Rafael Méndez

LA NUEVA OLA 2026 #656 | Eddie Boy, William K.Z. y Sonamó

LA NUEVA OLA 2026 #656 | Eddie Boy, William K.Z. y Sonamó

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Eddie Boy – Recordé | Estados Unidos

Iniciamos este recorrido con Eddie Boy, quien nos entrega Recordé, una canción provista de bastante originalidad donde resalta un estilo alt pop muy marcado; la pista incorpora efectos vocales con un guiño característico a Daft Punk, construyendo un ambiente dinámico y disfrutable donde las palabras y los ritmos sintéticos avanzan en completa armonía.

Nacido en México y afincado en la ciudad de Los Ángeles, este cantante, compositor y productor destaca por una amplia paleta técnica que entrelaza pop, pop latino, R&B y música electrónica; combinando letras en español e inglés, el creador navega entre fronteras lingüísticas y estilísticas para dar forma a una propuesta de carácter contemporáneo.


William K.Z. – The New New | Reino Unido

Continuamos la travesía junto a William K.Z., creador que nos ofrece The New New, una propuesta beneficiada por una producción destacable sobre un ritmo divertido con matices retro; la pieza destaca por una interpretación vocal rústica que acopla con fluidez sobre una sutil aura psicodélica, logrando un balance instrumental dinámico y lleno de personalidad.

Explorando los senderos del rock psicodélico alternativo, el artista compone melodías caracterizadas por su frescura rítmica y sus estructuras ricas en detalles; guiado por un enfoque abierto a la experimentación, el compositor logra capturar la atención del oyente a través de un trayecto directo que combina nostalgia instrumental con técnicas actuales.


Sonamó – Switch It Off | Estados Unidos

Terminamos las recomendaciones de hoy junto a Sonamó, agrupación que nos entrega Switch It Off, una propuesta de indie pop respaldada por un ritmo dinámico que se percibe moderno e interesante; la composición atrapa de inmediato gracias al trabajo detallado en su instrumentación, donde los arreglos rítmicos guían la canción con soltura y energía.

Basada en San Francisco y con raíces italianas, esta banda de global-groove fusiona funk mediterráneo, jazz, ritmos latinos, afrobeat e influencias brasileñas; tras publicar en dos mil veinticinco su álbum Eclectic Radio, la formación reimaginó en dos mil veintiséis el clásico de Renato Carosone “Tu Vuó Fa’ l’americano” incorporando slap bass y metales ajustados para la pista de baile.


En conclusión, esta entrega nos brinda un recorrido variado que conecta el alt pop bilingüe de Eddie Boy, la energía psicodélica de William K.Z. y el groove multicultural de Sonamó. Por esta razón, les invitamos cordialmente a darse una valiosa oportunidad para escuchar sus propuestas, agregando sus canciones a sus listas preferidas para seguir descubriendo increíbles talentos emergentes de la escena global.


La textura agridulce y el pulso retro de The BV’s en melancholy

La textura agridulce y el pulso retro de The BV’s en melancholy

Originaria de Augsburg, Alemania, la agrupación The BV’s nació por azar durante un invierno británico en 2016, cuando el alemán Fred coincidió en una residencia universitaria en Cornualles con Josh. Aquellos primeros demos grabados por diversión se convirtieron en su álbum debut speaking from a distance en 2017. A pesar de la distancia geográfica posterior, el conjunto mantuvo su producción enviando archivos por internet, editando discos y sencillos a través de sellos internacionales en Alemania, Estados Unidos, Indonesia y Grecia, además de recorrer escenarios europeos como Indietracks y Madrid Popfest.

La dinámica del grupo cambió favorablemente en 2022 cuando Josh se mudó a Alemania, permitiendo que todos los integrantes residieran finalmente en la misma ciudad. Esta cercanía facilitó el lanzamiento de taking pictures of taking pictures en 2024. Tras dos años de giras que los llevaron a escenarios de Málaga, Glasgow y Atenas, el conjunto preparó el terreno para publicar en 2026 su cuarto álbum de estudio titulado periphery. En este recorrido, el proyecto ha consolidado una fusión distintiva entre el indie pop, el shoegaze y la cadencia repetitiva del krautrock.



Dentro de este catálogo en constante evolución se sitúa su canción melancholy, una propuesta proyectada con marcados aires retro que equilibran la nostalgia con la frescura. La pista se desenvuelve sobre un ritmo alegre y una producción sumamente cuidada, donde cada textura instrumental encuentra un espacio bien definido dentro de la mezcla. La estructura avanza con fluidez, combinando repeticiones hipnóticas con matices melódicos que capturan la atención del oyente desde el primer compás.

