Año: 2025

La Nueva Ola!

Bienvenido a la Nueva Ola #393 | Némula, aftercare, Aren Springer

By Oleada Indie / enero 13, 2025

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.

Némula – Sideral | Panama

Némula es el proyecto musical del artista panameño Gianfranco Alessandria, que fusiona electrónica, rock y pop para crear un sonido psicodélico y futurista, influenciado por las décadas de los setentas y ochentas. Desde su debut como solista en 2019, con el sencillo Pluga, ha logrado una conexión profunda con la escena alternativa de Panamá y Latinoamérica. Su música, caracterizada por sintetizadores y una exploración emocional, en su sencillo Sideral, Némula presenta una narrativa de amor eterno en un escenario de inminente catástrofe, mezclando sonidos expansivos con letras introspectivas que invitan a reflexionar sobre las relaciones y el deseo de trascendencia.

aftercare – Memories | Australia

Aftercare es una banda originaria de Melbourne/Naarm que fusiona estilos musicales como el boogie, el jazz y la música alternativa. Con una propuesta sonora experimental, la banda mezcla géneros de manera emocionalmente rica. Su primer EP, Time Under Tension, fue grabado en Rolling Stock Recording Rooms durante la primera mitad de 2024. Uno de los sencillos más destacados de este trabajo es Memories, una canción que captura la esencia emocional y dinámica de la banda.

Aren Springer – 500 Miles to Wichita | Estados Unidos

Aren Springer es un artista que fusiona el folk y la música americana de una manera cautivadora. Con armonías ricas y letras personales, su música transmite una sensación cálida y nostálgica, transportando a su audiencia a tiempos más simples.

Indie Pop

Gandharva ilumina el indie pop actual con su gran propuesta “Apaga La Luz”

By Rafael Méndez / enero 13, 2025

Cuando una canción logra mezclar de manera natural ritmos poderosos y ganchos cautivadores, es imposible que pase desapercibida. “Apaga La Luz”, el más reciente lanzamiento de Gandharva, no es la excepción. Con influencias claras del indie pop y ligeros toques de soul, esta pieza destaca por un dinamismo que fluye con naturalidad, guiado por una voz que aporta una personalidad que le da mucha personalidad a la canción.

Gandharva, el seudónimo de Gastón Astorquiza, tiene una historia musical rica que se remonta a su liderazgo en la banda chilena Fruto Prohibido, donde compartió escena con figuras como Federico Faure y Felipe Cadenasso. Durante ese tiempo, canciones como “Taxi” y “Adiós” lo posicionaron como un referente en la escena del rock alternativo chileno.

La música de Gandharva ha evolucionado a lo largo de los años, moviéndose entre el folk alternativo, el blues y el rock’n’roll, pero siempre manteniendo temáticas profundas y reflexivas. Canciones como “Kaminando” y “En Tus Sueños” reflejan ese toque filosófico y romántico que caracteriza su estilo, mientras que “Nube” y “Pronto Paraíso” muestran su habilidad para fusionar géneros con una naturalidad sorprendente. “Apaga La Luz” se siente como una progresión lógica en su carrera, donde el indie pop se encuentra con la calidez del soul para crear algo fresco, pero al mismo tiempo familiar.

Es imposible hablar de “Apaga La Luz” sin destacar el impacto emocional que genera. A través de una interpretación vocal fuerte y expresiva, Gandharva crea un ambiente donde cada palabra resuena con sinceridad, logrando conectar con su audiencia.

En la actualidad, Gandharva reside en Puerto Vallarta, México, donde continúa trabajando en su próximo material. Su capacidad para adaptarse y experimentar con diferentes sonidos, combinada con su profunda conexión con la música, promete que futuros lanzamientos seguirán sorprendiendo y cautivando a quienes buscan una propuesta única. Si “Apaga La Luz” es un indicio de lo que está por venir, es seguro que Gandharva continuará consolidándose como una de las voces más interesantes y dinámicas de la escena alternativa actual.

Dream Pop/Indie Pop/Nuevas Voces Femeninas/Nuevos Sonidos

Recuerdos y Riffs: ‘Those Were the Days’ de Elisabeth Pixley-Fink

By Oleada Indie / enero 13, 2025

Elisabeth Pixley-Fink es una de las voces más intrigantes dentro de la escena de Michigan. Con una carrera que abarca desde las suaves melodías folk hasta el enérgico rock de garage, su música captura la esencia de la vulnerabilidad humana, la nostalgia y el caos emocional, todo mientras se mantiene fiel a un sonido visceral y auténtico.

