Desde Los Ángeles, Soft Siren emerge en el panorama del dream pop y shoegaze. Formado por los talentos de Sidewalks and Skeletons y CASHFORGOLD, este proyecto fusiona lo etéreo y lo ruidoso, llevando la nostalgia de los años 90 a un territorio contemporáneo, oscuro y sorprendentemente único.
La música de Soft Siren es un viaje sensorial que mezcla la delicadeza del dream pop con la intensidad del shoegaze, incorporando también toques de psicodelia y elementos del rock alternativo. Influenciados por bandas míticas como Cocteau Twins, Mazzy Star y la nostalgia de Lana del Rey, su sonido se caracteriza por un equilibrio perfecto entre lo onírico y lo poderoso. Cada acorde de guitarra parece sumergir al oyente en un océano de ecos expansivos, mientras que las voces etéreas y casi angelicales fluyen a través de capas de ruido y reverberación, creando una atmósfera de ensueño que es, al mismo tiempo, profunda y envolvente.
Su más reciente sencillo, “Dethereal”, abre con una suavidad que rápidamente se transforma en una ola de guitarras densas y potentes, acompañadas de una batería lo-fi que le da una textura especial. Es un tema que evoca la estética del shoegaze de los 90, pero con un giro moderno que roza el post-metal, sumergiendo al oyente en un paisaje sonoro donde las distorsiones y las atmósferas se entrelazan con la poesía de las letras.
La letra de “Dethereal”, con imágenes como “rosas de plástico en la marea”, captura la esencia del amor perdido y la melancolía. Es una reflexión sobre el desgaste emocional y la nostalgia, un tema recurrente en la música de Soft Siren. La banda no solo rinde homenaje a las grandes figuras del shoegaze, sino que también le da su propio giro, fusionando lo antiguo con lo moderno de manera sublime.
Aunque Soft Siren no está reinventando el género, su habilidad para mezclar influencias clásicas con elementos contemporáneos les permite ofrecer una propuesta refrescante. La combinación de la nostalgia por el pasado y la incursión en sonidos más oscuros y experimentales mantiene a la banda a la vanguardia del shoegaze y el rock alternativo.
Kat Marcella es una cantante y compositora indie alternativa originaria de Queens, Nueva York, y actualmente radicada en Brooklyn. Conocida por su lírica y su voz soul, mezcla la vulnerabilidad con una sonoridad cautivadora la ha convertido en una de las artistas emergentes más interesantes de la escena musical indie.
La música de Kat Marcella explora los altibajos de la vida, especialmente a través del prisma del amor. En sus canciones, se percibe una introspección única sobre los matices de las relaciones humanas: desde la belleza del enamoramiento hasta las cicatrices del desamor. La artista tiene la capacidad de conectar con su público mediante letras que abordan la intimidad, el dolor y la esperanza, siempre con una sinceridad que la hace accesible y cercana.
Su próximo EP, Love Makes Me Cry, es un reflejo de su evolución como artista. Este trabajo promete ser una exploración profunda de las emociones que surgen del amor: su belleza, su capacidad de transformar y, por supuesto, su lado más doloroso. A través de su música, Kat nos invita a un viaje emocional donde cada canción revela una faceta distinta del amor y las pérdidas que, inevitablemente, lo acompañan.
“Fck Closure”* es la segunda canción que adelanta su esperado EP Love Makes Me Cry, que se lanzará más adelante en la primavera. Este tema es un himno catártico de ruptura y liberación, que refleja la experiencia personal de Kat sobre la pérdida, las expectativas no cumplidas y la dolorosa realización de que, a veces, el cierre no llega.
La canción presenta una mezcla agridulce de guitarras melancólicas y sintetizadores groovies que invitan a moverse al ritmo, a pesar de la carga emocional del tema que aborda. “Escribí esta canción después de darme cuenta de que tal vez nunca recibiría las explicaciones que sentía que merecía de ciertas personas en mi vida”, explica Kat. “Es el tipo de desamor donde sabes que no vas a obtener el cierre que pensabas necesitar, y tienes que encontrar una manera de soltar y seguir adelante sin él. Es un recordatorio de que a veces está bien decir, ‘F*ck it.’”
