Rafael Méndez

Caitlin & Brent y la intensidad de “Pleasure In the Pain”

Caitlin & Brent y la intensidad de “Pleasure In the Pain”

La historia de Caitlin & Brent surge en un momento de incertidumbre. Caitlin Sherman, tras el lanzamiento de su álbum solista Death To The Damsel en 2020, vio cómo la pandemia truncaba sus planes de giras y presentaciones. En medio de esa pausa forzada, encontró un nuevo cauce creativo junto a Brent Amaker, conocido por su voz profunda y su paso por el country-western. De esa unión nació un proyecto que combina sensibilidad y contraste, reflejando tanto la vulnerabilidad como la fuerza de empezar de nuevo.

En este marco aparece “Pleasure In the Pain”, una canción que se distingue por su producción detallada e impactante. La atmósfera que construye es rica en matices, con un ritmo dinámico que se sostiene en lo mejor del indie rock. La pieza no se limita a la energía instrumental, sino que encuentra en el contraste de voces su mayor atractivo: la suavidad romántica de Sherman frente al timbre áspero de Amaker, un diálogo que refuerza la tensión emocional del tema.



La propuesta de Caitlin & Brent se siente como un puente entre épocas. Sus arreglos evocan tanto la estética de los años sesenta como la frescura de la música independiente actual. En “Pleasure In the Pain”, esa dualidad se traduce en un sonido que no busca ser complaciente, sino envolvente, capaz de transmitir la intensidad de las emociones que dieron origen a la colaboración. Es un tema que se sostiene en la química de sus intérpretes y en la claridad de su producción.

Al escuchar “Pleasure In the Pain”, se percibe una invitación a sumergirse en un espacio donde el dolor y el placer conviven. La canción no pretende adornarse con artificios, sino mostrar un indie rock directo, con atmósfera cuidada y voces que se complementan en su diferencia. En esa mezcla de dinamismo y contraste, Caitlin & Brent confirman que su unión artística es capaz de transformar la incertidumbre en una propuesta que conecta con el presente.


Maite Iriarte y la atmósfera acústica de “Tengo que decirte que”

Maite Iriarte y la atmósfera acústica de “Tengo que decirte que”

La trayectoria de Maite Iriarte se ha tejido entre Pamplona y Salamanca, ciudades que marcaron el inicio de su voz y su formación musical. Psicóloga de profesión, encontró en la música un cauce inevitable, primero como corista en distintas agrupaciones salmantinas y luego como solista en Tiebas, donde comenzó a escribir sus propios temas. Con proyectos como La Banda Dispersa y The Swingers Morning, fue consolidando un estilo versátil que se nutre de géneros diversos, desde el bolero hasta el jazz.

En este recorrido aparece “Tengo que decirte que”, una canción que destaca por su riqueza instrumental. La atmósfera acústica se construye a partir de cuerdas frotadas y percusiones que sostienen el tema con naturalidad, mientras la voz cálida y con buen cuerpo de Iriarte se convierte en el centro de la experiencia. El resultado es un sonido que combina influencias folk y pop con un toque latinoamericano, logrando una propuesta cercana y envolvente.



La historia de Maite Iriarte también está marcada por colaboraciones y aprendizajes. Su encuentro con Jesús Los Arcos le permitió grabar Regresiones Acústicas, un disco que recoge momentos significativos de su carrera. En los últimos años, el ukelele se ha convertido en su compañero de composición, aportando nuevas texturas a sus canciones y reforzando la idea de que cada tema pide un tratamiento distinto según su esencia.

Al escuchar “Tengo que decirte que”, se percibe un equilibrio entre sencillez y profundidad. La canción no busca artificios, sino transmitir emociones a través de un sonido orgánico y directo. En esa mezcla de tradición acústica y matices contemporáneos, Maite Iriarte reafirma su lugar como una voz que fluye con autenticidad, ofreciendo música que conecta desde lo íntimo y que refleja la corriente vital que guía su camino artístico.


Denna Mur y el viaje musical de “Ferris Wheel”

Denna Mur y el viaje musical de “Ferris Wheel”

El proyecto musical Denna Mur, creado por Alec Nakano en Ventura, California, representa una búsqueda constante de nuevas formas de expresión. Tras el debut con No Name Cinema, un álbum concebido en plena pandemia y marcado por un proceso de grabación poco convencional, Nakano inicia ahora una nueva etapa en su producción y composición. En este contexto aparece “Ferris Wheel”, el primero de una serie de sencillos que abren un capítulo distinto en su trayectoria.

