Mes: noviembre 2024

Mirrorball: El Duo de Dream Pop que Trae la Magia de California al Mundo

Mirrorball: El Duo de Dream Pop que Trae la Magia de California al Mundo

Mirrorball es un dúo de dream pop proveniente del soleado sur de California, formado por la cantante y compositora Alexandra Johnstone y el compositor Scott Watson. Desde su formación en 2019, este dúo ha capturado la esencia de la costa oeste con su sonido único, envolvente y lleno de nostalgia.

La música de Mirrorball es como una brisa suave en una tarde californiana: relajada, nostálgica, pero siempre fresca. Con influencias claras del synth-pop de los años 80, su estilo ha sido descrito como una mezcla de los ecos de Fleetwood Mac en su época de Rumors y la psicodelia melódica de Broadcast. Sin embargo, Mirrorball no se limita a una simple imitación de esos sonidos; lo transforma en algo propio, con una atmósfera moderna y luminosa que te envuelve desde el primer acorde.



Uno de los lanzamientos más recientes de Mirrorball es el sencillo “Condo Pond”, perfecta para aquellos momentos de reflexión o simplemente para acompañar una caminata tranquila por las calles vacías. Con una melodía sintética que recuerda a las producciones de Blondie en su faceta más experimental y la ligereza de bandas contemporáneas como Architecture in Helsinki, “Condo Pond” crea una atmósfera onírica y melancólica que invita a sumergirse en los recuerdos de la juventud, esos momentos despreocupados cuando todo parecía más sencillo.

La letra de la canción hace una exploración de esos “espacios intermedios”, como el título sugiere, un homenaje a los lugares olvidados de nuestras ciudades, como los condominios vacíos y los centros comerciales desiertos, donde el paso del tiempo se siente más marcado. Con un estilo vaporoso y lleno de nostalgia, el tema refleja la sensación de perderse en esos momentos a medio recordar, esos que nunca se olvidan del todo.

Uno de los elementos que define el sonido de Mirrorball es la voz de Alexandra Johnstone. Su canto, etéreo y cargado de reverberación, tiene la capacidad de sumergir al oyente en un estado de ensoñación. Las capas vocales que utiliza añaden una dimensión extra a cada tema, reforzando la sensación de estar flotando en un mar de recuerdos. Esta cualidad vocal convierte a Mirrorball en una banda clave dentro del dream pop, un género que se caracteriza precisamente por esa capacidad de crear un paisaje sonoro donde la melodía y la emoción se fusionan en una experiencia única.

Si eres fan de artistas como Weyes Blood, TOPS, Men I Trust o incluso el sonido suave y melódico de Fleetwood Mac, no puedes perderte lo que Mirrorball tiene preparado para el futuro. Con su capacidad para fusionar lo mejor de la música retro con una vibra fresca y moderna, Mirrorball es una propuesta irresistible para los amantes del indie y el dream pop.


St. Lucia: El Renacer del Pop Orquestal en “Pie In The Sky”

St. Lucia: El Renacer del Pop Orquestal en “Pie In The Sky”

St. Lucia es el proyecto musical del dúo de esposos Jean-Philip Grobler y Patti Beranek, que ha sabido ganarse un lugar en la escena del pop alternativo. Originarios de Sudáfrica y Alemania, respectivamente, la pareja ha creado un sonido único que fusiona sintetizadores brillantes, melodías envolventes y una energía vibrante. A lo largo de los años, St. Lucia ha mantenido su esencia, mientras expande sus horizontes sonoros y explora nuevos territorios creativos.

El primer álbum de St. Lucia, When The Night, los catapultó a la fama internacional. Con una propuesta fresca que evocaba a la música pop de los años 80, el disco presentó éxitos como “Elevate”, “All Eyes On You” y “Closer Than This”. La capacidad del dúo para combinar sonidos nostálgicos con una producción moderna los convirtió en una de las propuestas más emocionantes del momento, logrando entrar en el Billboard Top 200.



