Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
FRANCK. – MONDE PARALLÈLE | Francia
FRANCK, el proyecto musical de Paul Dupuis, es un proyecto de pop parisino. Originario de Lyon y formado en el Conservatorio de Lyon, combina melodías cautivadoras con la energía de la música de club. Su primer EP, POP TO CLUB, que se lanza el 10 de enero de 2024, incluye cinco temas que exploran la nostalgia y la libertad, fusionando influencias del French touch, el garage house y el synthpop de los 80. Producido por Dimitri Banton y mezclado por Tristan Mazire, FRANCK busca conquistar nuevos horizontes, empezando con su primer sencillo, MONDE PARALLÈLE.
Dork – I’m not a good person | Dinamarca
Dork es una artista emergente que combina indie melancólico y rock garage con elementos de dream pop, creando un sonido íntimo y envolvente que explora la vulnerabilidad humana. Sus letras, cargadas de honestidad y autoconciencia, abordan temas como la duda y el sentimiento de otredad, siempre con un toque de humor mordaz y sensibilidad emocional. Con canciones que oscilan entre la calidez introspectiva y estallidos de energía cruda, “I’m Not a Good Person”, el segundo tema de su EP debut, con elementos de rock alternativo, dreampop y pop indie, la canción teje un paisaje sonoro hipnótico, enriquecido por el uso delicado del órgano y estallidos de guitarra y batería. Dork canta sobre la imperfección con un estilo desenfadado y encantador, ofreciendo una experiencia musical que es tanto introspectiva como universalmente resonante.
Kreem – Nothing | Paises Bajos
Kreem es un artista que comenzó a tocar la guitarra a los 17 años, autodidacta y con influencias de bandas como The Smashing Pumpkins y artistas como John Mayer. Su música ha evolucionado de las canciones de amor hacia un enfoque introspectivo, explorando temas como la lucha interna y la aceptación de una mente caótica. Su estilo fusiona el pop moderno con toques de la vibra indie y elementos vintage, como sintetizadores de los 80 y cajas de ritmos. Canciones como “Diamond” y “Nothing” reflejan su capacidad para capturar emociones como el sentir de estar atrapado en el tiempo, mientras navega por sus propias experiencias de crecimiento y autodescubrimiento.
Séa Byrne, el cantante y compositor irlandés radicado en Puerto Vallarta, México, continúa sorprendiendo con su fusion de influencias globales y sonidos locales en su propio estilo . Con la llegada de su más reciente sencillo, Huracán, el artista da un paso más en su exploración musical y personal, ofreciendo una pieza de gran carga emocional y sonora que refleja su experiencia viviendo en los trópicos y enfrentando los desafíos de la vida.
La historia de Séa comienza en las calles de Dublín, donde su pasión por la música comenzó a temprana edad. Durante años, escribió canciones, experimentó con distintos géneros musicales y compartió su talento en diversas plataformas. Sin embargo, fue su mudanza a Puerto Vallarta, un lugar conocido por su belleza natural y su mezcla cultural, lo que marcó el verdadero punto de inflexión en su carrera. Fue aquí donde descubrió una nueva sonoridad, la que ha influido en la creación de su primer álbum Blue Skies, que se lanzará en diciembre de 2024.
Su música refleja las emociones y experiencias que ha vivido en su nueva vida en los trópicos. Canciones como Huracán, su más reciente lanzamiento, exploran los retos de adaptarse a un entorno impredecible, como los huracanes que vivió en 2022. En este tema, Séa transmite un mensaje de resistencia y superación: “Si no te mata, te hace más fuerte”. La letra de Huracán rinde homenaje a la majestuosidad de la naturaleza y las antiguas culturas locales que habitan la región.
