El trío colombiano BALTHVS presenta “Sunday Forecast”, un sencillo instrumental que combina funk psicodélico, guitarras envolventes y texturas ambientales en una composición de espíritu soñador y carácter celestial. Con una propuesta que invita a desconectar del ruido cotidiano, la banda construye un paisaje sonoro cálido e hipnótico que convierte la relajación en una experiencia de exploración musical.
“Sunday Forecast” establece una atmósfera envolvente mediante delicados sonidos de percusión y texturas psicodélicas que aportan un matiz exótico a la composición. Las capas instrumentales se desarrollan progresivamente, mientras las guitarras introducen melodías fluidas que evolucionan hacia acordes más intensos y expresivos. Este crecimiento gradual aporta profundidad emocional sin romper la sensación de serenidad que define al sencillo.
A medida que avanza la pieza, BALTHVS se adentra en una combinación de grooves nebulosos, ritmos suaves y armonías que parecen flotar en el espacio. La instrumentación adquiere un carácter casi cinematográfico, creando imágenes sonoras que evocan paisajes difusos, tardes tranquilas y momentos en los que el tiempo parece transcurrir más despacio. En lugar de apoyarse en cambios abruptos, la canción permite que sus elementos se entrelacen de manera orgánica, favoreciendo una escucha inmersiva.
Uno de los aspectos más atractivos de “Sunday Forecast” es su equilibrio entre la sensibilidad ambiental y la identidad psicodélica de la banda. Aunque el tema apuesta por un enfoque especialmente relajado, conserva el sentido rítmico y la riqueza instrumental característicos de BALTHVS. El resultado es una composición que funciona tanto como acompañamiento para momentos de descanso e introspección como una invitación a descubrir los pequeños detalles que emergen en cada escucha.
Formado en Colombia en diciembre de 2019, BALTHVS ha desarrollado una identidad musical que cruza fronteras entre el funk, la psicodelia, el disco, el house, el dub reggae, el surf rock y la cumbia. Su enfoque ecléctico, sumado a una marcada inclinación por la improvisación y la experimentación, ha permitido al grupo construir un sonido propio y conectar con audiencias internacionales. Dentro de ese universo creativo, “Sunday Forecast” destaca por llevar su exploración instrumental hacia un territorio más contemplativo y atmosférico.
La multiinstrumentista, cantante y compositora de la nación Abenaki explora territorios sonoros oscuros e impredecibles con “Triage”, una composición que fusiona free jazz, rock y experimentación electrónica, y que anticipa su próximo álbum en solitario,Automatic.
Hay canciones que parecen contar una historia y otras que construyen un mundo entero sin necesidad de palabras. “Triage”, de Mali Obomsawin, pertenece a esta segunda categoría. La compositora y multiinstrumentista presenta una pieza de atmósfera inquietante, donde las texturas instrumentales, la improvisación y los cambios abruptos de intensidad evocan la banda sonora de una película imaginaria, llena de imágenes fragmentadas, espacios sombríos y escenas abiertas a múltiples interpretaciones.
Originaria de la nación Abenaki de Odanak, Quebec, y con base entre Nueva York y su comunidad de origen, Obomsawin se ha consolidado como una voz singular dentro de las escenas del jazz experimental, el free jazz y el rock. Su trabajo en solitario y su proyecto de rock Deerlady reflejan una búsqueda artística que desafía las convenciones de género y explora nuevas posibilidades narrativas a través del sonido.
En “Triage”, esa libertad creativa se manifiesta desde los primeros segundos. La composición comienza con una atmósfera densa y misteriosa, dominada por capas de sonido que parecen surgir de un territorio desconocido. Los instrumentos de viento adquieren una cualidad casi fantasmal, mientras las texturas ambientales construyen una sensación de extrañeza que crece gradualmente. La música parece abrir una puerta hacia otro espacio, uno en el que la tensión y la belleza conviven sin necesidad de resolverse.
