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Marble Raft: El Dúo Sueco Que Transforma el Indie Pop en una Experiencia Escapista

Marble Raft: El Dúo Sueco Que Transforma el Indie Pop en una Experiencia Escapista

Marble Raft es un dúo sueco de indie pop que ofrece una mezcla de melodías brillantes, atmosferas soñadoras y una producción envolvente. Compuesto por Olle Söderström y Gabrielle Werme Baker, este proyecto musical ha cautivado a los oyentes con su enfoque del pop alternativo, creando paisajes sonoros que invitan a la evasión y a la exploración de lo desconocido.

El dúo comenzó a dar forma a su sonido en 2021 con el lanzamiento de su álbum debut, Geography A. Este primer trabajo mezcla el pop melódico con atmósferas densas y etéreas, lo que les valió un lugar destacado en la escena indie. Con influencias que abarcan desde el dream pop hasta el synthwave, Marble Raft construye un sonido caracterizado por la combinación de guitarras suaves, sintetizadores brillantes y una base rítmica sutil.

Las canciones de este dúo sueco a menudo parecen sacadas de una película en la que se combinan la nostalgia y el misterio, invitando a los oyentes a perderse en mundos sonoros llenos de detalles y texturas complejas. Su capacidad para mezclar sonidos modernos con influencias del pasado crea una sensación de atemporalidad que les ha ganado seguidores tanto entre los amantes del pop experimental como los del indie tradicional.



To Have and to Hold and to Break, lanzado recientemente en 2024, captura la esencia de una noche mágica llena de anticipación y euforia. En sus propias palabras, Marble Raft describe la canción como una representación de “una noche saturada de anticipación, donde uno se deja llevar y cae en un estado mental aturdido y eufórico en el que todo parece posible”. La narrativa de la canción sigue a dos adolescentes que se sienten atraídos por una fuerza superior en el corazón palpitante de la ciudad, lo que los lleva a un viaje lleno de emoción, caos y libertad.

Musicalmente, To Have and to Hold and to Break es un viaje sonoro que explora una combinación de máquinas de cuerdas, guitarras chisporroteantes y el uso delicado de instrumentos como el autoarpa y el mellotron. La canción fluye como una ola de sonidos que se entrelazan y se elevan, creando una atmósfera envolvente que hace eco de la energía de la ciudad y el abandono juvenil.

Las influencias de Marble Raft son claras, pero también muy personales. El dúo se inspira en artistas y bandas como M83, Alvvays, Cocteau Twins, New Order y Chairlift, pero su habilidad para fusionar esas influencias con su propio estilo les ha permitido desarrollar un sonido que se siente fresco y contemporáneo. Si bien las influencias del synth-pop y el dream pop son evidentes, el enfoque de Marble Raft nunca se limita a un solo género, y su música continúa evolucionando, siempre en busca de nuevas formas de expresar sus emociones a través del sonido.

Con el lanzamiento de su nuevo material y el anuncio de su próximo álbum, Dear Infrastructure, previsto para la primavera de 2025, Marble Raft sigue consolidándose como uno de los dúos más emocionantes de la escena indie pop actual.


Bienvenido a la Nueva Ola #343 | Cole Waldrep, LALO MAPLE, Victoria Staff

Bienvenido a la Nueva Ola #343 | Cole Waldrep, LALO MAPLE, Victoria Staff

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Cole Waldrep – Wound | Estados Unidos

Cole Waldrep es un artista de Indie Pop de 19 años originario de Nashville, Tennessee. Con un estilo fresco, Cole combina melodías pegajosas, donde llega su primer sencillo, Wound, forma parte de su próximo EP, una colección prometedora. Con su energía juvenil y creatividad, Cole está listo para dejar su huella.