Desde sus inicios, Pixley-Fink mezcla con el folk y el punk. Su estilo ha sido comparado con el de artistas como Liz Phair, quien también supo canalizar esa energía cruda y emocional que caracteriza al movimiento riot grrrl. Sin embargo, Elisabeth logra mantener una identidad propia, que va más allá de la rebeldía juvenil para adentrarse en temas de introspección y autodescubrimiento.

Uno de los sencillos más destacados de su carrera, “Those Were the Days”, es un claro ejemplo de su capacidad para fusionar lo melódico con lo visceral. Con un inicio lleno de retroalimentación y un riff de guitarra envolvente, la canción nos lleva por un recorrido lleno de intensidad emocional, desde la euforia de la juventud hasta las cicatrices de un amor perdido. La producción, que incluye elementos de guitarras distorsionadas y una batería sólida, crea una atmósfera única que captura la esencia de esa época en la que todo parece posible.

Elisabeth, en sus propias palabras, describe la canción como “un himno indie-rock crudo y lleno de angustia, que captura la intensidad desenfrenada del deseo juvenil, la emoción de la aventura y el dolor de la decepción juvenil”. A través de sus letras, la canción invita al oyente a reflexionar sobre la naturaleza efímera del tiempo y la belleza dolorosa de los recuerdos.

La colaboración con el productor John Hanson en Detroit añadió un toque contemporáneo, con la incorporación de sintetizadores y guitarras auxiliares que enriquecieron el sonido sin perder la esencia punk y garagera que caracteriza a Pixley-Fink. Este equilibrio entre lo crudo y lo pulido refleja a la perfección la dualidad de la canción, que ofrece momentos de introspección y de liberación emocional.

“Those Were the Days” es el tercer sencillo de su próximo álbum Heartsink, que promete continuar explorando temas de crecimiento personal, relaciones complicadas y las emociones que nos definen a lo largo de nuestra vida. Con una base de indie rock, pero con capas de texturas que van desde lo suave y melódico hasta lo más crudo y eléctrico, Pixley-Fink está creando un álbum que no solo hará que el público baile, sino que también los haga pensar y sentir profundamente.

Indie Pop/Nuevas Voces Femeninas/Synth Pop

“Patterns In The Sky”: La Canción que Marca el Renacer de Rebecca Helen

By Oleada Indie / enero 13, 2025

Rebecca Helen es una cantante y compositora originaria de Ciudad del Cabo, Sudáfrica, hija de una familia de músicos, creció inmersa en un entorno lleno de influencias musicales, lo que la llevó a desarrollar una pasión por la música desde una edad temprana.

Desde los 7 años, Rebecca mostró su habilidad vocal participando en concursos de canto, donde comenzó a ganar premios y a forjar su carrera en el mundo de la música. A lo largo de los años, Rebecca ha sido parte de varias bandas, incluyendo 3Dimensions, formada junto a sus hermanas Vanessa y Stephanie.

En 2019, Rebecca Helen dio el gran paso hacia su carrera como artista en solitario. Su primer álbum Musical Life, un trabajo POP/Dance, fue producido y coescrito junto al productor australiano Mick Evans (quien ha trabajado con Trevor Horn), Rebeka Rain y Duncan Mackay, músico de 10CC.

Uno de sus sencillos más recientes, “Patterns In The Sky”, coescrito y producido junto al músico y productor nominado al SAMA, Sasha Righini, combina influencias retro con un toque fresco y contemporáneo, lo que la convierte en una muestra perfecta de la versatilidad musical de Rebecca.

En una entrevista reciente, habló sobre cómo sus canciones son una manera de abrazar su vulnerabilidad y compartir su visión del mundo con su audiencia global. Su deseo de viajar y colaborar con otros artistas y productores refleja una ambición por expandir su música y seguir aprendiendo de otras culturas musicales.