En 2024, St. Lucia anunció el lanzamiento de su quinto álbum de estudio, Fata Morgana: Dawn, previsto para el 14 de marzo de 2025. Este nuevo capítulo promete llevar al grupo a nuevas alturas, con una propuesta sonora que explora las raíces del pop psicodélico de los años 60 y 70, el dance pre-80s de la escena punk de Nueva York y las composiciones cinematográficas de grandes bandas sonoras.

El primer sencillo de este álbum, “Pie In The Sky”, es una mezcla de pop orquestal, con influencias claras de artistas como ELO, ABBA, David Bowie y Kate Bush. Jean-Philip Grobler explicó que el tema fue inspirado por esa sensación de “abrir las puertas del cielo”, invitando a los oyentes a sumergirse en un mundo lleno de esperanza, posibilidades y aventuras. “Pie In The Sky” es un himno épico, respaldado por cuerdas, coros angelicales de Aly & AJ y la participación de Mark Foster de Foster The People, quien toca las campanas tubulares de manera celestial.

El videoclip de “Pie In The Sky”, dirigido junto al colaborador Xander Ferreira y el artista de IA Pierre Zandrowicz, es una obra de arte visual, inspirada en los surrealistas Alejandro Jodorowski y Salvador Dalí. Filtrado en paisajes oníricos y utilizando la mezcla de mundos reales y digitales, el video refuerza la atmósfera fantástica y trascendental de la canción.

A lo largo de su carrera, St. Lucia ha sido una banda que no teme experimentar y arriesgarse con nuevos sonidos. Su capacidad para fusionar géneros, su amor por la música épica y su búsqueda constante de una mayor profundidad emocional en sus composiciones les ha valido el reconocimiento de críticos y fans por igual. Jean-Philip Grobler ha declarado en diversas entrevistas que su música busca transmitir un mensaje positivo y esperanzador, especialmente en tiempos inciertos. Para él, la música tiene el poder de hacer que la gente se sienta viva, a pesar de las adversidades del mundo.


Bestfriend: La Lucha por Ser Uno Mismo en el Reflejo del Pop Alternativo

Bestfriend: La Lucha por Ser Uno Mismo en el Reflejo del Pop Alternativo

Bestfriend es el proyecto musical formado por Stacy Kim (voz e instrumentación) y Kaelan Geoffrey (voz y producción), dos artistas canadienses que, a pesar de estar separados por miles de kilómetros —Stacy en Vancouver y Kaelan en Toronto—, han logrado crear una conexión creativa que se refleja en su música. Desde su formación en 2018, Bestfriend ha conquistado a una base de fans con su estilo, que combina melodías luminosas, paisajes sonoros envolventes y letras que exploran las complejidades de la adultez, la nostalgia y la constante lucha por encontrar el equilibrio personal.

La historia de Bestfriend comenzó a través de una combinación de amistad y conexión digital. Conocidos inicialmente a través de un amigo en común y luego más estrechamente por medio de mensajes directos en Instagram, Stacy y Kaelan comenzaron a compartir ideas musicales y, poco a poco, a construir su sonido. Stacy creaba las canciones y las enviaba a Kaelan, quien las producía, creando una dinámica colaborativa a larga distancia. Con el tiempo, este proceso fue refinándose y evolucionando hasta convertirse en lo que ahora conocemos como Bestfriend: una mezcla de pop alternativo, indie y sintetizadores inspirados en los 80, acompañados de una vulnerabilidad y sinceridad emocional que conecta de inmediato con el oyente.



En noviembre de 2024, Bestfriend estrenó su nuevo sencillo, “WHY DO WE DO THIS?”, un tema que refleja la lucha emocional de la vida cotidiana, la auto-duda y la presión constante por seguir adelante. La canción cuestiona la necesidad de continuar a pesar de los ciclos de inseguridad y las luchas internas. Musicalmente, el tema toma inspiración de los sintetizadores de los 80, combinados con una percusión energética que impulsa la canción, mientras que las voces de Stacy y Kaelan se presentan casi monocordes, como una forma de resistencia emocional.