Huracán no solo es el título de la nueva canción de Séa, sino también una representación poderosa de la forma en que la naturaleza y la adversidad nos moldean. El tema nació durante la temporada de huracanes de 2022, cuando Séa experimentó por primera vez los impresionantes fenómenos naturales en Puerto Vallarta. La fuerza de estos eventos, tan característicos de la región, inspiró al músico a escribir una canción que no solo se refiere a los huracanes, sino a la metáfora de las tormentas emocionales y personales que todos enfrentamos en la vida.
La letra de Huracán transmite un mensaje de lucha y superación: “Si no te mata, te hace más fuerte”. Esta frase encapsula la esencia del tema, recordando que las dificultades pueden ser oportunidades para crecer y encontrar nuestra fuerza interior. A través de esta canción, Séa nos invita a enfrentar las adversidades con valentía y esperanza, y a recordar que después de la tormenta, siempre llega la calma.
Huracán es una llamada a la acción, un recordatorio de que, no importa cuán fuerte sea la tormenta, siempre hay espacio para la resistencia, el renacimiento y la paz.
Patrick Koper es un cantante y compositor canadiense, originario de Montreal, que fusiona géneros y sonidos atmosféricos y envolventes. Su música abarca desde la guitarra Bossa Nova hasta suaves melodías etéreas, y sus letras se caracterizan por explorar temas de crecimiento personal, reflexión y conexión con la naturaleza. Su estilo único ha capturado la atención de muchos, y su reciente EP A Sweet Escape combina influencias culturales y sonoras de manera creativa y emocional.
Uno de los sencillos más destacados de este EP es “Canopy Thief”, una pista que invita a los oyentes a sumergirse en una atmósfera tropical y soñadora. El tema fusiona la guitarra Bossa Nova con una producción elegante y moderna, acompañada de una voz que flota sobre el ritmo, como el aire cálido de un paisaje exótico.
La canción destaca por su arreglo inteligente, que comienza con una estructura sencilla para luego desarrollarse en una rica capa de sonidos, con percusiones nítidas y toques electrónicos sutiles. La letra bilingüe, que alterna entre inglés y francés, le da un toque aún más intrigante, haciendo referencia a la conexión con la naturaleza y la sanación personal.
Koper no solo se dedica a la música, sino que también es un apasionado fotógrafo. Su amor por la naturaleza y los viajes se refleja tanto en su música como en su fotografía, siendo la película fotográfica una de sus formas favoritas de expresión. Su trabajo visual complementa perfectamente la atmósfera que crea en sus canciones, transportando a los oyentes y espectadores a lugares remotos y tranquilos, donde la introspección y la paz interior se encuentran en perfecta armonía.
La banda alemana Mykket Morton ha optado por construir su propio universo creativo desde su ciudad natal, Kassel, en lugar de mudarse a la capital, Berlín, como es habitual para muchos artistas que aspiran a penetrar en la escena musical profesional.
A lo largo de los años, Mykket Morton ha mantenido una filosofía basada en la independencia y el autogobierno. La banda invirtió su dinero en crear un espacio cultural propio, que incluye un estudio de grabación, un club de conciertos y un lugar para ensayar: DasFranzUlrich. Este proyecto no solo les permitió tener control total sobre su música y sus actividades, sino que también les brindó una plataforma para apoyar a otros artistas y fomentar la escena cultural de su ciudad.
Sin embargo, la verdadera prueba de su carácter llegó durante la pandemia de COVID-19. La banda había estado trabajando en su EP Upside Down, pero, como sucedió con muchos artistas, las restricciones por la crisis sanitaria impidieron que pudieran tocar en vivo y promover su trabajo de la manera tradicional. Pero en lugar de rendirse, Mykket Morton se adaptó rápidamente a las nuevas circunstancias y, con la ayuda de su equipo y su entorno creativo, lanzó un formato único de talk-show y live sessions en YouTube llamado “Auf eine Kiste Bier mit Mykket Morton”. Esta serie permitió a la banda seguir conectando con sus seguidores y mantener viva su presencia en la escena musical, a pesar de la pandemia.
