El cantante y compositor australiano Jude York continúa como una de las voces más emocionantes y transformadoras del pop alternativo y el dance pop. Con su capacidad para fusionar una estética vintage con una sensibilidad moderna, Jude ha capturado la atención del público global.
Tras el éxito de temas como Monaco y Those Were the Days, Jude regresa con su nuevo sencillo, After the Opera. Esta canción, se sumerge en temas como el anhelo, la traición y la frágil búsqueda de la belleza en medio del caos emocional.
Acompañando el lanzamiento del sencillo, Jude York presenta un videoclip visualmente impactante que refuerza la historia de After the Opera. La pieza audiovisual que nos sumerge en el mundo de un artista que se encuentra en plena preparación para una actuación crucial. Entre intensos ensayos con sus bailarines, Bouba y Kiki, y una serie de imágenes simbólicas como un jarrón en forma de corazón que se rompe y una lluvia de confeti, el video representa la lucha interna y la vulnerabilidad del proceso creativo.
“Con After the Opera, quería explorar las dualidades del arte y la vida, los momentos de triunfo y vulnerabilidad que nos definen como creadores”, explica Jude York.
Abby Payne ha estado cautivando a su audiencia con su estilo que fusiona el indie rock, el folk pop y el indie pop. Su música ha logrado encontrar una voz propia en el panorama musical.
El sencillo Jane toma inspiración de uno de los personajes más complejos de la literatura clásica: Edward Fairfax Rochester, el misterioso interés amoroso de Jane Eyre, la famosa novela de Charlotte Brontë. Payne, quien ha leído el libro en innumerables ocasiones, encuentra en Rochester una figura humana y llena de imperfecciones, una característica que resuena profundamente con ella.
En Jane, Abby Payne logra dar vida a su propia interpretación del personaje, explorando las emociones y la complejidad de su figura a través de un sonido teatral y envolvente. La canción mezcla lo introspectivo con lo grandioso, en una estructura que juega con los altibajos de la narrativa. La combinación de versos animados, coros grandilocuentes y un puente intrigante logra capturar la esencia de la historia de Jane Eyre. La producción de la canción también se destaca por sus toques experimentales, como lo comenta la propia Payne: “La canción no estaba terminada cuando entramos al estudio. Mi productor sugirió algo ‘extraño y agudo’ para el puente, y eso fue justo lo que necesitábamos para completarla”. Este toque creativo agrega una capa más de misterio y fascinación al tema, haciendo de Jane una pieza única dentro del repertorio de Payne.
Su música a menudo refleja una mirada profunda hacia su interior y las luchas que enfrenta como mujer, artista y ser humano. En un momento personal de gran transformación, Payne comenzó a escribir canciones más autobiográficas, dejando atrás las narrativas ficticias que habían marcado su carrera previa. Jane es uno de los ejemplos más claros de esta nueva fase en su música, donde no solo se permite explorar sus emociones, sino que también rinde homenaje a sus influencias literarias y culturales.
La estructura repetitiva de la instrumentación en Jane crea una atmósfera hipnótica que sostiene la interpretación vocal de Payne, permitiendo que cada palabra cargada de emoción se absorba completamente en la mente del oyente. Este estilo de música, casi teatral en su ejecución, refleja la habilidad de Payne para conectar la música con la narrativa de manera tan orgánica que ambas se convierten en una sola experiencia inmersiva.
Bending Grid es un músico y productor originario de Summerville, Carolina del Sur. Su propuesta artística se centra en los géneros Synthwave, Retrowave y Popwave, explorando estos estilos desde una perspectiva emotiva. Con una capacidad para contar historias a través de la música, Bending Grid ha sabido cautivar a su público mediante composiciones que combinan nostalgia, futurismo y una profunda carga emocional.
Con una fusión de sintetizadores brillantes, ritmos envolventes y melodías expresivas, ha demostrado una habilidad excepcional para equilibrar lo introspectivo con lo accesible, lo experimental con lo emocional. Sus producciones suelen evocar una sensación de viaje a través del tiempo, transportando a los oyentes a paisajes sonoros donde el pasado y el futuro se entrelazan en perfecta armonía.
Uno de los lanzamientos más recientes de Bending Grid es “Phoenix”, un sencillo que explora las dificultades económicas y la tensión geopolítica a través de una composición profundamente emotiva. La canción cuenta con la colaboración vocal de Anna Moore, cuya interpretación aporta una dimensión de vulnerabilidad y fortaleza. Con una instrumentación que oscila entre sintetizadores cristalinos y texturas sonoras crudas, “Phoenix” se convierte en una pieza que invita a la reflexión.
