El cantautor británico Christian Alexander presenta “You”, un sencillo que marca una nueva etapa en su regreso a los sonidos caseros y minimalistas con los que inició su carrera. Tras proyectos más ambiciosos y colaboraciones de alto perfil, Alexander vuelve a su esencia: una producción íntima, grabada con espíritu artesanal y centrada en la emoción más que en el artificio. El resultado es una pieza de indie-folk lo-fi que recupera el encanto vulnerable de sus primeras entregas, a la vez que dibuja el horizonte sonoro de su próximo lanzamiento previsto para 2026.
Musicalmente, “You” se construye desde guitarras acústicas ásperas y cercanas, que establecen de inmediato una atmósfera cálida y nostálgica. Sobre ellas se despliegan melodías superpuestas, sintes granulados con textura analógica y una línea de bajo suave que aporta equilibrio. En la segunda mitad, la incorporación de una caja rápida y arreglos de vientos añade un crescendo sutil que evita el dramatismo, optando por una emoción contenida y elegante. El resultado recuerda tanto al carácter orgánico de The Whitest Boy Alive como al toque folk íntimo de Sufjan Stevens, sin perder la identidad propia del artista.
En cuanto a la letra, Alexander elige el camino de la simplicidad: un verso y un estribillo que hablan de un enamoramiento delicado, casi tímido, donde la repetición de “I fall for you” funciona más como un motivo emocional que como un mensaje narrativo. Esta economía de palabras refuerza el enfoque contemplativo del tema, que prioriza la sensación y el ambiente por encima del relato explícito.
Con “You”, Christian Alexander demuestra que no hace falta recurrir a una producción grandilocuente para generar cercanía. La canción se siente honesta, directa y cuidadosamente imperfecta, una invitación a detenerse un momento y dejarse envolver por un sonido que respira humanidad. Para sus seguidores y para quienes buscan un indie-folk íntimo, con alma y textura, este sencillo es un prometedor adelanto de lo que vendrá en su nueva etapa creativa.
El artista indie-alt folk de Los Ángeles, Wintur, nos invita a un viaje emocional con su nuevo sencillo “turn a page”, un himno íntimo sobre amores que regresan como fantasmas del pasado. La canción captura ese momento de tentación y reconocimiento: cuando alguien que creías haber dejado atrás vuelve a tu vida y casi logras creer que ha cambiado… hasta que recuerdas por qué te fuiste.
Entre pianos etéreos, guitarras que respiran y delicadas pinceladas de vientos, Wintur construye un universo sonoro donde la melancolía y la ternura coexisten. Cada nota parece arrancada de un diario secreto, y cada suspiro en la canción nos recuerda la fragilidad de los sentimientos y la fuerza silenciosa que se necesita para decir “ya no escribiré otra canción triste sobre ti”.
Influenciado por Billie Eilish, Conan Gray y Sombr, Wintur transforma la vulnerabilidad en belleza sonora, creando un paisaje emocional donde el oyente se pierde y se encuentra a la vez. “turn a page” es un pequeño refugio de honestidad, un susurro que invita a cerrar capítulos con gracia y abrir nuevos horizontes sin miedo.
La banda estadounidense Livingmore, originaria de Los Ángeles, regresa con un tema que encapsula su sensibilidad indie rock y power pop: “Away Away Away”. Formada en 2014 por Alex y Spencer, la banda se dio a conocer por su química musical instantánea y por performances virales como la de “Little Bird”, que cimentaron su presencia en la escena independiente estadounidense. Desde entonces, Livingmore ha ido construyendo un sonido fresco y envolvente, combinando elementos de indie rock, pop rock y toques nostálgicos que remiten tanto a la energía de los 90 como a las texturas contemporáneas.
“Away Away Away” representa un himno a la escapatoria emocional y a la búsqueda de autenticidad. La canción invita a dejar atrás el peso del pasado, las rutinas opresivas y cualquier carga que impida respirar con libertad. Musicalmente, combina guitarras brillantes, ritmos ágiles y melodías pegadizas, creando un paisaje sonoro luminoso y lleno de movimiento. La voz de Livingmore guía al oyente a través de un recorrido que equilibra energía y delicadeza, transmitiendo una sensación de liberación y reflexión al mismo tiempo.