El ensamble se completa con una interpretación vocal cálida y controlada que se acopla con notable precisión al espíritu de la canción. La voz evita los excesos y se integra con sobriedad en el entramado sonoro, aportando una presencia cercana que refuerza la calidad de la entrega. Sin recurrir a artificios estridentes, The BV’s firma con este corte una muestra sumamente representativa de su sonido agridulce y refinado en la escena independiente actual.


El pulso pausado y la emotividad pop de Celestial Skies en Just Hold On!

El pulso pausado y la emotividad pop de Celestial Skies en Just Hold On!

Detrás del proyecto Celestial Skies se encuentra el cantautor itinerante Chris Selman, quien anteriormente presentó música bajo el seudónimo Words & Noises y con su propio nombre. A lo largo de su trayectoria nómada por el Reino Unido —con estancias en Londres y un asentamiento actual en Mánchester—, su propuesta ha obtenido el respaldo de estaciones regionales de la BBC y reseñas en medios como NME, The Guardian, Wonderland y Notion. Su evolución incluye el álbum debut Songs For Blue Romantics en 2022 y los EPs Walk in the Shadows y The Gender Agenda presentados durante 2024.

La madurez conceptual del proyecto alcanzó un punto álgido con el lanzamiento de su segundo álbum de estudio, The Art of Breaking Hearts, publicado el 23 de mayo de 2025. Precedido por el exitoso sencillo Go Slow!, este disco fue grabado y mezclado en los reputados Blueprint Studios de Mánchester y masterizado en los históricos Abbey Road Studios de Londres. La producción refleja una contención melódica que equilibra la sobriedad instrumental con la calidez compositiva que caracteriza el estilo del autor.



Dentro de este marco de trabajo se inserta la pieza Just Hold On!, una propuesta de pop con alma que se despliega sobre una estructura limpia y pausada. La pista destaca por un ritmo lento y constante que, lejos de estancarse, se enriquece mediante diversos matices sonoros colocados con notable precisión. Esta cadencia tranquila permite que cada elemento armónico respire de manera natural, otorgándole un perfil firme y una personalidad evidente a lo largo del recorrido.

La canción logra transmitir una expresividad sobria que se apoya en la solidez del arreglo y la claridad de su entrega. Sin necesidad de recurrir a la estridencia ni a sobrecargas de producción, el tema sostiene la atención del oyente gracias a la efectividad de sus recursos melódicos. Con esta composición, Celestial Skies demuestra una vez más su habilidad para estructurar canciones pop de trazo maduro y factura técnica pulcra.


LA NUEVA OLA 2026 #650 | DZIANA, rowa y Kelsea Kirsch

LA NUEVA OLA 2026 #650 | DZIANA, rowa y Kelsea Kirsch

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


DZIANA – november | Estados Unidos

Iniciamos este recorrido con DZIANA, quien nos entrega november, una propuesta dulce sostenida por una sección acústica muy interesante; la composición cobra vida gracias a una interpretación vocal suave que aporta cierto encanto, logrando construir un entorno pausado que acompaña la melodía con naturalidad a través de un enfoque íntimo.

Nacida en Bielorrusia y radicada en Varsovia tras vivir en ciudades como Boston o Londres, la artista de veinticinco años concibe la música como un diario abierto enfocado en explorar la distancia; inspirada por voces cercanas e influencias como Lizzy McAlpine o The Marías, la cantautora presenta este tema como el primer corte de un EP debut que completará su lanzamiento el veintiocho de octubre.


rowa – Punk Tsugi | Estados Unidos

Continuamos la travesía junto a rowa, creadora que nos ofrece Punk Tsugi, una canción de alt pop enriquecida con marcadas influencias del rock y la música electrónica; la pieza integra sintetizadores que otorgan un ligero toque industrial, mientras que el apartado vocal añade matices urbanos provistos de gran personalidad que guían el ritmo con firmeza.

Ubicada en Los Ángeles, esta productora, compositora y multiinstrumentista destaca por un concepto creativo que abarca desde composiciones complejas hasta entornos interactivos en tres dimensiones; alimentada por una trayectoria nómada y experiencias personales diversas, la artista consolida una propuesta independiente donde la experimentación estilística fluye sin ataduras.


