmósfera que mezcla dark wave, gothic, club y synthpop.



La propuesta de Nochmal invita al oyente a sentirse protagonista de su propia historia mientras recorre la ciudad con auriculares puestos, atrapado en una trama oscura y contemporánea. Las letras se construyen a partir de un sistema numérico que recuerda al juego de serpientes y escaleras: avanzas, saltas pasos, solo para volver al inicio al caer en la serpiente, reflejando los ciclos de avance y retroceso en la vida.

El tema ha sido comparado con artistas como Boy Harsher, FKA Twigs o Drab Majesty, gracias a su electronica fantasmal y vibrante, que logra un equilibrio perfecto entre la tensión y la belleza sonora. Nochmal es un ejemplo de cómo Antonia XM sigue explorando la fusión entre pop, club y darkwave, consolidando su identidad como una de las voces más innovadoras de la escena electrónica europea.


Miller Blue convierte la oscuridad en luz con “suicide doors”

Miller Blue convierte la oscuridad en luz con “suicide doors”

El productor y cantautor inglés Miller Blue continúa su ascenso dentro de la escena alternativa británica con el lanzamiento de su sencillo, “suicide doors”. Conocido por su fusión etérea de soul, R&B y electrónica inspirada en artistas como Frank Ocean, James Blake y Chet Faker Miller vuelve a demostrar su capacidad para equilibrar vulnerabilidad emocional y sofisticación sonora.

“Suicide doors” es una canción construida sobre el contraste. Mientras la letra aborda un mensaje introspectivo y de gran peso emocional, la producción ofrece un acompañamiento luminoso y esperanzador. Esta dualidad crea una atmósfera envolvente donde la fragilidad convive con la belleza, recordándonos que incluso en los momentos más oscuros puede surgir algo profundamente humano y artístico.



La delicadeza de los arreglos y la interpretación contenida de Miller potencian ese sentimiento de honestidad cruda que se ha convertido en una de sus señas de identidad. El sencillo cuenta con la coproducción y mezcla de Christian Ellery (Posh Chocolates), mientras que la masterización estuvo a cargo de Andy “Hippy” Baldwin, aportando un acabado pulido que realza la profundidad y el espacio de la instrumentación.

“Suicide doors” formará parte del próximo álbum debut de Miller Blue, un proyecto muy esperado que promete ampliar su universo sonoro y reafirmarlo como una de las voces emergentes más interesantes del R&B alternativo en el Reino Unido. Con cada lanzamiento, el artista demuestra que su propuesta no solo conecta desde la sensibilidad, sino también desde una producción cuidada y contemporánea que lo posiciona firmemente dentro del panorama actual.


Flo Naegeli y “Shake”: movimiento, amistad y alma en clave soul

Flo Naegeli y “Shake”: movimiento, amistad y alma en clave soul

Flo Naegeli continúa consolidando su identidad artística con el lanzamiento de “Shake”, su nuevo sencillo disponible el 22 de enero de 2026 a través de Sonar Kollektiv. El tema marca un punto de inflexión en su trayectoria, mostrando una faceta más rítmica y expansiva sin perder la profundidad emocional que caracteriza su obra.

Originario de los bosques bávaros del sureste de Alemania, Naegeli comenzó su camino musical a los siete años tocando el acordeón folk. A los catorce, inspirado por figuras como Prince y Jimi Hendrix, dio el salto a la guitarra, iniciando una disciplina de estudio intensa que lo llevaría a obtener una formación académica en música y a desarrollar una carrera profesional sólida. Tras mudarse al este de Alemania, decidió dejar atrás los proyectos de banda para centrarse en su trabajo en solitario, apoyándose en nuevas tecnologías y en un proceso creativo completamente personal.



Después de “Love By The Hour”, un primer sencillo introspectivo centrado en la familia y la salud mental, “Shake” adopta un pulso más cinético y vital. Escrita para un amigo cercano que se mudó a Berlín, la canción captura la energía de las experiencias compartidas, la emoción del cambio y la nostalgia que nace de la distancia. Es un tema que habla de movimiento físico y emocional y de cómo las relaciones importantes se transforman sin desaparecer.

Musicalmente, “Shake” destaca por el enfoque multiinstrumental de Naegeli, quien se encarga de guitarras, bajo, piano, sintetizadores, percusión y batería. A esta base se suma el cello expresivo de la música afincada en Dresde Alma Stolte, que aporta una capa de sensibilidad y profundidad. El resultado es una producción que oscila entre luz y sombra, combinando groove, calidez melódica y una energía consciente y estimulante.