LALO MAPLE – Deudas | Chile

Lalo Maple, banda chilena formada en 2020, con un espíritu experimental y su fusion cde pop alternativo con influencias latinas, que crea un estilo propio. Su sencillo «Deudas» es una reflexión profunda sobre las cargas emocionales y personales que llevamos, plasmada en una mezcla sonora cautivadora y dinámica. Con letras emotivas, interpretación vocal sincera y una producción impecable realizada junto a Black Vitamina, la canción reafirma el compromiso de la banda con la exploración musical y su conexión genuina con los oyentes.


Victoria Staff – My Whole Life Long | Canada

Victoria Staff es una cantante y compositora canadiense cuyo estilo indie-folk se caracteriza por su sinceridad y lirismo poético. Su sencillo “My Whole Life Long” refleja la complejidad del amor y la conexión humana, combinando melodías pegajosas con profundas reflexiones. A través de letras como “It’s in the shape of your voice held in the boat of your time,” Victoria expresa sentimientos de afecto y lealtad. La canción, que captura la alegría y la inocencia de estar enamorado, es parte de su EP “I Wake Up Smiling”, un proyecto que sigue explorando temas de amor y felicidad. Con su enfoque emotivo y positivo, Victoria invita a sus oyentes a reflexionar sobre sus propias experiencias amorosas.




“The Weather in Heaven”: Roland Clark y la Belleza en la Sencillez Acústica

“The Weather in Heaven”: Roland Clark y la Belleza en la Sencillez Acústica

Con una carrera forjada a través de colaboraciones con los grandes nombres de la música electrónica como David Guetta y Armin Van Buuren, Roland Clark siempre ha sabido cómo aportar un toque especial a cada proyecto en el que participa. Sin embargo, en su nueva canción “The Weather in Heaven”, Clark se aleja de los complejos ritmos electrónicos y opta por una propuesta musicalmente más sencilla, solo con elementos acústicos. Este giro no solo es audaz, sino que demuestra su experiencia como productor, al crear una atmósfera que, a pesar de su minimalismo, logra ser conmovedora.

La construcción de “The Weather in Heaven” muy buena. A pesar de contar únicamente con unos pocos elementos, cada uno de ellos está tan bien ubicado que resulta en una experiencia auditiva íntima y envolvente. Los acordes acústicos envuelven al oyente desde el primer segundo, mientras la voz de Clark se despliega con una calidez que parece destinada a tocar fibras sensibles.



La trayectoria de Roland Clark como productor y DJ ha sido extraordinaria, acumulando una cantidad impresionante de éxitos en plataformas como Beatport y Traxsource, además de haber recibido el prestigioso BBC Radio 1 Legend Award. Sin embargo, en “The Weather in Heaven”, Clark se presenta más como un artesano que como un virtuoso de la música dance. Su interpretación vocal, tan directa y cargada de sentimiento, resuena en cada nota, moviendo al oyente con una sinceridad que rara vez se encuentra en la música contemporánea.

En el verano de 2019, Clark llevó su energía a los clubes más importantes de Ibiza, electrizando a las multitudes con sets en lugares icónicos como Amnesia y Café Mambo, donde rompió récords de audiencia. Pero en “The Weather in Heaven”, cambia completamente de enfoque y nos muestra su lado más introspectivo. El resultado es una canción que, sin grandes pretensiones, logra conectar a nivel emocional y hacer que cada nota cuente.


“Body Of Light”: Muscle Memory y su Propuesta Retro que Te Hará Mover Todo el Esqueleto

“Body Of Light”: Muscle Memory y su Propuesta Retro que Te Hará Mover Todo el Esqueleto

Desde el corazón vibrante de Brooklyn, Muscle Memory nos trae una nueva dosis de energía con su sencillo “Body Of Light”, una pieza que combina ritmos irresistibles y una atmósfera envolvente. Con influencias marcadas del indie pop y disco, esta canción captura el espíritu de la música de pista de baile con un toque de nostalgia retro, pero manteniendo la frescura de una propuesta moderna. Desde el primer segundo, la canción te atrapa con una pulsación rítmica, creando una experiencia que va más allá de lo convencional.