Hoy, la banda continúa creciendo y evolucionando. Recientemente, Mykket Morton lanzó su nuevo EP Kintsugi, cuyo título hace referencia a la tradicional técnica japonesa de reparar cerámica rota con oro. Esta metáfora refleja perfectamente la trayectoria del grupo: un proceso de reconstrucción y transformación que celebra lo imperfecto y lo roto como parte de su belleza y autenticidad. El primer sencillo, “Home”, es un himno al renacimiento y a la fuerza interna, y marca el inicio de una nueva etapa para la banda.
Con esta nueva canción, Mykket Morton demuestra que, incluso después de enfrentar grandes pérdidas, como la salida de miembros clave y el cierre de su espacio cultural, la banda no solo ha sobrevivido, sino que ha emergido más fuerte. La adición de nuevos miembros como Luisa Blumenstein (bajo) y Luca Hettling (sintetizadores y guitarra) ha renovado su sonido, aportando frescura y una nueva energía a su música.
“Home” es, por tanto, una celebración de la vida en todas sus formas, incluso cuando se desmoronan las estructuras a nuestro alrededor. Mykket Morton nos invita a aceptar lo que somos, a sanar nuestras grietas y a brillar con la belleza de lo imperfecto.
Desde Pembroke, Ontario, Sierra Levesque emerge como una fuerza imparable dentro del Rock. Con solo su guitarra en mano, Levesque ha sabido encender escenarios con una energía desbordante, y su más reciente tema, “Get Off My Stage”, no es la excepción. En esta canción, la joven artista nos ofrece un recordatorio de que el Rock ‘N Roll no solo sigue vivo, sino que late con más fuerza que nunca. Con una ejecución cargada de potencia, Levesque mantiene viva la esencia del Rock clásico mientras desafía los estándares modernos con ganchos imposibles de ignorar.
Lo que hace única a Sierra es su habilidad para fusionar influencias clásicas con una interpretación fresca y enérgica. Escuchar “Get Off My Stage” es transportarse a la época dorada del Rock, pero con un giro contemporáneo que lo vuelve relevante. Al igual que Ann y Nancy Wilson de Heart, Sierra combina una voz poderosa con una destreza guitarrística impresionante, creando una mezcla explosiva que es difícil de encontrar en la música actual. Este tema, lleno de actitud y rebeldía, captura la esencia del rock genuino y es, sin duda, una declaración audaz para quienes dudan de su lugar en la nueva generación del género.
Sierra no es solo una talentosa intérprete. Como compositora, guitarrista, pianista y multiinstrumentista, ha sido reconocida como una de las jóvenes promesas del Rock y el Metal, según Guitar.com. Esa ambición se refleja claramente en “Get Off My Stage”, donde cada acorde resuena con convicción y cada palabra es una llamada de atención para aquellos que subestiman su presencia. El tema es un golpe directo a las expectativas, mostrando que la música con alma y energía sigue siendo tan vital como lo era en los 70 y 80.
“Get Off My Stage” no solo es una canción, sino un manifiesto. Sierra Levesque, influenciada por artistas como Avril Lavigne, Ghost y Scorpions, ha tomado esos elementos para darles una nueva forma, una nueva dirección. Su sonido, aunque moderno, respeta el legado del Rock, y con este sencillo, demuestra que está lista para liderar la carga de una nueva ola de músicos. Su pasión por el género, nacida desde su infancia, la ha llevado a ser reconocida no solo en su ciudad natal, sino también por grandes nombres de la industria como Nancy Wilson y Desmond Child.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
The Voodoo Smile – Dreams Of Future Past | Reino Unido
The Voodoo Smile es un proyecto musical que fusiona la creatividad humana con el poder de la inteligencia artificial, creando una propuesta única dentro del género post-punk. Su música combina la energía cruda y experimental característica del post-punk con elementos digitales y algoritmos de machine learning, lo que permite explorar nuevas sonoridades y texturas. A través de esta mezcla, The Voodoo Smile rinde homenaje a la estética retro del género asi como introduce una visión futurista, reflejando temas existenciales como el amor terrenal extendido hacia una posible vida digital posterior, como se escucha en su canción “Dreams of Future Past”.