El dúo describe la canción como una reflexión sobre cómo, a menudo, nos aferramos a las cosas que más amamos por miedo a perderlas, y cómo este miedo nos impide ser nuestro yo más auténtico. En sus propias palabras, explican:

“Cuando pasamos por dificultades, comenzamos a apretar nuestro agarre sobre las cosas que amamos, por miedo a perderlas. Esto afecta nuestras relaciones, nuestro trabajo, nuestro dinero, nuestro arte, y a menudo tiene el efecto contrario al que esperamos: ya no estamos trayendo lo más genuino de nosotros a estas cosas. Cuando esa chispa se enciende, tomamos decisiones basadas en el miedo y la autoconservación. Un amor basado en el miedo ya no es amor.”

Este enfoque filosófico sobre la necesidad de soltar lo que nos retiene y la paradoja de aferrarse a lo que más amamos da a “WHY DO WE DO THIS?” una profundidad emocional que va más allá de lo que podría ser una simple canción de desahogo.

Con su tercer EP programado para la primavera de 2025, Bestfriend sigue evolucionando como artistas y ampliando su visión sonora. A medida que avanzan en su carrera, el dúo continúa ofreciendo una experiencia musical que no solo es atrapante por su producción, sino también por su capacidad para conectar con las experiencias emocionales y personales de sus oyentes.


Bienvenido a la Nueva Ola #336 | townsend, SIRENX, BADHEAD

Bienvenido a la Nueva Ola #336 | townsend, SIRENX, BADHEAD

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


townsend – bottles in a bar | Estados Unidos

townsend es un cantautor, músico y productor originario de Nashville, que mezcla elementos de la música country, indie y pop alternativo. Sus letras exploran temas de amor, desamor y las complejidades de la vida cotidiana. A lo largo de su carrera, ha cultivado una sonoridad donde las guitarras acústicas y los arreglos sutiles se combinan con una voz cálida y llena de matices. Con canciones como “Bottles in a Bar”, townsend ha logrado capturar la atención de su audiencia al ofrecer historias que resuenan a un nivel personal.


SIRENX – ‘Tis the damn season | Estados Unidos

SIRENX nos sorprende con su versión de “‘Tis the damn season”, un cover que reinterpreta el tema original de Taylor Swift con un estilo único de pop rock melancólico e influencias de indie. Con una producción minimalista, arreglos etéreos y un toque electrónico, SIRENX logra una atmósfera introspectiva que amplifica la nostalgia y la vulnerabilidad de la letra.


BADHEAD – HERE’S BADHEAD WELCOME BADHEAD | Reino Unido


BADHEAD es una banda que captura a el caos y la melancolía de la vida adulta con su mezcla única de disco-punk y humor autocrítico. Su debut, “HERE’S BADHEAD WELCOME BADHEAD”, es un himno pegajoso y energético para quienes se sienten atrapados entre el deseo de bailar toda la noche y la realidad de una crisis existencial en los 30. Con influencias que van desde LCD Soundsystem y The Rapture hasta Yard Act y Father John Misty, BADHEAD combina ritmos irresistibles, letras ingeniosas y una vibra nostálgica, creando una experiencia sonora tanto para la pista de baile como para reflexionar en casa. Es música para aquellos que, a pesar de las dudas, nunca dejan de moverse.



Bienvenido a la Nueva Ola #335 | Darling Darlene, Quelle Rox, The Criticals

Bienvenido a la Nueva Ola #335 | Darling Darlene, Quelle Rox, The Criticals

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Darling Darlene – Mechanical Heart | Dinamarca

Darling Darlene es una banda indie-pop originaria de Dinamarca, formada por Christian Popp y Johan Skjold. Su música fusiona elementos de indie rock, dream pop y dance, creando un sonido dinámico y emocionalmente complejo. Tras su debut con el EP Lost at the Movies, la banda ha continuado evolucionando, explorando nuevas texturas y estilos. Su reciente single, Mechanical Heart, muestra una nueva faceta influenciada por el indie dance de los 2000s, alejándose del enfoque más etéreo de su primer trabajo y ofreciendo un sonido más energético y bailable.


