En un momento en el que el mundo se vio obligado a detenerse, el artista australiano Hamish Anderson encontró en el silencio una puerta hacia adentro. De esa introspección profunda nació “Everybody”, una canción que representa un renacer musical, sino también una afirmación emocional de lo que significa estar perdido… y reencontrarse.
Lanzado el 11 de octubre de 2024 como parte de su más reciente álbum Electric, “Everybody” es una carta abierta al alma. Con una guitarra que respira blues y un ritmo que dialoga con la nostalgia y la esperanza, Anderson conecta con un sentimiento compartido por millones tras la pandemia: el aislamiento, la búsqueda de sentido, y la necesidad urgente de reconexión.
“Este álbum habla de estar aislado del mundo y de mirarse al espejo después de años de evitarlo. Es sobre redescubrir quién eres, reconectarte con lo esencial, y usar la música como puente”, cuenta Anderson.
Durante los confinamientos, el artista se reencontró con su yo más joven, el niño de 12 años que pasaba horas tocando guitarra sobre discos de Hendrix, Buddy Guy o Jeff Beck. Esa reconexión con sus raíces musicales marcó el ADN de Electric, un trabajo donde la guitarra eléctrica no solo lidera, sino que cuenta una historia emocional por sí misma. En “Everybody”, esta narrativa se manifiesta en un solo que va de lo tímido a lo seguro, como si también viajara desde la confusión hacia la claridad.
La letra no ofrece soluciones fáciles ni finales felices forzados. En cambio, ofrece compañía: “Everybody’s felt this way / Everybody knows this pain” (“Todos se han sentido así / Todos conocen este dolor”). Es una afirmación de vulnerabilidad compartida, que en lugar de aislar, une.
La cantante y compositora Rosie Darling, originaria de Boston y actualmente radicada en Los Ángeles, ha dejado claro que su música no solo es una forma de expresión artística, sino un refugio emocional para ella misma y para quienes la escuchan. Su estilo se caracteriza por la fusión de influencias del pop, el indie y la música alternativa, y a menudo aborda temas universales como el amor, la pérdida y el autodescubrimiento. El tema principal de su carrera ha sido la exploración de las complejidades emocionales, con letras que se sienten profundamente personales y accesibles al mismo tiempo.
En abril de 2025, Rosie Darling compartió con el mundo su más reciente EP, Roomful Of People, un trabajo que marca un giro significativo en su carrera. Producido por Justin Gammella, este nuevo proyecto refleja una versión más madura y juguetona de la artista. Según ella misma ha explicado, Roomful Of People tiene una sonoridad más energética y despreocupada en comparación con su álbum anterior, Lanterns, que era más serio y emocional.
El EP incluye canciones como “It Is What It Is”, un tema que captura la complejidad de aceptar cuando una relación ha llegado a su fin. A través de su voz suave y sus melodías etéreas, Rosie transmite la sensación de liberación que viene con el reconocimiento de que es necesario seguir adelante, incluso cuando la relación aún genera emociones conflictivas. La línea “I say, ‘It is what it is,’ because I know what it isn’t” encapsula perfectamente la idea de aceptar la realidad tal como es, sin aferrarse a lo que podría haber sido.
Otro tema destacado del EP es la canción “Roomful Of People”, un dueto con el cantante Jake Scott. La canción aborda el doloroso proceso de seguir adelante mientras todavía se siente una conexión con una persona del pasado. La química entre las voces de Rosie y Jake le da a la canción una fuerza emocional que resuena profundamente con cualquiera que haya pasado por una ruptura difícil.
Además de las canciones sobre el amor y las relaciones, Roomful Of People también aborda temas como las amistades duraderas y el proceso de crecimiento personal. “Joanna” es una pieza nostálgica que refleja el valor de las conexiones que sobreviven al paso del tiempo. Rosie describe la canción como un homenaje a la amistad y a la fortaleza de los lazos que no se rompen con facilidad, incluso cuando la vida se pone en el camino.
KÄSSY es el reflejo de una artista que no tiene miedo a desafiar las convenciones y explorar todas las facetas de su creatividad. Canción tras canción, la cantante, instrumentista, productora y performer se reinventa, fusionando sonidos que van desde la locura más experimental hasta las emociones más puras y apáticas. Su música, a menudo marcada por lo inesperado, oscila entre la belleza, la paranoia y la incomodidad. Todo esto está impregnado en su inconfundible estilo, que ha hecho de su proyecto solista un camino único, lleno de giros, contradicciones y una gran carga emocional.