A medida que avanza la pieza, el paisaje sonoro se transforma. El bajo y la batería irrumpen con una energía explosiva, acercando la composición a la intensidad del jazz punk, mientras la improvisación mantiene viva una sensación de incertidumbre. No hay una estructura convencional que conduzca al oyente por un camino predecible. En cambio, “Triage” avanza mediante contrastes, acumulaciones y rupturas que mantienen la escucha en constante movimiento. Su combinación de disonancia, atmósferas sombrías y tensión instrumental puede evocar la aproximación experimental de Mica Levi en The Zone of Interest (2023) o las texturas perturbadoras de Mark Korven en The Lighthouse (2019).
Una de las claves de esta experiencia es la participación de Andrew Broder en los platos giratorios, que añade una dimensión sonora distinta a la instrumentación acústica. Su presencia amplía las posibilidades tímbricas de la composición y contribuye a esa sensación de estar atravesando espacios sonoros superpuestos, como si distintas realidades colisionaran dentro de una misma pieza.
Ruby Waters regresa con “GET A GRIP” con una combinación de voces rasposas, ritmos envolventes y una actitud despreocupada, la cantante y compositora continúa construyendo un sonido propio que se mueve con naturalidad entre el indie pop, el rock alternativo, el dream pop y el R&B. Originaria de Ontario y actualmente establecida en las montañas de Columbia Británica, Waters ha desarrollado una identidad musical difícil de encasillar. Sus canciones se caracterizan por una interpretación vocal cargada de carácter y una sensibilidad que conecta diferentes géneros sin perder autenticidad. En “GET A GRIP”, esa versatilidad vuelve a ocupar el centro de la propuesta.
El sencillo combina la voz grave y rasposa de la artista con una instrumentación de indie pop marcada por el groove. La producción crea una atmósfera dinámica y accesible, mientras la interpretación mantiene ese toque imperfecto y espontáneo que distingue su estilo. El resultado es una canción que invita a dejarse llevar por el ritmo y confirma la capacidad de Ruby Waters para encontrar un equilibrio entre energía alternativa y melodías pegadizas.
Este lanzamiento llega después del buen recibimiento de “WET T-SHIRT”, tema que superó los 11 millones de reproducciones en Spotify y ayudó a mantener el impulso de su carrera. Con “GET A GRIP”, Waters continúa expandiendo su universo sonoro y explorando nuevas formas de expresión sin renunciar a la personalidad que la ha definido desde sus primeros trabajos.
El estreno del sencillo viene acompañado de un videoclip dirigido por Adit Dixit, en el que la artista muestra una faceta natural y desenfadada. Las imágenes la siguen mientras recorre las montañas en bicicleta y comparte una partida de billar con sus amigos en un bar local, construyendo un retrato cercano de su vida fuera del escenario. El video privilegia la espontaneidad y los pequeños momentos cotidianos. Los paisajes de Columbia Británica aportan un componente visual atractivo, mientras las escenas con sus amigos reflejan el espíritu relajado que acompaña a la canción.
La propia Waters describió el rodaje como una experiencia libre, en la que simplemente pudo hacer las cosas a su manera. También destacó el talento de Dixit para capturar la magia de esos instantes y compartió su agradecimiento por disfrutar de las montañas y pasar tiempo con las personas cercanas a ella.
Su propuesta combina la intensidad del rock con la sensibilidad del pop alternativo y los matices del soul, una mezcla que le permite moverse entre distintos ambientes sin perder una identidad reconocible. Esa libertad creativa vuelve a manifestarse en “GET A GRIP”, un lanzamiento que apuesta por el ritmo, la actitud y una interpretación vocal que resulta difícil de confundir.
El artista de dream pop James Tonic presenta “Wherever You Are”, un sencillo que explora la nostalgia por una relación que nunca llegó a convertirse en realidad y las emociones que permanecen cuando una historia posible se queda únicamente en la imaginación.
Criado en Montreal y vinculado artísticamente a la escena de Nueva York, James Tonic ha construido una identidad sonora caracterizada por las melodías melancólicas, las atmósferas envolventes y las letras que profundizan en las complejidades de las relaciones humanas. Su propuesta combina elementos del dream pop y el pop alternativo con una sensibilidad cinematográfica que encuentra puntos de conexión con artistas como Lana Del Rey, Cigarettes After Sex y Beach House. A lo largo de siete álbumes, el músico ha desarrollado un lenguaje propio en el que la intimidad emocional ocupa un lugar central.