La canción “Ferris Wheel” se sostiene en un ritmo ameno y un sonido pop-rock que se siente cercano. Su estructura no busca complejidad excesiva, sino transmitir una sensación de abrazo sonoro, reforzada por la voz controlada y encantadora del artista. Es un tema que conecta con el oyente desde la sencillez, ofreciendo un espacio donde la melodía y la interpretación se complementan de manera natural.



El recorrido previo de Denna Mur ayuda a entender este nuevo lanzamiento. No Name Cinema fue un álbum que exploró los límites entre realidad y ficción, inspirado en referencias cinematográficas y en experiencias personales. Con canciones narrativas y atmósferas folk, aquel trabajo mostró una faceta introspectiva. Ahora, con “Ferris Wheel”, el proyecto se desplaza hacia un terreno más ligero y accesible, sin perder la intención de generar un vínculo emocional.

Al escuchar “Ferris Wheel”, se percibe la voluntad de abrir un nuevo camino en la propuesta de Denna Mur. La canción se convierte en una invitación a dejarse llevar por un sonido que, aunque sencillo, resulta envolvente. En esa mezcla de frescura pop-rock y una voz que transmite cercanía, Nakano reafirma su capacidad de evolucionar y de ofrecer música que se siente viva y presente.


Big Sleep y el pulso retro de “Doo Doo Doo Doo Doo”

Big Sleep y el pulso retro de “Doo Doo Doo Doo Doo”

No es la primera vez que hablamos de Big Sleep, y eso ya dice mucho de la huella que están dejando en la escena indie-alternativa. La banda de Dublín, formada por Rónán Connolly, Matteo Poli, Evin O’Connor y Dougie Sealy, ha sabido construir un camino sólido a través de presentaciones en vivo que desbordan energía y un repertorio que combina lo rítmico con lo emocional. Su historia, marcada por giras y escenarios llenos antes de la pandemia, refleja un compromiso constante con la música original.

En ese contexto aparece “Doo Doo Doo Doo Doo”, una canción que lleva en sus entrañas un ADN retro. Las influencias del rock y el indie pop se entrelazan en un ritmo dinámico y divertido, capaz de evocar épocas pasadas sin perder frescura. Es un tema que se disfruta por su sencillez y por la manera en que logra conectar con el público, mostrando otra faceta del sonido versátil de la banda.



La propuesta de Big Sleep en esta canción se suma a lo que ya hemos revisado en trabajos anteriores: un estilo que no teme experimentar y que se sostiene en la fuerza de sus presentaciones en vivo. “Doo Doo Doo Doo Doo” confirma que la banda no se limita a repetir fórmulas, sino que busca expandir su identidad musical con piezas que, aunque simples en estructura, resultan memorables por su carácter rítmico.

Al escuchar “Doo Doo Doo Doo Doo”, se percibe un juego entre lo retro y lo contemporáneo. La canción no pretende ser grandilocuente, sino efectiva en su capacidad de atrapar al oyente con un pulso constante y alegre. En esa mezcla de influencias y en su espíritu ligero, Big Sleep reafirma su lugar como una banda que sabe mirar hacia atrás sin dejar de avanzar, ofreciendo música que se disfruta tanto en la nostalgia como en el presente.


Tamar Berk revive el espíritu retro con “indiesleaze 2005”

Tamar Berk revive el espíritu retro con “indiesleaze 2005”

La trayectoria de Tamar Berk se ha caracterizado por un sonido que oscila entre el indie rock y el alt-pop, con guitarras distorsionadas y texturas oníricas que acompañan letras cargadas de intensidad emocional. Su formación musical, desde el piano clásico hasta la influencia de artistas como Bowie y Liz Phair, le ha permitido construir un estilo propio que se mueve entre lo melódico y lo introspectivo. En su carrera solista, Berk ha mantenido una independencia férrea, produciendo y grabando bajo un enfoque DIY que refuerza su autenticidad.