Kelsea Kirsch – Bell Jar | Estados Unidos

Terminamos las recomendaciones de hoy junto a Kelsea Kirsch, quien nos entrega Bell Jar, una propuesta que expone su lado acústico sobre la base de un pop bien definido; la pista resalta por una voz suave, de registro bajo y técnica airosa que acopla de forma ideal con los matices soñadores de corte dreamy que envuelven la composición.

Basada en California, esta cantautora da forma a melodías atemporales y narrativas reflexivas cargadas de nostalgia; respaldada por producciones cálidas y ambientales ideales para caminatas o trayectos nocturnos, la intérprete se abre paso en la escena independiente tras presentar su sencillo debut High Tide mientras prepara la llegada de nuevo material.


En conclusión, esta entrega nos ofrece un panorama variado que une la sensibilidad acústica de DZIANA, la fuerza experimental de rowa y la delicadeza soñadora de Kelsea Kirsch. Por esta razón, les invitamos cordialmente a darse una valiosa oportunidad para escuchar sus propuestas, agregando sus canciones a sus listas preferidas para seguir descubriendo increíbles talentos emergentes de la escena global.


La esencia rock de Cheap Machines en Moonlighting

La esencia rock de Cheap Machines en Moonlighting

El origen de la agrupación Cheap Machines se remonta a un verano soleado en Illinois, donde Ian Barr y Travis Kelly entablaron amistad al iniciar la preparatoria. Uniendo la afición de Kelly por el pop melódico de los años sesenta con la fascinación de Barr por el rock pesado de los setenta y noventa, ambos pasaron de competir en batallas de bandas a unir fuerzas durante la universidad. Tras un periodo de inactividad, ambos se reencontraron en Los Ángeles en 2016 con la meta clara de componer, grabar y mezclar su álbum debut Shared Delusions.

Para llevar estas composiciones al escenario, la dupla completó su alineación con Bobby Gaglini en el bajo, Will Thomas Brunet en la batería y John Carey en los teclados y sintetizadores. La incorporación de estos músicos consolidó al quinteto en la escena en vivo de Los Ángeles, donde han mantenido una actividad constante. La identidad del proyecto se fundamenta en canciones de fuerte impacto melódico y un compromiso absoluto con la tradición del rock, fusionando sus diversas influencias generacionales en un sonido propio.



Dentro de esta dinámica instrumental se inserta su sencillo Moonlighting, una pieza inscrita dentro del rock ligero que sostiene un pulso constante de principio a fin. La pista se desarrolla sobre un ritmo envolvente que capta el interés del oyente con fluidez, manteniendo la estructura limpia y sin saturación de arreglos. La producción cuida la nitidez del ensamble, permitiendo que las guitarras y la sección rítmica avancen con solidez a lo largo de toda la composición.

La canción destaca por mantener intacta la naturaleza del género, respetando de forma muy precisa la esencia rockera que define al conjunto. Lejos de buscar artificios ajenos a su propuesta, la entrega se apoya en la efectividad de sus ganchos y en una ejecución técnica sobria pero enérgica. Con este corte, Cheap Machines confirma la solidez de su ensamble y la continuidad de un proyecto enfocado en la honestidad de la interpretación en vivo.


El pulso lo-fi y la calidez retro de BESOS en SI TE VAS

El pulso lo-fi y la calidez retro de BESOS en SI TE VAS

Radicado en Portland, Oregón, el proyecto BESOS constituye la vertiente creativa del multiinstrumentista Alejandro Preciado. La propuesta se mueve dentro del terreno del lo-fi pop soul, alimentándose de influencias heterogéneas que abarcan la cumbia, el soul, el jazz, el funk y el cine clásico mexicano. Esta conjunción de fuentes sonoras le permite al autor estructurar una personalidad estética definida, donde la nostalgia y los ritmos pausados dialogan con naturalidad.

El trabajo de Preciado destaca por una integración orgánica de texturas analógicas y cadencias heredadas de tradiciones populares. Lejos de saturar sus piezas con arreglos complejos, la instrumentación prioriza la claridad melódica y el espacio entre las notas. Esta economía de recursos le otorga a su catálogo un carácter sobrio e íntimo. De este modo, la propuesta conecta la calidez del género soul con la estética accesible del pop de baja fidelidad.