Forgotten Garden es una banda de indie rock que ha logrado cautivar a su audiencia con una propuesta sonora única, fusionando elementos de post-punk, dream pop y una pizca de folk. Formada por la cantante Inês Rebelo y el multiinstrumentista Danny Elliott, esta banda de origen escocés-portugués lleva desde 2019 explorando las emociones más profundas y oscuras a través de sus canciones, abordando temas como el amor perdido, el dolor de las rupturas y las cicatrices dejadas por el paso del tiempo.
Inês vive en Portugal, mientras que Danny reside en el norte de Escocia, lo que da una dimensión única al proceso creativo de la banda, ya que han tenido que superar la distancia física para desarrollar una conexión musical profunda. A pesar de vivir en diferentes países, su colaboración ha dado como resultado una propuesta sonora que se siente tanto personal como universal.
La música de Forgotten Garden está influenciada por algunas de las bandas más emblemáticas del post-punk, como The Cure, Joy Division y The Smiths, pero también tiene un giro más contemporáneo gracias a sus incursiones en el dream pop y la música alternativa. Las composiciones de Danny, cargadas de sintetizadores oscuros, guitarras melódicas y líneas de bajo envolventes, crean un ambiente íntimo y a menudo melancólico que complementa perfectamente la voz de Inês.
Inês Rebelo es el alma vocal de Forgotten Garden, y su capacidad para transmitir emoción a través de su voz es una de las características más destacadas de la banda. Su estilo vocal, que ha sido comparado con artistas como Florence Welch, Lana Del Rey, Chelsea Wolfe y Weyes Blood, tiene una versatilidad impresionante. Puede pasar de ser etérea y delicada a poderosa y desgarradora, lo que le da a cada tema un matiz emocional profundo.
En canciones como Five Minutes, el contraste entre los sonidos oscuros de la instrumentación y la voz melancólica de Inês crea una atmósfera única. El tema, que habla de una relación que lentamente se desvanece, ha sido descrito como “sueño encantado” y “único” por críticos como Existential Magazine. La evocadora voz de Inês sobre una base instrumental orgánica y cautivadora deja una sensación de nostalgia y tristeza que es difícil de ignorar.
A lo largo de su carrera, Forgotten Garden ha lanzado varios sencillos y EPs que exploran temas de pérdida, angustia emocional y la fugacidad de las relaciones. Su primer EP, Broken Pieces (2020), marcó el inicio de su carrera con un enfoque en las rupturas sentimentales. Posteriormente, lanzaron el sencillo “Jessica” y la oscura canción navideña Christmas Time, que explora el dolor de los recuerdos tristes que resurgen en épocas festivas.
Sin embargo, fue con su segundo EP, In Memoriam (2024), cuando la banda realmente profundizó en temas de duelo y pérdida. Los cuatro temas del EP están basados en las emociones que surgen ante la muerte, el luto y el vacío dejado por aquellos que ya no están. La crítica ha elogiado este trabajo, destacando la fragilidad y belleza transitoria de las composiciones.
Maria Mortiz con tan solo 26 años, esta cantante y compositora mexicana ha logrado destacarse por su capacidad para fusionar elementos del pop moderno con ritmos latinos tradicionales, creando un sonido que ha cautivado a su audiencia. Nacida y criada en la Ciudad de México, Maria comenzó a ser conocida en 2014 con un video viral titulado Pinches Holandeses, el cual la posicionó como una figura fresca y con una propuesta genuina dentro del panorama musical. Sin embargo, su carrera dio un giro aún más significativo en 2021, cuando firmó con el sello independiente Anchor Music Company y comenzó su relación profesional con el productor Rob Jimenez.
Su debut musical, el álbum Déjame Preguntarte, es un claro reflejo de su evolución como artista. Con un enfoque en la narrativa personal, Maria no solo se presenta como cantante, sino también como una narradora que logra transmitir sus emociones y vivencias a través de cada nota y palabra. Las canciones del álbum exploran temas universales como el amor, la pérdida y la autodescubrimiento, invitando al oyente a adentrarse en su mundo interior.