KÄSSY, cuyo verdadero nombre es Katrin Paucz, comenzó su carrera en la música de manera algo inusual. A tan solo unos pasos de terminar la secundaria, dio un salto inmediato hacia la industria musical, convirtiéndose en guitarrista en vivo para la banda Oehl. Fue en esa etapa donde tuvo su primer contacto con el mundo de los escenarios y las giras. Más tarde, junto al productor Marco Kleebauer y el rapero Mile, fundó la banda Sharktank en 2020, con la que lanzó dos álbumes y un EP. Sin embargo, en 2022, KÄSSY tomó la decisión de embarcarse en su propio proyecto artístico, dejando atrás Oehl para unirse como guitarrista a la banda Bilderbuch, una de las más populares de la escena musical de habla alemana.
A lo largo de estos años, KÄSSY absorbió conocimientos y experiencias que marcarían profundamente su carrera. Se empapó de las lecciones de ser una artista, una intérprete y una líder. En marzo de 2024, debutó como KÄSSY, siendo telonera de Bilderbuch en su gira europea por Alemania, Austria, Países Bajos, Francia y el Reino Unido. Con esta gira, comenzó a consolidar su identidad como solista, marcando un punto de inflexión importante en su carrera.
En su primer sencillo, “Skirt On Pants”, nos sumerge en una mezcla caótica de sonidos sintéticos, voces melódicas y ritmos frenéticos. Su música puede sonar como un paseo por el “infierno de la manía” en un segundo y, al siguiente, como un flotar en un cielo de emociones intensas y apáticas. En este primer tema, KÄSSY nos ofrece una visión de lo que será su carrera: un torrente de contradicciones, giros inesperados y una entrega total hacia lo que la música le pide en cada momento.
A lo largo de sus siguientes sencillos, KÄSSY continúa explorando emociones complejas. En “I Feel So Heavy”, presenta una versión más suave y vulnerable de sí misma, reflexionando sobre la sensación de insuficiencia, el dolor de crecer y la desconexión emocional. En “For Two”, nos habla sobre los altibajos de las relaciones personales, abordando cómo el deseo de compartir todo con alguien puede volverse una carga. Con “wemightchange”, toca temas de identidad y realidad, mientras que en “Milk”, se adentra en la obsesión y el desengaño de las expectativas no cumplidas.
Su debut EP, que verá la luz en enero de 2025, promete seguir sorprendiendo con su mezcla única de pop experimental y electrónica, fusionada con su sello personal que desafía las convenciones.
Flora Cash, el dúo indie-pop formado por Shpresa Lleshaj y Cole Randall, ha logrado conquistar los corazones de miles de oyentes alrededor del mundo con sus composiciones llenas de emoción, intimidad y nostalgia. Tras varios éxitos como «You’re Somebody Else», su música ha sido el refugio perfecto para aquellos que buscan explorar las profundidades de las relaciones humanas, sus altos y bajos, y las huellas que deja el amor en nuestra vida.
En esta ocasión, el dúo regresa con un nuevo sencillo titulado «93», una canción que no solo continúa con la línea emocional y profunda de su música, sino que también refuerza su capacidad para transmitir sentimientos complejos a través de la melodía y la letra. Con un sonido cautivador y una atmósfera melancólica, «93» nos transporta a un viaje de emociones crudas, de recuerdos que se desvanecen y de un amor que, aunque perdido, sigue marcando huella.
La canción comienza con un ritmo suave, envolvente y nostálgico, que nos sumerge desde el primer acorde en una atmósfera de reflexión. La voz cálida de Shpresa Lleshaj, combinada con los suaves toques instrumentales de Cole Randall, crean una melodía que se siente íntima y sincera, como si estuviéramos siendo testigos de un momento muy personal.
La letra de «93» es, sin duda, uno de los aspectos más poderosos de la canción. Con versos como “you said we’ll find / each other in another life / but all you wanted was / Somebody Else”, el tema toca de manera directa la vulnerabilidad y la tristeza que surgen cuando el amor ya no es lo que solía ser. La canción refleja la aceptación de una realidad difícil de enfrentar: el amor se desvanece, las promesas se rompen, y el peso de la culpa y la duda queda en el aire.