The Corrupted Hearts – Don’t Be A Drag | Estados Unidos
The Corrupted Hearts es una banda de indie rock/pop originaria de Columbus, Ohio, que fusiona angustia emocional con energía desbordante. Su canción “Don’t Be A Drag” captura el conflicto interno entre las expectativas sociales y la necesidad de ser uno mismo. Con un ritmo pegajoso la canción explora la tensión en una relación cuando las personalidades chocan, especialmente entre quienes son extrovertidos y los que prefieren la introversión.
Stella Starfox – Fossils, Babe | Estados Unidos
Stella Starfox es una banda que fusiona psicodelia, pop, hip hop y rock, formada por Ben Gardner, Tommy Fuccillo y Matt Hatch, quienes han tocado juntos desde la secundaria. En 2018, crearon la banda y comenzaron a lanzar sencillos, destacándose por su sonido único en festivales y shows de Nueva Inglaterra y Nueva York. En 2021, Gardner decidió enfocarse en la composición, mientras Fuccillo y Hatch asumieron la producción en el estudio, expandiendo la banda para incluir nuevos miembros. Su más reciente sencillo, “Fossils, Babe,” explora temas oscuros como los errores del pasado, el asesinato y la inteligencia artificial, pero lo hace con una melodía brillante y juguetona, creando un contraste interesante. Esta mezcla de psic-pop, indie rock y bedroom pop invita a los oyentes a bailar a través del caos, y la canción se está promoviendo a través de campañas en redes sociales y sitios web.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
The Bottoms – Pictures of a Life | Estados Unidos
The Bottoms es una banda de rock alternativo de Nueva Orleans, formada por Jason Rhein, Michael Girardot, Eric Nichelson, Eric Nelson y Charles Depret. Su sonido, influenciado por el rock alternativo, se caracteriza por melodías pegajosas y una fuerte presencia vocal. “Pictures of a Life”, escrita por Rhein y Paul Sanchez, refleja la inspiración de los primeros discos de Weezer. Con una mezcla a cargo de Ben Lorio, la canción ofrece una atmósfera envolvente, combinando guitarras, teclados y una letra emocional que invita a la reflexión sobre la vida.
austin james carlyle – all over you | Estados Unidos
Austin James Carlyle es un artista que fusiona el rock y el pop en su música, su estilo se caracteriza por letras que abordan temas como las relaciones, el autodescubrimiento y la superación personal. Con su segundo sencillo, “All Over You”, Carlyle ofrece una canción animada y vibrante sobre dejar atrás una relación tóxica, destacando su capacidad para combinar ritmos pegajosos con mensajes de empoderamiento.
Ricci Nostra – Nena | Español
Ricci Nostra es un artista de indie en español, cuya música fusiona la melancolía y la energía, combinando influencias de Argentina y España. Su estilo ha evolucionado a través de dos discos previos y varias colaboraciones con músicos como Adrià Salas de La Pegatina y Delafé de Delafé y las Flores Azules. Su nuevo sencillo, “Nena”, es un tema de rock pop que evoca un recuerdo nostálgico, logrando un sonido actual con tintes de los años 2000, creando una atmósfera melancólica y vibrante que conecta con su audiencia de manera emocional. Con su tercer álbum en camino, Ricci Nostra continúa consolidándose.
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Light the Moon – Safe and Sound | Estados Unidos
“Safe and Sound” es una canción escrita durante la pandemia, un período que marcó un antes y un después en la vida de muchas personas. La canción es una reflexión introspectiva sobre la vida y el amor en medio de eventos históricamente desafiantes y estresantes. Con su característico estilo indie pop, Light the Moon combina melodías emotivas con una letra que captura la vulnerabilidad y la resiliencia de esos tiempos inciertos.