La producción de Déjame Preguntarte estuvo a cargo de Rob Jimenez, un productor mexicano-estadounidense conocido por su trabajo con artistas de renombre. Además, la colaboración con Leandro Alvarez, un productor argentino ganador de dos premios Grammy, le dio al álbum una sonoridad refinada y profesional. El disco fue grabado en los estudios La Bestia y Estudio 13 en la Ciudad de México, y fue mezclado por Rob Jimenez en Los Angeles, California, en los estudios Orangewood. La combinación de estos talentos y lugares resultó en un producto de calidad excepcional, lo que permite que la voz de Maria y sus letras resuenen de manera profunda y clara.
El Track x Track de Déjame Preguntarte
Asi
Abriendo el disco, “Asi” nos cautiva con un sonido inspirado en el sonido latino como el bolero e instrumentos de madera, la voz de Maria, toma un protagonismo sobrio e hipnotizador, mientras las claves nos transportan a una atmosfera
Bonita
El disco continua y nos va presentando como elementos recurrentes este estilo de percusion latina contrastada con la voz joven de Mortiz que le da un aire de frescura al estilo a la vez que mantiene las raices de donde se inspira la cantante Méxicana. Con una letra muy bien trabajada logra atrapar al otyente en una sensación casual a la vez que nos presenta toda una herencia de generos y sonidos de antaño, que nos podrian recordar a artistas como Natalia Lafourcade o Daniel, Me Estas Matando.
Vampiro
Si bien el titulo en primera instancia nos llama la atención por el contraste del sonido latino con el termino “Vampiro”, la cantautora nos sorprende tomando esta figura mitica y anglosajona como una metafora de un ser amado qyue le ha robado todo, combinando este sonido recurrente del disco y un vidoe sumamente atrapante, la propuesta cada vez se ve mas solida en como va pasando cada track del disco.
Te vas
Una de las canciones más destacadas del álbum es Te Vas, una pieza que fusiona el alt pop con toques de bolero moderno. Con una estructura que resalta la combinación entre el piano y la voz de Maria, la canción se distingue por su enfoque minimalista, donde la suavidad de la batería y los detalles de percusión añaden una atmósfera emotiva. Te Vas captura la urgencia y el deseo en un enamoramiento apasionado, donde el protagonista se ve impulsado a vivir el momento sin pensar en las consecuencias. La letra transmite ese anhelo de estar cerca de alguien especial, creando una experiencia auditiva que toca el corazón de quienes la escuchan.
Contracorriente
Llegando a la mitad del disco “Contracorriente” se va por un camino un poco separado de los tracks anteriores, inspirado mas en genero como el Pop y el Folk, esta balada con Ukelele nos transporta a una lucha de amor, que funciona muy bien como un ligero respiro de aire fresco en el disco.
Quiero Saber
Quiero saber nos lleva al sabor de un ritmo mas tropical, mientras la constante de historias de desamor se vulve un sello distintivo de Maria Mortiz, manteniendo elementos sonoros de tracks anteriores la pista se vuelve una pista de baile que nos llevan a sonidos de artistas contemporaneos de Maria como Valeria Jasso.
Tortuga
Tortuga va entrando en la recta final del disco, con elementos de cierta manera mas “crudos” la canción nos sumergen en una vibra tropical a ritmo lento, que se disfruta y goza, la ejecución vocal esta muy bien llevada y demuestra la sensibilidad para interpretar historias personales hasta este tipo de historias mas eclecticas.
Brujo
Despues de varios tracks del disco, brujo continua esta linea “tropical” del albúm, teniendo ritmos bailables, maderas y una voz emotiva que nos llevan a historias personales, quizas a este punto para cerrar el disco nos hubiera gustado precindir de alguno de estos tracks bailables para darle un cierre mas diferente, sin mebagro como canción funciona muy bien y hasta ahora estas dos verticales de lo tropical y bolero conforman una propuesta muy solida por parte de Maria.
Quieres Tanto
Justo lo que veniamos buscando, “Quieres Tanto” salta de la vibra tropical a un sensación mas emotiva y que nos recuerda a piezas como “Cancion Mixteca”, que nos recuerdan la mexicanidad de la artista asi mismo la inspiración de toda una epoca dorada con cantantes como COnsuelito Vasquez.
Sirena y el Pescador
Cerrando el disco Maria nos presenta Sirena y el Pescador, retomando el bolero y elementos como las cuertas de nailon la canción nos cuenta una historia inspirada en estas dos figuras, un amor casi imposible con un ritmo bailable y emotivo.