Quelle Rox – serás mía para siempre | Puerto Rico

Quelle Rox, el proyecto musical de Raquelle, es una cantante, compositora y productora puertorriqueña y cubana radicada en Brooklyn. Con un estilo que fusiona el dream pop y el indie en un enfoque bilingüe, su música evoca nostalgia y melancolía, convirtiéndose en el soundtrack ideal para los recuerdos soñados. Su sonido atmosférico y letras introspectivas brillan en lanzamientos como el EP midnight blue y el sencillo “serás mía para siempre”, consolidando su espacio en la escena del pop onírico en Spanglish.


The Criticals – Danish Eyes | Estados Unidos

The Criticals es una banda de indie rock originaria de Nashville, formada por Parker Forbes y Cole Shugart. Con una propuesta que fusiona energía juvenil y una sonoridad influenciada por el rock clásico y el blues, el grupo ha ganado atención internacional. Su más reciente sencillo, “Danish Eyes”, coescrito con Campbell Burns de la banda Vacations, narra la historia de un hombre que se siente completamente cautivado y desea someterse a una mujer danesa, intelectual y mayor que él. La canción, que fue grabada en Inglaterra con la producción de Jonathan Gilmore, combina una melodía pegajosa con una carga emocional que transmite una sensación de deseo y fascinación.




‘Hard’: Cuando la suavidad francesa de “Vendredi sur Mer” se encuentra con el filo californiano

‘Hard’: Cuando la suavidad francesa de “Vendredi sur Mer” se encuentra con el filo californiano

“Hard” es el nombre de la nueva colaboración entre Vendredi sur Mer, el cautivador proyecto musical de la suiza Charline, y el talentoso Hanni El Khatib, uno de los iconos del rock garage californiano de los años 2010. Este tema marca un hito importante en la carrera de Vendredi sur Mer, ya que es su primer sencillo dirigido específicamente a territorios de habla inglesa, ampliando su alcance internacional con una propuesta cargada de emoción, nostalgia y una potente energía pop.

La canción es una balada de ruptura romántica en la que Charline y Hanni El Khatib se sumergen en un diálogo melódico sobre el dolor y la resiliencia que siguen a una relación fallida. La letra, que explora el sufrimiento de una separación, se ve complementada por las voces contrastantes de ambos artistas, creando una atmósfera de vulnerabilidad e intensidad emocional. Mientras que Charline aporta su característico tono suave y sensual, Hanni El Khatib introduce su estilo áspero y crudo, creando una dinámica interesante y cargada de electricidad.



El tema ha sido producido por Sam Tiba, un productor y exmiembro de Club Cheval, conocido por su trabajo con artistas del rap francés como Zola, Georgio y 13 Block. La producción de “Hard” se aleja un poco del sonido más etéreo y nostálgico que Vendredi sur Mer había mostrado anteriormente, adentrándose en un territorio más audaz y moderno, que mezcla la elegancia de la chanson francesa con la audacia del pop de los 80. La base electrónica y los sintetizadores retro dan paso a una canción más contundente, que mantiene la esencia introspectiva de Vendredi sur Mer pero con un giro más enérgico.

Este lanzamiento llega tras el éxito global de sus proyectos anteriores, como “Premiers Émois” y “Métamorphose” que consolidaron a Vendredi sur Mer como una de las voces más destacadas del pop alternativo contemporáneo.

El videoclip que acompaña a la canción, dirigido por Alice Kong, continúa con la estética visual cinematográfica que caracteriza al proyecto, con imágenes llenas de belleza enigmática y sensualidad, que complementan perfectamente la atmósfera de la canción.


Ritmos Urbanos y Raíces Africanas: Descubre el Universo Sonoro de Yiigaa

Ritmos Urbanos y Raíces Africanas: Descubre el Universo Sonoro de Yiigaa

Yiigaa, nombre artístico de Yiga Gao Lou, es una cantante y compositora de pop alternativo que ha logrado destacar por fusionar géneros y su recorrido artístico. Nacida en Costa de Marfil y radicada en Londres, Yiigaa combina su herencia africana con influencias globales, creando un sonido único que se mueve entre el soul, el amapiano, el afrobeats, el garage y el R&B.