Satellites – Waiting | Reino Unido
Satellites es una banda británica de post-rock instrumental conocida por crear paisajes sonoros cinematográficos y emotivos. Formada en 2009, debutaron en 2010 con su EP ‘Shorelines’, seguido de los sencillos ‘Lost & Found’ y ‘Of The Tallest Trees’, que consolidaron su estilo introspectivo y melódico. Tras un largo receso, regresaron en 2020 con ‘Familiar Shorelines’, una versión reimaginada y mejorada de su material original. Su música, inspirada en bandas como This Will Destroy You y Caspian, está diseñada para ofrecer un refugio sonoro y un espacio de reflexión en tiempos difíciles.
India Eve Hartley – radio silent | Estados Unidos
India Eve Hartley es un reflejo de la dualidad entre el deseo y la indiferencia, un personaje que captura la atención pero se mantiene distante. En su primer sencillo, “Radio Silent”, la canción se convierte en un eco de esa desconexión emocional. Las letras hablan de la sensación de ser ignorado, de estar atrapado en un silencio impenetrable, mientras la melodía se balancea entre lo melancólico y lo esperanzador.
EWAH (Emma Waters) es una cantante, compositora y cineasta australiana que transformar experiencias personales en obras universales. Con una carrera que abarca más de una década, ha explorado géneros como el folk psicodélico, el alt-country y el art pop, fusionando una sensibilidad introspectiva con sonidos innovadores. Originaria de Lutruwita/Tasmania, EWAH ha dejado su huella tanto en la música como en el cine, destacándose por su premiado trabajo en composiciones para pantalla y sus residencias artísticas. Su regreso como solista con el álbum Souvenir marca un renacimiento artístico, reflejando una trayectoria de lucha, sanación y transformación creativa.
“Este es el álbum que intenté hacer durante años”,
Confiesa, describiendo cómo el proceso creativo le permitió reconstruir su vida y su arte.
El título del álbum, Souvenir, significa “recuerdo” tanto en francés como en inglés, y hace honor a su nombre al tejer historias íntimas del pasado y el presente. A través de sus canciones, EWAH comparte un relato cautivador: perderse, encontrar el amor verdadero y atesorar los lazos familiares, especialmente con su joven hija.
El álbum no solo narra esta travesía emocional, sino que también integra aspectos únicos de su proceso creativo. Algunas partes de los demos originales de EWAH se entrelazan con las grabaciones nuevas, destacando cómo pasado y presente convergen para formar un todo coherente.
Grabado en la región del Huon, en Lutruwita/Tasmania, el entorno natural desempeñó un papel esencial en la creación del álbum. “A veces, los sistemas climáticos parecían responder a la música, como una pequeña tormenta que se desató mientras grabábamos el crescendo de batería en Mountain Song,” relata EWAH. Los reflejos de la luz solar y los arcoíris que aparecieron durante las sesiones de grabación se convirtieron en símbolos de guía e inspiración.
El álbum fue co-producido por EWAH junto al ingeniero y mezclador Jethro Pickett, quien también contribuyó con instrumentos como el órgano, el piano y el lap steel. Otros colaboradores incluyen a Sorin Vanzino en batería y percusión y Stuart Hollingsworth en bajo, mientras que EWAH aporta su versatilidad interpretando guitarra, sintetizador, piano, cuerdas, percusión y más. En paralelo al lanzamiento de Souvenir, EWAH está revisitando su catálogo anterior. Canciones como Comeback, una nueva versión de un tema de 2006, muestran su evolución como artista y su capacidad para encontrar belleza en los momentos más oscuros de su vida.
La artista también se prepara para compartir el álbum con el público a través de presentaciones íntimas, incluyendo un evento especial en Suffragette Records, Nipaluna/Hobart, el 7 de diciembre de 2024.