Maria Mortiz ha logrado construir una identidad musical muy auténtica y propia. Cada canción que lanza es un reflejo de su alma, a través de su talento como compositora, ha logrado construir un repertorio que no solo atrae a quienes buscan música fresca y moderna, sino también a aquellos que disfrutan de una rica tradición musical latina.
El futuro de Maria Mortiz en la música latina parece ser prometedor. Con su habilidad para mezclar lo moderno y lo tradicional, así como su capacidad para crear melodías memorables y letras introspectivas, es probable que siga ganando terreno en la escena internacional. Si algo queda claro, es que Maria Mortiz es una de las artistas más destacadas de la nueva generación de música latina, y su lugar en la industria solo está comenzando.
Tora Luna es mucho más que una banda: es un colectivo compuesto por compositores, artistas, intérpretes y arreglistas, que se han unido para explorar nuevos horizontes dentro de la música indie. Nacido en el corazón de la campiña de Wiltshire, este colectivo ha logrado atraer la atención por su estilo único, que fusiona elementos del soul clásico con la energía cruda del indie contemporáneo. Con miembros clave como Alex Broadgate, Dominic Johnson, Joshua Kime y Ellie Parker, Tora Luna se distingue por su enfoque colaborativo, permitiendo que cada músico aporte su propio sello en cada proyecto.
El segundo sencillo de Tora Luna, Why Wouldn’t You Say So?, lanzado el 14 de febrero de 2025, es un claro reflejo de su enfoque innovador. Esta canción marca una nueva etapa en su carrera, mostrando una evolución en su sonido y explorando dinámicas emocionales profundas a través de la música. En ella, el dúo principal formado por Broadgate y Johnson se une a la talentosa vocalista invitada Deslynn Smith para dar vida a una pieza cargada de tensión emocional y arreglos musicales cuidadosamente elaborados.
El tema se caracteriza por un intercambio vocal entre Smith y Johnson, que representa la lucha interna de las relaciones no expresadas. Con una clara influencia de las armonías soul de Motown, pero sin perder la frescura y modernidad del indie, Why Wouldn’t You Say So? captura el momento exacto de esa frustración que surge cuando las palabras no se dicen, pero el sentimiento está presente. La canción se grabó en un estudio convertido en granero en la campiña, lo que aportó un toque íntimo y auténtico al proceso de grabación, destacando la atmósfera natural y la interacción en vivo entre los músicos.
El proceso de grabación, además, se aleja de las técnicas convencionales. En lugar de utilizar un “click-track” para seguir el ritmo, el grupo optó por grabar de manera más orgánica, lo que permitió que la canción tuviera una fluidez y una sensación más natural. Como explica Ellie Parker, “jugar sin un click-track hizo que el ambiente fuera mucho más relajado y, al final, el tema adquirió un tono más conversacional.”
La canción también cuenta con la participación de músicos invitados como Chloë Meade, cuyo violín aporta una melodía melancólica que se entrelaza con la vocalización poderosa de Smith y Johnson, además del saxofón de Edward Cross y la batería intuitiva de Gus White. Este enfoque multidimensional crea una rica capa sonora que transporta al oyente a una experiencia emocional completa.
El artista británico Kai Bosch continúa consolidándose como una de las promesas del pop alternativo con su esperado EP Popstar of Your Dreams, que verá la luz el 16 de abril. Con una propuesta que fusiona la euforia de la música de baile con letras cargadas de emoción y vulnerabilidad, Bosch se perfila como un referente dentro de la escena pop queer.
Inspirado en la dualidad de la melancolía y el desenfreno, su sonido es un reflejo de su propio viaje personal: desde su infancia en la tranquila Polzeath, Cornwall, hasta la intensidad de la vida nocturna en Berlín y su consolidación artística en Londres. Esta mezcla de influencias se plasma en su estilo, que combina la estética del synth-pop de los 80 con la sofisticación de la electrónica contemporánea.
Su más reciente sencillo, Angel, es una pieza que encapsula perfectamente su esencia artística. Se trata de un tema impregnado de la esencia del disco-pop, con sintetizadores vibrantes, una base rítmica irresistible y una interpretación vocal que transmite emoción pura. Bosch ha descrito la canción como su “intento de crear un himno de desamor en clave disco”, y sin duda lo ha logrado.