Este nuevo sencillo refleja la madurez de la banda, que logra conjugar la nostalgia con la innovación sin perder su esencia. “Away Away Away” no solo es una invitación a desconectarse temporalmente de la realidad, sino también un recordatorio de que a veces desaparecer un poco del mundo puede ser la manera más elegante de reencontrarse con uno mismo. Con esta entrega, Livingmore reafirma su lugar como una de las propuestas más vibrantes y consistentes del indie contemporáneo, ofreciendo un sonido que es a la vez pegadizo, emotivo y liberador.
Braison Cyrus, cantautor y productor estadounidense, es una de las voces más interesantes del folk moderno y el country alternativo, destacándose por su sensibilidad y su capacidad para crear canciones personales. Criado en una familia musical, Braison decidió forjar su propio camino, primero escribiendo y produciendo para otros artistas, como Noah Cyrus y Fleet Foxes, antes de lanzarse como solista.
Su carrera como artista independiente comenzó en 2018 con el sencillo “I’ll Never Leave You”, y en 2021 lanzó su primer álbum Javelina, aclamado por la crítica como un debut sorprendentemente brillante, que combinaba psicodelia folk con narrativas íntimas y emotivas.
En 2025, Braison Cyrus presenta “Know This”, su esperado sencillo en colaboración con su hermana, la superestrella Miley Cyrus, marcando la primera vez que ambos artistas unen sus voces en una balada de inspiración sureña y tono indie-country. Escrita junto a Jordan Lindley y co-producida con Ryan Rasmussen, la canción combina instrumentación orgánica, armonías cálidas y un estilo narrativo que refleja la autenticidad de Braison como compositor y productor. La colaboración no solo resalta la química familiar, sino que también evidencia su capacidad de crear un sonido propio, lejos de la sombra de su apellido célebre.
Este sencillo es el tercer adelanto de su próximo álbum, el primero desde Javelina, previsto para 2026. El disco promete ser un proyecto audaz y personal, con múltiples colaboradores sorpresa y un enfoque arraigado en la narrativa musical, consolidando a Braison Cyrus como un artista que combina raíces sureñas con sensibilidad contemporánea, ofreciendo canciones que son a la vez cinematográficas, íntimas y profundamente humanas.
Con una sensibilidad poco común y un enfoque artístico en plena evolución, Ruti (they/them) se va consolidado como una de las voces prometedoras dentro de la escena alternativa del Reino Unido. Desde sus primeros lanzamientos, su música ha destacado por un equilibrio casi mágico entre intimidad, experimentación y una honestidad emocional que atraviesa al oyente sin esfuerzo. Ahora, con su segundo EP Maybe I Got It Wrong, Ruti entra en una nueva etapa creativa que no solo expande su sonido, sino que reafirma su identidad artística con más claridad que nunca.
Descrito por ellxs mismxs como “lo más yo que he sido”, este EP funciona como una radiografía emocional: siete temas que exploran el sentido de pertenencia, la familia, las raíces y los miedos que moldean la identidad. Ruti combina elementos de lo-fi, folk, alt-pop y delicadas pinceladas electrónicas, creando un universo sonoro cálido y envolvente donde cada canción opera como una página de un diario personal.
Entre estos temas, “Monster” emerge como una de las piezas más poderosas del proyecto. La canción es un retrato honesto del conflicto interno que surge cuando el amor se vuelve irreconocible y se tiñe de sombras. Con una producción que mezcla guitarras suaves, texturas misteriosas y un ritmo sutilmente flamenco, “Monster” construye una atmósfera frágil pero intensa, donde la voz de Ruti—atemporal y profundamente emotiva—se convierte en el centro absoluto de la narrativa. Es un canto a mirarse de frente, aceptar la propia oscuridad y transformarla en algo luminoso.
El enfoque artístico de Ruti combina la calidez melódica de influencias como Laura Mvula y Labi Siffre, con la estética minimalista del bedroom pop y la experimentación del alt-pop moderno. Este mestizaje crea un lenguaje musical propio, íntimo pero expansivo, donde cada detalle tiene intención: desde las armonías vocales hasta el peso casi cinematográfico del silencio.