El Track x Track
1. Walking On Water
Mostrando su lado mas folk y en un estilo minimalista Walking On Water abre el disco, en una sensación intima que fsuiona historias personales, donde poco a poco voces etereas van tomando su lugar, un beat y navidad es la constante en la canción, para finalmente explotar en un coro que nos lleva a elementos mas resonantes, en una sensación de tensión y liberación la canción mantiene elementos comnstantes y poco a poco nos presenta una voz que explorara mas estilos mas adelante del albúm.
En general un track interesante que funciona muy bien para abrir el disco especialmente para las personas que gustan de elementos que generan misterio y melodias suaves.
2.- Running Away
Con una sensación de glitches, guitarras acusticas y pianos suaves, Running Away nos sumerge en una historia a manera de balada, reforzada por voces que cada ves mas exploran una sensación eterea que van desde el fondo hasta tomar protagnosimo en el coro, explotando toda la parte instrumental en una sensación Shoegaze casi inesperada pero muy bien construida, en esta canción empezamos a notar un elemento recurrente en el disco, que es el ostinato y voces principales que van desde lo “hablado” y que suvitamente buscan un lugar melodico en el caos nostalgico instrumental, con un sonido en la mezcla muy crudo que le da una sensación de cercania muy interesante.
3. Touch the Light
Touch the Light llega con un mensaje de esperanza, La canción mezcla sintetizadores con percusiones etéreas, simbolizando el viaje de EWAH a través de la oscuridad hacia la claridad. Con tintes de Indie Rock y Dream Pop las letras actúan como un recordatorio de que, aunque el pasado puede ser doloroso, el futuro puede iluminarse con determinación y amor propio. Poco a poco nos va introduciendo elementos como guitarras con palm mute, piano y una sensación creciente interesante. SIguiendo un estilo mas ostinato la canción presenta a la voz como portagonista de la producción en un video ue transmite esta sensación de busqueda.Una buena introducción para el albúm, sin embargo algo prolongada en suu duración que no estoy seguro si termina por beneficiarle o no a la canción, especialmente por este estilo de ostinato durante toda la canción.
4. Mountain Song
Este tema es un retrato del poder de la naturaleza como reflejo de las emociones humanas. Las percusiones, grabadas durante una tormenta real, y los crescendos de guitarra evocan la fuerza cruda de las montañas del Huon, mientras que la letra narra una lucha interna por encontrar equilibrio y paz. Es un homenaje tanto al entorno que inspiró el álbum como al viaje emocional de EWAH. En un estilo minimalista la cantante nos presenta elementos como pianos, voces crudas y una creciente tormenta de sonidos que vulven la canción en un viaje de texturas, ala vez que mantiene este estilo de ostinato mas que de melodias pop.
5. Halfway
Una balada introspectiva en la que EWAH explora la sensación de estar atrapada entre el pasado y el futuro. Con un arreglo minimalista de cuerdas y sintetizadores, la canción transmite vulnerabilidad y una búsqueda de propósito. Su interpretación vocal es íntima y cruda, como si EWAH susurrara sus pensamientos directamente al oído, a la vez que nos da una sensación dulce en la cuerdas y el bajeo de la canción, poco a poco el uso de sintetizadores le va dando una sensación fresca pero a la vez futurista, nos encanta como el ritmo de la canción es realmente propositiva dentro del albúm, una sensación que te hace querer tambalearte de un lado a otro mientras disfrutas de las texturas del track, quizas al igual que en tracks anteriores la canción se prolonga por demas unos minutos y va perdiendo esta sensación, sin embagro croe que presenta una melodia vocal atrapante que hace que vayas disfrutando este viaje.