En este contexto aparece “indiesleaze 2005”, una canción que se sostiene en las bases del pop tradicional, pero que añade un toque retro evocador. El tema remite a épocas pasadas, con un ritmo sencillo que, sin necesidad de complejidad, logra ser lo suficientemente potente para permanecer en la memoria. Es una pieza que se siente familiar y a la vez fresca, como un puente entre la nostalgia y el presente.



La propuesta de Tamar Berk en esta canción no se limita a reproducir fórmulas conocidas. Su capacidad para integrar influencias clásicas con un aire contemporáneo le permite generar un sonido que conecta con distintas sensibilidades. “indiesleaze 2005” se convierte así en un ejemplo de cómo el pop puede dialogar con lo retro sin perder vigencia, ofreciendo un espacio sonoro que invita tanto a recordar como a descubrir.

Al escuchar “indiesleaze 2005”, se percibe un equilibrio entre sencillez y fuerza. La canción no busca adornos excesivos, sino que apuesta por un ritmo directo y una atmósfera que evoca imágenes de épocas pasadas. En esa mezcla de tradición y modernidad, Tamar Berk reafirma su lugar dentro de la escena independiente, mostrando que su música sigue siendo capaz de atrapar al oyente con propuestas que se sostienen en la honestidad y en la memoria sonora.


Shimdra y la fuerza de “Somos lo que somos”

Shimdra y la fuerza de “Somos lo que somos”

El dúo costarricense Shimdra, originario de Tres Ríos en Cartago, ha construido su identidad a partir de un largo recorrido que comenzó con la banda Shangri-Lá en los años 2000. Con el paso del tiempo, la formación se consolidó y en 2010 inició la grabación de su primera producción musical, sumando la participación de Fabián Romero en el bajo y Katherine en la voz principal. La historia del grupo refleja un proceso de transformación constante, marcado por la búsqueda de un sonido propio dentro del rock criollo.

En 2016 la incorporación de Bob de la Vega como voz principal dio un nuevo impulso a Shimdra, que junto a Ale Calderón en la guitarra y voz, Fabián Romero en el bajo y Alejandro Di Mare en la batería, conformaron una etapa más sólida. A finales de 2018, el contacto con el productor argentino Mario Breuer abrió un camino de composición y ensayos que reafirmó la intención de trabajar en música original. Sin embargo, la enfermedad y posterior partida de Romero en 2020 dejó una huella profunda en la agrupación.



Dentro de este recorrido aparece “Somos lo que somos”, una canción que se sostiene en influencias rock muy marcadas. Su ritmo simple funciona como un recurso suficiente para atrapar al oyente, mientras que la voz cálida y llena de vida aporta un carácter humano y directo. El tema no busca complejidad excesiva, sino transmitir con claridad la esencia de la banda y su manera de entender el rock como un lenguaje cercano.

Al escuchar “Somos lo que somos”, se percibe un diálogo entre la historia del grupo y su presente. La canción refleja tanto la resiliencia de Shimdra como su capacidad de transformar experiencias en música que conecta. En esa mezcla de sencillez rítmica y energía vocal, el dúo reafirma su lugar dentro de la escena costarricense, mostrando que su propuesta se sostiene en la autenticidad y en la fuerza de seguir creando.


LA NUEVA OLA 2025 #132 | June Sixteen, Robber Robber y Jacob The Horse

LA NUEVA OLA 2025 #132 | June Sixteen, Robber Robber y Jacob The Horse

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


June Sixteen – Black Stone | Países Bajos

El recorrido comienza con June Sixteen y su tema Black Stone, una propuesta que fusiona el rock clásico con tintes country, creando una atmósfera cálida y envolvente. La voz del proyecto aporta carácter y se integra con el ritmo para dar forma a una pieza que fluye con naturalidad. El resultado es una canción que invita a dejarse llevar por su cadencia y por la mezcla de estilos que la sostienen

June Sixteen es el proyecto musical de Angelique Piovillico y Patrick De Kok, quienes han decidido sumar a otros músicos talentosos para enriquecer su propuesta. La colaboración se convierte en el eje central de su trabajo, generando un espacio creativo abierto y diverso. Con esta dinámica, el dúo logra construir un sonido que se siente cercano y al mismo tiempo lleno de matices