Con Maybe I Got It Wrong, Ruti ofrece una obra profundamente humana, perfecta para las temporadas frías en las que buscamos música que cobije, conecte y acompañe. Su evolución artística demuestra que están construyendo una carrera sólida, guiada por la introspección, la vulnerabilidad y una visión sonora que no teme abrir nuevos caminos.
La cantante y compositora indie-pop Sidney anuncia su EP debut what if it ends?junto con el lanzamiento del sencillo homónimo. La artista se sumerge en la fragilidad del amor, el miedo a los finales y la resiliencia personal, ofreciendo un viaje musical íntimo y honesto que conecta con las emociones universales de sus oyentes.
Tras haber alcanzado notoriedad internacional como cantante de bodas, Sidney decidió volcar su talento en historias propias después de una ruptura significativa con su prometido, transformando el dolor en creatividad. “Este EP está construido alrededor de una pregunta: ¿y si termina? La he preguntado de muchas maneras distintas, y cada canción refleja esa tensión entre aferrarse y dejar ir, entre esperanza y miedo”, comparte la artista.
El sencillo what if it ends? combina producción indie-pop luminosa con su voz cálida y confesional, explorando cómo las relaciones pueden parecer perfectas por fuera mientras generan incertidumbre por dentro. Temas anteriores, como Golden Boy, se integran en este proyecto, ofreciendo meditaciones sobre la negación, la devoción y la aceptación emocional. A través de siete pistas, el EP recorre un arco que va de la confusión y el apego hasta la claridad y la autoaceptación, consolidando la capacidad de Sidney para narrar experiencias profundas con autenticidad y cercanía.
Sidney ha construido una sólida base de seguidores internacionales gracias a sus virales covers en TikTok e Instagram y sus presentaciones en vivo junto a artistas como Angus & Julia Stone y Mia Wray. Con what if it ends?, la artista redefine su historia, ofreciendo un sonido indie-pop cargado de vulnerabilidad y fuerza que invita a los oyentes a reflexionar sobre el amor, la pérdida y los nuevos comienzos.
El EP promete ser un punto de conexión para todos aquellos que han amado profundamente, enfrentado rupturas y encontrado la manera de seguir adelante, recordando que incluso los finales pueden ser el inicio de algo nuevo.
Stinkus emerge como una bocanada de aire fresco para el productor y compositor Tyler Thompson, el nombre Stinkus surgió de una broma personal, un apodo que evolucionó de “Tink” a “Tinkus” hasta convertirse en el alias con el que Tyler decidió firmar su obra más auténtica. “Quería algo que no sonara serio, algo que me recordara que esto debía ser divertido”, comenta.
Tras años en el mundo del pop y la producción comercial, Thompson atravesó una ruptura que lo empujó a reinventarse. Así nació 23, su álbum debut, un trabajo visceral y profundamente introspectivo que explora la pérdida, la ansiedad y la libertad emocional con una mezcla de grunge, dream pop y lo-fi.
Grabado en solitario, el disco se siente como un diario abierto, lleno de texturas imperfectas y momentos de pura vulnerabilidad. La prensa lo describió como “una obra cálida, liberadora y sorprendentemente relevante”, destacando su capacidad para convertir el caos interno en algo luminoso.
Para su siguiente etapa, Stinkus decidió aislarse en una cabaña en el norte de Michigan, donde durante dos semanas grabó su nuevo material, incluyendo los sencillos “Holy Virgin” y “Plastic Blue.” En ese entorno silencioso, entre frío, árboles y equipos análogos, encontró el espacio perfecto para seguir experimentando con sonidos y estados de ánimo.
Influenciado por artistas como Alex G, Pinegrove y MJ Lenderman, Stinkus crea un universo sonoro donde las guitarras desafinadas, los coros saturados y los arreglos inesperados conviven con una sensibilidad melódica casi pop. El resultado es una música que suena íntima pero expansiva, imperfecta pero llena de verdad.
“Soy bipolar y tengo TOC, así que mi gusto cambia constantemente”, dice Tyler. “Pero grabar todo en el mismo lugar hace que, aunque las canciones sean distintas, se sientan conectadas. Son distintos estados de ánimo, pero el mismo yo.”