“Wherever You Are” parte de una idea tan sencilla como universal: imaginar cómo habría sido una relación que nunca llegó a suceder. Más que abordar una ruptura convencional, la canción se adentra en una forma de pérdida menos evidente, aquella que aparece cuando una posibilidad desaparece antes de convertirse en una experiencia compartida. Es el recuerdo de algo que nunca ocurrió, pero que aun así puede dejar una huella emocional profunda.
A través de su letra, James Tonic reflexiona sobre el deseo de ser importante para otra persona y la incertidumbre que acompaña a los vínculos que nunca terminan de materializarse. La canción gira alrededor de la necesidad de sentirse necesario, querido o protegido, incluso cuando esa conexión solo existe en la mente. De esta manera, el artista transforma una experiencia íntima en una historia con la que pueden identificarse quienes alguna vez imaginaron una vida alternativa junto a alguien.
“Wherever You Are” combina piano, cuerdas y sintetizadores en una producción atmosférica que deja espacio para que cada elemento contribuya a la carga emocional de la composición. La grabación, realizada con una banda en directo en lugar de depender exclusivamente de instrumentos programados, aporta una dimensión orgánica al sonido y permite que los arreglos respiren dentro de una estructura delicada y envolvente.
El resultado se mueve entre el alternative pop y el dream pop, con una instrumentación que acompaña la melancolía de la letra sin restarle protagonismo. Los sintetizadores construyen texturas etéreas, mientras el piano y las cuerdas refuerzan la sensación de intimidad y contemplación. La voz de Tonic guía la canción con un enfoque sensible, manteniendo el equilibrio entre la vulnerabilidad de la interpretación y la amplitud cinematográfica de la producción.
Con tan solo 24 años, la cantante y compositora Maryon King llega como una de las nuevas voces más interesantes del pop. La artista presenta “BUILD A MAN”, un lanzamiento descarado, divertido y ligeramente desquiciado que convierte una experiencia amorosa demasiado familiar en un auténtico himno. La canción parte de una situación que muchas mujeres reconocerán: ayudar a un hombre a convertirse en una mejor versión de sí mismo desde mejorar su forma de vestir y elevar sus estándares hasta enseñarle inteligencia emocional para después descubrir que otra persona termina disfrutando de todos esos cambios.
En lugar de tomárselo demasiado en serio, Maryon lleva la situación al extremo y se ríe de ella. “BUILD A MAN” captura esa sensación de haber hecho todo el trabajo para que otra mujer reciba el resultado final. La propuesta es descaradamente divertida, con una actitud irreverente que convierte la frustración en entretenimiento.
Y esa personalidad también se refleja en la producción. Guitarras afiladas, baterías contundentes y una interpretación vocal llena de carácter acompañan a Maryon a lo largo del tema. Todo alcanza un punto especialmente explosivo en el estribillo, donde la energía de la canción cobra vida y deja claro que estamos ante un tema pensado para cantar a todo pulmón.
Lo mejor de “BUILD A MAN” es precisamente que no busca convertir una decepción amorosa en un momento triste. Maryon King toma una experiencia frustrante y la transforma en algo juguetón, exagerado y, por momentos, deliciosamente caótico. Hay humor, seguridad y mucha personalidad en cada parte del tema.
Hay canciones que buscan respuestas y otras que simplemente nos acompañan mientras intentamos encontrarlas. “Cycles”, el nuevo sencillo de la cantautora neerlandesa Celine Cairo, pertenece a esa segunda categoría. Con una atmósfera hipnótica y una interpretación vocal que se mueve entre lo etéreo y lo profundamente humano, Cairo convierte una reflexión sobre el cambio, el paso del tiempo y los ciclos de la vida en una experiencia íntima y reconfortante.
