Bending Grid es un músico y productor originario de Summerville, Carolina del Sur. Su propuesta artística se centra en los géneros Synthwave, Retrowave y Popwave, explorando estos estilos desde una perspectiva emotiva. Con una capacidad para contar historias a través de la música, Bending Grid ha sabido cautivar a su público mediante composiciones que combinan nostalgia, futurismo y una profunda carga emocional.
Con una fusión de sintetizadores brillantes, ritmos envolventes y melodías expresivas, ha demostrado una habilidad excepcional para equilibrar lo introspectivo con lo accesible, lo experimental con lo emocional. Sus producciones suelen evocar una sensación de viaje a través del tiempo, transportando a los oyentes a paisajes sonoros donde el pasado y el futuro se entrelazan en perfecta armonía.
Uno de los lanzamientos más recientes de Bending Grid es “Phoenix”, un sencillo que explora las dificultades económicas y la tensión geopolítica a través de una composición profundamente emotiva. La canción cuenta con la colaboración vocal de Anna Moore, cuya interpretación aporta una dimensión de vulnerabilidad y fortaleza. Con una instrumentación que oscila entre sintetizadores cristalinos y texturas sonoras crudas, “Phoenix” se convierte en una pieza que invita a la reflexión.
Además de su versión original, “Phoenix” también cuenta con una versión instrumental, que permite a los oyentes sumergirse en las capas sonoras y texturas de la pista. Esta versión evidencia el dominio de Bending Grid en la creación de atmósferas y emociones puramente a través de la música.
Bending Grid ha construido una discografía diversa, que incluye sencillos, remixes y colaboraciones con otros artistas dentro de la escena synthwave y popwave.
La música instrumental tiene el poder de evocar emociones sin necesidad de palabras, y Kopernico es un ejemplo de esta magia sonora. Originaria de Cancún, México, esta banda de dream pop rock instrumental ha logrado crear una identidad musical única, inspirada en el cosmos y la inmensidad del universo. Con un sonido misterioso y emotivo, Kopernico invita a embarcarse en un viaje a través del espacio.
Kopernico fue fundada por Esaú Barea, quien con su visión artística y talento musical comenzó a dar forma a un sonido que busca trascender los límites del lenguaje. Más tarde, se unirían Milton Ruiz en la guitarra y Mon Flowers en la batería, consolidando la esencia de la banda como un trío instrumental con un enfoque sonoro cinemático y evocador.
Desde sus inicios, Kopernico ha explorado distintos matices dentro del rock instrumental, fusionando elementos de dream pop, post-rock y ambient, creando paisajes sonoros que transportan al oyente a escenarios que van desde lo etéreo hasta lo energético y vibrante.
El 29 de noviembre de 2024, Kopernico lanzó su nuevo álbum titulado Hacia las Estrellas, en este disco, la banda combina la fuerza de la guitarra eléctrica con texturas envolventes de sintetizadores, beats electrónicos y percusiones cargadas de energía.
El álbum consta de 12 pistas que sumergen al oyente en una travesía musical sin palabras, donde la melancolía, la nostalgia, la felicidad y la esperanza se entrelazan en cada melodía. Hacia las Estrellas es un disco ideal para disfrutar en momentos de introspección, ya sea contemplando el cielo estrellado, explorando la naturaleza o simplemente dejando que la imaginación vuele.
Uno de los temas más destacados del álbum es «Artificial Love», el primer sencillo que introduce a los oyentes en la atmósfera del disco. Sobre esta canción, el medio Expansion Radial comentó:
“Kopernico logra capturar la dualidad del amor artificial: una mezcla de belleza y artificialidad, donde la perfección técnica se encuentra con la cruda realidad de las emociones humanas. Es una pieza que invita a la reflexión, a perderse en sus ritmos y melodías, y a encontrar un poco de uno mismo en su resonancia.”
Con Hacia las Estrellas, Kopernico ofrece una obra que es a la vez un refugio y un portal hacia lo desconocido. Para quienes buscan una experiencia sonora este álbum es algo que vale la pena explorar.