Desde muy joven, Yiigaa mostró un profundo interés por la música y las artes. A los siete años, comenzó a escribir sus propias letras, influenciada por una amplia variedad de estilos musicales. Esta pasión por la creatividad se consolidó durante su formación académica, donde estudió drama y artes teatrales en la universidad. A los 18 años, se unió al National Youth Theatre, una experiencia que no solo enriqueció su desarrollo artístico, sino que también la introdujo en el mundo del teatro profesional. A lo largo de su carrera, ha participado en producciones en espacios como el Young Vic, el Old Vic Young Company, Woolwich Theatre y Theatre Peckham.



Uno de sus lanzamientos más recientes, el sencillo Follow Lights, lanzado el 21 de noviembre de 2024 a través de Supernature, es una pieza que refleja la relación compleja y profunda que las personas tienen con las ciudades. Yiigaa explica que la canción aborda la belleza y la dificultad de vivir en la ciudad, un lugar lleno de oportunidades y éxito, pero también de soledad, sobrecarga sensorial y presión. En sus propias palabras: “Quería hacer una canción que encapsulara la belleza de ambos lados”.

Yiigaa sigue consolidándose como una artista integral que aporta nuevas perspectivas a la música, sino que también inspira a través de su trabajo en las artes escénicas y su enfoque en la autenticidad cultural. Con su capacidad para mezclar ritmos, emociones y reflexiones sobre la vida urbana, Yiigaa promete seguir siendo una de las voces más interesantes de la música alternativa global.


Josephine Odhil: El Arte de Crear Sonidos y Visiones Surrealistas

Josephine Odhil: El Arte de Crear Sonidos y Visiones Surrealistas

Josephine Odhil es una artista de Ámsterdam con un enfoque multidisciplinario, combinando música y arte visual para crear un universo que invita a la introspección de lo más oscuro del ser humano. Su obra se mueve en las fronteras de la música alternativa, el pop experimental y el arte conceptual, lo que la convierte en una de las creadoras más interesantes de la escena contemporánea.

Lo que hace tan especial a Josephine Odhil es su capacidad para fusionar distintos medios artísticos en un solo concepto. No solo compone y canta, sino que también se encarga de crear el arte visual que acompaña a su música, dando vida a un universo coherente que abarca tanto lo sonoro como lo visual. Su música está impregnada de sonidos inquietantes, sintetizadores vibrantes y melodías susurradas que transportan al oyente a un mundo surrealista, lleno de simbolismos y capas de significado.

La inspiración de Josephine proviene de una variedad de fuentes, pero especialmente de su exploración del mal a través de la literatura y el cine, lo que le permite adentrarse en las sombras de la psique humana. Durante un año, se sumergió en el estudio de estas temáticas, lo que se traduce en una música que habla de la desensibilización de la sociedad, los aspectos oscuros de la humanidad y la fascinación por lo macabro. Esta exploración se ve reflejada en sus letras, que están cargadas de simbolismos y referencias ocultas, esperando ser descubiertas por oyentes que comparten una mentalidad similar.



“Ennui” es solo una muestra de lo que está por venir. Con su primer álbum Volatile la artista continúa desarrollando su visión musical y estética, y su próximo álbum promete ser una exploración aún más profunda de sus inquietudes creativas. Este nuevo capítulo también marca una transición para Josephine Odhil como artista solista, después de haber brillado junto a su banda anterior, The Mysterons, en escenarios de renombre como Lowlands, Transmusicales y Into The Great Wide Open.

Su estilo combina el surrealismo, el realismo mágico, la esoterismo y el futurismo, creando una propuesta que va más allá de las convenciones del pop. Influenciada por grupos como Broadcast, Unloved y Vanishing Twin, así como por las narradoras líricas como Kate Bush, su música se define como Surrealist Artpop, un término que refleja tanto la profundidad de su propuesta como la riqueza de sus contenidos conceptuales.