Robber Robber – Talkback | Estados Unidos

La segunda parada nos lleva a Robber Robber con Talkback, una canción que atrapa desde el primer segundo con su ritmo frenético y divertido. La energía de la pieza se despliega con guitarras intensas, bajo constante y percusión incisiva, mientras la voz aporta un toque que refuerza su carácter adictivo. Es un tema que se disfruta en movimiento, con un estilo que no se detiene

El cuarteto de Burlington, Vermont —Nina Cates, Zack James, Will Krulak y Carney Hemler— ha construido una identidad difícil de definir, moviéndose entre el indie rock y la experimentación. Tras el reconocimiento de su debut Wild Guess en 2024, regresan con este nuevo sencillo que reafirma su capacidad de sorprender. La canción llega acompañada de un video dirigido por los propios integrantes, mostrando que su propuesta va más allá de la música y se extiende hacia lo visual


Jacob The Horse – 666 Chicks | Estados Unidos

Finalmente aparece Jacob The Horse con 666 Chicks, una canción que se sumerge en un rock crudo lleno de energía y con un ritmo cambiante que impacta de inmediato. La pieza transmite fuerza y se convierte en un grito que mezcla rabia y diversión, logrando conectar con quienes buscan intensidad en la música. Su estilo recuerda al punk clásico pero con elementos modernos que lo hacen actual

Formado en Los Ángeles, Jacob The Horse está integrado por Aviv Rubinstien, Rick Chapman, Mark Desrosiers y Josh Fleury. Su álbum At Least It’s Almost Over, producido por Jack Shirley, incluye varias regrabaciones y se mueve entre punk, grunge y folk-punk. Con letras que abordan ansiedad, anarquía y crítica social, el grupo construye un discurso que refleja el tiempo presente y que busca despertar conciencia sin perder la energía de su propuesta musical


En conclusión, June Sixteen, Robber Robber y Jacob The Horse nos muestran tres formas distintas de entender el rock y sus ramificaciones. Cada uno aporta un estilo propio que merece ser escuchado, desde la fusión cálida del country con el rock clásico hasta la energía indie y el punk visceral. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un espacio en tu playlist, porque descubrir nuevas propuestas siempre abre horizontes en la experiencia musical


Curt Barlage y la oscuridad encantadora de “Endless Nothing”

Curt Barlage y la oscuridad encantadora de “Endless Nothing”

El músico angelino Curt Barlage, conocido por su paso en la banda The Bixby Knolls y sus giras por México durante la década de los dos mil diez, ha decidido emprender un camino en solitario. La pandemia y el cierre de proyectos colectivos lo llevaron a replantear su relación con la música, optando por publicar bajo su propio criterio creativo. En este regreso, Barlage retoma influencias de shoegaze y dream pop, pero sin abandonar la energía que lo ha caracterizado en la escena indie de Los Ángeles.

En ese contexto surge “Endless Nothing”, una canción que se sostiene en claras influencias rock, pero que incorpora un matiz oscuro en su atmósfera. El ritmo, relativamente simple, funciona como un vehículo para transmitir un encanto particular, más sugerente que explosivo. La pieza se convierte en un espacio donde la sobriedad del sonido contrasta con la intensidad emocional que se percibe en cada nota.



La decisión de Barlage de trabajar en solitario le permite explorar con mayor libertad. “Endless Nothing” refleja esa búsqueda, mostrando un estilo que no depende de adornos excesivos, sino de la capacidad de generar sensaciones con elementos mínimos. Es un tema que se aleja de lo grandilocuente y apuesta por la construcción de un ambiente que se siente íntimo y al mismo tiempo inquietante.

Al escuchar “Endless Nothing”, se percibe un diálogo entre lo crudo del rock y lo etéreo del shoegaze. No es una canción que busque deslumbrar con complejidad, sino que se apoya en su sencillez para conectar con el oyente. En esa mezcla de oscuridad y encanto, Curt Barlage reafirma su regreso a las raíces, ofreciendo una propuesta que se abre paso en la escena independiente con un carácter propio.