Noah Derksen es un artista con una carrera marcada por su talento como compositor, reconocido como Emerging Artist of the Year en los Canadian Folk Music Awards, Noah ha ganado rápidamente una reputación como “el compositor de los compositores”.
Originario de las vastas praderas de Canadá, Noah creció rodeado de la tranquilidad y belleza de la naturaleza, lo que, sin duda, influyó en su música introspectiva. Desde joven, mostró un interés por las letras y la poesía, y fue a los 19 años, después de presenciar el último concierto de Leonard Cohen en Winnipeg, cuando su vida dio un giro significativo. Aquel evento despertó en él la idea de cómo las palabras pueden tener un poder trascendental, sin importar el timbre de la voz, lo que lo impulsó a empezar a escribir sus propias canciones.
A lo largo de los años, Noah ha perfeccionado su arte a base de experiencia y reflexión, su estilo musical combina influencias del folk clásico con elementos modernos del indie y el rock, lo que le permite crear una sonoridad que, aunque contemporánea, mantiene una esencia atemporal.
Uno de sus trabajos más destacados es Sanctity of Silence (2023), un álbum que le valió una nominación como Songwriter of the Year en los Canadian Folk Music Awards. Este disco explora temas como el amor, la introspección y la conexión humana.
Ahora, Noah regresa con Stolen Serenades (febrero 2025), un álbum de versiones que rinde homenaje a aquellos artistas y canciones que han dejado una huella imborrable en su vida y su carrera. En Stolen Serenades, Derksen interpreta una selección de canciones que han marcado su camino como compositor, llevando al oyente a un viaje lleno de nostalgia y reflexión. Cada tema es una carta de amor a aquellos que lo inspiraron, una muestra de respeto y admiración por las figuras que han dado forma a la música de todos los tiempos.
En sus temas más recientes, como “If It Be Your Will”, una versión delicada y conmovedora de la famosa canción de Leonard Cohen, Noah logra transmitir una vulnerabilidad conmovedora. La instrumentación suave, combinada con su interpretación vocal apasionada, crea un ambiente casi mágico, invitando a la reflexión y la introspección.
Con su sensibilidad poética, su voz conmovedora y su habilidad para contar historias a través de la música, ha logrado ganarse un lugar en el corazón de muchos.
Originaria de Florida, Violet Jane comenzó su trayectoria en el mundo del modelaje, una industria donde brilló durante varios años. Sin embargo, su verdadera vocación siempre fue la música. En enero, tomó la decisión de mudarse a Los Ángeles para dedicarse completamente a su carrera artística, un salto de fe impulsado por su deseo de expresión genuina y sanación a través del arte.
Las canciones de Violet Jane son una extensión de su alma, inspiradas en sus propias vivencias. Como sobreviviente de traumas infantiles, enfermedades mentales y abuso, encontró en la música un refugio, un espacio donde su voz podía ser escuchada. Ahora, a través de su arte, busca ofrecer ese mismo sentido de conexión y consuelo a quienes han vivido experiencias similares.
Su estilo es una fusión ecléctica de indie, pop oscuro y ambiental, blues y elementos alternativos. Su sonido es hipnótico, melancólico y, al mismo tiempo, poderoso, logrando transmitir emociones con una honestidad conmovedora.
En “But Do I Wanna”, Violet explora las complejidades de una relación marcada por la confusión y la lucha por la identidad propia. Inspirada en su propia historia, la canción narra cómo su esposo la alentó a buscar una relación fuera del matrimonio, solo para luego retractarse cuando ella encontró felicidad. A través de sus letras, Violet Jane expresa la lucha interna entre cumplir las expectativas impuestas por otros y la necesidad de priorizar su propia felicidad.
El tema aborda cuestiones fundamentales como el amor propio, la autonomía y la búsqueda de identidad en medio de las presiones externas. Con una mezcla de vulnerabilidad y fortaleza, “But Do I Wanna” se convierte en un himno para quienes han sentido la necesidad de redescubrirse.