El Track x Track de “I love you, trackstar”
1. “Plastic Blue”
Este arranque abre el álbum con energía ansiosa y una mezcla ecléctica que combina bedroom-pop, indie electrónico y una vibra casi caótica de grunge suave. Desde la primera línea “painting my nails the colour of recycling bin” se percibe la ironía y el detalle cotidiano elevado a metáfora. La producción, realizada en la cabaña de Michigan, aprovecha el entorno aislado para dar una textura cruda pero pulida al mismo tiempo: guitarras que crujen, sintetizadores que emergen como ráfagas, coros que se elevan a un clímax casi frenético. En el álbum sirve como declaración de intenciones: Stinkus no teme mezclar lo íntimo con lo épico, a la vez que nos sorprende por la evolución del sonido del proyecto respecto a su anterior disco.
2. “Falling in Love” ft. Ocean LeClair
La colaboración con Ocean LeClair introduce una dinámica distinta: aquí hay apertura, vulnerabilidad y melodía más clara. La voz invitada aporta un contrapunto al tono algo nervioso de Stinkus, permitiendo que la canción respire y se extienda en direcciones soñadoras. La letra explora el tropiezo de enamorarse mientras uno se debate con sus propias dudas y patrones: ese momento de desprenderse de defensas, dejar que alguien entre, pero sin perder el pulso de uno mismo. Sonoramente, se equilibra entre sintetizadores suaves y guitarras ligeras, apuntaladas por un ritmo que avanza con determinación sin renunciar a momentos de pausa reflexiva. En el contexto del disco aparece como el primer gran “respiro” emocional tras la euforia de “Plastic Blue”.
3. “Only When It Comes to You, I Guess”
Con un título que suena casi confesional, esta pista profundiza en el territorio de la auto-observación: ¿Cuándo realmente entregas tu corazón? ¿Solo cuando la circunstancia lo exige? al final sugiere duda, vacilación. La música acompaña ese estado con acordes que se deslizan lentos, una atmósfera ligeramente etérea, y un tempo algo más moderado que las canciones anteriores completamente sumergido en el Bedroom Pop. Las guitarras pueden sonar un tanto distantes, los planos vocales cercanos, generando intimidad. En el álbum funciona como el puente entre la emoción externa y la introspección, un momento para mirar hacia dentro, ponderar lo que se siente y lo que se dice.
4. “Casino”
“Casino” con una base rítmica más marcada, un pulso que poco a poco va explotando, los sonidos de los platillos y elementos acusticos marcas esta sensación organica que nos encanta. En esta canción Stinkus parece hablar de relaciones, expectativas y pérdidas. La producción mantiene esa estética cruda-refinada: un poco de distorsión, un poco de clara melodía pop, y un ambiente que sugiere salir al filo.
5. “Curiously Intent, (Underdog)”
Este título sugiere curiosidad y propósito, mezcla rara que implica observar y actuar al mismo tiempo. La pista se sumerge en ese deseo de entender al otro o entenderse a uno mismo, sonoramente Stinkus nos sumerge en capas de guitarras acusticas y un ambiente ligeramente reverberado, quizás momentos instrumentales que se extienden. En el marco del álbum, “Curiously Intent” puede servir como el momento de transición medio, donde la energía alta baja un poco para dar paso a una exploración más intensa, preparando el terreno para las canciones que siguen.
6. “I Love You Trackstar”
El tema que le da nombre al álbum representa probablemente el núcleo conceptual de la obra. Un “trackstar” podría referirse a alguien que navega por pistas (musicales, emocionales), que corre, que brilla, quizá alguien que arriesga. “I Love You Trackstar” suena como declaración, como reconocimiento a ese tipo de persona o a ese impulso interno. La canción juega con nuevos elementos, como los son sintetizadores super brillantes, voces procesadas con capas de filtros y una sensación pop que nos encanta. Aquí Stinkus une su deseo de libertad creativa con la emoción cruda del amor, de bien o mal, de arriesgarse. En el álbum aparece en un lugar estratégico: después de haber explorado distintas facetas, este es el momento de reunirlas y presentarlas en un solo pulso.