Además de su versión original, “Phoenix” también cuenta con una versión instrumental, que permite a los oyentes sumergirse en las capas sonoras y texturas de la pista. Esta versión evidencia el dominio de Bending Grid en la creación de atmósferas y emociones puramente a través de la música.
Bending Grid ha construido una discografía diversa, que incluye sencillos, remixes y colaboraciones con otros artistas dentro de la escena synthwave y popwave.
La dupla neoyorquina de música electrónica The Knocks y la artista canadiense de dance-pop Dragonette han vuelto a unirse para lanzar su más reciente sencillo “Revelation”, una canción que promete ser el himno de todas las pistas de baile. Esta colaboración marca el primer capítulo de su nuevo proyecto conjunto, después del éxito de su hit nominado al GRAMMY “Slow Song” en 2019.
“Revelation” es una explosión de energía fresca y vibrante, fusionando el estilo único de The Knocks, con sus grooves irresistibles, con las inconfundibles y potentes vocales de Dragonette. La canción combina la calidez vocal de Dragonette con el toque funky y dance de The Knocks, logrando una mezcla perfecta de nostalgia y modernidad, y un resultado que no solo hará que te muevas, sino que te transportará a un paisaje sonoro de otra época.
El video oficial de “Revelation”, acompañado por un visualizador te lleva a un espacio surrealista de los años 80. Este escenario ocurre en la ficticia Revelation Technologies, una empresa que representa ese ambiente corporativo liminal tan característico de la época, pero con una visión moderna y futurista. La estética, cargada de efectos visuales y toques vaporwave, es el marco perfecto para la energía de la canción, que te envuelve con su estilo visual único.
Aquaria, la ganadora de RuPaul’s Drag Race, es la musa del video, aportando su carisma y presencia para encarnar la energía soñadora y cautivadora de la canción. Su participación en el video refuerza el tono de libertad y fantasía de “Revelation”, añadiendo una capa extra de elegancia y extravagancia que solo aumenta el atractivo de la pieza.
The Knocks, con un sonido que abarca desde el disco hasta el hip-hop, pasando por soul, funk e indie, han logrado una versatilidad que les ha permitido colaborar con artistas de todos los géneros, tales como Billie Eilish, Charli XCX, Foster The People, y MGMT. Sus aclamados sets en vivo y DJ performances los han llevado a recorrer el mundo junto a grandes nombres como The 1975, Ellie Goulding y Justin Bieber.
Por su parte, Dragonette, liderada por Martina Sorbara, ha sido una pionera del electro-pop durante más de 15 años, con éxitos globales como “Pick Up the Phone” y “Hello” en colaboración con Martin Solveig. Ha trabajado con gigantes de la música como Basement Jaxx, Kaskade, y Galantis, y ha llevado su música a festivales emblemáticos como Coachella, Electric Daisy Carnival y Glastonbury. Su habilidad para fusionar el dance-pop con sonidos innovadores la ha establecido como una de las artistas más importantes del género.
La colaboración entre ambos artistas no solo celebra la nostalgia de los años 80, sino que también aporta una frescura moderna que conecta de manera instantánea con las nuevas generaciones.
Rusowsky se ha consolidado como una de las figuras más innovadoras de la escena musical en España. Fusionando distintos géneros y su estilo vanguardista lo han posicionado como un referente en el panorama hispanohablante. Con un sonido que oscila entre el synth pop, el lo-fi y la electrónica experimental, el artista madrileño ha conquistado una audiencia global.
Bajo el nombre de Ruslan Mediavilla, el artista comenzó su trayectoria en la música con una propuesta fresca y arriesgada. Su nombre artístico surge de la combinación de su apodo “Rus” con el nombre del icónico personaje de Monsters Inc., Mike Wazowski. Desde sus primeras producciones, Rusowsky destacó por una estética minimalista y una aproximación experimental a la composición musical. Con canciones que mezclan elementos de R&B, house y pop electrónico, ha logrado crear un estilo propio que ha captado la atención.
A lo largo de su carrera, Rusowsky ha trabajado con artistas como C. Tangana, Judeline, DELLAFUENTE y Ralphie Choo, consolidándose en la industria musical. Además, su colaboración con Latin Mafia en “neo roneo” y con Bb Trickz en “uwu^^” han sido aclamadas, con esta última siendo nombrada por Rolling Stone en Español como una de las mejores canciones en español del 2024.