Su capacidad para transformar el dolor en arte y su valentía para compartir su historia la convierten en una artista digna de seguir de cerca. Mientras continúa explorando nuevos sonidos y experiencias, su música promete seguir siendo un refugio para quienes buscan consuelo, inspiración y autenticidad en cada acorde.-
Sam Koster es un artista multifacético de Australia, originario de Canberra, que ha forjado su propio camino en los mundos de la música, las artes visuales y el cine. Como músico autodidacta, productor y artista, Koster es conocido por abrazar la libertad en su trabajo.
El talento de Sam abarca múltiples disciplinas. Como multiinstrumentista y productor, canaliza su pasión por la música a través de una variedad de instrumentos, desde guitarras hasta herramientas de producción electrónica. Además de sus proyectos musicales, Sam también es un hábil artista visual y cineasta, creando proyectos que resuenan emocionalmente y exploran temas más profundos.
Bloom: Un EP Nacido en Laos
En su más reciente EP, Bloom. Sam nos comenta que el proyecto fue escrito, grabado y producido durante sus viajes por Laos, un período que influyó profundamente en el sonido y los temas del EP. Bloom es un reflejo de las experiencias, vistas y sonidos que Sam encontró durante su tiempo en el sudeste asiático. Su travesía por Laos le dio el espacio para reflexionar, innovar y crear un álbum que es tanto profundamente personal como universalmente resonante.
El EP transmite una sensación de libertad, con cada pista explorando la compleja danza entre la vulnerabilidad y la fortaleza. Es un viaje de transformación, como el proceso mismo de florecer. Los sonidos de Bloom son una mezcla de lo tradicional y lo moderno, fusionando instrumentación acústica con elementos electrónicos, lo que refleja la disposición de Sam a experimentar y su creencia en dejar que la música lo lleve a donde quiera.
El Track x Track
Midnight
Abriendo el EP, “Midnight” nos lleva a un viaje de texturas, donde principalmente resaltan capas de sonido que nos sumergen en el ruido de la naturaleza y la noche, un piano a manera de ostinato y una voz que juega dentro del Pop que a la vez sabe utilizar recursos como pitchs vocales y sensaciones que bien podrian venir de la psicodelia.
Realmente es dificil encacillar la canción en un genero ya que toma recursos de diferentes lados, desde la caja de ritmos del hip-hop hasta una sensación mas experimental, siempre manteniendo melodias y texturas interesantes.
the love
Como si estuvieran interconectado llega “the love”, a manera de continuación del track anterior, la canción retoma elementos como texturas de ruido, cajas de ritmo, un epiano muy nostalgico y una voz que pasa de melodias pop a secciones que podrian provenir de influencias de artistas mas del lado del hip-hop.
En esta ocasión me gusta como construye hooks mas largos en el coro y logra manterner un estilo consiso y propio a pesar de las multiples referencias que toma. La producción se siente minimalista, sin embargo el juego de texturas como voces procesadas, sonidos noise, bajos, pianos e inclusive cajas de ritmos y baterias hacen que esta sensación minimalista sea muy dificil de lograr y que Sam logra construir tanto en the love como en Midnight.
living inside a dream
Apenas terminando el track anterior, Sam logra conectar un nuevo track a la vez que presentandonos como portagonista una guitarra acustica brillante y resonante, que bien nos podria recordar a música del medio oriente, en esta ocasión su amor por la psicodelia se ve mas presente desde el nombre del track “living inside a dream” y esto se ve reflejado en un track que funciona como un puente etereo de voces y cuerdas brillantes.
YOU ARE LOVED
Como habiamos comentado anteriormente la psicodelia y experimentación es un lugar donde Sam le gusta explorar sonoramente y “YOU ARE LOVED” lo demuestra, jugando con arpegiadores, distorsiones vocales y creando una enorme tensión, el track encargo de cerrar el disco es una canción en esteeroides, donde la sutilidad de elementos como respiraciones y explosiones nos hacen entrar al mundo de SAm Koster.