La fusión de elementos de Bedroom Pop e Indie Pop en «93» produce una sensación de calma, pero al mismo tiempo nos arrastra a una montaña rusa de emociones que nos conecta con nuestro propio pasado y nuestras propias vivencias de amor y pérdida. Con estribillos pegajosos y un ritmo que se queda grabado en la memoria, «93» tiene ese algo especial que hace que quieras escucharlo una y otra vez, sin que pierda su poder emocional en cada repetición.
Kings Elliot nacida en Suiza y radicada en Londres, su música refleja la amalgama de su vida multicultural, sus experiencias personales y su profundo amor por la música. Con una voz que va desde lo suave y etéreo hasta lo crudo y desgarrador, Kings Elliot toca temas como el amor, la pérdida y la introspección.
Su último sencillo, Starcrossed, lanzado en marzo de 2025, fusiona lo moderno con lo retro, la canción, una balada teatral cargada de emoción, cuenta la historia de un amor que nunca tuvo futuro, una relación destinada al fracaso desde el principio.
Desde su primer lanzamiento, I’m Getting Tired of Me en 2020, Kings Elliot ha cautivado con su habilidad para explorar la vulnerabilidad humana. Luchadora contra la ansiedad y el trastorno de personalidad límite, su música se ha convertido en una forma de catarsis para enfrentar sus propios miedos y sentimientos más oscuros.
En Starcrossed, por ejemplo, captura la tristeza y la inevitabilidad de una despedida, pero también la belleza agridulce de ese amor que, aunque destinado a fracasar, deja una marca imborrable en quien lo vive, la influencia del pop de los años 50 es evidente, pero no se queda ahí. La canción es un perfecto ejemplo de cómo la artista toma los ecos del pasado para crear algo nuevo y fresco.
Si aún no has escuchado su música, no hay mejor momento para hacerlo. Desde I’m Getting Tired of Me hasta el reciente Starcrossed, Kings Elliot ha demostrado que es una artista con una propuesta única y con un futuro brillante por delante. ¡No te pierdas la oportunidad de conocerla y seguir su evolución!
Desde Los Ángeles, Soft Siren emerge en el panorama del dream pop y shoegaze. Formado por los talentos de Sidewalks and Skeletons y CASHFORGOLD, este proyecto fusiona lo etéreo y lo ruidoso, llevando la nostalgia de los años 90 a un territorio contemporáneo, oscuro y sorprendentemente único.
La música de Soft Siren es un viaje sensorial que mezcla la delicadeza del dream pop con la intensidad del shoegaze, incorporando también toques de psicodelia y elementos del rock alternativo. Influenciados por bandas míticas como Cocteau Twins, Mazzy Star y la nostalgia de Lana del Rey, su sonido se caracteriza por un equilibrio perfecto entre lo onírico y lo poderoso. Cada acorde de guitarra parece sumergir al oyente en un océano de ecos expansivos, mientras que las voces etéreas y casi angelicales fluyen a través de capas de ruido y reverberación, creando una atmósfera de ensueño que es, al mismo tiempo, profunda y envolvente.
Su más reciente sencillo, “Dethereal”, abre con una suavidad que rápidamente se transforma en una ola de guitarras densas y potentes, acompañadas de una batería lo-fi que le da una textura especial. Es un tema que evoca la estética del shoegaze de los 90, pero con un giro moderno que roza el post-metal, sumergiendo al oyente en un paisaje sonoro donde las distorsiones y las atmósferas se entrelazan con la poesía de las letras.
La letra de “Dethereal”, con imágenes como “rosas de plástico en la marea”, captura la esencia del amor perdido y la melancolía. Es una reflexión sobre el desgaste emocional y la nostalgia, un tema recurrente en la música de Soft Siren. La banda no solo rinde homenaje a las grandes figuras del shoegaze, sino que también le da su propio giro, fusionando lo antiguo con lo moderno de manera sublime.
Aunque Soft Siren no está reinventando el género, su habilidad para mezclar influencias clásicas con elementos contemporáneos les permite ofrecer una propuesta refrescante. La combinación de la nostalgia por el pasado y la incursión en sonidos más oscuros y experimentales mantiene a la banda a la vanguardia del shoegaze y el rock alternativo.
Kat Marcella es una cantante y compositora indie alternativa originaria de Queens, Nueva York, y actualmente radicada en Brooklyn. Conocida por su lírica y su voz soul, mezcla la vulnerabilidad con una sonoridad cautivadora la ha convertido en una de las artistas emergentes más interesantes de la escena musical indie.