El dúo conformado por Michael Tapper y Steven Reker ha logrado fusionar sus talentos y trayectorias individuales en un sonido que rebosa creatividad y energía. Ambos tienen un historial en la escena musical de Brooklyn como DJs y músicos que saben cómo llenar la pista de baile, y en “Body Of Light”, eso se siente de inmediato. La voz en esta pista, acompañada por una producción detallada y capas instrumentales que construyen una atmósfera hipnótica, la convierte en una propuesta que no pasa desapercibida.



Michael Tapper, conocido por su trabajo en bandas como We Are Scientists y Yellow Ostrich, aporta su dominio rítmico, mientras que Steven Reker, con su enfoque singular para la composición y su experiencia en coreografía, inyecta una frescura artística que es difícil de ignorar. Juntos, han creado un proyecto que equilibra lo experimental con lo bailable. “Body Of Light” se posiciona como un track que no solo invita a moverse, sino que también genera una conexión emocional, gracias a su energía y su evocación de la era dorada del disco.

El lanzamiento de su EP debut, Taste of a Kiss, ya les ha ganado una base sólida de seguidores, gracias a su mezcla única de sonidos y su habilidad para crear canciones que se quedan en la cabeza. Con “Body Of Light”, continúan ese legado, pero dan un paso más hacia un sonido propio, mostrando cómo exploran nuevos caminos dentro del indie y la música electrónica.


La Frescura Retro de “Something’s Wrong In My Head”

La Frescura Retro de “Something’s Wrong In My Head”

Desde su formación en 1995, Club 8 se ha consolidado como uno de los pilares del pop sueco, explorando diferentes sonidos y matices dentro del género, pero manteniendo siempre una esencia melódica y emotiva que los caracteriza. Su más reciente sencillo, “Something’s Wrong In My Head”, es una muestra perfecta de esa capacidad camaleónica, fusionando el dream pop, rock, indie pop, y una clara influencia de sonidos retro, logrando una combinación de frescura y nostalgia que atrapa desde los primeros segundos.

En “Something’s Wrong In My Head”, Karolina Komstedt brilla con una interpretación vocal que resulta casi hipnótica, mientras las guitarras y sintetizadores, obra de Johan Angergård, crean una atmósfera envolvente que transporta al oyente a un viaje sonoro lleno de ganchos irresistibles. El tema navega entre ritmos suaves pero con una energía que se mantiene constante, recordándonos por qué Club 8 se ha mantenido por más de dos décadas.



Lo interesante de Club 8 es cómo han evolucionado a lo largo de los años, manteniendo siempre el pop como núcleo, pero experimentando con géneros tan variados como la bossa nova y el trip-hop. La banda comenzó como un simple proyecto de grabación, pero pronto se convirtió en una propuesta sólida en vivo, llevando su música a festivales como el CMJ en Nueva York. Esta versatilidad y su capacidad de reinvención son evidentes en cada una de sus canciones, y “Something’s Wrong In My Head” no es la excepción, pues logra combinar esa frescura moderna con influencias del pasado.

La carrera de Karolina Komstedt y Johan Angergård no se limita a Club 8. Ambos han sido parte de otras bandas y proyectos musicales, y Angergård, en particular, ha dejado su huella en la escena independiente sueca al co-fundar el respetado sello Labrador Records. Esta experiencia y bagaje musical se sienten en la producción de cada uno de sus trabajos, donde siempre hay un cuidado especial por los detalles, tanto en la composición como en la producción.

Con más de dos décadas en la industria musical, Club 8 sigue siendo una fuerza creativa que no deja de sorprender. “Something’s Wrong In My Head” es una pieza que no solo refleja su madurez artística, sino también su capacidad de mantenerse en la vanguardia, adaptándose a los tiempos sin perder su esencia. Si eres fanático del dream pop o del indie con toques retro, esta es una canción que definitivamente debe estar en tu playlist.