Lo que realmente distingue a Sam es su compromiso de mantenerse auténtico y libre de las limitaciones de cualquier género o expectativa. Su trabajo, ya sea musical, visual o cinematográfico, proviene de un lugar de honestidad pura y exploración personal. Para Sam. Su capacidad para combinar diversas formas de arte, mezclar géneros libremente y explorar nuevos territorios habla de su compromiso con la autoexpresión.
A medida que Sam continúa evolucionando como artista, está claro que su futuro está lleno de emocionantes posibilidades. Con Bloom ya captando la atención de oyentes y críticos.
Morningsiders es una banda de folk-pop indie originaria de la ciudad de Nueva York, que fusiona momentos musicales íntimos con una producción de estudio atmosférica y sofisticada. La banda fue fundada en la Universidad de Columbia por Magnus Ferguson (voz y guitarra), Reid Jenkins (violín y voz) y Robert Frech (piano). Desde sus inicios como un colectivo de Americana con miembros rotativos e interpretaciones improvisadas, han evolucionado hasta convertirse en un trío sólido, enfocado en la composición y producción de canciones.
Morningsiders saltó a la fama en 2015 cuando su canción “Empress” se convirtió en un fenómeno viral, alcanzando la cima del ranking Viral 50 de Spotify. El tema también apareció en un comercial de Starbucks protagonizado por Oprah Winfrey, lo que amplificó su exposición a nivel nacional e internacional. A partir de ahí, la banda se consolidó como una de las propuestas más frescas dentro de la escena indie folk.
En 2018 y 2019, la banda lanzó una canción nueva cada mes, compilándolas posteriormente en su álbum debut A Little Lift. Con este trabajo, Morningsiders ofreció un sonido más pulido, sin perder la esencia cálida y orgánica que los caracteriza.
En 2020, la banda dio un giro hacia el folk-rock con su segundo álbum, Pollen, explorando nuevas texturas y una instrumentación más robusta. Su búsqueda constante de innovación los llevó a trabajar con el renombrado productor Peter Katis en su EP Easy Does It, donde expanden su sonido sin perder los momentos de brillantez musical y experimentación sónica que los han hecho destacar.
Oddfellows: Un tributo a la tradición folk
Uno de sus proyectos más recientes, el EP Oddfellows, representa un homenaje a la tradición del folk. Grabado en solo cuatro días durante el verano, el disco incluye interpretaciones de baladas tradicionales con más de dos siglos de historia. A diferencia de simples versiones, estas canciones han sido reimaginadas, reflejando la rica evolución que han tenido a lo largo de generaciones y su tránsito por distintas culturas, desde Francia y el Reino Unido hasta Nueva Inglaterra y los Apalaches.
El enfoque de Oddfellows es completamente orgánico y enraizado en la tradición: fue grabado en vivo, con las voces principales capturadas junto con los demás instrumentos, logrando así una sensación de inmediatez y autenticidad. Este EP muestra el respeto de Morningsiders por la historia del folk mientras lo traen a un contexto contemporáneo.
El Track x Track
Two Sisters
El disco comienza con Two Sisters, donde la agrupación nos presentara elemenrtos recurrentes en el disco junto con un estilo propio cargado de armonias y una sensación de bienestar a traves de la música. Con una base de instrumentos acusticos, cuerdas y voces armonizadas el trio nos presenta una canción calida que toma elementos del folk y los rejuvenece a traves de una interpretación tranquila y una isntrumentación que poco a poco va creciendo en fuerza sin perder la sensación nostalgica de la letra.
What Will We Do?
Con un arpegio que entra dentro lo nostalgico, que poco a poco se va llenando de esperanza “What Will Do?” nos va haciendo preguntas que nos ponen en un mood contemplativo, mientras las voces, cuerdas y una sensación atmosferica llenan el espacio sonoro a traves de melodias atmosfericas, realmente el disco viene cargado de estos momentos crecientes atmosfericos que se conbinan con interpretaciones vocales e instrumentales que hacen temblar el corazon.