La letra de Angel aborda la complejidad de los sentimientos posteriores a una ruptura. En palabras del propio artista: “Es una canción sobre pensar en alguien más mientras estás con otra persona. Pasé por una relación de rebote después de mi primera ruptura, y aunque mi nueva pareja era maravillosa, no podía dejar de añorar el pasado”.
Con su carisma y autenticidad, se ha propuesto convertirse en “la mayor estrella gay del pop en el universo”, y su crecimiento constante demuestra que está en camino de lograrlo. Temas anteriores como Everything Is Beautiful y Rodeo Romeo ya han mostrado su versatilidad y su capacidad para crear música pegadiza con una carga emocional intensa. Además, su reciente colaboración con Litany en Hello, Anxiety reafirma su habilidad para conectar con el público a través de relatos personales y honestos.
Con Popstar of Your Dreams, Kai Bosch ofrece una colección de canciones que encapsulan su evolución artística, mezclando euforia, desamor y autenticidad en una producción que promete ser un hito en su carrera. La fusión entre la introspección y la euforia de la música dance sigue siendo su sello distintivo, y su EP se perfila como un viaje emocional que resonará con todos sus oyentes.
En el universo de la música alternativa, Infinite Error es un proyecto enigmático que con el lanzamiento de su nuevo álbum, Plagued by Meaning continúa explorando los límites entre lo real y lo abstracto, entregando una experiencia inmersiva y perturbadora.
Si bien el sonido de Infinite Error podría situarse dentro del rock alternativo y la electrónica experimental, su verdadera esencia radica en su capacidad de trascender etiquetas. Con reminiscencias de bandas como Radiohead, Nine Inch Nails y la obra más cinematográfica de compositores como Jonny Greenwood, el álbum se convierte en una experiencia auditiva que desafía los convencionalismos del género.
Plagued By Meaning
El álbum se construye sobre la reputación de Infinite Error de generar paisajes sonoros que oscilan entre la belleza etérea y la incomodidad visceral. A través de una combinación de elementos orquestales, guitarras atmosféricas y texturas industriales, Plagued by Meaning lleva al oyente a una travesía emocional única. Canciones como “In Lust” y “King Eater” destacan por sus cambios dinámicos y una tensión latente que mantiene en vilo a quien escucha.
Sin biografía ni referencias visuales, el proyecto invita a su público a sumergirse en un diálogo subjetivo con la música, donde cada interpretación es válida y única. Esta aproximación genera una conexión profunda a quienes encuentran en Infinite Error un refugio de introspección y exploración.
El Track x Track de Plagued By Meaning
Plagued by Meaning – La canción que da nombre al álbum establece el tono con una mezcla de cuerdas sombrías y sintetizadores inquietantes. La atmósfera oscila entre lo melancólico y lo apocalíptico, creando un telón de fondo sonoro cargado de tensión y emoción. Una pista completamente instrumental que funciona como una apartura hacia un disco cargado de emociones que oscila entre los sombrio y macabro.
In Lust – Comienza con una percusión hipnótica y capas de sonidos industriales, que nos llevan de lo monumental a a un espacio etéreo donde las voces fantasmales emergen para guiar una narrativa de deseo y pérdida, con texturas metalizadas que pasan por lo industrial y el noise. La canción poco a poco utiliza elementos que le van dando una estructura cada mas grande y que nos logra meter a este mundo creado por Infinite Error lleno de terror y angustia.
King Eater – Despues de un a una canción llena de cuerdas dignas de una pelicula de terror, el tercer track del disco opta por sumergirnos en unos ritmos hipnoticos de guitarras y percusiones, una de las canciones más dinámicas del álbum. Su estructura va en constante evolución mientras mantiene una sensación de anticipación, misterio y energia.
Birds Calling It Quits – Con un tono más contemplativo, esta pieza fusiona el folk con arreglos orquestales. Con un piano como isntrumento base para la canción, el titulo refleja esa sutileza de la canción para poder sumergirnos en un mundo donde poco a poco los destellos de luz se van acercando en este mundo lleno de sombras y terror. La canción es un respiro dentro del álbum, ofreciendo un momento de calma antes de volver a la intensidad.
Belatedness- La siguiente canción nos regresa a ritmos mas dinamicos, con una inquietante guitarra que marca la pauta para una sensación energica pero que se ve calamada por las voces fantasmagoricas antes de llegar a explotar en un coro lleno de texturas y riffs inquietantes.