“Cycles” continúa la nueva etapa artística de Cairo, iniciada con el sencillo “Panacea” y encaminada hacia su próximo álbum, previsto para junio. La canción se adentra en un territorio más oscuro e introspectivo, explorando esa sensación tan familiar de mirar hacia el futuro sin saber exactamente qué nos espera.
“Cycles” se construye alrededor de un antiguo Wurlitzer de Cairo y una producción de inspiración trip-hop. Los paisajes electrónicos son sutiles, los sintetizadores analógicos aportan profundidad y las guitarras eléctricas, interpretadas por Bram Doreleijer de Haevn, aparecen amplias y espaciales. A esto se suman cuerdas reales que ayudan a expandir la canción sin restarle intimidad. El resultado es un paisaje sonoro que parece avanzar lentamente, como si la canción respirara al mismo ritmo que quien la escucha.
En el centro está la voz de Cairo. Etérea, cristalina y ligeramente fantasmal, funciona como una guía dentro de este universo sonoro. “Cycles” tiene algo de experiencia nocturna: esa sensación de estar despierto mientras todos duermen, pensando demasiado en el futuro, en las decisiones tomadas y en los cambios que todavía están por llegar. Sin embargo, la canción nunca queda atrapada en la ansiedad. Su calma funciona como una forma de aceptación.
Cairo habla de crecer, envejecer, cambiar de lugar y enfrentarse a aquello que no podemos controlar. Cuando canta sobre poner la mano sobre el corazón y sentir el cambio, para después recordar que las cosas terminan encontrando su lugar, convierte una experiencia personal en algo universal. Todos hemos conocido, en mayor o menor medida, ese temor ante lo desconocido. Todos hemos tenido que aprender que avanzar también significa dejar atrás ciertas versiones de nosotros mismos.
Hay artistas que comienzan buscando una voz y otros que comienzan buscando una respuesta. En el caso de Jeynu Núñez, escritor y rapero de Juana Díaz, Puerto Rico, ambas búsquedas parecen ocurrir al mismo tiempo. Desde 2020, Núñez ha utilizado la música como un espacio para explorar aquello que lo compone: la memoria, la identidad, las relaciones, las experiencias cotidianas y también esas emociones que, a primera vista, podrían parecer demasiado pequeñas como para convertirse en una canción. Su propuesta parte de una intención sencilla, aunque no necesariamente fácil: hablar desde la sensibilidad sin perder el calor humano.
Ese recorrido desemboca en NOSTALGIA, su primer álbum de estudio, un proyecto de siete canciones que funciona como una mirada hacia distintas etapas de su vida. No se trata únicamente de recordar. En el álbum, recordar parece ser también una forma de ordenar, entender y finalmente soltar.
NOSTALGIA no busca presentar una narrativa explicada de principio a fin. En lugar de construir un discurso explícito, Núñez parece confiar en los detalles.
El proyecto también reúne una serie de colaboraciones que amplían ese ejercicio de memoria hacia otras geografías. En sus créditos aparecen artistas de Puerto Rico y de distintos lugares del mundo, entre ellos Yuyang Lu, Migui, Ivan Bervin, LAPERRERA, Melina Alegria, brrrravo, Annie, Jon Limon, Acidd y Siete.
El Track x Track de “Nostalgia”
1. El intro que le debía a Shanice — con Yuyang Lu
El álbum comienza casual y relax, con un lenguaje casual que logra darnos contexto del artista El intro que le debía a Shanice funciona como una puerta de entrada a NOSTALGIA: una canción que parte de una persona específica para abrir un espacio mucho más amplio de recuerdos. Hay algo íntimo en la idea de “deberle” una canción a alguien, como si hacerla fuera finalmente cumplir una promesa pendiente. Con Yuyang Lu, el tema nos da un “Solo quedara seguir pa lante” como mantra de la canción, fuera de la legra la música es muy interesante, con sensaciones de hip hop, R&B y soul, la canción logra transmitirnos desde pensamientos relax, hasta un contexto social que tienes que escuchar.