Con un desgarrador final en un pequño solo de lo que parece ser un instrumento de cuerda frotada la canción logra transmitir una belleza muy interesante, a la vez que ttriste y nostalgica, eso si siempre insinuendo pequeños destellos de esperanza.
Jubilee
Justo en medio del EP , el trio explora un sonido muy clasico del folk y country, con una melodia super pegajoza la canción “Jubilee” nos llena de esperanza y felicidad, que nos recordara a esos momentos super divertidos que podemos pasar junto a alguien, y poder estar agradecidos de todo el jubilo que nos brinda la vida, realmente creo que son temas dificiles de manajer y que la agrupación aborda con genuina autenticidad y los hacen sonar super natural, asi como logran transmitir esa sensación a su audicencia.
Mary´s Dream
Manteniendo una estetica sonora muy bien definida durante todo el disco, Mary´s Dream nos lleva a un vieje etereo de cuerdas y melodias, que pueden cosniderarse mas experimentales y atmosfericas. La canción va creciendo entre pequeñas percusiones y sonidos ligeros de campañas, que nos llevan en un viaje del heroe muy interesante.
Never Had But One True Love
Cerrando el EP, Never Had But One True Love, nos lleva a una historia llena de amor, que combina todos los elementos de este compilado en un estilo mas anecdotico y pop que nos encanta. La canción tiene una vibra un poco diferente ya que no es tan eterea, es una canción mas bien para oir y cantar entre amigos a la vez que la nostalgia de instrumentos como las cuerdas le dan un sello propio.
Morningsiders continúa expandiendo los límites del folk-pop, demostrando que la tradición y la innovación pueden coexistir armoniosamente. Desde sus días como un colectivo universitario hasta su actual estatus como una de las bandas más emocionantes del género.
Con Oddfellows, Morningsiders reafirman su identidad, ofreciendo tanto experimentación sónica como un tributo a las raíces del folk. Su capacidad para reinventarse sin perder su esencia asegura que seguirán siendo una fuerza relevante en la escena musical durante muchos años más.
Timothy Poulton, el nómada australiano detrás de Timothy and the Apocalypse, ha logrado captar la atención del mundo musical con su distintiva mezcla de electrónica cinematográfica y trip-hop ambiental. Desde su aparición en la escena musical en 2021, su proyecto ha cautivado a los oyentes con paisajes sonoros de vastos horizontes y momentos de introspección, todo mientras se sumerge en una exploración del amor, la vulnerabilidad y, a menudo, el concepto de Armageddon.
Con tres álbumes de estudio a su nombre, incluido el innovador All Busted Up, Timothy and the Apocalypse se ha consolidado como una de las propuestas más interesantes dentro de la música electrónica de vanguardia. El álbum Future So Bright de 2021, con su mezcla de trip-hop downtempo y texturas ambientales, le permitió hacerse un lugar en las listas de reproducción editoriales de Spotify como Just Chill y Night Shift, colocándose junto a artistas de renombre como Four Tet, Bonobo, Tim Shiel y Emancipator. Este éxito le permitió ganar reconocimiento y consolidar su lugar dentro de los sonidos más introspectivos y cinematográficos del momento.
Con cada nuevo lanzamiento, Poulton refina su arte, y su más reciente sencillo, Say Something, no es la excepción, con una mezcla de melodías suaves y capas de sonidos ambientales que envuelven al oyente, la canción crea un espacio sonoro en el que las emociones pueden fluir libremente. La combinación de beats downtempo y texturas electrónicas ricas subraya la sensación de vulnerabilidad que Poulton quiere transmitir: “Escribí Say Something como una expresión de vulnerabilidad… Se trata de tender la mano, esperar ser visto y escuchado, y al mismo tiempo aceptar lo desconocido en la búsqueda del amor”, explica el artista.