La música de Kat Marcella explora los altibajos de la vida, especialmente a través del prisma del amor. En sus canciones, se percibe una introspección única sobre los matices de las relaciones humanas: desde la belleza del enamoramiento hasta las cicatrices del desamor. La artista tiene la capacidad de conectar con su público mediante letras que abordan la intimidad, el dolor y la esperanza, siempre con una sinceridad que la hace accesible y cercana.
Su próximo EP, Love Makes Me Cry, es un reflejo de su evolución como artista. Este trabajo promete ser una exploración profunda de las emociones que surgen del amor: su belleza, su capacidad de transformar y, por supuesto, su lado más doloroso. A través de su música, Kat nos invita a un viaje emocional donde cada canción revela una faceta distinta del amor y las pérdidas que, inevitablemente, lo acompañan.
“Fck Closure”* es la segunda canción que adelanta su esperado EP Love Makes Me Cry, que se lanzará más adelante en la primavera. Este tema es un himno catártico de ruptura y liberación, que refleja la experiencia personal de Kat sobre la pérdida, las expectativas no cumplidas y la dolorosa realización de que, a veces, el cierre no llega.
La canción presenta una mezcla agridulce de guitarras melancólicas y sintetizadores groovies que invitan a moverse al ritmo, a pesar de la carga emocional del tema que aborda. “Escribí esta canción después de darme cuenta de que tal vez nunca recibiría las explicaciones que sentía que merecía de ciertas personas en mi vida”, explica Kat. “Es el tipo de desamor donde sabes que no vas a obtener el cierre que pensabas necesitar, y tienes que encontrar una manera de soltar y seguir adelante sin él. Es un recordatorio de que a veces está bien decir, ‘F*ck it.’”
Forgotten Garden es una banda de indie rock que ha logrado cautivar a su audiencia con una propuesta sonora única, fusionando elementos de post-punk, dream pop y una pizca de folk. Formada por la cantante Inês Rebelo y el multiinstrumentista Danny Elliott, esta banda de origen escocés-portugués lleva desde 2019 explorando las emociones más profundas y oscuras a través de sus canciones, abordando temas como el amor perdido, el dolor de las rupturas y las cicatrices dejadas por el paso del tiempo.
Inês vive en Portugal, mientras que Danny reside en el norte de Escocia, lo que da una dimensión única al proceso creativo de la banda, ya que han tenido que superar la distancia física para desarrollar una conexión musical profunda. A pesar de vivir en diferentes países, su colaboración ha dado como resultado una propuesta sonora que se siente tanto personal como universal.
La música de Forgotten Garden está influenciada por algunas de las bandas más emblemáticas del post-punk, como The Cure, Joy Division y The Smiths, pero también tiene un giro más contemporáneo gracias a sus incursiones en el dream pop y la música alternativa. Las composiciones de Danny, cargadas de sintetizadores oscuros, guitarras melódicas y líneas de bajo envolventes, crean un ambiente íntimo y a menudo melancólico que complementa perfectamente la voz de Inês.
Inês Rebelo es el alma vocal de Forgotten Garden, y su capacidad para transmitir emoción a través de su voz es una de las características más destacadas de la banda. Su estilo vocal, que ha sido comparado con artistas como Florence Welch, Lana Del Rey, Chelsea Wolfe y Weyes Blood, tiene una versatilidad impresionante. Puede pasar de ser etérea y delicada a poderosa y desgarradora, lo que le da a cada tema un matiz emocional profundo.
En canciones como Five Minutes, el contraste entre los sonidos oscuros de la instrumentación y la voz melancólica de Inês crea una atmósfera única. El tema, que habla de una relación que lentamente se desvanece, ha sido descrito como “sueño encantado” y “único” por críticos como Existential Magazine. La evocadora voz de Inês sobre una base instrumental orgánica y cautivadora deja una sensación de nostalgia y tristeza que es difícil de ignorar.
A lo largo de su carrera, Forgotten Garden ha lanzado varios sencillos y EPs que exploran temas de pérdida, angustia emocional y la fugacidad de las relaciones. Su primer EP, Broken Pieces (2020), marcó el inicio de su carrera con un enfoque en las rupturas sentimentales. Posteriormente, lanzaron el sencillo “Jessica” y la oscura canción navideña Christmas Time, que explora el dolor de los recuerdos tristes que resurgen en épocas festivas.
Sin embargo, fue con su segundo EP, In Memoriam (2024), cuando la banda realmente profundizó en temas de duelo y pérdida. Los cuatro temas del EP están basados en las emociones que surgen ante la muerte, el luto y el vacío dejado por aquellos que ya no están. La crítica ha elogiado este trabajo, destacando la fragilidad y belleza transitoria de las composiciones.