“If U Know U Know”: El Himno de Libertad y Camaradería de Cari Cari

“If U Know U Know”: El Himno de Libertad y Camaradería de Cari Cari

Cari Cari es un dúo austriaco de indie rock que fusiona elementos de indie rock, folk y psicodelia. Compuesto por Stephanie Widmer (voz, batería y didgeridoo) y Alexander Köck (voz, guitarras), el grupo ha ido construyendo, paso a paso, su propio universo musical que ha conquistado tanto a la audiencia europea como internacional. Con un estilo que puede compararse con artistas como The Kills, The xx, Fleetwood Mac y Jungle, Cari Cari ha conseguido marcar poco a poco un sonido propio.

La historia de Cari Cari comenzó en varias ciudades de Europa antes de establecerse finalmente en Viena. En sus primeros años, el dúo vivió en Londres, Hamburgo y Madrid, lo que les permitió absorber diversas influencias musicales y culturales que enriquecieron su sonido. En 2018, lanzaron su primer álbum “Anaana”, un trabajo que fue altamente apreciado por la crítica por su audacia y frescura. El álbum presentó un enfoque innovador, destacándose por la combinación de sonidos acústicos y electrónicos, y por su capacidad para mezclar géneros de forma fluida.



El 22 de noviembre de 2023, Cari Cari presentó su nuevo sencillo “If U Know U Know”, que rápidamente se convirtió en uno de los favoritos de sus seguidores. La canción fusiona influencias de indie rock, indie pop y downtempo, creando una atmósfera suave, cálida y envolvente que invita a la introspección y al viaje. Con guitarras relajadas y un ritmo suave, la canción transporta al oyente a un estado de calma mientras transmite un mensaje de resiliencia, camaradería y pasión por la aventura.

“If U Know U Know” habla de la importancia de los lazos humanos y la fortaleza que se encuentra en la unidad, un tema recurrente en la música de Cari Cari.


Emily’s Dance” y Más: Roller Derby Conquista con su Sonido Místico

Emily’s Dance” y Más: Roller Derby Conquista con su Sonido Místico

Roller Derby, el dúo de dream pop originario de Hamburgo, ha logrado conquistar el panorama musical europeo con su estilo que fusiona la nostalgia de los años 80 con un sonido lleno de atmósferas etéreas.

El sonido de Roller Derby es fácilmente reconocible por su mezcla perfecta de guitarras suaves y sintetizadores brillantes, envueltos en las dulces y etéreas voces de Meyer. Sus influencias son variadas y abarcan desde la música de los años 60 y 80 hasta artistas más actuales como Angel Olsen, Alvvays o Beach House. La combinación de estos elementos crea un paisaje sonoro que es tanto nostálgico como fresco, evocando un sentimiento de anhelo y esperanza a través de cada acorde.

Las composiciones del dúo están marcadas por un equilibrio sutil entre la melancolía y la vitalidad. En sus canciones, la nostalgia se encuentra con la modernidad, creando un sonido único que atrae tanto a los amantes del dream pop como a los que buscan algo más experimental dentro de la música indie.



Después de varios sencillos que han demostrado su talento y creatividad, Roller Derby finalmente anunciará su esperado álbum debut, When The Night Comes, que se lanzará el 28 de febrero de 2025. Este álbum ha sido producido por Moses Schneider, conocido por su trabajo con bandas como Pixies y Tocotronic, y promete ser un hito en la carrera del dúo.

El álbum incluirá canciones que exploran temáticas de cambio, aceptación y la constante búsqueda de la belleza en medio del caos. Temas como “Dreams”, “Silver Jet” y “Ready to Forget” ya han mostrado una evolución en su sonido, fusionando más elementos de indie pop con toques de rock alternativo y sintéticos. Cada lanzamiento es un paso más hacia una propuesta musical cada vez más madura y envolvente.

El trabajo visual de Roller Derby complementa perfectamente su música. Sus videoclips, como el de “Emily’s Dance” (2024), creado por el animador Johannes Walenta, son una extensión de su universo sonoro. El video para “Emily’s Dance” ofrece una representación visual de la canción, mostrando el contraste entre la seguridad de un espacio íntimo y la inmensidad del universo.

Con el lanzamiento de When The Night Comes a la vista, Roller Derby continúa ganando atención en todo el mundo. En 2025, la banda se embarcará en su primera gira por el Reino Unido en mayo, lo que les permitirá acercarse aún más a sus seguidores internacionales.