Puerile – Llegando al sexto track del disco “Puerile” nos sorprende con una nueva faseta del albúm, tomando elementos recurrentes como cuerdas inquietantes y riffs perturbadores, logran combinarlo de una manera muy organica con un ritmo mas dance que funciona increiblemente bien, una composición inquietante que juega con la disonancia y ritmos mecánicos. La sensación de paranoia y urgencia se refuerza con letras evocadoras y capas de sintetizadores angustiantes.
Derealizing – Explorando la fragmentación de la identidad y la percepción de la realidad. Con una instrumentación minimalista y un clímax envolvente, esta canción va preparando el cierre del disco.
Little Evils – Adentrandonos en el track, el uso de los riffs como ostinanto para generar tensión asi como el uso de sintetizadores y arpas le dan una energia y suspenso increible a “Little Evils” que va creciendo y surmergiendonos en una especie de dance sombrio y cautivador.
Causing You Worry – Como cierre del albúm, el track final del disco es una pieza ligera que fusiona la tranquilidad de un piano con una overtura llena de sonidos etereos, cuerdas, noise y ritmica perturbante, finalmente el disco cierra una ventana que nos lleva al inquietante mundo de Infinite Error.
Plagued by Meaning es una invitación a perderse en la vastedad de su sonido, a desafiar las convenciones del género y explorar las profundidades emocionales que Infinite Error ha logrado construir. Con diferentes referencias sonoras, desde generos como la poliritmia y viajes etereos hasta quizas referencias mas masivas como el sonido de propio de Thom Yorke en Radiohead.
Detrás de Isola Mare se encuentra la actriz, compositora y cantante español-mexicana Mar Colina, quien transforma sus vivencias personales en paisajes sonoros envolventes.
Con una mezcla seductora de pop alternativo y melodías pegadizas, Isola Mare invita a sumergirse en la intensidad de las emociones amorosas, con influencias que van desde el minimalismo etéreo de Lana Del Rey, pasando por la fuerza interpretativa de Mon Laferte, hasta la profundidad lírica de Zahara.
Desde su adolescencia, Mar Colina ha encontrado en la música una vía de expresión auténtica. Sus primeras composiciones nacieron en forma de poesía y más tarde, acompañadas de un piano, se convirtieron en canciones que reflejan su universo emocional. La esencia de Isola Mare radica en su capacidad para plasmar sentimientos complejos con gran sensibilidad, permitiendo que cada canción se convierta en un reflejo de experiencias tanto personales como universales.
En 2019, Mar Colina debutó con su EP autoeditado Tangled Up In Love, compuesto por seis temas en inglés que mostraban su habilidad para componer e interpretar. Sin embargo, con Isola Mare, inicia una nueva etapa en la que profundiza en su identidad musical, explorando emociones y contando nuevas historias con un enfoque aún más personal y maduro.
El primer adelanto de este proyecto es Adiós, una canción que encapsula la esencia de Isola Mare. Con una producción y atmósfera cautivadora, este sencillo marca el comienzo de un recorrido musical en el que las emociones son las protagonistas. La canción invita al oyente a dejarse llevar por su melodía hipnótica y su letra introspectiva, convirtiéndose en una experiencia sensorial que resuena en lo más profundo.
Salt Ashes, nombre artístico de Veiga Sanchez, es una cantante y compositora británica que irrumpió en la escena musical con su característico estilo oscuro de synth-pop, fusionando sonidos electrónicos con ritmos de club. Desde su debut, ha capturado la atención de la crítica y el público con su atmósfera única y su capacidad para combinar la nostalgia de la música disco con la profundidad emocional de la música contemporánea.
En 2014, Salt Ashes lanzó sus primeros sencillos, “Somebody” y “If You Let Me Go”, que rápidamente se posicionaron entre los cinco primeros lugares en las listas de Dance de Billboard y Music Week, consolidando su lugar en el panorama musical. Estos éxitos fueron el preludio de una carrera llena de reconocimientos, como el premio MTVU Freshmen y MTV IGGY’s Artist of the Week. Con un sonido que fusiona las influencias de Giorgio Moroder y el pop electrónico de la era moderna, Salt Ashes comenzó a hacerse notar por su capacidad para crear un ambiente oscuro y emotivo en sus canciones.