Electrodrama y su Revolución Músical con “2019”

Electrodrama y su Revolución Músical con “2019”

En el vasto paisaje de la música contemporánea, siempre hay proyectos que logran captar nuestra atención por su capacidad de innovar sin perder el equilibrio entre lo conocido y lo experimental. Este es el caso de Electrodrama, una banda mexicana que ha sabido fusionar las raíces del pop y el rock nacional con influencias del rock progresivo y el shoegaze, creando un sonido propio y lleno de matices. Su más reciente sencillo, “2019”, es un claro ejemplo de esta mezcla única, cargada de energía y con una interpretación vocal que no deja indiferente.

“2019” sorprende desde el primer momento. La canción comienza con un ritmo sólido, que pronto se transforma en una atmósfera densa, donde los sintetizadores y guitarras se entrelazan, generando una sensación de nostalgia y emoción contenida. Las influencias del rock experimental se hacen presentes en cada rincón del tema, pero es el shoegaze el que termina por darle esa textura envolvente que define el sonido de la banda. Karina Méndez, con su buena interpretación vocal, guía a los oyentes a través de este viaje que nunca pierde intensidad.



La formación de Electrodrama es, sin duda, una de sus mayores fortalezas. Integrada por Karina Méndez como vocalista, Micaela Anta en el bajo y sintetizadores, Fernando Sierra en la batería, y Rodrigo Alatorre en la programación y sintetizadores, la banda ha logrado una química que se refleja en cada uno de sus temas. La solidez de su interpretación no es casualidad, ya que antes de dar vida a Electrodrama, los cuatro miembros formaban parte de Los Goatsuckers, un proyecto anterior que les permitió explorar las mismas influencias y cimentar el sonido que hoy presentan.

El lanzamiento de “2019” marca el inicio de una serie de sencillos que conformarán su segundo EP, programado para liberarse canción por canción a lo largo de los próximos meses. Este material promete llevarnos por distintos paisajes, desde el rock electrónico punk de “Sed”, su próximo sencillo, hasta la complejidad polirrítmica del pop progresivo.

El proceso creativo detrás de Electrodrama ha sido largo, pero la espera ha valido la pena. Cada canción refleja el esfuerzo y la dedicación de la banda para crear algo que no solo suene bien, sino que también tenga una profundidad emocional y artística. El hecho de que estén dispuestos a experimentar con diferentes géneros y estilos muestra su ambición por dejar una huella en la escena musical. Con “2019”, queda claro que estamos ante una propuesta fresca que se nutre de sus influencias, pero que no se limita a ellas.


Bienvenido a la Nueva Ola #322 | Pete Davies, Ricci Nostra y PAPERCITY

Bienvenido a la Nueva Ola #322 | Pete Davies, Ricci Nostra y PAPERCITY

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Pete Davies – Pass it On | Reino Unido

Abrimos con Pete Davies y su pegajosa canción Pass it On. Este exbuzo comercial transforma lo mejor del indie pop, rock y disco en un tema que es imposible no disfrutar. Con una guitarra que marca un ritmo vibrante y divertido, Pete nos regala una propuesta fresca y cargada de energía, acompañada por su voz que da personalidad a cada verso. Desde que cogió la guitarra a los 14 años, la música ha sido su constante, llevándolo a tocar en grupos pop durante su juventud y a escribir canciones que alcanzaron la radio nacional en Reino Unido.

A pesar de haber pasado más de tres décadas trabajando en plataformas petroleras, Pete nunca dejó de escribir. Ahora, regresa con fuerza bajo el nombre de Home and Dry, con una música que refleja la dedicación y pasión por su arte. Pass it On es un reflejo de ese viaje personal y profesional, y un llamado a disfrutar del momento con ritmos que te pondrán a mover los pies.


Ricci Nostra – Otra Piel | España

De Argentina a España, Ricci Nostra nos sorprende con Otra Piel, una canción que une lo mejor del indie pop con tintes de rock, gracias a una guitarra eléctrica que se funde suavemente con su voz. Este tema tiene una energía tranquila pero envolvente, como una conversación íntima en medio de una tormenta. Ricci Nostra se ha convertido en un nombre relevante dentro del nuevo sonido emergente, tejiendo su música con matices de melancolía y fuerza.