El proyecto de Timothy y su enfoque nómada en la creación de música han dado como resultado un sonido característico que transita entre la calma y la intensidad, explorando los matices emocionales de la existencia humana. Say Something continúa esta tradición, pero se enfoca especialmente en lo personal, llevando al oyente a un espacio de reflexión y autoexploración. El sencillo representa una evolución de su estilo, pero también un regreso a lo esencial: la conexión emocional profunda a través de la música.
Joan Arnau Pàmies es un compositor, productor y multi-instrumentista catalán que, a lo largo de sus quince años de carrera, ha desafiado las convenciones musicales con su enfo experimental. Su música, que fusiona electrónica en vivo, instrumentos acústicos, improvisación libre y una amplia gama de influencias, ha sido descrita como un espacio liberador donde coexisten géneros como la música clásica, el jazz, el glitch y el pop vanguardista. Su capacidad para moverse entre estos estilos y crear algo completamente original lo ha establecido como una figura clave en la música contemporánea.
Con Guidelines/Fonaments, su esperado nuevo álbum que saldrá el 4 de abril a través de su sello Protomaterial Records, Pàmies promete llevar a los oyentes a un viaje profundamente personal y musicalmente fascinante. En este disco, explora su evolución artística, equilibrando la estructura con la espontaneidad y la precisión con la libertad. Es un reflejo de su búsqueda constante por generar música que sea tanto intelectual como emocionalmente estimulante.
El primer sencillo del álbum, Esperança, la voz de Martina Perpinyà exalumna del compositor, se despliega sobre un fondo de electrónica pulsante, cuyo ritmo recuerda a un latido de corazón. En catalán, “esperança” significa “esperanza”, y según las palabras del propio Pàmies, la canción es precisamente sobre eso: un canto a la esperanza de la humanidad, una afirmación de que, a pesar de las adversidades, la humanidad prevalecerá.
El tema de la esperanza, especialmente en tiempos de incertidumbre y caos, se presenta de manera poderosa a través de la música. La combinación de la electrónica ambiental con las voces de Perpinyà crea una atmósfera envolvente, invitando a los oyentes a sumergirse en un estado meditativo, pero a la vez profundamente emocional. Esta pieza no solo es un avance del álbum, sino también una declaración clara de la filosofía de Pàmies: la música puede ser una herramienta de reflexión profunda y una forma de comunicar mensajes poderosos que trascienden las palabras.
Con Guidelines/Fonaments, Pàmies no solo se propone llevar su música a nuevos territorios sonoros, sino también hacerla más accesible e impactante emocionalmente. Las piezas del álbum exploran temas universales, como la lucha entre las tradiciones pasadas y las preocupaciones estéticas contemporáneas, algo que queda reflejado tanto en el título bilingüe del álbum, como en la forma en que cada composición se presenta como una base para la creación de música futura.
Art d’Ecco, el músico canadiense originario de Victoria, ha emergido como una de las voces más intrigantes de la escena musical contemporánea, mezclando géneros como el glam rock, el post-punk y el synth-pop, su sonido es una amalgama audaz de influencias clásicas y una estética profundamente personal. Sin embargo, lo que realmente distingue a Art d’Ecco es su enfoque único sobre la existencia humana y las emociones complejas, temas que explora con gran profundidad en su nuevo álbum Serene Demon.
Para la realización de este cuarto álbum, Art d’Ecco se sumergió en un proceso de reflexión profunda, que incluyó un retiro en la ciudad de Nueva York. En el otoño de 2022, alquiló un apartamento en la Gran Manzana y se adentró en la ciudad, tomando largas caminatas solitarias y visitando bares, galerías de arte y espectáculos por su cuenta. Durante este tiempo, se inspiró en las bandas sonoras cinematográficas de compositores como Henry Mancini, Ennio Morricone, John Barry y François de Roubaix, lo que aportó una atmósfera nostálgica y cinematográfica a su música.