7. “Still (Interlude)”
El interludio funciona como pausa, como respiro. Tras la canción título, esta pieza nos da remembranza a un sonido lleno de guitarras, con arreglos que facilmente pudiecen venir en el clasico album de American Footbol. La canción sirve para conectar la primera mitad del álbum con la segunda, recalibrar la atención y preparar el terreno para los temas que vendrán.
8. “Holy Virgin”
Uno de los sencillos destacados del álbum: mezcla de dream pop con indie rock, inspiración de sus paseos por el vecindario mientras caminaba al perro, y la sensación de observar la vida cotidiana con ojos emocionales. La canción combina melodía luminosa con letras que tocan lo introspectivo: reflexionar sobre la inocencia o el renacer (“virgin” en el sentido simbólico), sobre la pureza de la experiencia antes de los filtros. Musicalmente, se apoya en sintetizadores, guitarras limpias, quizá coros etéreos. En el flujo del álbum, “Holy Virgin” representa la parte más accesible, quizá la más “hit-potencial”, pero sin perder la autenticidad que define a Stinkus.
9. “Bleeding Orange”
El título sugiere vulnerabilidad (bleeding) y al mismo tiempo un color que puede evocar atardeceres, calor, emoción. Esta canción nos lleva a un memoemnto de nostalgia, entre guitarras acusticas y esta doble voices que nos encanta del artista, con melodias agiles y una letra que poco a poco va pasando de lo nostalgico e intimo a una explosión de energia con un coro super pegajoso pero con la sensibilidad de un atardecer.
10. “Take That What You Want” ft. Lophiile
La colaboración con Lophiile trae otro color al álbum: un crossover entre el indie rock de Stinkus y las texturas electro urbanas de Lophiile. Musicalmente la canción nos sorprende con guitarras mas agresivas pero que son muy bien dijeridas en la canción y estilo de Stinkus, ofreciendo una expansión que ayuda a que el álbum no quede encerrado en un solo tono pero que tampoco pierde el sonido que venia construyendo. La letra sugiere permisividad (“toma lo que quieres”), quizá como un acto de liberación.
11. “Wide Eyed”
En este tramo del álbum, “Wide Eyed” enfoca la mirada hacia adelante, hacia lo que viene, quizá mezclando melancolía y esperanza. Sonoramente un tono mas sereno, el rasgeo de guitarras atmosféricas, voces suaves, y un pulso rítmico mas tranquilamente moderado, la canción representa el “amanecer” tras la tormenta: ves el mundo de nuevo, ojos abiertos.
12. “Coming to an End”
Llega el arco de cierre del disco la canción nos presenta riffs arriesgados, que van de los distorsionado a lo suave de una manera muy llevadera, los golpes de bateria marcan un groove interesante, mientras la voz toma un tona mas relajado y hablado, que le da su propia personalidad a la canción, para el final de la canción los ostinatos vocales y ell aumento en el BPM dan una sensación de crecimiento muy interesante.
13. “Maggie My Dog”
Con una guitarra que nos remonta a los iconos del Pop Punk de los dos mil, “Maggie My Dog” nos da un tono irreverente y divertido, una canción que, por el título, suena menor convencional, un momento de ternura, de pausa emocional, donde Stinkus rinde homenaje a una presencia fiel. En el álbum funciona como el gran respiro antes del cierre final, un gesto de humanidad, de humildad.
14. “The Oath”
La pieza final, “The Oath”, suena como compromiso, promesa, juramento. Un cierre poderoso pero sereno para el álbum: tras todo lo explorado, ansiedad, amor, juego, vulnerabilidad. Sonoramente, la canción recae en una balada acustica, con elementos vistos en el disco como las voces dobladas, un coro sumamente emocional, y un estilo de producción super consolidado.
Con I love you, trackstar en el horizonte, Stinkus no teme mostrar sus contradicciones. Su música es un reflejo del presente, donde la melancolía y la ironía pueden coexistir.
Ruti llega con una de las voces más singulares de la escena contemporánea, combinando influencias de folk, soul y música clásica, creando un estilo que es a la vez atemporal y moderno, capaz de capturar emociones con una sinceridad rara.
Su más reciente sencillo, See Through, marca un giro hacia un sonido más minimalista, donde las cuerdas delicadas y la producción sutil permiten que la voz de Ruti flote con toda su expresividad. La canción, primera muestra de su esperado segundo EP Maybe I Got It Wrong (lanzamiento el 7 de noviembre de 2025, muestra un equilibrio perfecto entre vulnerabilidad y fuerza, y confirma la madurez artística del cantante.