2. JiNCHA BORiCUA — con Migui y Ivan Bervin
JiNCHA BORiCUA parece surgir desde un lugar más cotidiano y orgullosamente puertorriqueño. El propio título juega con una identidad reconocible, pero presentada desde una sensibilidad personal y posiblemente irreverente. La presencia de Migui e Ivan Bervin amplía esa identidad hacia afuera, convirtiendo una experiencia local en un punto de encuentro entre distintas partes del mundo. Dentro de NOSTALGIA, representa la memoria de un lugar y de una forma de ser: aquello que uno carga consigo incluso cuando se encuentra lejos. La canción nos presenta memorias, lugares, personas y emociones como un pequeño momento entre amigos donde pueden platicar sobre esos días que valoran, pero que han quedado atrás. El track no solo funciona como remembranzas del pasado sino como una propuesta romántica con la integración del featuring.
3. Maldita Esperanza — con LAPERRERA y Melina Alegria
Hay algo contradictorio en llamar Maldita Esperanza a una canción: la esperanza suele ser aquello que nos sostiene, pero también puede ser precisamente lo que nos impide aceptar que algo terminó. El título encapsula esa tensión entre querer seguir creyendo y saber que quizá deberíamos dejar ir. Con LAPERRERA y Melina Alegria, la canción se convierte en uno de los momentos donde la nostalgia puede sentirse menos como recuerdo y más como una emoción todavía presente.
4. Una lofi pa’ Nati — con brrrravo y Annie
Con una voz en off de introducción,Una lofi pa’ Nati tiene desde el título una intimidad distinta. No intenta sonar como una gran declaración; parece más bien un gesto sencillo: hacerle una canción a alguien. El “pa’ Nati” hace que el proyecto vuelva a lo cotidiano y recuerda que la memoria también está hecha de pequeños detalles, nombres propios y momentos que quizás nunca fueron importantes para nadie más. Su carácter lo-fi encaja naturalmente con esa sensación de mirar una fotografía vieja, quedarse pensando y dejar que el recuerdo haga el resto, su carácter instrumental nos da un respiro dentro del disco pero a la vez la voice note del principio de la canción nos deja recordando esas conversaciones que tuvimos con esa persona de nuestro pasado.
5. Lafourcade — con Acidd
Lafourcade introduce la memoria desde otro lugar: el de las referencias que terminan convirtiéndose en parte de nuestra propia identidad. Con Acidd, la canción funciona como una conversación al pasado, una persona y muchos recuerdos, dándole aún mas valor al titulo del álbum. La canción logra sorprendernos con un final que fusiona elementos de la electrónica y rap con un groove inesperado que nos encantó.
6. Algo así pa’l outro de David — con Siete
Si El intro que le debía a Shanice abre el álbum desde una deuda, Algo así pa’l outro de David parece cerrarlo desde otro lado, un instrumental acústico a voz y guitarra con una naturalidad casi improvisada, como si la canción hubiera nacido de una conversación, una referencia interna o una idea que simplemente había que convertir en música. Esa espontaneidad encaja con la esencia de NOSTALGIA: no todo recuerdo necesita una explicación solemne. A veces basta con dedicar algo, nombrarlo y dejarlo existir. La colaboración con Siete convierte ese momento en otro encuentro dentro del álbum.
7. La tinta no miente — con marciano, el joven
El álbum termina con una declaración que podría resumir todo su concepto: La tinta no miente. Después de recorrer recuerdos, personas, lugares y distintas versiones de sí mismo, queda la escritura como testigo. La tinta conserva aquello que la memoria puede distorsionar, esconder o intentar olvidar. Que esta sea la última canción hace que NOSTALGIA termine regresando a una de las raíces de Jeynu: el escritor. Si todo el álbum es un ejercicio de recordar para entenderse, aquí la escritura aparece como evidencia de ese proceso. Lo que quedó escrito, quedó.
Vistas juntas, las siete canciones pueden leerse como siete formas diferentes de recordar: una deuda, una identidad, una esperanza, una persona, una influencia, una despedida y finalmente la escritura.
Y eso conecta muy bien con la idea que planteaste desde el principio: NOSTALGIA no intenta contarle al oyente exactamente qué debe sentir. Le enseña fragmentos de la memoria de Jeynu y lo deja completar los espacios vacíos. Para Jeynu, la nostalgia no parece significar únicamente extrañar el pasado. Es, más bien, una materia con la que puede trabajar.