En 2025, Rusowsky inició una nueva etapa en su carrera con el lanzamiento de “SOPHIA”, el primer adelanto de su esperado álbum debut. La canción, escrita y producida por él mismo, explora la obsesiva fascinación que se puede desarrollar hacia algo o alguien, transmitiendo una montaña rusa de emociones que van desde la euforia hasta la angustia.
Acompañado de un video musical co-dirigido por Fomotrauma y Roy Viceroy, “SOPHIA” se sumerge en una estética influenciada por el cine de terror, narrando una historia de amor entre el cantante y una misteriosa pareja que conoce a través de la pantalla del televisor.
Con presentaciones en festivales como Axe Ceremonia, Sónar y Lollapalooza en Sudamérica, Rusowsky ha demostrado ser una de las propuestas más imponentes de la música actual. En febrero de 2025, se presentará en el Festival de Bahidorá en México, mientras que en julio formará parte del cartel del Low Festival en Benidorm, España, junto a artistas como Empire of the Sun y Amaia.
El dúo estadounidense Fake Dad, integrado por Andrea de Varona (ella/ella) y Josh Ford (él/él), que combina indie rock y dream pop de una manera fresca y transgresora. Nacidos en la efervescente Nueva York y radicados en Los Ángeles, estos dos artistas se conocieron en una fiesta universitaria en East Village en 2020 y, desde entonces, han sido inseparables tanto en lo personal como en lo musical.
Su música se nutre de pegadizos ganchos pop, guitarras de inspiración noventera con un toque crujiente, líneas de bajo contundentes y sintetizadores envolventes. El resultado es una mezcla embriagadora y colorida, en la que cada tema se siente como un pequeño universo propio, capaz de conectar de inmediato con su audiencia. Todo esto, sumado a una producción distintiva y una cálida entrega vocal, permite al dúo transmitir emociones intensas y mensajes profundos sin perder la frescura y accesibilidad de su estilo.
El sencillo «Machinery» aborda temas sociales con una mirada crítica y sin concesiones. La canción explora la presión a la que se ven sometidas las mujeres en la industria musical, obligadas a presentarse como “productos consumibles” para ser tomadas en serio. En palabras de Andrea de Varona, el tema surge como respuesta a una presentación en la que todas las artistas lucían exactamente el mismo sostén con tachuelas, en un ambiente de competencia desmedida y desconexión.
“Esta canción fue escrita como respuesta a la forma en que este tipo de odio de mujer a mujer (o, más generalmente, de artista a artista) perpetúa estos espacios, mientras los verdaderos culpables – nuestra triste sociedad gobernada por hombres blancos multimillonarios y narcisistas – pasan desapercibidos. Al final, el hombre es el que realmente estamos denunciando, el que se lleva todo mientras nosotras nos quedamos comiendo de su palma.”
Con «Machinery», Fake Dad no solo ofrece un tema enérgico y cargado de actitud, sino que también invita a una reflexión sobre cómo la opresión y la sexualización de la mujer se institucionalizan en el mundo del arte y la música. La fuerza del mensaje se equilibra con una propuesta musical accesible y envolvente, logrando que la crítica social resuene en un amplio público sin llegar a ser abrumadora.
Inspirándose en leyendas del rock como PJ Harvey, Stevie Nicks, Tina Turner, LCD Soundsystem y David Bowie, el dúo utiliza la ficción para explorar aspectos muy reales de sus vidas, incluyendo sus identidades y sexualidades. Este enfoque les ha permitido traspasar las barreras de los géneros y ofrecer una música que se siente auténtica y reveladora.
Su próximo proyecto, el EP “Holly Wholesome and the Slut Machine”, promete adentrarse en un mundo de personajes excéntricos – desde payasos enfurecidos que voltean hamburguesas hasta caballeros malditos y demonios enmascarados del sueño paralizante – que, a pesar de su apariencia ficticia, reflejan las complejidades de la vida real y las luchas internas de los artistas en una industria dominada por dinámicas de poder desiguales.
La música brasileña ha sido siempre un crisol de sonidos y emociones, y en los últimos años, una nueva generación de artistas ha revitalizado la escena con frescura y autenticidad. Entre ellos, Julia Mestre destaca como una cantante, compositora, multiinstrumentista, productora musical, actriz y directora creativa, Mestre ha sabido fusionar el encanto nostálgico de la MPB con influencias contemporáneas, creando una propuesta musical única y envolvente.