Uno de los momentos más significativos de su carrera llegó con el lanzamiento de “10 + 2”, un sencillo profundamente personal en el que Salt Ashes deja atrás las atmósferas electrónicas y pulsantes que la caracterizan para abrazar un sonido más íntimo y minimalista. En esta canción, con sólo una guitarra acústica, cuerdas y su voz cargada de emoción, rinde un homenaje a su padre fallecido, abriendo una nueva dimensión en su música. La canción, cálida y cargada de sentimiento, invita a los oyentes a sumergirse en un espacio de introspección y conexión emocional, ofreciendo también un refugio para aquellos que han experimentado pérdidas similares.
El cambio de dirección musical con “10 + 2” marca una evolución en la carrera de Salt Ashes, mostrando una faceta más vulnerable y humana de la artista. Al alejarse del sonido electrónico pesado, la canción se convierte en un testimonio de su capacidad para transformar el dolor personal en arte, permitiendo que sus seguidores se conecten de manera más profunda con ella. Esta pieza no solo revela la madurez de su carrera, sino también la habilidad de Salt Ashes para seguir explorando nuevos territorios sonoros sin perder su esencia.
Salt Ashes sigue demostrando que la música es una forma poderosa de expresar tanto la luz como la oscuridad que todos llevamos dentro. A medida que continúa explorando nuevos territorios emocionales y musicales, no cabe duda de que su viaje artístico apenas comienza, invitándonos a seguir su evolución y a conectar con sus canciones más allá de las pistas de baile.
La dupla neoyorquina de música electrónica The Knocks y la artista canadiense de dance-pop Dragonette han vuelto a unirse para lanzar su más reciente sencillo “Revelation”, una canción que promete ser el himno de todas las pistas de baile. Esta colaboración marca el primer capítulo de su nuevo proyecto conjunto, después del éxito de su hit nominado al GRAMMY “Slow Song” en 2019.
“Revelation” es una explosión de energía fresca y vibrante, fusionando el estilo único de The Knocks, con sus grooves irresistibles, con las inconfundibles y potentes vocales de Dragonette. La canción combina la calidez vocal de Dragonette con el toque funky y dance de The Knocks, logrando una mezcla perfecta de nostalgia y modernidad, y un resultado que no solo hará que te muevas, sino que te transportará a un paisaje sonoro de otra época.
El video oficial de “Revelation”, acompañado por un visualizador te lleva a un espacio surrealista de los años 80. Este escenario ocurre en la ficticia Revelation Technologies, una empresa que representa ese ambiente corporativo liminal tan característico de la época, pero con una visión moderna y futurista. La estética, cargada de efectos visuales y toques vaporwave, es el marco perfecto para la energía de la canción, que te envuelve con su estilo visual único.
Aquaria, la ganadora de RuPaul’s Drag Race, es la musa del video, aportando su carisma y presencia para encarnar la energía soñadora y cautivadora de la canción. Su participación en el video refuerza el tono de libertad y fantasía de “Revelation”, añadiendo una capa extra de elegancia y extravagancia que solo aumenta el atractivo de la pieza.
The Knocks, con un sonido que abarca desde el disco hasta el hip-hop, pasando por soul, funk e indie, han logrado una versatilidad que les ha permitido colaborar con artistas de todos los géneros, tales como Billie Eilish, Charli XCX, Foster The People, y MGMT. Sus aclamados sets en vivo y DJ performances los han llevado a recorrer el mundo junto a grandes nombres como The 1975, Ellie Goulding y Justin Bieber.
Por su parte, Dragonette, liderada por Martina Sorbara, ha sido una pionera del electro-pop durante más de 15 años, con éxitos globales como “Pick Up the Phone” y “Hello” en colaboración con Martin Solveig. Ha trabajado con gigantes de la música como Basement Jaxx, Kaskade, y Galantis, y ha llevado su música a festivales emblemáticos como Coachella, Electric Daisy Carnival y Glastonbury. Su habilidad para fusionar el dance-pop con sonidos innovadores la ha establecido como una de las artistas más importantes del género.
La colaboración entre ambos artistas no solo celebra la nostalgia de los años 80, sino que también aporta una frescura moderna que conecta de manera instantánea con las nuevas generaciones.