“Shake” funciona como un recordatorio de que los cambios que nos sacuden también nos impulsan a crecer. Es una pieza clave dentro del próximo Lush Life EP, un trabajo que abraza la vulnerabilidad, la conexión humana y la capacidad del arte para transformar la incertidumbre en fuerza y celebración.


Hilar hacia adentro: Natasha Blaine enfrenta sus sombras en “Own Way (Pull the Thread)”

Hilar hacia adentro: Natasha Blaine enfrenta sus sombras en “Own Way (Pull the Thread)”

Natasha Blaine llega con una nueva canción “Own Way (Pull the Thread)”, una de las canciones más personales y reveladoras de su carrera hasta la fecha. La cantante y compositora, nacida en Seattle y afincada en Nashville, se ha destacado por fusionar neo-soul, R&B y pop con una sensibilidad elegante y atemporal, y en este nuevo tema lleva esa propuesta a un plano profundamente introspectivo.

En “Own Way (Pull the Thread)”, Blaine se enfrenta a su propio diálogo interno, reconociéndose como su peor enemiga mientras se recuerda la importancia de seguir adelante. La canción funciona como un ejercicio de autoanálisis y resiliencia, donde la vulnerabilidad se convierte en motor creativo. Su voz, cálida y expresiva, guía al oyente a través de una atmósfera íntima que invita tanto a la reflexión como al consuelo personal.



Musicalmente, el tema se apoya en una producción suave y envolvente, con claras influencias del R&B y smooth jazz de los años 90, evocando el espíritu de artistas como Sade. Los arreglos reposados, el groove relajado y la sutileza instrumental crean un espacio sonoro sofisticado, ideal para dejar que la emoción respire y se desarrolle sin artificios. No es casualidad que la canción haya conectado con el público desde sus primeras interpretaciones en directo, incluyendo presentaciones en radio y escenarios compartidos con The Wailers, donde recibió una respuesta entusiasta.

Con este lanzamiento, Natasha Blaine se perfila como una pieza clave de su proyecto artístico para 2026, encajando con naturalidad en playlists de neo-soul, R&B chill y soul retro. Es una invitación a aceptar las propias contradicciones y avanzar con honestidad, confirmando a Blaine como una voz genuina y necesaria dentro de la escena soul contemporánea.


Coach Party regresa con “Nurse Depression”, un grito contra la obsesión por los números

Coach Party regresa con “Nurse Depression”, un grito contra la obsesión por los números

La banda británica Coach Party, cuarteto de rock alternativo originario de la Isla de Wight, vuelve a la carga con “Nurse Depression”, un tema crudo, ruidoso y sin concesiones que marca su primera música nueva desde el lanzamiento de su segundo álbum, Caramel, en septiembre de 2025.

El single se estrenó en exclusiva en el programa de Steve Lamacq en BBC 6Music, reafirmando el estatus del grupo como una de las propuestas más viscerales del rock alternativo. Con guitarras abrasivas y una base rítmica implacable, “Nurse Depression” captura a la perfección la frustración acumulada de una banda que se niega a suavizar su mensaje.



Producida por el propio batería del grupo, Guy Page, la canción apunta directamente a la creciente obsesión de la industria musical por los números, las métricas y los algoritmos, en detrimento del impacto emocional y la integridad artística. Es una crítica feroz a un sistema que mide el valor del arte en reproducciones y estadísticas, olvidando lo que realmente importa: cómo te hace sentir una canción.

Musicalmente, el tema es un asalto frontal. Riffs salvajes, baterías insistentes y una energía que no da tregua sirven de vehículo para un mensaje claro. La cantante y bajista Jess Eastwood canaliza influencias que recuerdan a Hole, Sprints, Turnstile o Amyl and the Sniffers, combinando introspección y rabia con una actitud desafiante. Su declaración es directa y contundente: “no confíes en los números, vuelve a poner tu fe en el arte”.

Con “Nurse Depression”, Coach Party no solo reafirma su identidad forjada entre guitarras que derriten la cara y una honestidad brutal y lanza una llamada de atención tanto a la industria como al público. Es un recordatorio de que el rock sigue siendo un espacio para la catarsis, la emoción y la resistencia creativa.