Nacida en Río de Janeiro, Julia Mestre cuenta con dos álbumes en solitario, un disco colaborativo y tres EPs, consolidando una trayectoria que la ha llevado a ganar un Latin Grammy en la categoría de Mejor Álbum de Pop Contemporáneo en Lengua Portuguesa.
Su trabajo con Bala Desejo, un colectivo musical que ha conquistado públicos dentro y fuera de Brasil, ha sido clave en su reconocimiento internacional. Con un estilo que evoca la calidez y la sofisticación de artistas como Rita Lee y Marina Lima, pero con un aire fresco y moderno.
El lanzamiento de su nuevo sencillo, Sou Fera, marca una nueva etapa en su carrera. Inspirada en la energía de los viajes por carretera, la canción fusiona el aire etéreo del Balearic beat con el groove relajado del boogie brasileño y la sensibilidad del city pop japonés. La producción estuvo a cargo de la propia Julia, junto a Gabriel Quinto, Gabriel Quirino y João Moreira, logrando un sonido envolvente que transporta al oyente a un viaje sensorial por paisajes soleados y emociones intensas.
En sus propias palabras, Sou Fera representa la dualidad de la experiencia humana: la fortaleza exterior y la constante reinvención interna. “Quise reflejar el espíritu de la ‘mujer salvaje’: su sensibilidad y determinación, siempre persiguiendo sus sueños”, explica la artista. La canción también captura la sensación de estar en constante movimiento, de vivir entre escenarios, nuevas ciudades y culturas, pero también de lidiar con la introspección que conlleva ese estilo de vida.
Con un carisma arrollador, Julia Mestre sigue expandiendo su universo musical. Su próximo álbum promete consolidar su evolución artística y ofrecer un viaje sonoro que conecte el pasado y el futuro de la música brasileña.
La artista de origen neerlandés, Josephine Odhil, ha estado marcando huella en la escena musical con su propuesta de art pop oscuro y experimental. Basada en Ámsterdam, Odhil fusiona música y arte visual para crear una experiencia sensorial que invita a la introspección y el descubrimiento. Con un enfoque conceptual, su trabajo explora temas complejos como el lado más oscuro de la psique humana, a menudo inspirándose en la literatura, el cine y el simbolismo. Su música está dirigida a aquellos que se sienten atraídos por el misterio, la melancolía y lo oculto, y especialmente a los fanáticos de lo que se ha denominado “Pop Noir”.
El estilo musical de Josephine Odhil se caracteriza por una atmósfera densa y cautivadora, construida sobre bases de beats ásperos, sintetizadores inquietantes y melodías susurradas que invitan a perderse en su mundo sonoro. Su habilidad para jugar con el espacio y la tensión dentro de sus composiciones crea una sensación única, como si estuviera llevando a los oyentes a un viaje a través de las sombras. Cada canción tiene un aire de misterio, en donde lo emocional y lo visual se combinan para ofrecer una experiencia sensorial completa.
El más reciente sencillo de Odhil, “In The Dark”, ejemplifica la mezcla de sonidos hipnóticos y oscuros. Con una producción conjunta con Maurits Nijhuis y Joost van Eck, el tema destaca por sus graves distorsionados, una voz que parece flotar entre la niebla y una estructura que lleva al oyente de un espacio íntimo a una intensidad palpable. La transición hacia el minuto 1:29 es un momento clave, que marca un punto de inflexión en la canción y encapsula el estilo único de la artista.
Además de su música, la narrativa visual que acompaña su trabajo es crucial para entender el universo de Josephine Odhil. Cada imagen, cada videoclip, está impregnado de simbolismo y metáforas que refuerzan las emociones que ella busca transmitir. Su habilidad para integrar sus influencias artísticas en una sola propuesta hace que su música no solo sea una experiencia auditiva, sino también visual y conceptual.
Sus letras están llenas de simbolismo y referencias ocultas a sus fuentes de inspiración, lo que crea una conexión más profunda con su audiencia, invitando a los oyentes a descubrir los matices detrás de cada verso. Esta conexión se convierte en una especie de “conversación secreta” entre la artista y su público.
Con su próximo álbum en camino para principios de 2025, Josephine Odhil continúa explorando la oscuridad humana y llevando a su audiencia a lugares nunca antes imaginados. El “Pop Noir” que ha comenzado a definir su sonido no es solo una etiqueta, sino una invitación a sumergirse en un mundo sonoro y visual en el que lo desconocido se vuelve fascinante.