Con tres discos en su haber y una serie de colaboraciones notables, Ricci sigue explorando nuevas facetas de su arte. Otra Piel es una muestra de esa evolución, un tema que combina letras profundas con un sonido accesible y atractivo, perfecto para quienes buscan una experiencia sonora cargada de emociones auténticas.


PAPERCITY – Sofa | Nueva Zelanda

Por último, desde Nueva Zelanda nos llega PAPERCITY, una banda que con su canción Sofa logra capturar la esencia del indie pop con un giro moderno y urbano. La energía de este trío se siente desde el primer acorde, combinando un ritmo dinámico y divertido que invita a dejarse llevar. Sofa tiene ese toque fresco y despreocupado que caracteriza al mejor pop, pero con la solidez de unas guitarras y arreglos que le dan una base de rock.

PAPERCITY, con su estilo pop lleno de carácter, se perfila como una banda que no tiene miedo de romper moldes. Su sonido, aunque accesible, tiene una dureza sutil que hace que Sofa sea algo más que una canción para pasar el rato; es un tema que se queda en la cabeza y en el corazón, uniendo lo mejor del pop contemporáneo con influencias rockeras.


Bienvenido a la Nueva Ola #342 | ttypes, India Eve Hartley, Damiana Malie

Bienvenido a la Nueva Ola #342 | ttypes, India Eve Hartley, Damiana Malie

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


ttypes – Apocalypse Horse | Estados Unidos

ttypes es el proyecto en solitario del compositor y cantante Tim Krauss, originario de Grand Rapids, Michigan. Su música abarca desde pop electrónico hasta rock, pasando por ambient instrumental y pop de piano, todo bajo la etiqueta general de “indie”. Influenciado por la literatura de Ursula K. Le Guin, Krauss incorpora temas políticos y sociales en sus letras, con un enfoque en la reflexión y la crítica indirecta de las perspectivas destructivas del mundo. Su canción Apocalypse Horse es una canción con comentarios sobre la condición humana y el estado del mundo, invitando a los oyentes a cuestionar sus creencias y valores.



India Eve Hartley – memory loss | Estados Unidos

India Eve Hartley es una artista cuya obra a menudo refleja temas de pérdida, memoria y relaciones personales complejas. En “Memory Loss” es una reflexión emocional sobre una relación pasada marcada por el dolor y la incertidumbre. La autora se pregunta si su ex pareja aún recuerda su existencia, sugiriendo que probablemente no lo haga. El concepto de “pérdida de memoria” se utiliza de manera simbólica, aludiendo tanto a la falta de reconocimiento por parte del ex como a la forma en que las personas pueden olvidar o minimizar el impacto de sus acciones en los demás.


Damiana Malie – Life Flows | Suiza

Damiana Malie es una banda suiza de cinco integrantes que fusiona elementos de folk, soul y pop en su música, creando un sonido único caracterizado por armonías vocales a tres voces y el toque melancólico de instrumentos como el saxofón y la clarinete. Su canción “Life Flows” fue escrita tras la muerte de la abuela de uno de los miembros, y refleja temas de impermanencia y el amor que perdura. En honor a su abuela, quien amaba la música, la canción incluye un emotivo detalle: se puede escuchar el sonido de su acordeón al final, un símbolo de su legado y el vínculo eterno que deja.







Emmrose y su “New Era”: Una Reflexión Sonora sobre el Cambio y la Resiliencia

Emmrose y su “New Era”: Una Reflexión Sonora sobre el Cambio y la Resiliencia

La cantante y compositora Emmrose, una de las artistas más prometedoras del panorama indie, lanza su nuevo sencillo “New Era”. A sus 20 años, Emmrose ha logrado destacar por su enfoque profundo en sus composiciones, fusionando géneros como el Indie Pop y el Dream Pop con una sensibilidad emocional palpable. “New Era” se presenta como una canción que sumergiendo al oyente en un paisaje sonoro oscuro y minimalista que, sin embargo, mantiene una extraña belleza en su esencia.