Maria Mortiz con tan solo 26 años, esta cantante y compositora mexicana ha logrado destacarse por su capacidad para fusionar elementos del pop moderno con ritmos latinos tradicionales, creando un sonido que ha cautivado a su audiencia. Nacida y criada en la Ciudad de México, Maria comenzó a ser conocida en 2014 con un video viral titulado Pinches Holandeses, el cual la posicionó como una figura fresca y con una propuesta genuina dentro del panorama musical. Sin embargo, su carrera dio un giro aún más significativo en 2021, cuando firmó con el sello independiente Anchor Music Company y comenzó su relación profesional con el productor Rob Jimenez.
Su debut musical, el álbum Déjame Preguntarte, es un claro reflejo de su evolución como artista. Con un enfoque en la narrativa personal, Maria no solo se presenta como cantante, sino también como una narradora que logra transmitir sus emociones y vivencias a través de cada nota y palabra. Las canciones del álbum exploran temas universales como el amor, la pérdida y la autodescubrimiento, invitando al oyente a adentrarse en su mundo interior.
La producción de Déjame Preguntarte estuvo a cargo de Rob Jimenez, un productor mexicano-estadounidense conocido por su trabajo con artistas de renombre. Además, la colaboración con Leandro Alvarez, un productor argentino ganador de dos premios Grammy, le dio al álbum una sonoridad refinada y profesional. El disco fue grabado en los estudios La Bestia y Estudio 13 en la Ciudad de México, y fue mezclado por Rob Jimenez en Los Angeles, California, en los estudios Orangewood. La combinación de estos talentos y lugares resultó en un producto de calidad excepcional, lo que permite que la voz de Maria y sus letras resuenen de manera profunda y clara.
El Track x Track de Déjame Preguntarte
Asi
Abriendo el disco, “Asi” nos cautiva con un sonido inspirado en el sonido latino como el bolero e instrumentos de madera, la voz de Maria, toma un protagonismo sobrio e hipnotizador, mientras las claves nos transportan a una atmosfera
Bonita
El disco continua y nos va presentando como elementos recurrentes este estilo de percusion latina contrastada con la voz joven de Mortiz que le da un aire de frescura al estilo a la vez que mantiene las raices de donde se inspira la cantante Méxicana. Con una letra muy bien trabajada logra atrapar al otyente en una sensación casual a la vez que nos presenta toda una herencia de generos y sonidos de antaño, que nos podrian recordar a artistas como Natalia Lafourcade o Daniel, Me Estas Matando.
Vampiro
Si bien el titulo en primera instancia nos llama la atención por el contraste del sonido latino con el termino “Vampiro”, la cantautora nos sorprende tomando esta figura mitica y anglosajona como una metafora de un ser amado qyue le ha robado todo, combinando este sonido recurrente del disco y un vidoe sumamente atrapante, la propuesta cada vez se ve mas solida en como va pasando cada track del disco.
Te vas
Una de las canciones más destacadas del álbum es Te Vas, una pieza que fusiona el alt pop con toques de bolero moderno. Con una estructura que resalta la combinación entre el piano y la voz de Maria, la canción se distingue por su enfoque minimalista, donde la suavidad de la batería y los detalles de percusión añaden una atmósfera emotiva. Te Vas captura la urgencia y el deseo en un enamoramiento apasionado, donde el protagonista se ve impulsado a vivir el momento sin pensar en las consecuencias. La letra transmite ese anhelo de estar cerca de alguien especial, creando una experiencia auditiva que toca el corazón de quienes la escuchan.
Contracorriente
Llegando a la mitad del disco “Contracorriente” se va por un camino un poco separado de los tracks anteriores, inspirado mas en genero como el Pop y el Folk, esta balada con Ukelele nos transporta a una lucha de amor, que funciona muy bien como un ligero respiro de aire fresco en el disco.
Quiero Saber
Quiero saber nos lleva al sabor de un ritmo mas tropical, mientras la constante de historias de desamor se vulve un sello distintivo de Maria Mortiz, manteniendo elementos sonoros de tracks anteriores la pista se vuelve una pista de baile que nos llevan a sonidos de artistas contemporaneos de Maria como Valeria Jasso.