Su música parte de experiencias que pueden ser banales o profundamente introspectivas, pero intenta acercarse a ambas con el mismo nivel de honestidad. Esa disposición a encontrar significado incluso en aquello que aparentemente no lo merece es una de las características que atraviesa su propuesta.
En NOSTALGIA, esa mirada adquiere una dimensión especialmente personal. Una ruptura amorosa terminó convirtiéndose en parte importante del proceso creativo y llevó a Núñez a confrontar sensibilidades que quizá permanecían en segundo plano.
Lo que comenzó como una inquietud artística terminó funcionando también como una forma de terapia: un espacio para mirar hacia adentro cuando mirar hacia afuera ya no parecía suficiente. Pero el álbum no parece querer quedarse atrapado en el dolor. Hay humor, referencias personales, colaboraciones, buenas vibras y una voluntad evidente de mantener la humanidad en el centro. La introspección no tiene que convertirse necesariamente en solemnidad.
Biloba, proyecto del músico angelino DJ Stanfill, explora una combinación de Indie Folk, psicodelia y arreglos de inspiración clásica en “Little Flower”, segundo sencillo de su próximo álbum Tree Arcades. La canción parte de una base acústica de carácter íntimo, con guitarras ejecutadas mediante fingerpicking y voces de tono etéreo que remiten al sonido de los cantautores de los años 60. A lo largo de la composición aparecen referencias al Folk de aquella época y a una producción de estética Lo-Fi, mientras las armonías vocales amplían gradualmente la dimensión del tema.
La instrumentación adquiere mayor complejidad conforme avanza la canción. Sobre el ritmo inicial se incorporan capas de voces, cuerdas, metales y otros elementos orquestales que modifican progresivamente la textura. Esta evolución introduce rasgos de Chamber Folk y una aproximación psicodélica que amplía una estructura que, en sus primeros compases, parece deliberadamente sencilla. El resultado se apoya en el contraste entre momentos contenidos y secciones donde los diferentes instrumentos ocupan un espacio más destacado.
En el apartado lírico, “Little Flower” cuenta la historia de una abeja que se siente atraída por una flor durante la primavera, aunque es consciente de que ese afecto no puede llegar a materializarse. La situación sirve como punto de partida para hablar sobre deseo, frustración e impotencia desde una perspectiva que incorpora elementos de humor y fantasía. La ligereza de la ambientación contrasta con la tristeza del personaje, creando una lectura que se mueve entre lo absurdo y lo melancólico.
“Little Flower” refleja así el interés de Biloba por combinar una escritura de cantautor con una producción más amplia y experimental. Las guitarras acústicas y las voces mantienen el componente cercano de la canción, mientras que los arreglos orquestales y las variaciones rítmicas introducen nuevos matices a medida que avanza. Como segundo adelanto de Tree Arcades, el tema permite observar algunos de los recursos sonoros que forman parte del próximo trabajo de DJ Stanfill.
El dúo franco-estadounidense Freedom Fry, formado por Bruce Driscoll y Marie Seyrat y radicado en Los Ángeles, presenta “Tonight Is Forever”, un sencillo que se mueve entre el Synthpop y el Indie Pop con una marcada estética nocturna. La canción combina sintetizadores de inspiración ochentera, baterías constantes, bajo y voces suaves para construir una producción que apuesta por un sonido retro, cinematográfico y envolvente.
La inspiración del tema está relacionada con Drive y la música de Kavinsky. Según explicó Bruce Driscoll, el dúo volvió a ver la película y encontró en su banda sonora y en sus escenas nocturnas una referencia para imaginar la canción. A partir de esa experiencia surgió una pieza que busca recrear la sensación de recorrer una ciudad de noche, rodeado de luces y con la música como acompañamiento.