Como adelanto de este esperado trabajo, el cantante y compositor ha lanzado el single “True Believer”, una canción que se adentra en las complejidades del alma humana, explorando la lucha interna entre el bien y el mal.
“True Believer” es un reflejo de la dualidad que se encuentra en el núcleo del álbum Serene Demon, una obra que, según el propio Art d’Ecco, funciona como una metáfora de esa lucha interna que todos enfrentamos. En sus propias palabras: “Serene Demon es una metáfora. Piensa en ello como la dualidad entre el bien y el mal. Todos somos capaces de habitar ambos mundos, pero la mayoría de nosotros, de forma intrínseca, trata de habitar el mundo del bien”. La canción, sin embargo, se enfoca en el lado oscuro de esta dualidad, explorando la seducción del mal que habita dentro de nosotros mismos. Art d’Ecco describe el proceso creativo de “True Believer” como un reflejo de pensamientos invasivos que pueden conducir a la autodestrucción, o tal vez, como una metáfora de la depresión. En su propia imaginación, visualiza “un pequeño demonio bailando sobre su hombro, seduciéndolo para que se incline hacia el lado oscuro”.
Los arreglos instrumentales y la atmósfera densa complementan la temática introspectiva de la letra, creando una experiencia auditiva envolvente. Además, el videoclip dirigido por Brendan Fletcher, conocido por su trabajo en The Revenant y The Last of Us, añade una capa visual a este mundo emocionalmente cargado, acentuando el tema de la lucha interna con una estética cinematográfica que captura la esencia de la canción.
Musicalmente, Serene Demon lleva a Art d’Ecco a nuevas alturas. Canciones como “Tree of Life” evocan el sonido psicodélico de los años 80, mientras que la pegajosa “Shell Shock” trae a la mente los sintetizadores retro de los 70s, recordando a artistas como Steve Miller. Incluso la pieza instrumental “Meursault’s Walk”, una referencia a la obra El Extranjero de Albert Camus, se convierte en una pieza introspectiva antes de desembocar en la eufórica “Honeycomb”, un tema pop enriquecido con el toque exótico de los tambores de acero.
Amelie Lucille es una cantante y compositora de 16 años originaria de Nueva York, que ha logrado destacarse por su voz profunda, mucho más allá de su corta edad. Amelie ha sabido conectar con su audiencia de una manera auténtica y conmovedora. Su estilo musical refleja una pasión por las raíces del rock alternativo, el post-punk y la música gótica, y se caracteriza por una atmósfera melancólica y envolvente.
Aunque es joven, la influencia de artistas icónicos como The Cure, Cocteau Twins, Björk y The Sundays es clara en su música. Estas figuras clave en la música alternativa y gótica han marcado profundamente el sonido de Amelie, aportando una estética emocionalmente cargada y sombría a sus composiciones. Su estilo, que muchos definen como de un “alma vieja”, fusiona la introspección de la música alternativa con una atmósfera casi etérea, lo que la convierte en una artista única en su generación.
En “At All”, Amelie captura la sensación de estar en una relación que ya no tiene futuro, pero en la que aún persiste el deseo de aferrarse a lo conocido. La canción está estructurada en cuatro secciones que fluyen de manera natural, sin un patrón tradicional, lo que refuerza la idea de incertidumbre y transición que atraviesa el tema. Amelie ha mencionado que la canción está influenciada por artistas como Adrianne Lenker, Alex G, TV Girl y Mk.Gee, quienes aportaron a la creación de un sonido único y envolvente.
Desde su primer álbum homónimo, lanzado en junio de 2023, Amelie ha demostrado su capacidad para contar historias de una manera única, fusionando lo personal con lo universal. Cada una de sus canciones refleja una visión sincera del mundo, ofreciendo a sus oyentes una ventana a sus pensamientos y emociones más profundos.
Su música, profundamente personal y apasionada, es una invitación a explorar el lado más oscuro y emocional del ser humano, y promete seguir sorprendiendo a su creciente base de seguidores en los próximos años.