En esta misma línea estilística se enmarca su sencillo SI TE VAS, una entrega inscrita en el indie pop moderno que incorpora marcados tintes retro y sutiles toques de rock. La composición se desarrolla sobre un ritmo pausado y envolvente que logra capturar la atención del oyente desde el inicio. La base instrumental fluye con ligereza, permitiendo que cada matiz sonoro encaje dentro de un ambiente de escucha ágil, pulcro y sumamente disfrutable.

El elemento principal del tema reside en la voz del intérprete, caracterizada por un timbre pastoso, suave y airoso que se acopla a la perfección con el resto del ensamble. La línea vocal guía el recorrido armónico sin forzar el volumen, aportando una solidez interpretativa que redondea la estructura general


La nostalgia análoga y la calidez indie de DINAH en Silent Movie

La nostalgia análoga y la calidez indie de DINAH en Silent Movie

Establecido en Berlín y conformado por Mya Audrey y Robert Kerner, el dúo DINAH proyecta una propuesta que entrelaza la producción del indie pop moderno con un cálido sonido cinematográfico de la Costa Oeste. Su sonido habita en la frontera entre la intimidad análoga y las estéticas digitales, abordando temáticas sociales e individuales mediante melodías claras y ritmos suaves. Entre sintetizadores analógicos, guitarras brillantes y una marcada nostalgia, sus composiciones se aproximan al universo de referencias como Men I Trust, Beach Fossils, Strongboi o Parcels.

El concepto del conjunto explora sensaciones ligadas al anhelo, las noches de verano y la pausa contemplativa, construyendo un estado flotante entre el recuerdo y el presente. En sus arreglos convergen destellos de romance surf y euforia vintage que dialogan con la levedad y la profundidad compositiva. Esta combinación de elementos rítmicos y texturas de cinta magnética le permite al dúo berlinés estructurar un catálogo caracterizado por la contención instrumental y un pulso constante que invita a una escucha atenta y reposada.



Dentro de este marco de exploración sonora destaca Silent Movie, una pieza inscrita en el indie pop actual que despliega una atmósfera de notable encanto. La canción se sostiene sobre un ritmo tranquilo que avanza con serenidad, apoyándose en arreglos de teclado que aportan un discreto toque retro al ensamble. La producción equilibra los planos instrumentales para garantizar un espacio ágil donde los matices sintéticos y la base rítmica convergen de manera fluida y altamente disfrutable.

El eje central de la entrega reside en la interpretación principal, donde la artista destaca como protagonista absoluta con una voz dulce y suave. A través de pequeñas sutilezas y detalles expresivos en su emisión vocal, la cantante imprime un sello distintivo de personalidad a toda la pista. Sin recurrir a artificios ni a producciones estridentes, DINAH ofrece con esta composición una grata experiencia auditiva que confirma la coherencia de su proyecto dentro de la escena independiente europea.


El matiz soul y la textura lo-fi de D Mills en Out of Your Mind

El matiz soul y la textura lo-fi de D Mills en Out of Your Mind

Radicado en Los Ángeles, el productor, artista y músico de sesión Danny Mills —conocido como D Mills— lleva en su linaje la herencia de la legendaria Bessie Smith, de quien es tataranieto. Su camino en la música comenzó a los dieciséis años cuando decidió dedicar su vida a esta disciplina. Durante la secundaria, bajo la tutela de la Dra. Gayle Serdan, aprendió piano con la meta explícita de componer libremente, adentrándose en el lenguaje de la improvisación del blues y del jazz.

Con el tiempo, el creador extendió sus habilidades al bajo y la guitarra de forma autodidacta, consolidando una experiencia en vivo que lo ha llevado a recorrer el mundo junto a intérpretes consagrados e independientes. Esta formación integral le ha permitido escribir y grabar con figuras destacadas de la industria. Su versatilidad y pasión compositiva se reflejan con claridad en tres álbumes de larga duración: The Recital, Agape y su más reciente producción titulada Prism.



Dentro de este catálogo sobresale la pista Out of Your Mind, una propuesta que destaca por un ritmo delicioso sustentado en la mezcla de recursos del indie pop, el soul y sutiles toques lo-fi. La composición hace un uso notable de las líneas de bajo y el teclado, instrumentos que dialogan de forma equilibrada para establecer una base armónica sólida. Esta cuidada instrumentación demuestra el dominio técnico del compositor sobre los arreglos de teclado y cuerdas.