6.- Under Fog and Snow
Con guitarras dulces y estridentes Under Fog and Snow, nos lleva a sonidos etereos de Dream Pop, presentandonos una de las canciones mas coreables del disco, donde poco a poco la voz va ganando espacios hasta ser una luz dentro de la instrumentación que guia la proudcción, un tema que te podria recordar a The Cranberries, pero con una sensación mas atmosferica y lenta que se va alargando hasta los seis minutos.
7.- Let Love In
Llegando al crepusculo del disco Let Love In nos introduce a su mundo con una capa de sintetizadores, etereos, melancolicos y juguetones sin duda es el intro mas interesante del disco, jugando con pequeños destellos de guitarra y una voz suspirada que le da mucha nostalgia al track. Las voces van apareciendo cada vez mas y mas en un ligero destello, mientras los sintetizadores van pintando pequeños arpegios que hacen del track algo super interesante de oir, sin duda nuestro track favorito del disco ya que logra sumergirnos en una atmosfera propia y mantenernos cautivados hasta el final.
8.- Waking Up is Easy
Para cerrar el disco Waking Up is Easy presenta elementos recurrentes durante todo el disco, una guitarra acustica, sintetizadores atmosfericos y una voz dulce y eterea, con un arreglo a manera de ostinato en la guitarra la canción va explorando ligeros sonidos atmosfericos y una melodia timida pero pegajosa, con un estilo propiopresentado en el disco, este ultimo track resume muy bien la escencia sonora del disco, a la vez que nos lelva por este viaje de esperanza y autodescubrimiento que plantea la artista.
Souvenir no es solo un regreso musical para EWAH, sino también una obra que encapsula años de crecimiento, sanación y búsqueda de significado. Con canciones que mezclan lo íntimo y lo expansivo, y una narrativa que resuena con cualquiera que haya enfrentado desafíos personales, este álbum promete ser un punto culminante en la carrera de una artista que nunca ha dejado de evolucionar.
Desde la vibrante escena musical de San Diego, Creature Canyon emerge con una propuesta fresca y electrizante que combina lo mejor del indie pop y toques de rock. Su nueva canción Gotta Let Go es una muestra clara de su capacidad para fusionar géneros con una producción impecable, un ritmo cautivador y una interpretación vocal que logra atrapar desde el primer acorde. Con cada uno de sus integrantes, Austin Steele, Ryan Amyot, Aaron Lund y Luc Fralic, aportando su talento, la banda ofrece una experiencia sonora intensa y emocionante.
Gotta Let Go destaca por su crudeza y cuerpo, características que le otorgan una personalidad única dentro de la escena indie. La producción a cargo de Christian Lum y la colaboración con ingenieros de sonido de renombre como Mike Schuppan y Jordon Silva, aseguran que cada detalle sonoro esté perfectamente cuidado. Desde la guitarra que suena con fuerza y precisión, hasta la energía que desprende cada acorde, la canción refleja una mezcla equilibrada de indie pop con el toque rockero necesario para mantener la crudeza y autenticidad que los caracteriza.
Creature Canyon ya ha dejado huella en el mundo musical con lanzamientos anteriores como los EPs Life I Know y Did You Want That, y un álbum debut que fue muy bien recibido, Remarks. Su éxito no solo ha sido musical, ya que su canción Brooklyn Baby fue incluida en la popular serie Shameless, demostrando que su música tiene un atractivo que trasciende géneros y plataformas. Con Gotta Let Go, la banda da un paso adelante en su evolución, mostrando una madurez en su sonido y una confianza que se siente en cada nota.
La esencia de Creature Canyon está en su capacidad para crear una atmósfera sonora que combina modernidad y psicodelia. El trabajo de mezclas realizado por Jordon Silva y la masterización de Brian Lucey, quien ha trabajado con bandas de la talla de Arctic Monkeys y The Black Keys, le dan a Gotta Let Go una profundidad que se refleja en su calidad técnica y emocional. Es una canción que invita a dejarse llevar, a fluir con sus ritmos atrapantes y a conectar con esa energía única que solo el indie bien hecho puede ofrecer.