En el plano musical, “Tonight Is Forever” combina elementos electrónicos con una base rítmica que mantiene el movimiento de la canción. Los sintetizadores aportan buena parte de su identidad retro, mientras las voces de Driscoll y Seyrat se mantienen suaves y contenidas, integrándose en las texturas de la producción. La batería de Kiel Feher aporta el pulso principal y añade un componente más físico al arreglo.
La letra se centra en la idea de aprovechar el presente y dejar temporalmente de lado las preocupaciones asociadas al día siguiente. La repetición de “Tonight Is Forever” funciona como un motivo central que refuerza esa sensación de suspensión temporal: durante unas horas, el futuro puede esperar y la atención se concentra en la noche, la música y el momento compartido.
“Tonight Is Forever” representa así una nueva aproximación de Freedom Fry a la música electrónica y al Indie Pop, utilizando referencias cinematográficas y sonoras de los años 80 para construir una canción centrada en la experiencia nocturna. El resultado se apoya más en la atmósfera, el ritmo y la melodía que en una narrativa compleja, con una producción que busca transmitir la sensación de una noche que, al menos por un momento, parece no tener final.
Desde la periferia industrial de Waterloo, Ontario, Awake & Dreaming llega con una propuesta de alt-rock canadiense. Integrada por Sasha Kristoff (voz y teclados), Stefan Schneider (guitarra), Phil Lee (bajo) y Ryan Dugal (batería), la agrupación ha construido una identidad sonora definida por la dualidad: un viaje constante entre la intimidad del piano, atmósferas electrónicas y explosiones de guitarras de escala monumental. El estilo de la banda suele incorporar capas sintéticas, ritmos y arreglos vocales dramáticos, citando frecuentemente influencias estilísticas y dinámicas vinculadas al alt-rock de las últimas dos décadas.
El álbum debut de la banda, titulado Inevitable, está programado para su lanzamiento el 16 de octubre de 2026, acompañado de una edición en vinilo y una gira por 10 ciudades en Ontario y Quebec. Con una duración total de 48 minutos y 36 segundos distribuida en 10 canciones, el álbum explora conceptualmente la experiencia de mantener la sensibilidad humana dentro de un entorno dominado por la sobreestimulación tecnológica y la apatía social.
El Track x Track de Inevitable
1. “I U Me” El disco abre con una declaración de energía cruda y directa, con bajo distorsionado la canción establece de inmediato la tensión del álbum mediante una instrumentación delicada con el uso del piano y una voz aterciopelada, mientras el coro explota en un estribillo emocional y agresivo. A nivel de producción, la mezcla limpia y robusta de Jay Dufour resalta la fuerza física de los instrumentos, logrando un sonido de gran alcance que marca el punto de partida del álbum: el momento en que el individuo, atrapado en la inercia de la máquina cotidiana, despierta a través de la tensión y el conflicto para reclamar su propia presencia.
2. “Rewire”
Segunda pista del álbum que profundiza en la necesidad de reprogramar los hábitos y esquemas mentales frente al adormecimiento cotidiano. Con un ritmo impulsivo y sintético, la canción construye un puente hacia la transformación, alternando versos melódicos con pasajes de marcada carga rítmica. Lo curioso es que las guitarras tienen un estilo particular de géneros como el Krautrock, pero llevándolo a otro lugar propio al tener una voz tan melódica y dulce, la canción tiene esa agresividad que propone la banda a la vez que las melodías nos remontan a bandas como king gizzard and the lizard wizard
3. “Old Ghosts” Sumergiéndose en una atmósfera de minimalismo evocador, esta pista reduce la instrumentación a sus elementos más íntimos. La combinación de e piano y sombras electrónicas genera una sensación de espacio y nostalgia, explorando el peso del pasado y las memorias no resueltas. La canción nos lleva completamente a un ambiente completamente diferente de los tracks anteriores, dándole un espacio mayor a la parte vocal y su interpretación,
4. “Antidote”
Corte cargado de suspenso y sensualidad oscura. La pista comienza con una estructura delicada de sintetizadores y una sensación de ciencia ficción, a través de arreglos de piano y un bajo que sostiene el movimiento de la canción, mientras el track va evolucionando para culminar en un clímax dramático sostenido por la afirmación de supervivencia “I’m still breathing”.