See Through no solo es un ejercicio de depuración sonora, sino también un reflejo de la personalidad de Ruti: introspectiva, poética y emocionalmente transparente. La canción se despliega como una nana contemporánea, donde cada respiración y cada nota parecen cuidadosamente medidas para transmitir un estado de ánimo más que una simple performance vocal.
Además de sus lanzamientos, Ruti celebra un hito importante en su carrera: será artista invitado de Bastille en Birmingham el 15 de noviembre, un momento de “circulo completo” para el artista, quien cita a la banda como una inspiración temprana. Este evento representa un reconocimiento a su talento y una oportunidad de conectar con un público más amplio, llevando su música y sensibilidad únicas a escenarios más grandes.
El dúo canadiense TRAITRS, originario de Toronto, ha consolidado su lugar en la escena global del post-punk y el cold wave con un sonido oscuro, cinematográfico y cargado de intensidad emocional. Desde sus inicios como artistas de dormitorio vendiendo cintas en pequeñas etiquetas, el grupo ha evolucionado hasta acumular millones de reproducciones en todo el mundo y llenar escenarios en múltiples continentes.
Su música combina baterías motorik, guitarras angulares y sintetizadores atmosféricos para construir paisajes sonoros que evocan un presente distópico, mientras rinden homenaje a los pioneros del post-punk y la cold wave. Cada lanzamiento de TRAITRS no solo refleja su habilidad para crear melodías inquietantes y pegajosas, sino también su compromiso con letras que exploran temas complejos como la fe ciega, la posesión y la alienación contemporánea.
Su más reciente sencillo, “Burn In Heaven”, lanzado el 26 de septiembre de 2025, ejemplifica su capacidad para fusionar fuerza sonora y narrativa. Inspirada en la trágica historia de Anneliese Michel, la canción combina ritmos poderosos, líneas de guitarra serradas y vocales desgarradoras que recuerdan la intensidad de Pornography de The Cure, ofreciendo una experiencia retro-futurista que es a la vez sacra y apocalíptica. Producida por Josh Korody y masterizada por Matt Colton, esta pista es el primer adelanto de su próximo álbum Possessor, previsto para principios de 2026.
Con su característico enfoque cinematográfico, su mezcla de oscuridad y energía bailable, y su compromiso con la narrativa y la atmósfera, TRAITRS sigue consolidándose como uno de los proyectos más audaces y esenciales del panorama alternativo actual.
La artista neoyorquina B.Miles es una de las propuestas más interesantes del alt-pop estadounidense, ofreciendo una música que combina sensibilidad emocional y exploración sonora con un estilo único. Tras su éxito con el sencillo “Salt”, que acumula más de 28 millones de streams en Spotify, y el álbum Different Pages, un proyecto que confronta las expectativas sociales sobre las mujeres en sus 20s y 30s, B.Miles regresa con “Five Alarm”.
Este sencillo el primer adelanto de su próximo disco Time Doesn’t Heal. It Hides.. El tema se sumerge en la intensidad de la atracción y la intimidad arriesgada, explorando el deseo y la vulnerabilidad con una mezcla de alt-pop, R&B y electrónica introspectiva. Letras como “You’re a five alarm I’d run into” reflejan la fascinación por relaciones intensas y peligrosas, mientras su voz profunda y seductora transmite cada matiz de emoción con precisión.
B.Miles centra su música en la autenticidad y la reflexión personal. Sus interpretaciones en vivo, acompañadas de su banda de colaboradores Eric Nizgretsky, Jackson Firlik, Matias Quarleri y Rob Seeley, consolidan su estilo potente y emocional, llevando a la audiencia a un recorrido por los altibajos de la intimidad y el autodescubrimiento.
“Five Alarm” adelanta una etapa más madura y experimental en la carrera de B.Miles, donde las emociones intensas y la producción atmosférica se combinan para ofrecer una experiencia auditiva envolvente. Con cada lanzamiento, B.Miles reafirma su lugar como una de las voces más originales y evocadoras del pop alternativo contemporáneo.