La interpretación vocal se ensambla con precisión a esta estructura rítmica, aportando calidez y dinamismo para llenar de vida cada pasaje de la canción. La combinación de timbres y la fluidez del arreglo convierten la escucha en una experiencia sumamente disfrutable y bien articulada. Sin recurrir a artificios excesivos, D Mills firma con este corte una muestra sobria de su madurez sonora e ingenio dentro de la música independiente contemporánea.


El pulso cinematográfico y la profundidad de Andi Almqvist en We’re All Gonna Die (But I Can Live With That)

El pulso cinematográfico y la profundidad de Andi Almqvist en We’re All Gonna Die (But I Can Live With That)

El cantante, músico y compositor sueco Andi Almqvist ha forjado una trayectoria distinguida por un sonido oscuro y cinematográfico, enriquecido por líricas evocadoras. Con siete álbumes de estudio en su haber —incluyendo su producción lanzada el 24 de septiembre de 2026—, el artista ha recorrido escenarios globales compartiendo cartel con figuras de la talla de Mark Lanegan, Wovenhand y B.B. King. Asimismo, su obra ha formado parte de producciones cinematográficas y televisivas de renombre internacional, como la cinta The Hunt y la serie Justified.

Su propuesta autoral abreva de un abanico amplio de referentes esenciales que abarca desde Leonard Cohen, Tom Waits y Nick Cave hasta Black Sabbath, Ennio Morricone y Charles Mingus. Esta amalgama de influencias le permite construir composiciones con gran densidad expresiva y un cuidado sentido de la atmósfera. A través de colaboraciones con diversos creadores y una sólida disciplina instrumental, el músico escandinavo mantiene una firma estética reconocible dentro del circuito alternativo.



En este marco conceptual se sitúa la canción que da título a su reciente material, We’re All Gonna Die (But I Can Live With That). La pista se sostiene sobre la base de un rock dotado de un ritmo adictivo e insaciable que impulsa el tema con constancia. La producción equilibra la aspereza instrumental con una cadencia envolvente, logrando una pieza de pulso firme que capta la atención de inmediato sin descuidar el detalle técnico en sus arreglos.

El elemento distintivo de la composición reside en la interpretación vocal del autor, caracterizada por un peso, cuerpo y presencia singulares. Su tesitura de bajo encaja de manera idónea con la base de rock, aportando un matiz de seriedad y volumen a la línea melódica. Sin recurrir a artificios ni a adornos innecesarios, Andi Almqvist entrega una muestra coherente de su madurez sonora que consolida su estilo distintivo.


Oro: La atmósfera pulida y la identidad indie de Sociedad Fuego

Oro: La atmósfera pulida y la identidad indie de Sociedad Fuego

Surgido en Buenos Aires pero impregnado de raíces venezolanas, el proyecto Sociedad Fuego nace de la necesidad de canalizar el afecto y la pertenencia desde la distancia. La agrupación se conforma por Marialejandra Gallegos (exintegrante de Las Viajantes), Dimas Martínez Muro (proveniente de Gran Celaje) y Jorge Molina (de la iniciativa solista Baud). Tres figuras con trayectoria previa en la escena venezolana que cruzan caminos en una ciudad ajena para sostener una conversación sonora franca y compartida.

La propuesta colectiva se define por un cruce orgánico de géneros donde conviven el folk, el indie y los matices oscuros del post-punk. En este nuevo terreno creativo, el trío utiliza la experiencia acumulada para construir arreglos sobrios donde las influencias de cada integrante encajan con naturalidad. Sin recurrir a artificios desmedidos, su sonido refleja la madurez de tres músicos habituados al trabajo de ensamble y al oficio directo de la canción de autor.



En esa línea de constante exploración se enmarca Oro, una entrega inscrita en el indie pop con sutiles tintes de rock que sobresale por su ritmo fluido y delicioso. La canción desarrolla un estilo fresco que no escatima en matices, apoyándose en una atmósfera detallada que envuelve la estructura rítmica con rigor. Cada elemento instrumental encuentra su espacio dentro del corte, ofreciendo una experiencia auditiva ágil, bien equilibrada y con una marcada personalidad propia.

El apartado interpretativo se consolida gracias a una parte vocal trabajada con técnica limpia y un estilo sumamente definido que aporta solidez al conjunto. La voz se integra con naturalidad al tejido armónico, permitiendo que la composición mantenga su claridad melódica de principio a fin. Sin exageraciones ni grandilocuencias, Sociedad Fuego firma con Oro una propuesta muy bien lograda que confirma la fuerza expresiva de este proyecto en formación.