Tortuga
Tortuga va entrando en la recta final del disco, con elementos de cierta manera mas “crudos” la canción nos sumergen en una vibra tropical a ritmo lento, que se disfruta y goza, la ejecución vocal esta muy bien llevada y demuestra la sensibilidad para interpretar historias personales hasta este tipo de historias mas eclecticas.
Brujo
Despues de varios tracks del disco, brujo continua esta linea “tropical” del albúm, teniendo ritmos bailables, maderas y una voz emotiva que nos llevan a historias personales, quizas a este punto para cerrar el disco nos hubiera gustado precindir de alguno de estos tracks bailables para darle un cierre mas diferente, sin mebagro como canción funciona muy bien y hasta ahora estas dos verticales de lo tropical y bolero conforman una propuesta muy solida por parte de Maria.
Quieres Tanto
Justo lo que veniamos buscando, “Quieres Tanto” salta de la vibra tropical a un sensación mas emotiva y que nos recuerda a piezas como “Cancion Mixteca”, que nos recuerdan la mexicanidad de la artista asi mismo la inspiración de toda una epoca dorada con cantantes como COnsuelito Vasquez.
Sirena y el Pescador
Cerrando el disco Maria nos presenta Sirena y el Pescador, retomando el bolero y elementos como las cuertas de nailon la canción nos cuenta una historia inspirada en estas dos figuras, un amor casi imposible con un ritmo bailable y emotivo.
Maria Mortiz ha logrado construir una identidad musical muy auténtica y propia. Cada canción que lanza es un reflejo de su alma, a través de su talento como compositora, ha logrado construir un repertorio que no solo atrae a quienes buscan música fresca y moderna, sino también a aquellos que disfrutan de una rica tradición musical latina.
El futuro de Maria Mortiz en la música latina parece ser prometedor. Con su habilidad para mezclar lo moderno y lo tradicional, así como su capacidad para crear melodías memorables y letras introspectivas, es probable que siga ganando terreno en la escena internacional. Si algo queda claro, es que Maria Mortiz es una de las artistas más destacadas de la nueva generación de música latina, y su lugar en la industria solo está comenzando.
Tora Luna es mucho más que una banda: es un colectivo compuesto por compositores, artistas, intérpretes y arreglistas, que se han unido para explorar nuevos horizontes dentro de la música indie. Nacido en el corazón de la campiña de Wiltshire, este colectivo ha logrado atraer la atención por su estilo único, que fusiona elementos del soul clásico con la energía cruda del indie contemporáneo. Con miembros clave como Alex Broadgate, Dominic Johnson, Joshua Kime y Ellie Parker, Tora Luna se distingue por su enfoque colaborativo, permitiendo que cada músico aporte su propio sello en cada proyecto.
El segundo sencillo de Tora Luna, Why Wouldn’t You Say So?, lanzado el 14 de febrero de 2025, es un claro reflejo de su enfoque innovador. Esta canción marca una nueva etapa en su carrera, mostrando una evolución en su sonido y explorando dinámicas emocionales profundas a través de la música. En ella, el dúo principal formado por Broadgate y Johnson se une a la talentosa vocalista invitada Deslynn Smith para dar vida a una pieza cargada de tensión emocional y arreglos musicales cuidadosamente elaborados.
El tema se caracteriza por un intercambio vocal entre Smith y Johnson, que representa la lucha interna de las relaciones no expresadas. Con una clara influencia de las armonías soul de Motown, pero sin perder la frescura y modernidad del indie, Why Wouldn’t You Say So? captura el momento exacto de esa frustración que surge cuando las palabras no se dicen, pero el sentimiento está presente. La canción se grabó en un estudio convertido en granero en la campiña, lo que aportó un toque íntimo y auténtico al proceso de grabación, destacando la atmósfera natural y la interacción en vivo entre los músicos.
El proceso de grabación, además, se aleja de las técnicas convencionales. En lugar de utilizar un “click-track” para seguir el ritmo, el grupo optó por grabar de manera más orgánica, lo que permitió que la canción tuviera una fluidez y una sensación más natural. Como explica Ellie Parker, “jugar sin un click-track hizo que el ambiente fuera mucho más relajado y, al final, el tema adquirió un tono más conversacional.”
La canción también cuenta con la participación de músicos invitados como Chloë Meade, cuyo violín aporta una melodía melancólica que se entrelaza con la vocalización poderosa de Smith y Johnson, además del saxofón de Edward Cross y la batería intuitiva de Gus White. Este enfoque multidimensional crea una rica capa sonora que transporta al oyente a una experiencia emocional completa.