Dreamy/Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Rock/Nuevos Sonidos/Rock/Shoegaze

Outsider: La Búsqueda Personal de Naya mö

By Oleada Indie / enero 13, 2025

Naya mö es una artista originaria de la campiña francesa, específicamente de Burdeos, que ha ido forjando su propio camino dentro de la escena alternativa. Después de haber abierto el concierto de The 1975 en octubre de 2023, naya ha lanzando música bajo el nombre de naya mö en junio de 2024. Desde entonces, ha cautivado a los oyentes con su inconfundible voz etérea con temas como “haunting me”, “lost minds” y “before the darkness comes again”, producidos por Remi Aguilella, miembro de Daughter.

En sus últimas canciones, naya ha explorado una dirección más cruda y audaz, influenciada por el shoegaze y el alt-pop de los años 90, así como el indie rock de los 00s. Esta transformación se consolidó cuando viajó a Baltimore para colaborar con el productor y artista Bartees Strange. Al combinar influencias de grandes íconos del alt-rock como PJ Harvey, Mogwai y Slowdive, junto a artistas contemporáneos como Fontaines D.C., Blondshell y Snail Mail, naya mö ha logrado forjar una voz única, poderosa y profundamente emocional.

Con “outsider”, naya mö se adentra aún más en sonidos potentes y expansivos, presentando un himno shoegaze indie que rápidamente se conecta con las emociones del oyente. “Outsider” refleja el sentimiento de estar perdido, de no encajar en el mundo que nos rodea. La letra explora la oscuridad de esa sensación, pero también ofrece un giro hacia la rebeldía y la determinación para desafiar lo establecido. Tal como comenta naya sobre el tema:

“Es sobre esa sensación de estar perdido, como si estuvieras tratando de encontrar tu lugar pero nada hace clic. Es oscuro, pero termina con una sensación de desafío contra el statu quo. Una determinación de hacer que las cosas cambien sacudiendo el orden.”

El 21 de febrero de 2025, naya mö lanzará su primer EP titulado dealing with ghosts, una obra de cinco canciones que profundiza en los temas de la memoria, la identidad y las emociones que nos persiguen, tanto las positivas como las negativas. Como ella misma describe:

“El EP trata sobre los fantasmas que habitan mi mente y mi cuerpo. Buenos y malos, oscuros y luminosos, amor y miedo. Las sombras de recuerdos, ideas, arrepentimientos, personas que permanecen en mi cabeza. Escribí canciones sobre ellos y las empapé en distorsión, reverb y fuzz.”

Bedroom Pop/Dreamy/Indie Pop/Nuevos Sonidos

Lucas Player: Un regreso sincero con “More Than You”

By Oleada Indie / enero 13, 2025

Desde Nueva York, Lucas Player se presenta nuevamente ante el público con “More Than You”, una canción que marca su regreso después de varios años de silencio. A los 15 años, bajo el seudónimo de Kibishi, Player empezó a construir su camino en la música. Sin embargo, en medio de su ascenso, decidió retirarse, alejándose del foco mediático para reencontrarse con su arte y su identidad.

Ahora, a los 21 años, regresa con una propuesta musical que refleja el tiempo transcurrido y las emociones acumuladas. “More Than You” es un tema que muestra a un artista que se atreve a exponer su vulnerabilidad a través de una producción íntima y minimalista. La mezcla de una estética lo-fi y una interpretación vocal etérea ofrece un espacio sonoro envolvente que acompaña la carga confesional de sus letras.

Lucas Player, con este primer lanzamiento tras años de introspección, parece estar dispuesto a abrir un nuevo capítulo en su carrera. Su capacidad para transmitir emociones complejas sin adornos excesivos lo posiciona como una voz singular en la música alternativa actual. “More Than You” promete ser el punto de partida para una etapa llena de exploración y honestidad artística.

La Nueva Ola!

Bienvenido a la Nueva Ola #392 | Headphone Hair, Nik Nova y Lucas Valiante

By Rafael Méndez / enero 9, 2025

Headphone Hair – So Into You | Estados Unidos

El primero en nuestra lista es Headphone Hair, quien nos presenta la vibrante “So Into You”, una canción que captura lo mejor del pop contemporáneo. Con un ritmo divertido y lleno de energía, la canción se despliega como un tapiz sonoro donde los ganchos melódicos juegan un papel protagónico. Este proyecto, encabezado por un productor y compositor de Oakland, California, se especializa en combinar letras introspectivas con un paisaje sonoro pegajoso que invita a la reflexión. Con su enfoque en los enredos emocionales y los recuerdos persistentes, Headphone Hair logra que cada nota resuene profundamente en el oyente.