Amelie Jat originaria de Hong Kong y radicada en Londres, esta joven cantante, compositora y bailarina ha logrado crear una propuesta que se desliza entre géneros desde el pop dance hasta el pop-rock. Desde temprana edad, Amelie mostró un amor por la música, comenzando a tocar la batería a los tres años y luego adentrándose en la percusión orquestal. Esta pasión por la música la ha acompañado a lo largo de su vida, y fue a los 11 años cuando comenzó a escribir sus primeras canciones, convirtiéndose en una compositora autodidacta.
Su sonido ha evolucionado constantemente, pasando por varias etapas. En sus primeros años, el bedroom pop fue su sello distintivo, pero con el paso del tiempo, Amelie ha integrado influencias de artistas como Taylor Swift, Maisie Peters y LØLØ, dando lugar a una mezcla de pop refinado y letras introspectivas. Su álbum ‘for the plot’ de 2023 le permitió conectar con nuevos públicos y demostrar su crecimiento como artista, marcando un antes y un después en su carrera.
Recientemente, Amelie lanzó su sencillo “boys like you (leave girls dead inside),” un tema que refleja una de las facetas más sinceras y emocionales de su música. Con una letra que aborda el desamor y la reflexión sobre una relación fallida, la canción muestra la evolución de su estilo, fusionando un ritmo pegajoso y bailable con letras llenas de rabia y vulnerabilidad. En sus propias palabras, la canción es “enfadada, pero calma, como si una tormenta estuviera por estallar.”
La producción de este sencillo, realizada junto al productor nominado al Grammy James McMillan, destaca por su sofisticación y su capacidad para envolver al oyente en una atmósfera de emociones intensas. El tema presenta una estructura dinámica, donde los elementos de la percusión y la voz de Amelie juegan un papel crucial, llevando la canción a un crescendo de sentimientos y sensaciones.
Amelie no solo ha conquistado las plataformas de streaming, sino que también ha ganado una gran base de seguidores en redes sociales como TikTok, donde su autenticidad y vulnerabilidad conectan profundamente con su audiencia.
La música instrumental tiene el poder de evocar emociones sin necesidad de palabras, y Kopernico es un ejemplo de esta magia sonora. Originaria de Cancún, México, esta banda de dream pop rock instrumental ha logrado crear una identidad musical única, inspirada en el cosmos y la inmensidad del universo. Con un sonido misterioso y emotivo, Kopernico invita a embarcarse en un viaje a través del espacio.
Kopernico fue fundada por Esaú Barea, quien con su visión artística y talento musical comenzó a dar forma a un sonido que busca trascender los límites del lenguaje. Más tarde, se unirían Milton Ruiz en la guitarra y Mon Flowers en la batería, consolidando la esencia de la banda como un trío instrumental con un enfoque sonoro cinemático y evocador.
Desde sus inicios, Kopernico ha explorado distintos matices dentro del rock instrumental, fusionando elementos de dream pop, post-rock y ambient, creando paisajes sonoros que transportan al oyente a escenarios que van desde lo etéreo hasta lo energético y vibrante.
El 29 de noviembre de 2024, Kopernico lanzó su nuevo álbum titulado Hacia las Estrellas, en este disco, la banda combina la fuerza de la guitarra eléctrica con texturas envolventes de sintetizadores, beats electrónicos y percusiones cargadas de energía.
El álbum consta de 12 pistas que sumergen al oyente en una travesía musical sin palabras, donde la melancolía, la nostalgia, la felicidad y la esperanza se entrelazan en cada melodía. Hacia las Estrellas es un disco ideal para disfrutar en momentos de introspección, ya sea contemplando el cielo estrellado, explorando la naturaleza o simplemente dejando que la imaginación vuele.
Uno de los temas más destacados del álbum es «Artificial Love», el primer sencillo que introduce a los oyentes en la atmósfera del disco. Sobre esta canción, el medio Expansion Radial comentó:
“Kopernico logra capturar la dualidad del amor artificial: una mezcla de belleza y artificialidad, donde la perfección técnica se encuentra con la cruda realidad de las emociones humanas. Es una pieza que invita a la reflexión, a perderse en sus ritmos y melodías, y a encontrar un poco de uno mismo en su resonancia.”
Con Hacia las Estrellas, Kopernico ofrece una obra que es a la vez un refugio y un portal hacia lo desconocido. Para quienes buscan una experiencia sonora este álbum es algo que vale la pena explorar.