5. “Cold Shoulder”
“Cold Shoulder” nos presenta un sonido que juega con las texturas de la guitarra para crear disonancias que generan esta tensión incomoda y misteriosa, este es el punto de inflexión del disco donde la frustración se convierte en resistencia colectiva. A través de versos contenidos el tema explota en un estribillo de escala bailable diseñado para el canto grupal, coronado por la consigna rebelde “I’m gonna dance in the street while it’s burning”.
6. “Underwater”
Con una respiración inicial, el sencillo principal del álbum funciona como una sesión de introspección nocturna sobre el desapego y la carga emocional. Con una sonoridad melancólica, la canción utiliza la metáfora de la profundidad marina para abordar la urgencia de soltar lo que nos arrastra hacia el fondo antes de quedar completamente aislados. Con una interpretación tremendamente emocional el track toma elementos del Dream Pop combinándolo con un piano protagonista y unas líneas melódicas que te hacen conectar con la letra y melodias vocales que podrian hacer remembranza a Cocteau Twins.
7. “Lights Down Low”
Una composición que desacelera el ritmo para explorar el lado más acústico y cinemático de la banda. Apoyada en dinámicas vocales sutiles, la canción recrea la sensación de intimidad y refugio cuando el mundo exterior se apaga, mientras todo el track va creciendo para terminar con una explosión de toda la banda dándole paso a unas palabras finales con el ritmo acústico de la guitarra.
8. “Can’t Sleep”
Pista centrada en el insomnio, el sobre pensamiento y la sobreestimulación de la vida moderna. La canción nos recibe con un sonido de gran piano, el cual ha sido un elemento recurrente en el alum y creo que es de lo que mas le aporta para tener su propio sonido a la banda, ya que combina Dream Pop, Rock y texturas atmosféricas, pero hasta ahora el piano y la voz han sido una gran base para marcar un estilo propio de la banda, la instrumentación rítmica y los arreglos marcados transmiten la inquietud de una mente en vela que busca claridad en medio de la noche, con una gran melodía vocal en los versos que poco a poco va siendo acompañada de elementos como guitarras acústicas y coros suaves el disco nos entrega una balada piano que para nuestro gusto es uno de los mejores tracks del disco.
9. “Faceless”
Con guitarras cortantes y una sección rítmica acelerada, “Faceless” crea un ambiente orquestal , la canción refleja la lucha contra el anonimato y la presión por encajar en moldes preestablecidos, mientras nos lleva por un track que siente epico pasando por un solo explosivo y un final que pudiese sentirse como el cierre de una batalla al combinar elementos como coros, piano y un ritmo acelerado.
10. “Event Horizon” El cierre conceptual del disco representa el punto de no retorno y la catarsis final. La pista evoluciona desde capas atmosféricas progresivas hasta un clímax monumental, concluyendo el viaje del álbum con un sentimiento de asombro, resolución y reencuentro con la humanidad. Lo que nos llama la atención es el uso de estas capas de sintetizadores, que dan un tono contemplativo y a la vez misterioso.
El arco narrativo del álbum explora la necesidad de mantenerse humano en un mundo diseñado para adormecer las emociones. La historia evoluciona desde la alienación de sentirse “parte de la máquina” en la pista de apertura, hasta alcanzar la catarsis y el asombro por lo posible en el tema de cierre. A lo largo de sus sencillos, la banda ha mostrado las distintas facetas que componen esta travesía: El camino hacia el lanzamiento continuará con el estreno del sencillo principal, “Underwater” (18 de septiembre), un diálogo nocturno sobre soltar lo que nos arrastra a las profundidades, seguido por “Rewire” (2 de octubre).
Acompañado por una gira de 10 fechas entre septiembre y octubre por Ontario y Quebec, Awake & Dreaming demuestra que la autenticidad, la precisión técnica y la visión estética pueden abrirse paso sin el respaldo de una gran discográfica. Inevitable no solo representa el debut de una banda en pleno dominio de su arte, sino la afirmación de que el rock alternativo aún puede ser un refugio de esperanza y rebelión.