En su esencia, “So Into You” es una exploración de las conexiones humanas, las complicaciones de las emociones y el arrepentimiento. A través de su sonido moderno, esta propuesta independiente no solo atrae por su producción bien cuidada, sino por su capacidad para conectar con quienes buscan algo más en el pop, una reflexión envuelta en melodías que no puedes sacar de tu cabeza. Headphone Hair logra lo que muchos intentan: ser profundo sin dejar de ser accesible.

Nik Nova – Breach The Wall | Alemania

Siguiendo con nuestra selección, Nik Nova nos transporta al universo del rock clásico con su tema “Breach The Wall”. Esta canción, con su ritmo lento pero penetrante, es una oda a la edad dorada del rock’n’roll. La guitarra es el corazón palpitante de esta pieza, atrapándote desde el primer acorde y llevándote por un viaje que evoca la nostalgia de los días más gloriosos de Hollywood. Nik Nova no solo mira al pasado, sino que también desafía al presente con una declaración rebelde: el espíritu del rock no puede ser apagado.

“Breach The Wall” tiene una fuerza interna que radica en su sencillez y autenticidad. Con una interpretación vocal que desprende personalidad y un mensaje de resistencia, Nik Nova crea una pieza que es tanto un tributo como un grito de guerra. Para quienes anhelan esa energía pura y sin filtros que define al rock, este tema se convierte en un himno para recordar.

Lucas Valiante – Sane Fear the Insane | Estados Unidos

Finalmente, cerramos con el prometedor Lucas Valiante y su propuesta fresca y moderna, “Sane Fear the Insane”. Este tema es un viaje lleno de sintetizadores que, junto a la voz del artista, te envuelven en un ritmo dinámico y cautivador. Lucas Valiante utiliza la música como su terapia, una forma de expresión cruda y sin filtro que logra transmitir emociones auténticas en cada nota. Su estilo pop moderno se destaca por su capacidad para capturar tanto el caos como la belleza en una sola canción.

“Sane Fear the Insane” es la representación de un artista en movimiento constante, buscando la perfección a través de la imperfección. Con un sonido caótico y distorsionado, pero siempre atrapante, Lucas Valiante crea una propuesta que no solo atrapa por sus sintetizadores y ritmo, sino por su autenticidad. Este es un nombre que, sin duda, seguirá dando que hablar en la escena indie.

Estos tres artistas emergentes están redefiniendo los límites de la música independiente, cada uno a su manera. Si buscas algo fresco, dinámico y auténtico, no puedes dejar de escuchar sus últimas canciones.

Indie Rock/Rock

“New York” de Moon Soda: Una explosión de energía indie rock

By Rafael Méndez / enero 7, 2025

La banda Moon Soda ha logrado capturar en su nuevo sencillo, “New York”, una mezcla envolvente de crudeza y dulzura. Con un sonido que combina la energía del rock y sutiles toques melódicos, la canción mantiene su esencia indie con un ritmo dinámico que nunca deja de sentirse fresco.

Originarios de Nueva Orleans, Moon Soda ha estado creando su propio camino desde su formación en 2020 en Thibodaux, Luisiana. Con un enfoque experimental, han sabido fusionar la herencia del rock clásico de los 70, el R&B tradicional y lo alternativo moderno, resultando en un sonido único que se aleja de lo convencional. La banda está compuesta por Thibby, Celina Brown, Quinn Lapeyrouse, Benjamin Adams y Connor Brochon, un grupo que logra una sinergia perfecta entre armonías exuberantes y una densa muralla de sonido.

En “New York”, el quinteto sigue mostrando esa habilidad para transformar influencias diversas en algo novedoso. Las voces armonizan con una base instrumental que, a momentos, se siente explosiva, mientras que en otros se inclina hacia lo más sutil y melódico, creando un contraste que mantiene al oyente enganchado. La crudeza del rock está presente, pero con una suavidad que se cuela entre los acordes, haciendo que la canción sea tanto poderosa como accesible.

Lo que realmente destaca de Moon Soda es su capacidad para fusionar géneros sin perder la cohesión en su sonido. Desde los tonos retro que evocan la nostalgia de décadas pasadas hasta las influencias más contemporáneas, la banda logra mantener un equilibrio que los distingue en la escena actual. “New York” es prueba de esta habilidad, siendo un tema que captura la energía vibrante de la ciudad que le da nombre, pero con una frescura que hace que suene original.