En esta ocasión, Emmrose se unió nuevamente al productor y músico Richard Orofino (Sex Week), quien ya había colaborado con ella en el éxito “Electric Nights”. La colaboración entre ambos fue clave para la creación de un sonido crudo y envolvente, en el que la guitarra barítono de Orofino juega un papel crucial, aportando una base sólida y firme que se ve complementada por sintetizadores distorsionados y glitchy que crean una atmósfera inquietante.



Emmrose explica que su intención era que la canción tuviera una estructura corta, tensa y desconcertante. La artista menciona:

“Quería que la canción fuera corta y tensa. Soñadora y desconcertante. Richard hizo este sintetizador súper salvaje, sonaba como una máquina oxidada y rota. Tuve que girar una perilla de distorsión mientras escribía la parte, y eso fue tan muy divertido.”

Este proceso de experimentar con los efectos de distorsión y la manipulación directa del sonido, le dio a la canción una calidad única que captura la sensación de desmoronamiento y caos, pero también de resiliencia.

“New Era” es una reflexión sobre el momento histórico y personal que atraviesa Emmrose. La canción captura el sentimiento de que las cosas se están desmoronando, no solo en el ámbito personal de la cantante, sino también en un contexto más amplio, especialmente en la comunidad artística. Esta sensación de crisis se manifiesta de forma cinematográfica a lo largo de la canción, que lleva al oyente a un estado de incertidumbre, como si estuviera atrapado en una pesadilla surrealista. A pesar de ello, la canción también propone una solución: la esperanza. Como afirma Emmrose,

“Lo único que podemos hacer es aferrarnos a la esperanza al final. No hay otra opción.” La canción, entonces, no se deja vencer por el caos, sino que propone una forma de atravesarlo con la intención de seguir adelante.


Bienvenido a la Nueva Ola #341 | Y is Nature, Big Society, Alyssa Zahtila

Bienvenido a la Nueva Ola #341 | Y is Nature, Big Society, Alyssa Zahtila

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Y is Nature – Trouble | Noruega

Y is Nature es un proyecto musical de Hjalmar Littauer que fusiona influencias de la psicodelia moderna, el indie y la música cinematográfica en un género que él denomina “spy pop”. A través de una mezcla de elementos acústicos y electrónicos, el proyecto crea paisajes sonoros enigmáticos y atmosféricos que exploran temas como la evasión, la desconfianza y la sospecha, al tiempo que mantiene una delicada y juguetona sensibilidad. Su primer álbum Evasion, programado para su lanzamiento en 2025, promete profundizar en estas complejas texturas sonoras, llevando al oyente a un universo distópico de emociones encontradas.


Big Society – Every Stage of a Genuine Heartbreak | Reino Unido

Big Society es una banda de indie-rock originaria del Royal Northern College of Music, formada por el guitarrista Thomas Fripp, el bajista Harry Gumery y el baterista Will Jaquet. Su música, descrita como una fusión de riffs distorsionados y momentos más delicados. En “Every Stage of a Genuine Heartbreak”, la banda explora la experiencia universal del desamor, tocando temas como la paranoia, la duda y la aceptación. Jaquet describe la canción como una reflexión sobre los momentos de pánico y la autocrítica que surgen después de una ruptura, mientras se avanza lentamente hacia la sanación.



Alyssa Zahtila – No Call | Canada

Alyssa Zahtila es una artista que abarca géneros como el pop, el indie y la electrónica, creando atmósferas sonoras que equilibran la euforia con la melancolía. Sus canciones, como “No Call”, exploran temas universales como el desamor, la pérdida y la superación personal, conectando con la audiencia a través de letras sinceras y una producción vibrante.