LA NUEVA OLA 2025 #125 | Envy Marshall, Cosmic Madness y Michael Brincat

LA NUEVA OLA 2025 #125 | Envy Marshall, Cosmic Madness y Michael Brincat

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Envy Marshall – P.T.A | Australia

La primera propuesta llega con Envy Marshall y su tema P.T.A, una canción que se despliega con una vibra explosiva y marcada por influencias rock. La voz de la artista sostiene con firmeza cada instante, logrando que el tema se mantenga intenso y memorable. La pieza transmite energía y carácter, mostrando un estilo que se siente directo y sin concesiones

Detrás de Envy Marshall encontramos una historia singular, la de una ex luchadora profesional que decidió transformar su fuerza en música. Su presencia en el escenario refleja esa misma intensidad, ahora canalizada en un proyecto musical que apuesta por el rock crudo y contundente. Con esta propuesta, la artista abre un camino que combina actitud y creatividad en partes iguales


Cosmic Madness – Thunderstorm | España

La segunda parada nos lleva a Cosmic Madness con Thunderstorm, una canción que inicia con calma y poco a poco se transforma en un rock más fuerte. El tema incorpora matices de shoegaze que le dan un aire áspero, aunque la voz del artista suaviza esa dureza y aporta personalidad. La pieza se convierte en un viaje que alterna entre lo introspectivo y lo energético

El proyecto Cosmic Madness surge de la experiencia de Mateo, artista nacido en España y radicado en Barcelona. Tras un periodo de reflexión marcado por su trabajo en un bar de rock y un desengaño personal, encontró en la música una forma de terapia. Su propuesta busca difuminar las fronteras entre emoción y filosofía, creando canciones que transmiten tanto vulnerabilidad como fuerza


Michael Brincat – HIDING FROM THE SUN | Estados Unidos

Finalmente aparece Michael Brincat con HIDING FROM THE SUN, una canción que refleja un rock puro y directo, con la guitarra eléctrica brillando en todo momento. La atmósfera que genera es intensa y cruda, logrando que el oyente se sumerja en un espacio cargado de energía. Su estilo apuesta por la simplicidad, dejando que la fuerza instrumental sea protagonista

Como cantautor, Michael Brincat se ha caracterizado por una amplia versatilidad vocal y una capacidad de composición que cruza géneros como pop, country, folk y metal. Su enfoque creativo parte de la idea de que menos es más, buscando siempre el gancho vocal que conecte de inmediato. Actualmente trabaja en el lanzamiento de un nuevo álbum previsto para 2026, reafirmando su interés en seguir colaborando y expandiendo su propuesta musical


En conclusión, Envy Marshall, Cosmic Madness y Michael Brincat nos muestran tres caminos distintos dentro de la música emergente. Cada uno aporta un estilo propio que merece ser escuchado, desde la energía explosiva del rock hasta la introspección y la crudeza instrumental. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un espacio en tu playlist, porque descubrir nuevas propuestas siempre abre horizontes en la experiencia musical.


“Sorry Not Sorry”: el lado más ligero de the dt’s

“Sorry Not Sorry”: el lado más ligero de the dt’s

El dúo the dt’s ha sabido moverse con soltura entre géneros, desde el rock hasta el blues y el power pop, sin perder una identidad que se construye desde la colaboración y la experimentación. Su música nace en estudios caseros, pero no se queda ahí: en vivo, despliegan una energía que transforma cada canción. Con influencias modernas y guiños vintage, su enfoque pop se sostiene en armonías bien trabajadas y una clara voluntad de explorar.

En ese contexto aparece “Sorry Not Sorry”, una canción que se aleja de la urgencia punk de temas como Cherry y apuesta por un ritmo tranquilo. Las influencias rock están presentes, pero se diluyen en un sonido más ameno y ligero, capaz de conectar con distintos públicos. Es una pieza que no busca sobresaltar, sino acompañar, y lo hace con una naturalidad que se agradece.



La trayectoria de the dt’s ha sido constante desde su EP debut You With Me en 2022, seguido por los sencillos Refresh y All In My Head. Su presentación en el Bowery Ballroom y su participación en el WAWY Showcase consolidaron su presencia en la escena independiente. En 2025, abrir para actos como Supersonic y Penelope Road confirma que su propuesta sigue ganando terreno.

“Sorry Not Sorry” se suma a ese recorrido como una muestra de versatilidad. No pretende reinventar el sonido del dúo, pero sí ofrece una faceta más accesible, donde la calma y la melodía se imponen sobre la intensidad. En ese equilibrio entre lo clásico y lo contemporáneo, the dt’s siguen construyendo un catálogo que se adapta sin perder coherencia.