Indie Pop/Pop

Jorge Lindan: Un eco emocional en “Al Atardecer”

By Rafael Méndez / enero 7, 2025

La música siempre ha tenido la capacidad de capturar emociones, y en su más reciente sencillo, “Al Atardecer”, el cantautor mexicano Jorge Lindan nos demuestra cómo las melodías pueden convertirse en el lenguaje del alma. Esta canción es una balada suave, con influencias de pop clásico y algunos tintes indie, que logra atrapar al oyente en una atmósfera de calma. La interpretación vocal de Jorge es cálida y cautivadora, transmitiendo una buena profundidad emocional.

Jorge Lindan, nacido en la Ciudad de México y criado en Querétaro, ha pasado años perfeccionando su estilo, fusionando géneros como el Latin Pop, Indie Folk y Soft Rock. Su capacidad para combinar lo nostálgico con lo moderno, creando una sensación de familiaridad y novedad a la vez, es lo que ha permitido que “Al Atardecer” conecte con audiencias en más de diez países. La calidad introspectiva de sus letras, unida a una melodía relajada, hace que esta canción sea perfecta para aquellos momentos en los que el oyente busca desconectar y sumergirse en sus propios pensamientos.

La carrera de Jorge Lindan ha sido un viaje continuo hacia la internacionalización de su música. Aunque comenzó a tocar la guitarra y a cantar desde muy joven, su talento ha cruzado fronteras, presentándose en países como Francia, Italia, Estados Unidos y Nueva Zelanda, entre otros. Esta mezcla de culturas y escenarios ha enriquecido su propuesta artística, haciendo que su música no solo se quede en lo local, sino que resuene con públicos diversos, que encuentran en sus canciones un refugio emocional.

Con “Al Atardecer”, Lindan no solo nos presenta una canción, sino una experiencia auditiva que invita a la reflexión. Es una pieza que, aunque tiene un ritmo tranquilo y relajado, también posee una profundidad que cautiva desde la primera escucha. La emotividad de su voz, sumada a su instrumentación, crea una sensación de intimidad que es difícil de lograr en estos tiempos de producciones sobrecargadas.

La Nueva Ola!

Bienvenido a la Nueva Ola #391 | Burnout, Kevin Rumley, SIGNAL

By Oleada Indie / enero 5, 2025

Burnout – Rose | Venezuela

Burnout es una banda formada en Mérida, Venezuela, integrada por Vicente Montiel, Santiago Aguirre y Tobias Rojas. Con un estilo que fusiona math rock, shoegaze, pop y rock, su música explora las complejidades de la vida, desafiando percepciones y adentrándose en los matices entre el bien y el mal. Entre sus canciones destaca “Rose”, una pieza que combina elementos del indie rock alternativo y el jazz para retratar las emociones del amor no correspondido. Con letras emotivas e instrumentación sofisticada, Burnout invita a los oyentes a reflexionar sobre las emociones humanas desde una perspectiva profunda y única.

Kevin Rumley – Gone Away (feat. Julie Odell) | Estados Unidos

Kevin Rumley es un veterano de los Marines, músico, trabajador social y defensor de la recuperación, cuya vida está marcada por la resiliencia y la transformación. Sobrevivió a una experiencia cercana a la muerte en Irak hace 20 años, y luego venció la adicción al alcohol, los opioides y la heroína, celebrando 13 años de sobriedad. Rumley ha utilizado su propia historia como inspiración para ayudar a otros, fusionando su pasión por la música con su compromiso con la sanación. Su canción “Gone Away” refleja las luchas de su comunidad tras el huracán Helene, mientras que su obra más amplia, como las “VI canciones de sanación,” simboliza esperanza y redención, destacando el poder de la música para superar el trauma y conectar a las personas.

SIGNAL – You Must Win | Estados Unidos

SIGNAL es una banda indie originaria de Los Ángeles, formada por los baristas Audrey, Jared y Dylan, quienes compartieron su amor por la música mientras trabajaban en una cafetería. Su sonido se caracteriza por las emotivas letras y la potente voz de Audrey, combinadas con los distintivos y memorables riffs de guitarra de Jared. Desde su primer sencillo, “Talk to You”, han continuado explorando nuevas formas de expresar su pasión y diversidad musical. SIGNAL se define por su autenticidad y su deseo de crear música genuina que resuene con sus oyentes.